José Carlos Martínez firma la versión de “El Corsario” del Ballet Nacional de la Ópera de Eslovenia. Foto: Patricio Valverde.

Diez minutos de aplausos cerraron la segunda actuación de “El Corsario”, ofrecida por el Ballet Nacional de la Ópera de Eslovenia en el Auditorio y Centro de Congresos Víctor Villegas de Murcia. Para obtener tan meritoria ovación, la formación eslovena se decantó por la versión del clásico firmada por José Carlos Martínez, otrora estrella del Ballet de la Ópera de París y anterior director de la Compañía Nacional de Danza. Desde su salida de la CND, el artista cartagenero se ha volcado en su faceta de coreógrafo, y ha cosechado un grandísimo éxito con su lectura de “El Corsario”, cuyo estreno realizó el Teatro dell’Opera di Roma el 1 de marzo de 2020 y se alzó con el premio Danza & Danza como mejor producción clásica del año en Italia. Debido a la pandemia, el estreno por el Ballet Nacional de la Ópera de Eslovenia en Ljubljana se fue retrasado hasta el 22 de septiembre de 2020 y es con esa producción con la cual la compañía dirigida por Renato Zanella ha realizado un par de actuaciones en España, visitando el Festival Internacional de Música y Danza de Granada y gracias a la iniciativa privada de Arena-Vicenta Hellín, ha ofrecido dos actuaciones en el auditorio principal de la Región de Murcia, de donde procede el propio Martínez.

La clave del éxito de “El Corsario” de José Carlos Martínez radica en la simplificación y reordenación del confuso argumento del libreto original escrito por Jules-Henri Vernoy de Saint-Georges e inspirado en el poema “The Corsair” de Lord Byron, de cuya coreografía fue responsable Joseph Mazilier, mientras que la música la firmó Adolphe Adam. Estrenada en la Ópera de París el 23 de junio de 1856, la obra es un cuento de piratas con aventuras, acción e incluso una historia de amor. El ballet se incluyó en el repertorio internacional gracias a las cuatro versiones que realizó Marius Petipa para el Ballet Imperial Ruso y ése es precisamente el punto de partida de Martínez. Entre sus novedades, elimina el personaje del esclavo Alí con la intención de reforzar el protagonismo de Conrad, de manera que el grand pas es interpretado conjuntamente por Medora y el jefe de los corsarios.

“El Jardín Encantado” de “El Corsario” con el Ballet Nacional de la Ópera de Eslovenia. Foto: Patricio Valverde.

La versión de José Carlos Martínez cuenta con todos los fragmentos icónicos del ballet y al condensar la obra en dos actos y cuatro escenas, se reduce considerablemente la duración de la misma, lo que hace que el espectáculo sea más dinámico y mantenga entretenido al público entre la lucha de espadas en el mercado de esclavas, la traición en la cueva de los piratas o el naufragio del barco pirata. El contrapunto es el cuadro de ballet blanco –más bien rosa por los bellos tutús diseñados por Iñaki Cobos- en el que convierte el coreógrafo la escena del ‘Jardín Encantado’ del Pachá.

Siendo una compañía de tamaño medio, el Ballet Nacional de la Ópera de Eslovenia realiza un trabajo muy solvente a la hora de ejecutar le lectura de Martínez.  En los roles protagonistas estuvieron una bonita Nina Noč en la piel de Medora y un bravo Kenta Yamamoto como Conrad, quien, en ocasiones, estuvo en el filo de la navaja arriesgando demasiado para mostrar ese virtuosismo que los espectadores tanto demandam a “El Corsario”. El público murciano agradeció el arrojo de programar a una compañía internacional y más aún con coreografía del bailarín y coreógrafo más aclamado que ha dado esa tierra. Con una interminable ovación que aumentó al salir a los saludos José Carlos Martínez, el barco de “El Corsario” arribó a buen puerto en Murcia. Ahora prosigue su singladura y la próxima escala prevista es en la Ópera Nacional de Estonia.

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En diciembre de 2018, Ciro Mansilla interpretó el rol de Solor en “La Bayadera”, junto a la primera bailarina del Sttutgart Ballet, Hyo-Jung Kang. Foto: Boris Pekaski. Gentileza: Ciro Mansilla.

En las vísperas de la Pascua, en Alemania, llegó a su camarín, se vistió con su traje negro, pensó en el amor, en la pasión y en esa mujer que estaba esperándolo para morir en sus brazos. De golpe, ese joven que nació en Paraná, Entre Ríos, en el litoral de la Argentina, se había convertido en Armand Duval, el protagonista de “La dama de las camelias”, ese clásico indiscutible de John Neumeier, y uno de los títulos emblemáticos del Sttutgart Ballet.

Con sus 25 años a cuestas, y con apenas pocos meses en la compañía dirigida por Tamas Dietrich, el bailarín hizo su debut como Armando, rol que volverá a bailar el 27 de abril en el Opera House de Sttutgart. Durante este periplo en el que tuvo que sumergirse en una historia profunda y dolorosa, Mansilla estuvo acompañado no sólo por el coreógrafo, sino también por su musa inspiradora, la inolvidable Marcia Haydee y por Edgon Madssen, protagonista del primer Armand de esta versión.
Casi como un sueño, Mansilla se entregó en cuerpo y alma a esta ardua tarea de interpretar un personaje complejo, contradictorio, apasionado. También casi como en un sueño fue su llegada a esta compañía considerada una de las más importantes de Europa.

Apenas acababa de firmar contrato, lo eligieron como Solor en “La Bayadera”, y en apenas 32 días, lo nombraron solista. Hasta entonces, había hecho un largo recorrido: a los 8 años empezó a estudiar danza, en Paraná; a los 15 ganó una beca de la Asociación Arte y Cultura para estudiar con Cecilia Kerche. De allí, pasó por el Ballet de Iñaki Urlezaga, por el Ballet Metropolitano de Buenos Aires, y luego se fue al SODRE de Montevideo. Fue Don José, en “Carmen”, Conrad en “El Corsario”, y Stan Kowalsky en “Un tranvía llamado deseo”.

Ciro Mansilla acompañado por Marcia Haydée, la primera Violeta de “La dama de las camelias” de John Neumeier, y por Edgon Madssen, el primer Armando de la puesta. Foto gentileza Ciro Mansilla.

Danzahoy: ¿Cómo fue el salto de Uruguay a Europa?
Ciro Mansilla: Siempre soñé con Europa, con el Royal Ballet de Londres, y en un momento me llegó un email de la Opera de Munich diciendo que fuera a una audición porque necesitaban gente. Era una sola audición, un solo día, y justo coincidía con nuestra semana de vacaciones en el SODRE. Pero no tenía el dinero. No sabía si ir o no y a medida que fueron pasando los días fue creciendo la sensación de que “tenía que ir”. Finalmente, Juan Lavanga, de la Asociación Arte y Cultura, me pagó el pasaje, y allá fui. Pero cuando llegué, todo era un caos. No sabían que había llegado, y estaban todos de vacaciones. Me habían pedido que llevara música, y nunca me tomaron esa variación porque la mujer de Igor Zelensky, el director del ballet, nunca apareció. Después me dijeron que no estaban interesados.

D: ¿Y qué hiciste en un lugar donde no sabías el idioma y no conocías a nadie?

CM: Me sentí muy triste. Me había fallado la audición, estaba del otro lado del mundo, endeudado, perdido, solo… Me sentí insultado. Fue una desorganización tremenda. Y encima, Juan (Lavanga) me había dicho, en broma, por supuesto: “si no volvés con un contrato te mato”. Al otro día dije: “me vuelvo, pero antes voy a Sttutgart”. Al menos quería tomar clases en la compañía y volver con esa experiencia. Al segundo día de clases, el actual director fue a observarme por sugerencia de Marcia Haydée, y me propuso ser parte de la compañía. ¡Me quedé helado! En ese momento sentí que por alguna razón algo adentro de mí me había dicho que tenía que venir…

D: ¿También fue por intuición tu llegada a Buenos Aires, o lo tenías planeado?

CM: Mi maestra, Susana Gómez, se enteró de una audición en el teatro 3 de Febrero de Paraná organizada por la Asociación Arte y Cultura, y nos presentamos. Sólo iban a elegir dos chicos para los cursos de verano de Kerche en Buenos Aires y me becaron por todo el año. Siempre digo que mi formación en Buenos Aires fue en Arte y Cultura y en el Ballet Metropolitano con la gira a Rusia. Así fue como a los 14 años me fui solo a Buenos Aires porque mi mamá, que fue la que siempre nos mantuvo, tenía que seguir trabajando. Viví en una suerte de pensión internacional, y mi mamá me mandaba dinero para mantenerme.

John Neumeier en un ensayo con Ciro Mansilla en el Sttutgart Ballet. Foto gentileza Ciro Mansilla.

D: ¿Y cómo surgió tu interés por la danza desde tan chiquito, siendo varón y con todos los prejuicios que aún existen?

CM: Mi mamá es profesora de danzas orientales, pero nunca me incentivó a ser bailarín, si bien mi hermano y yo siempre bailábamos con mi mamá. Pero ella me llevaba a hacer deportes y yo me aburría mucho. En el club ciclista fue donde peor la pasé, a pesar de haber ganado premios. A ese club iba gente de mucho dinero y fue duro para mí porque era el pobre del grupo y me lo hacían sentir. Y los chicos son muy crueles con esas cosas.

D: Tal vez por envidia o recelo…

CM: Nunca pensé en la envidia, siempre me concentré a disfrutar de lo que hago. Y el tema del ballet fue casualidad. Había dejado de hacer gimnasia artística porque me cargaban, y un amigo de mamá dijo que era muy inquieto y le propuso que me entretuviera con danza clásica. Mi mamá pensó que iba a dejar a los dos meses, pero hice mi primera clase y me enamoré perdidamente de la danza. Recuerdo que salí de allí y le dije a mi mamá: “quiero hacer esto”.

D: ¿Y ahora qué dice tu mamá?

CM: Llora. Dice que le tengo que comprar tres entradas, la primera porque cuando entra se pone a llorar y no ve nada porque llora; la segunda porque cuando me ve llora, y la tercera, porque recién ahí puede ver el ballet tranquila y puede verme bailar. Estoy tratando de ahorrar para que venga.

D: ¿Cómo vas haciendo tu inserción en Alemania?

CM: Nunca pensé que iba a estar ahí. El idioma es muy difícil, pero por suerte tengo un buen manejo del inglés porque todo el mundo habla inglés aquí. También hay mucha gente que habla español, muchos italianos que hablan español, y tengo una amiga argentina acá. Estamos en una época de cambios en la compañía y hay muchos bailarines nuevos y jóvenes. Me siento muy cómodo acá, y si bien soy muy tímido, me gusta relacionarme con la gente. Hice varios amigos con los que nos reunimos a charlar y vamos a pasear. Al fin y al cabo, si bien cambia la cultura, todos somos seres humanos. Nunca senté cabeza en ningún lugar, ni siquiera donde nací. Siento que donde pueda bailar y hacer lo que amo, ese es mi lugar.

Escena del jardín animado en la puesta de “El Corsario” que presentó el Mariinsky Ballet en la capital de los Estados Unidos. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El corsario Conrad, su esclavo Alíy su amigoBirbantonaufragan en su barco pirata que se dirige rumbo a Turquía. Al llegar a tierra firme, se dirigen hacia al gran mercado donde se reúnen compradores, comerciantes, y también traficantes de bellas esclavas. Conrad descubre a Medora, una joven griega vendida al Pachá junto con su amiga Gulnara, y ambos se enamoran. El pirata logra robar a la esclava y se la lleva a su guarida. A partir de allí, comienza una historia de heroísmo, amor apasionado, violencia y traiciones, que convierten a esta trama en una historia de aventuras.

Del 9 al 14 de abril el Mariinsky Ballet llevó al Kennedy Center de Washington DC, su versión de 1987 de “El Corsario”, un clásico indiscutible, basado en el poema romántico de Lord Byronpublicado en 1814 sobre el amor de un pirata por una esclava, que se estrenó por primera vez en Londres en 1837, con coreografía de François Albert y música de Nicholas Bochsa. Luego tuvo su primera aparición en París en 1856, en versión de Joseph Mazilier,con música de Adolphe Adam, y llegó a Rusia de la mano de Jules Perrot yMarius Petipaen 1863. Sin embargo, una nueva coreografía se instaló en el Mariinsky Ballet en 1899 con música de Riccardo Drigo y coreografía, también de Petipa.

Philip Stepin, primer solista de la compañía rusa, cubrió el papel del esclavo Alí. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El director artístico del Mariinsky, Valery Sergiev, optó por mostrar en la noche de apertura, a una solista que se está posicionando con una de las grandes promesas de la compañía, Maria Khoreva. Y para la segunda noche, el protagónico estuvo a cargo de la primera bailarina Ekaterina Kondaurova, como Medora, y la segunda solista May Nagahisa, en el rol de Gulnara. Kondaurova, una bailarina de técnica impecable, plantada en su eje, y con un delicado y al mismo tiempo, definido port de bras, encarnó a una Medora impecable, si bien estuvieron ausentes las sutilezas, la seducción, el encanto y la pasión.

Andrei Yermakov, como Conrad, mostró un personaje brillante, potente en sus giros, exuberante en sus saltos, preciso y ajustado, con una interesante musicalidad y un fraseo sutil. Philip Stepin cubrió el papel del esclavo Alí con gran destreza técnica. Por momentos, Stepin deslizó cierta gestualidad y desplazamientos que traían a la memoria la deslumbrante versión de Alí que hace más de 20 años supo interpretar el inolvidable Faruk Ruzimatov. Nagahisa, como Gulnara, mostró una deliciosa musicalidad y refinamiento en sus brazos, aunque no se advirtió un gran compromiso actoral.

La puesta, cargada de oropeles y brillos, tiene hallazgos atractivos, aunque no deja de ser un cuento de piratas. En tanto, el cuerpo de baile logra ensamblar con corrección las danzas de carácter con variaciones clásicas donde se lucen, especialmente las bailarinas.

El brasileño Victor Caixeta, solista de la compañía, cubrió el rol del mercader de esclavas. Un bailarín que promete, con buenos saltos, musicalidad y porte, si bien tuvo ciertas imprecisiones en los cierres. El grupo de tres odaliscas, Nadezhda Gonchar, Yana Selina y Valeria Martynyuk, hizo un trabajo ajustado en las variaciones del primer acto.

Bellas imágenes, romanticismo y colorido en la escena del jardín animado, una de las más reconocidas y famosas de esta obra, que subyuga y deslumbra tanto desde lo coreográfico como desde lo estético, donde Medora se incorpora al grupo, en uno de los pasajes más logrados de esta puesta. Y como es de esperar, un final feliz: Medora escapa en un espectacular barco pirata con Conrad, Alí y Gulnara, y ambas esclavas quedan libres.

Ekaterina Kondaurova, como Medora, y Andrei Yermakov, en el rol de Conrad, el pirata, en “El Corsario”, verisón del Mariinsky Ballet. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

Alejandro Parente, primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, el día de su retiro, el miércoles 8 de agosto, rodeado de aplausos, ovaciones y afecto. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Alejandro Parente, primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, se despidió de los escenarios, rodeado de aplausos, ovaciones y afecto de parte del público, de sus compañeros y de su familia. Dueño de un carisma y una técnica única, deslumbró por última vez al público que asistió de al Teatro Colón para verlo en su interpretación del rol protagónico de “La viuda alegre”, junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez y la compañía del Ballet Estable que dirige Paloma Herrera.

Un libro realizado por los compañeros del Ballet Estable del Teatro Colón recorre la trayectoria de Alejandro Parente. Foto: Juan José Bruzza. Gentileza Prensa Teatro Colón.

El miércoles 8 por la noche, en el cierre de esta serie de seis funciones de “La viuda alegre”, con coreografía de Ronald Hydn y reposición de Steven John Woodgate, desde la platea hasta el paraíso del Teatro Colón el público se conmocionó con cada salida del primer bailarín, quien culminó una prolífera carrera luego de 30 años de trayectoria.

Al término de la función, en medio del cariño de todos sus compañeros que lo rodearon en el escenario, y ante una sala colmada de un público que lo ovacionó de pie, Parente se despidió bajo una lluvia de pétalos que luego dio paso a la entrega de cinco significativos ramos de flores. El primero de ellos se lo entregaron sus hijas, Azul y Luna; el segundo, por la Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz; el tercero, de las manos de su partenaire en la danza y en la vida, Marianela Núñez, el cuarto fue el del director general artístico y de producción, Enrique Arturo Diemecke, y el último ramo fue entregado por la ex bailarina y actual directora del Ballet Estable, Paloma Herrera.

Detrás de escenario lo aguardaban autoridades del Teatro Colón, sus compañeros del Ballet Estable, personal escenotécnico, amigos y familiares. Fue allí, dónde la bailarina y compañera de ruta, Maricel Di Mitri, le entregó como obsequio un libro de 164 páginas realizado por todos sus compañeros, en donde recopilaron toda la trayectoria de Parente en fotografías, testimonios y dedicatorias. La emoción no tardó en llegar, y ante el bailarín, visiblemente conmovido, Di Mitri, le dedicó parte de las palabras que aparecen en el prólogo del libro: “Las imágenes y recuerdos de este libro, son apenas una parte de su historia, la hemos recopilado quienes compartimos muchas risas y lágrimas, sueños encantados, luces y sombras de nuestra profesión… Lo hemos visto crecer y brillar y nos hemos sorprendido juntos con el olvido de nosotros mismos… Durante muchos años vibró conmovido en el escenario que amó y transformó en su hogar, como en un cuento fantástico, por siempre jamás…”

El abrazo de la ex bailarina y actual directora del Ballet Estable, Paloma Herrera. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Por su parte, Parente expresó: “Le agradezco al teatro, que para mí fue siempre un ser vivo que respira nuestro arte. Brindo por este teatro, por cada uno de los trabajadores y artistas que lo componen, que siga la luz, que siga brillando la danza, la música, la ópera, la poesía y el pensamiento fantástico para poder recrear cada una de las obras”.

El brindis en el Salón Dorado del Teatro fue parte de este rito de despedida al que asistió toda la compañía para acompañar al bailarín que hoy, forma parte de la historia reciente del Teatro Colón, y que a su vez, fue uno de los discípulos del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Estudió con los maestros Rosmarie Achard, Wasil Tupin, Enrique Lommi y en especial, bajo la tutela de la maestra Rada Eichenbaum. A los dieciséis años ingresó como bailarín de la compañía del Ballet Estable del Teatro Colón, y desde entonces ha bailado un extenso repertorio, asumiendo los roles protagónicos en obras como “Giselle”, “Sylvia”, “Oneguin”, “Coppelia”, “La bayadera”, y otros clásicos como “El Cascanueces”, “La fille mal gardée”, “Romeo y Julieta”, “Raymonda”, “Paquita”, “El Corsario”, “La bella durmiente” o “Don Quijote”. También incursionó en obras del repertorio neoclásico como “Adagietto”, “Estaciones porteñas”, “Who cares” y “Sinfonía en Do”, entre otras.

En la reapertura del Teatro Colón, en 2008, interpretó junto a Silvina Perillo, otra de las grandes figuras de este Teatro, el tercer acto de “El lago de los cisnes”. Y ese mismo año obtuvo el Premio “María Ruanova” por su brillante trayectoria artística.

En el rol protagónico de “La viuda alegre”, Alejandro Parente bailó junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, se presenta con “El Corsario” en el Teatro Colón junto al Ballet Estable. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza HC.

Estaba en su casa, en Nueva York, cuando recibió el llamado de Paloma Herrera, su antigua compañera del American Ballet Theatre (ABT) con quien compartió escenarios durante casi 15 años. En ese preciso momento se mezclaron sentimientos, recuerdos, deseos, ilusiones, sueños… Era volver a Buenos Aires, al Teatro Colón, donde se había formado desde niño. Era hacer “El Corsario”, una obra que había hecho infinidad de veces con el ABT y que, sin dudarlo, se convertía en una ventana para mostrar lo que mejor puede hacer: bailar.

Herman Cornejo, ese niño que se deslumbró con la danza desde que tenía 8 años cuando vio por primera vez a Maximiliano Guerra haciendo “Espartaco”, regresa por segunda vez al Teatro Colón, para interpretar el protagónico en este clásico ballet inspirado en el poema de Lord Bayron que narra una historia de amor, de aventuras, de piratas…

Esta producción, con música de Adolphe Adam, Riccardo Drigo y Leo Delibes, realizada en 2013 en el Teatro Colón con coreografía de Anne-Marie Holmes, y reposición de Julio Bocca, estrena el domingo 8 de abril con Cornejo, María Kochetkova, principal del San Francisco Ballet, y Daniil Simkin, también del ABT.

Herman Cornejo, en “El espectro de la rosa”, con el ABT, la compañía de sus sueños. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Considerado el Nijinsky del siglo XXI por la crítica de los Estados Unidos y del mundo, Cornejo, fue primer bailarín de la compañía de Julio Bocca cuando tenía 14 años, y fue el mismo Bocca quien pidió una excepción en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú, para que este adolescente, que no cumplía con la edad mínima requerida, probara su suerte ante un riguroso tribunal. Y se llevó la medalla de oro, la misma que había ganado Bocca a los 19 años. En 2014 recibió el premio Benois de la Danza, el Oscar de los bailarines, y hoy, es el único primer bailarín hispano que queda en el ABT luego del gran boom de la década anterior, cuando comenzaba el nuevo siglo. Y en 2019, celebrará sus 20 años con la compañía en la que forjó su carrera de bailarín internacional.

Danzahoy: ¿Qué significa volver al Colón?

Herman Cornejo: Haber hecho el ISA (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) hace sentir que el teatro es tu casa, y realmente, es como volver a casa. Me gustaría estar más seguido en la Argentina y trabajar más en el Colón en estos próximos cinco años, que son los más importantes de mi carrera. El llamado de Paloma (Herrera) fue una gran emoción. Imagino que su idea, desde que ella asumió la dirección, es seguir trayendo a los argentinos que estamos en el exterior; hacer que vuelvan a casa. Es decir, lo que ella hizo como bailarina, lo está haciendo ahora con nosotros. Y sin duda, bailar en el teatro es muy especial.

D: ¿Cómo es mirar hacia atrás después de todos estos años, de tantos viajes, de tanta experiencia acumulada?

HC: Es emocionante. Especialmente cuando se empieza tan joven, como fue mi caso, porque en esa etapa uno es una máquina que mira solo hacia adelante. Y después de un tiempo, cuando uno vuelve la mirada hacia atrás, recién toma conciencia de lo que hizo. Cuando Julio (Bocca) fundó el Ballet Argentino -esa compañía para jóvenes de la que formé parte-, se abrieron muchas puertas para los bailarines. Desde entonces hasta hoy, a veces me pregunto: ¿me está pasando a mí?

D: Nueva York-Argentina, ¿cómo son los sentimientos de pertenecer a dos lugares?

HC: Cuando vine a Nueva York no fue con la intención era hacer carrera en Nueva York, sino porque era el ABT. Y cuando regreso a casa, en la Argentina, me siento como un turista. Es una sensación linda, porque es volver con más libertad.

HC: La idea surgió en cierta forma, por Julio. Conocí el ABT porque Julio bailaba allí, y después fue Paloma. De alguna manera fue como seguir los pasos de Julio. Él fue un ejemplo para todos los argentinos. Lo cual no significó, ni significa, copiar lo que él hizo, sino que él fue un modelo por el respeto al trabajo, a lo que representa y es esta carrera. Tanto Julio como Maximiliano Guerra, impusieron su nombre en el mundo de la danza a nivel internacional y nos representaron a través del arte casi a un mismo plano que nos reconocen por el deporte. Ellos dos lograron romper esa barrera, y también hicieron que la danza no fuera algo perteneciente a una elite en la Argentina.

Los hermanos Erica y Herman Cornejo en “Diana y Acteón”. Hace 20 años viajaron a Nueva York y se integraron al ABT Foto: Arnaldo Colombaroli. Archivo Danzahoy. Gentileza TC.

D: ¿De qué manera te insertaste en Nueva York?HC: La suerte fue estar con mi hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y a los dos nos pasó este “sueño americano”. Y el apoyo familiar fue fundamental. Mi madre viajó con nosotros los primeros tres meses y se encargó de que estuviéramos bien ubicados, y además, quiso comprobar que realmente estábamos seguros de que era eso lo que queríamos. Mi padre se ocupó de que pudiéramos hacerlo. Y si bien es cierto que el talento te lleva a estos niveles tan altos, también es cierto que además de talento hay que tener dos dedos de frente y mantener el respeto por la profesión. Todos los días de mi vida tomo clases como si fuera un principiante, es mi trabajo. Además, no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York, tengo ese arrastre de la vida campesina. Nací en San Luis y me crié en Buenos Aires, y esa vida familiar con mis padres ayudó. Soy más casero, me gusta ir al cine, no me gusta ir de fiesta…

D: ¿Y cómo empezaste a relacionarte con la ciudad y su gente?

HC: Era muy tímido con todo y con todos. Y mi timidez me llevó a no hablar inglés por dos años. Por otra parte, en aquella época en el ABT había como veinte hispanos en la compañía, por lo tanto, no necesitaba hablar mucho inglés. Ahora, me empiezo a olvidar palabras en castellano. En realidad, he pasado 20 años en los Estados Unidos y 16 en la Argentina, y me hice ciudadano estadounidense porque sentí que tenía que honrar al país que me había dado todo en mi carrera.

D: ¿Cómo habría sido tu carrera si hubieras vivido en la Argentina?

HC: Volver a lo de los padres es cómodo, al menos por un tiempo. Cuando vuelvo al Colon, me miman, y luego regreso a mi casa de todos los días en Nueva York, al lugar que construí con mi carrera, desde que entré como aprendiz. Ahora, con Paloma, subió un poco más el número de espectáculos. Con el ABT hacemos cerca de 100 funciones al año, mientras en el Colon hacen entre 20 y 40. Eso me impulsó a irme. En mi época era casi imposible pensar en una carrera como bailarín en la Argentina, especialmente por problemas de contratación. Partir fue casi obligatorio, y era muy común en nuestra generación. No te podías quedar a depender de un contrato.

D: ¿Alguna vez pensaste dejar el ABT por otra compañía o para convertirte en bailarín independiente?

HC: Mi sueño fue llegar al ABT y cuando lo conseguí fue decir: “este es mi sueño”. Trabajar como bailarín invitado es bueno, pero me gusta sentirme parte de una compañía estable. Creo que Kevin McKenzie -director artístico del ABT- maneja el grupo de una manera en la que la gente se siente como en una familia. Si bien puede haber cosas complejas, todo se maneja desde un lugar muy humano. Poder trabajar y hablar con el director en un mismo nivel es importante porque se asemeja a la relación que uno tiene con su propia familia.

Arraigado a las costumbres, Herman Cornejo no se despega de su mate en ningún lugar del mundo. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza HC.

D: Después de los rusos y de los hispanos que fueron estrellas en las últimas décadas en los Estados Unidos, ¿quiénes son los que predominan ahora?

HC: Creo que son olas de generaciones diferentes. Ahora la compañía está llena de asiáticos, algo que también se puede ver en las competiciones. La danza rusa es la cuna de la danza y siempre que veas a un ruso de alto nivel vas a ver un buen show. El hispano no es tan estudiado como el ruso y en cierta forma la explosión de un hispano tapa un poco el espectáculo de los rusos porque se mezcla lo humano y lo técnico. No sé si es culpa de los concursos, pero ahora es todo muy técnico y la expresividad queda de lado. El hispano, en cambio, reúne la técnica y el conocimiento de varias escuelas. Por ejemplo, en el ISA se estudian casi todas las escuelas, lo cual nos hace más abiertos para interpretar la danza desde otro nivel. Y tal vez porque en Sudamérica no hay muchas facilidades para estudiar seriamente, los hispanos valoramos más las oportunidades que se nos brindan. En Nueva York hay estudios impresionantes de primer nivel, en cambio en nuestros países, hacer danza es una pasión. No vamos a clase por que sí, sino porque tenemos ganas de ir y de ensayar. Por eso, el permanecer como estable, me hace sentir que sigo manteniendo esa antorcha encendida. Esa antorcha que también en cierta forma me pasó Julio cuando hizo su último “Don Quijote” en su despedida Japón. Al día siguiente hice mi primer protagónico en “Don Quijote” porque un bailarín se había lesionado. Entonces sentí que Julio me estaba asando la antorcha. Así que, hasta que no venga otro argentino, no me retiro…

“El Corsario” en escena

Programa

Coreografía: Anne-Marie Holmes

Reposición Coreográfica: Julio Bocca

Asistente Reposición Coreográfica: Lorena Fernández

Música: Adolph Adam, Riccardo Drigo, Leo Delibes

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Directora: Paloma Herrera

Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

Directora: Tara Simoncic

Parejas protagónicas

Función del 8 y 10 de abril:

María Kochetkova – Herman Cornejo

Función del 13 y 15 de abril:

Nadia Muzyca – Federico Fernández

Función del 12 y 14 de abril:

Macarena Giménez – Juan Pablo Ledo

La Compañía Hervé Kombi hace su debut en Sevilla, España, con la obra “Ce que le jour doit à la nuit” para 13 bailarines. Foto gentileza Festival Internacional de Danza de Itálica.

El coreógrafo Hervé Koubi, condecorado como Caballero de las Letras y las Artes de Francia en 2015, actuará por primera vez en España el 7 y el 8 de julio, en el marco del Festival Internacional de Danza de Itálica, que comenzó el 30 de junio y termina el 15 de julio. El Teatro Romano acogerá su espectáculo “Ce que le jour doit à la nuit”, que la directora artística del festival, Victoria Guzmán, ha definido como “una grata sorpresa, sobre todo por la sinergia que se produce entre el personaje de ficción y la figura del propio Koubi”. La obra, que en efecto tiene mucho de autobiográfica, narra la búsqueda de sus orígenes argelinos –los del protagonista/coreógrafo– desde su condición de ciudadano nacido francés, “con una gran sensibilidad”, según Guzmán, “como a través de una celosía que deja ver lo que va por dentro”.

El bailarín y director ha ahondado en el motor de este montaje, que resume como “una búsqueda de mi identidad, pero no una reivindicación”. Koubi contó cómo hasta los 25 años no descubrió que sus orígenes procedían del otro lado del Mediterráneo: “Mis padres me pusieron Hervé, que es un nombre más francés que François”, bromeó. Ese hallazgo se completaría, poco después, con el descubrimiento y la lectura del libro “Ce que le jour doit à la nuit (2008) de Yasmina Khadra, cuyo conflicto y héroe principal tienen muchos elementos en común con la propia historia de Koubi y de sus antepasados. “El paralelismo era brutal en cuanto a la Argelia que se describe y a ese joven protagonista de origen argelino pero criado a la francesa”, ha señalado el coreógrafo.

Hervé Kombi y Victoria Guzmán en rueda de prensa el 6 de julio en la Sede de la Diputación de Sevilla. Foto gentileza Festival Internacional de Danza de Itálica.

Desde que Koubi comenzó en 2009 el trabajo de investigación para poner en escena una obra de danza con ese mismo título, se han realizado unas 300 representaciones. Se trata de una pieza de danza contemporánea, estilo en el que este artista se ha formado, si bien ha contado para él con doce bailarines argelinos y uno de Burkina Faso, procedentes de la danza de calle y reclutados a través de las redes sociales: “Hemos dejado el hip-hop y la capoeira presentes solo en el vestuario, pero en su forma de bailar sí se notan los toques singulares y acróbatas de esas disciplinas”, expresó Koubi.

El coreógrafo francés se ha mostrado “muy feliz” de visitar Andalucía por primera vez de forma profesional, y destacó que se trata de “uno de los lugares del mundo que mejor narra la historia de los hombres mediterráneos”. Así, Koubi explicó que en su obra “hay siempre un cierto interés por mestizar las civilizaciones en la Historia”, a diferencia de una actualidad informativa que día a día “nos cuenta una ruptura de las civilizaciones a través de una visión demasiado dual y reduccionista de la realidad”. Con “Ce que le jour doit à la nuit”, prefiere enfocar su relación franco-argelina como “un viaje de ida y vuelta entre el día y la noche –como sugiere el título–, entre Oriente y Occidente, entre religiones y civilizaciones diversas pero vinculadas”, concluyó.

En este festival participan nueve compañías y los espectáculos se realizan en el Teatro Romano y el Monasterio de San Isidoro del Campo, con cuatro producciones propias del Festival.

Guzmán, delineó una programación multicultural, con variedad de enfoques, que va desde el flamenco,  hasta la danza clásica, así como también danza de vanguardia, con figuras y compañías que ya son clásicos contemporáneos. En esta edición, Itálica repite su programación de danza urbana. Mientras que las cuatro propuestas de Itálica, en el Monasterio de San Isidoro del Campo son arriesgadas e innovadoras y buscan dar visibilidad a proyectos que no tendrían cabida en escenarios más tradicionales. Así subirán a escena “Miserere”, de la compañía La Phármaco; “Offlimits”, de Laguilda Obscénica; “La maldición de los hombres Malboro”, de Excéntrica Producciones.

La danza clásica ocupa un lugar privilegiado en la programación de la edición de este año, con dos obras que pone en escena el Ballet Nacional de Letonia, “Giselle” y “El Corsario”. El flamenco, llega con la bailaora y coreógrafa, Patricia Guerrero, con un espectáculo, “Catedral”, considerado el mejor de la última Bienal de Flamenco de Sevilla, finalista de los premios Max de las Artes Escénicas.

Programación completa y entradas: www.festivalitalica.es

Les Ballets Trockadero de Monte Carlo abrió en el Kennedy Center con el segundo acto de “El lago de los cisnes”, una marca registrada de la troupe. Foto: Sascha Vaughan. Gentileza JFKC.

Una compañía de ballet clásico formada solo por hombres. Hombres que bailan en zapatillas de punta con tutús y tocados. Hombres que adoptan nombres rusos que podrían sonar familiares, aunque simplemente se parezcan o evoquen a las grandes divas del ballet de principios del siglo XX, cuando Sergei Diaghilev y Colonel Wasily de Basil lideraron las grandes troupes de ballet clásico. Con todo eso, hay un solo nombre: Les Ballets Trockadero de Monte Carlo.

La compañía, que se presentó en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC el 21 y 22 de marzo, en parte, hace homenaje con su nombre a aquel memorable ensamble que desde 1932 hasta 1952 creó el Colonel de Basil, llamado Ballets Russes de Monte Carlo. Aquí, las divas son los hombres que asumen roles femeninos con una asombrosa destreza y un especial sentido del humor que deja translucir la trastienda del ballet.

Desde su fundación en 1974 en Nueva York, los Trocks, como suele llamarse a este ensamble dirigido por Tory Dobrin, han logrado rescatar con humor y tono de parodia casi la mayoría de los clásicos. Dotados con un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas, estos hombres que han logrado combinar belleza, humor y perfección, transitan con naturalidad sus roles y dejan surgir su teatralidad a flor de piel, y con casi arrogante desenfado exageran las secuencias narrativas, los accidentes, y las incongruencias de las coreografías.

“Don Quijote”, con Chase Johnsey como Kitri y Paolo Cervellera en el rol de Basilio fueron los protagonistas de esta versión de los Trocks. Foto: Zoran Jelenic. Gentileza JFKC.

Ya en el programa de mano los Trocks comienzan a dar un panorama claro de lo que se puede esperar del show. Una descripción alucinante de las biografías de cada una de las integrantes, cuyos dramas personales ya son parte de la sátira, antes de comenzar a bailar. Y una voz en off que anuncia los cambios en el repertorio, anticipa al público que “todas las bailarinas están de buen humor hoy”, en referencia a los constantes cambios de ánimo que, según los mitos y estereotipos populares, suelen y solían tener las “prima ballerinas”.

El programa abrió con un clásico de los clásicos: el segundo acto de “El lago de los cisnes”. Cisnes con guantes blancos y en tutús románticos. Odette, magnífica Nadia Doumiafevya (Philip Martin-Nielson) y un Sigfrido, Boris Mudko (Giovanni Ravelo) que solo acompaña a la arrasadora Odette, quien termina escapando con Von Rothbart, Jaques d’Aniels (Joshua Thake). Von Rothbart mata a Sigfrido y Benno, Innkenti Smoktumuchsky (Carlos Hopuy) queda desconsolado en el medio del bosque.

Otro de los hits de los Trocks, que se repite a lo largo de los años, y que cada vez es diferente, es la estupenda caricatura de los “Cuatro cisnes” con sus movimientos de cabeza, sus discordancias, sobreactuaciones y hasta el refinado detalle que muestra la psicología estereotipada de las bailarinas que, aun en un cuadro de conjunto, tratan de sobresalir a toda costa. Fantástico.

Tras “Lago…”, en la segunda parte, se presentaron otros dos súper clásicos: el pas de deux de “El Corsario” y el pas de six de “La Esmeralda”. En el primero, hubo más perfección que parodia, si bien es una pieza que se presta para las exageraciones. Nina Enimenimynimova (Long Zu), como Medora, hizo un trabajo extraordinario con perfectos equilibrios y fouettes dobles que hicieron bramar al público. Y en Esmeralda, Nina Immobilashvilli (Alberto Pretto) y Jacques d’Aniels hicieron una graciosa parodia, rodeados de gitanas que adivinaban la suerte. Y aunque no figuraba en el programa de mano, esa segunda parte cerró con otra de las cartas de presentación de los Trocks, “La muerte del cisne”. Primero, un haz de luz busca infructuosamente a la gran “diva” que, finalmente aparece desparramando plumas por todos lados. Plumas que caen como una lluvia constante desde su tutú. Duane Gosa, bajo el nombre de Helen Highwaters hace un muy buen trabajo, quizás, demasiado perfecto y sobrio, tratándose de un clásico de esta naturaleza.

Para el final quedó “Don Quijote”, nada más ni nada menos. Una versión resumida y sintetizada con algunos cambios de personajes. El padre de Kitri, por ejemplo, se convierte en madre, y Don Quijote y Sancho Panza no aparecen. Esta Kitri (Chase Johnsey) de los Trocks encontró el encanto y la picardía para manejar la escena con habilidad y gracia, junto a un simpático Basilio (Paolo Cervellera). Kitri, Yakatarina Verbosovich, captó la escena con sus equilibrios perfectos, su dominio corporal, sus cuidados brazos, y sus deslumbrantes dobles fouettes. Un final a toda pompa.

Los Trocks, una compañía de hombres que bailan en punta y hacen una parodia del ballet y sus grandes estrellas. Foto: Zoran Jelenic. Gentileza JFKC.

La Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” acogió en agosto una constelación de 12 estrellas del ballet mundial. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En una noche, y por vez primera, el escenario de la prestigiosa Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” acoge tal constelación de 12 estrellas del ballet mundial –los festivales internacionales de ballet constituyen un referente obligado en esta urbe –, al tiempo que comparten con el público cubano un derroche de virtuosismo técnico y estilístico.

Fui uno de los pocos afortunados asistentes a la gala ofrecida el 20 de agosto, y pude constatar la demostración excepcional del buen hacer que justificaba con creces el apellido “Royalty”  de este espectáculo. Presenciamos la interpretaciones de aquellos bailarines y bailarinas a incluir en lo que pudiéramos llamar “la realeza del ballet” en el siglo XXI.

El programa presentado fue concebido en dos “actos”, por el primer bailarín (de origen cubano) en el Cincinatti Ballet, Rodrigo Almarales, igualmente director artístico y promotor principal del evento, en conjunto con su partenaire Christoher Lingner (del Improvedance), y el ballet master Christopher Stowell. Además de las tres piezas contemporáneas –una de ellas estreno mundial –, hizo desfilar los más emblemáticos “caballos de batalla” del gran repertorio clásico y romántico, habituales en las grandes galas internacionales.

Como preámbulo a lo que pudiera acontecer durante el vigésimo quinto Festival internacional de ballet de La Habana, siempre bajo la égida de la eximia Alicia Alonso, desde el 28 de octubre al 6 de septiembre próximos, los fanáticos insulares del ballet disfrutaron (las resonantes respuestas lo atestiguan), gozaron de las brillantes ejecuciones de esta docena de estrellas provenientes de los primeros rangos de importantes conjuntos de Rusia, Gran Bretaña, Ucrania, Canadá, Japón o los Estados Unidos de Norteamérica, poseedores de múltiples preseas doradas en sus currículos.

No desconocemos cuán costoso, financieramente, resulta lograr esta operación cultural de envergadura global, sostenida por la actitud filantrópica de una variedad de patrocinadores, junto con los aportes sustanciales de la empresa de Cincinatti IMPROVE DANCE, y sus contrapartes locales: el Consejo nacional de las artes escénicas y el propio Gran Teatro de la Habana. Aquí se incluye los gastos que implica la transmisión en directo por la Internet a 16 países, así como la grabación total de la gala, para que sea vista en redifusión por la audiencia nacional mediante los canales de la TV-cubana en su emisión semanal, Bravo. También, teniendo en cuenta la exigua cantidad de privilegiados dentro del coliseo, con aforo para 1,400 personas, se instaló una gran pantalla en la calle aledaña para ser visible la presentación a unas 300 personas bajo un cálido y estrellado cielo caribeño. Horas antes, un público invitado pudo asistir al ensayo general, entre ellos los fotógrafos de los medios de prensa acreditados.

En general, la producción fue “quasi” perfecta, salvo algunos pequeños detalles reprochables, ciertos percances en la música grabada ya que no siempre era HD, y la idea de bajar y subir una pantalla plateada con la proyección de unas breves intervenciones-en inglés- de los artistas que bailaban sucesivamente. Tal vez, debió situarse antes de la apertura del telón de boca, y no rompía la continuidad dramatúrgica de la gala. Deseo reproducir algunos párrafos de Almaguer, quien salió de Cuba a los 10 años junto a sus padres bailarines del BNC, que sirven de prólogo al lujoso programa de mano. Otro detalle incidental que podría afectar una entrega impecable: la mayoría de las parejas bailaron “ad hoc”, por vez primera bailaban juntos en público (y un público conocedor), y cada uno se deba el caso, conocer una versión diferente en las variaciones de la misma pieza. En tan pocos ensayos juntos, esto fue meritoriamente un “tour de force”.

La gala

Misa Kuranaga sorprendió con una notable interpretación del célebre solo de Fokine/Saint-Saens, “La muerte del cisne”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El desfile de célebres figuras lo abrió “La sílfide”(pas de deux), Bournonville/Schneitzhoeffer, interpretado por Misa Kuranaga con Rodrigo Almarales, dentro del refinamiento dictado por el estilo danés; luego, el archiconocido “Cisne negro”, Petipa/Tchaikovski, cargado de las pirotecnias soberbias de Iana Salenko y de Matthew Golding; el “Bells Pas de deux”, de Yuri Possokhov/Rachmaninoff (suite 2 para piano),mezcla de poesía, dinámica y ternura de movimientos en María Kochetkova y Carlo Di Lanno.

Un instante de gran estilismo y musicalidad resultó el pas de deux del tercer acto de “La bella durmiente”, por Semyon Chudin y Jurgita Dronina. Repitieron, más tarde, con la misma exquisitez y pasión romántica (sin histrionismos desbordados) en el pas de deux del segundo acto de “Giselle” ,Coralli/Perrot/Adam; Les Bourgeois, Cauwenbergh/Jacquel Brel, un solo deslumbrante de saltos y giros por el estelar Daniil Simkin; y De Lanno regresó para interpretar el estreno del solo “Painting Greys”, primera coreografía del joven bailarín del San Francisco Ballet, Myles Thatcher; y para cerrar la primera parte, llegó el pas de trois de “El corsario”, Petipa/Delibes, ejecutado con virtuosismo por Adiarys Almeida (estrella internacional de origen cubano) junto a los excelentes Golding y Michael Gatti.

La segunda parte comenzó, en busca de un crescendo en la temperatura de la sala, con la acrobática ejecución del pas de deux de “Las llamas d París”, donde Salenko tuvo como pareja a un carismático y atlético partenaire en un ahora robusto Ivan Vassiliev (recordamos brillante técnica y su esbeltez clásica hace 10 años, durante su primera visita a Cuba con Ossipova, en un Festival de Ballet). Misa Kuranaga retornó a escena, esta vez nos sorprendió gratamente con una notable interpretación del célebre solo de Fokine/Saint-Saens, “La muerte del cisne”, cercana si mi memoria no miente, al modelo poético acuñado por la icónica Dudinskaya. Los cubanos Almeida y Almarales unieron sus afinidades escolásticas y su dinámica latina, en una coreografía de este último denominada “Chor.No.2″, sobre música electrónica del grup HIFANA. La euforia del auditorio llegó a su clímax al finalizar la demostración de virtuosismo desplegada por los intérpretes del pas de deux del tercer acto de “Don Quijote”, los jóvenes María Kochetkova y Daniil Simkin. Finalmente, bajó el telón y un delirio sonoro irrumpió el silencio, ante el saludo de toda la “realeza”, después de una faena de alto vuelo.

El por qué de este show

Por Rodrigo Almarales, primer bailarín. Director artístico y general.

Mis más lejanos recuerdos de infancia están asociados a este teatro; cuando niño venía para ver bailar a mis padres. Esa fue la semilla en mi destino, cuyo proceso recorrió varios lugares hasta hacerme bailarín profesional.

Cuba y La Habana han sido lugares de referencia para la danza y el ballet mundiales y este teatro un templo sagrado para el arte. Esta pequeña isla ha entrado en el consenso universal del ballet.
He trabajado con figuras de alto rango en el ballet. He disfrutado al compartir la escena con ellos y al ver el deleite de los públicos en varios continentes.

¿Por qué no tributar a uno de mis más dulces recuerdos este placer de acoger en Cuba, a importantes artistas de la danza hoy en el mundo y que ellos reciban el aplauso de un público amable y conocido? (…) Estoy seguro de que el espectáculo y el amor que hemos puesto en él, hará felices a todos los espectadores; servirá para hacernos mejores personas y nos comprometerá más con la amistad que la danza puede hacer por los pueblos.

El Mariinsky Ballet regresa al Kennedy Center de DC con su versión de “El lago de los cisnes”. Foto: Natalia Razina. Gentileza JFKC.

Encargado por el Teatro Bolshoi en 1875, “El lago de los cisnes” se estrenó en 1877 con la versión coreográfica de Julius Reisinger y la música de Piotr Ilich Tchaikovski. Esta producción, signada por el poco éxito, y las disputas entre coreógrafo y compositor antes y durante la realización, fue la primera de la trilogía para ballet escrita por Tchaikovsky, que incluyó “La bella durmiente”, en 1892 y “Cascanueces”, en 1892.

Sin embargo, el 15 de enero de 1895 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo esta misma obra logró su primer gran éxito con una nueva coreografía a cargo de Marius Petipa y Lev Ivanov. Pierina Legnani como Odette/Odile, Pavel Gerdt en el rol del príncipe Sigfrido, Alexei Bulgakov como Von Rothbart y Alexander Oblakov en el papel de Benno, fueron los protagonistas de ese “El lago de los cisnes” que, desde entonces, se convirtió en un clásico indiscutible en la historia del ballet.

Desde el 28 de enero hasta el 2 de febrero el Mariinsky Ballet, dirigido por Valery Gergiev, regresa al Opera House del Kennedy Center for the Performing Arts de DC para presentar su clásica versión esta obra basada en la coreografía de Petipa-Ivanov, revisada en 1950 por Konstantin Sergeyev.

Los protagonistas de esta versión, que alternarán roles durante los días de función son: Alina Somova (ver video) y Vladimir Shklyarov (el 28 y el 31 de enero, y el 2 de febrero); Anastasia Kolegova y Maxim Zyuzin (el 29 de enero y el 1 de febrero), y Olga Esina y Timur Askerov (el 30 de enero y el 1 de febrero).

“El lago de los cisnes” se basa en una leyenda germánica, “Der geraubte Schleier” (El velo robado) de Johann Karl August Musäus, que cuenta cómo jóvenes doncellas son convertidas en cisnes por un mago malvado, Von Rothbard, y sólo el amor verdadero es capaz de romper ese hechizo. Este ballet en tres actos de tres horas de duración, describe el periplo del príncipe Sigfrido que intenta salvar a Odette, la reina de los cisnes. Sin embargo, Von Rothbard, engaña a Sigfrido y lo induce a que jure su amor a Odile, que adquiere los rasgos de Odette.

Este ballet, emblemático de la compañía rusa, se presentó el 6 de junio del año pasado en una versión en 3D para 200 cines de todo el mundo, transmitido directamente desde el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, en Rusia. Esta emisión se realizó para celebrar los 275 del estreno de “El lago…”

La compañía, conocida también como el Ballet Imperial hasta la llegada de la Revolución Rusa. A partir de entonces adquirió el nombre de Ballet Kirov, luego de la muerte su “protector”, Serguéi Kirov, un político bolchevique que murió asesinado en la era de la represión del año 30, y que logró preservar la compañía para convertirla en un estandarte cultural de la Unión Soviética. Tiempo después de la caída del comunismo en 1991, el ensamble adquirió su nombre original.

Fue para el Mariinsky que el gran Petipa escenificó la mayoría de sus obras, entre ellas, “Raymonda”, “Cascanueces”, “La Bayadera”, “Don Quijote” y “La bella durmiente”. Y para esa compañía revisó otras tantas como “Giselle”, “El lago de los cisnes”, “El Corsario”.

Inauguraron la temporada el 17 de octubre con la versión integral de “El Corsario”, que permanecerá en cartel hasta el 15 de febrero de 2014. Por lo tanto, el ENB se convertirá en la primera compañía, fuera de Rusia, que posea esta obra en su totalidad. La ha montado la canadiense Anne-Marie Holmes, después de sus similares experiencias con el ABT, el San Francisco Ballet, el Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y, en Uruguay, para el conjunto fundado por el afamado bailarín Julio Bocca.

El ENB siempre baila con la música en vivo dirigida por Gavin Sutherland, con gran experiencia dirigiendo ballet. Se calcula en más de 50 las funciones programadas. El ENB emplea una parte de los fondos asignados anualmente por el British Council para las Artes en llevar estos ballets por todas partes de Inglaterra, ya que el Royal Ballet es considerado el buque insignia para el exterior y Londres. “El Cascanueces” se lanza desde el 5 de noviembre hasta el 5 de enero. Tamara Rojo declaró, cuando asumió el cargo de directora, que: “esta obra se ha bailado por décadas y, en estas navidades, la volveremos a interpretar”.

Esta temporada el ENB contará con la participación de Akram Khan, inglés de origen pakistaní, con dos obras, quien aceptó trabajar con una compañía clásica, y prepara un programa en el cual una creación será estreno absoluto, y otra que ya ha bailado su propio conjunto.

También se presentará una obra de Russell Maliphant en teatros como el Royal Albert Hall, el London Coliseum y posteriormente, en el Barbican Centre, un nuevo espacio para el ENB, donde se presentarán  varios proyectos: un programa bautizado “Para no olvidar”, con varias obras contemporáneas del siglo XX; otro dedicado a los “Emerging Dancers”(en el Coliseum se presentará “El Corsario”), y una nueva creación de Liam Scarlett. Igualmente una versión de “El pájaro de fuego”, de George Williamson, coreógrafo residente del ENB.

Organizarán algunos programas benéficos, además, Tamara Rojo volverá a bailar con Carlos Acosta en “Romeo y Julieta”. También se repondrá la “Coppelia” montada por Ronald Hynd.

Finalmente, se repetirá el programa para niños “Mi primera vez…” en esta ocasión será “Mi primera vez con Coppelia”.

En 2014, el ENB saldrá al extranjero por primera vez, con una gira por España, en los teatros del Canal.