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Con pura fibra cubana

mgueler — Sun, 04 May 2025 22:33:53 +0000

Bailarines de Acosta Danza en “Paysage, soudain, la nuit”, de Pontus Lidberg en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Finalmente, y después de largos años de espera, Acosta Danza llegó a Washington DC, y lo hizo con todo su esplendor. Una compañía profesional de alto nivel. Bailarines incomparables. Una propuesta estética de enorme belleza e intensidad. Y, por sobre todo, una compañía con el alma y el corazón puestos en una Cuba abierta al mundo.

Del 1 al 3 de mayo, el Eisenhower Theater del Kennedy Center recibió por primera vez a Acosta Danza, la compañía fundada por el inolvidable bailarín cubano Carlos Acosta. El programa, “Cuban Eclectico” estuvo integrado por cinco obras que entrelazan lo clásico, lo contemporáneo y lo tradicional. El espectáculo puso en escena un retrato de identidad cultural con ese talento escénico que siempre caracterizó a los bailarines de la escuela cubana de danza.

El camino que transitó desde 2015 la compañía creada por Acosta, se asemeja, en cierta forma, al que delineó el Grupo Corpo, de Brasil, dirigido y fundado por los hermanos Paulo y Rodrigo Pederneiras en 1976. De esta forma, Acosta Danza se convierte en una de las pocas compañías de clásico-contemporáneo que deja trascender la impronta de sus raíces.

Desde una enorme falda azul, que por momentos parecía el mar, comenzaron a surgir los torsos desnudos de bailarines y bailarinas en una danza subyugante y misteriosa. “Sartori” (2018), la obra que abrió el programa, realizada por el coreógrafo cubano Raúl Reinoso, es una suerte de metáfora del despertar de la iluminación espiritual. Con música original de Pepe Gavilondo y Reinoso, la coreografía fusiona ballet clásico y danza contemporánea, con una fuerza grupal impactante. Aunque es una pieza centrada en la búsqueda interior, “Satori” se sostiene como una obra de conjunto donde la armonía del grupo amplifica su carga emocional y estética.

Del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui se presentó “Faun” con fragmentos de Claude Debusy y Nitin Sawhney. Foto: Toti Ferrer. Gentileza JFKC.

De la mano del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui siguió “Faun”, una obra que retoma fragmentos de “Preludio de la siesta de un fauno” de Claude Debussy e intercala, con deliciosa efectividad, texturas sonoras contemporáneas de Nitin Sawhney. Un dúo desconcertante que explora al máximo las posibilidades del cuerpo e indaga en la fusión de lo humano y lo animal, de lo masculino y lo femenino. Con un refinamiento exquisito, la obra es una especie de poema sensorial de la dualidad interna del ser humano. Interpretado magníficamente por Alejandro Silva y Patricia Torres.

“Paysage, soudain, la nuit” (2018), con coreografía de sueco Pontus Lidberg, fue sin duda el momento más logrado del programa. Enmarcada por una escenografía naturalista de Elizabet Cerviño, esta obra para 11 bailarines recupera un espíritu lúdicro rebosante y fluido. La música del incomparable Leo Brouwer con aires rumba cubana, se mezcla con la partitura de Stefan Levin, e impulsa una coreografía que celebra el encuentro, el deseo y la juventud. Cambios sutiles de dinámica entre solos, dúos y grupos, mantienen un ritmo interno que no decae y que, inevitablemente, contagia al espectador con la frescura y el disfrute de la danza.

“De Punta a Cabo” con coreografía de Alexis Fernández interpretada por Acosta Dance. Foto: Hugo Glendinning. Gentileza JFKC.

En contraste con esa explosión grupal, llegó “Impronta”, creada por la coreógrafa española María Rovira. Una joya minimalista. Y no solo eso. Ofelia Rodríguez, la única intérprete, mostró también la impronta de la escuela cubana de danza. Con una elasticidad asombrosa y esos brazos magníficos de los bailarines cubanos, en apenas siete minutos, logró una conexión visceral entre la modernidad y lo ancestral.

El programa cerró con “De Punta a Cabo”, de Alexis Fernández, una obra que resume la propuesta estética de Acosta Danza, ese mestizaje cultural a través del lenguaje coreográfico. Imágenes vivas del malecón, de ese magnífico mar de La Habana, de sus luces diurnas y nocturnas y esa nostalgia de la distancia. Todo eso, plasmado en un telón de fondo en movimiento del cual el espectador no se puede distanciar. En esta obra se funde el ballet clásico, la salsa, los pies descalzos, la técnica, la danza callejera, los ritmos populares, el idioma yoruba y los instrumentos tradicionales. Aquí está el espíritu de Cuba, su sensualidad, su versatilidad, su intensidad y su resiliencia.

“Cuban Eclectico” no es solo un espectáculo de danza, es una minuciosa radiografía de la riqueza, la complejidad y la evolución de la cultura cubana. Bajo la dirección de Carlos Acosta, la compañía ha logrado consolidar un lenguaje moderno y contemporáneo que no renuncia a sus raíces, sino que las reinventa y las amplifica en un diálogo con el mundo.

La presencia de Acosta Danza en el Kennedy Center marca un hito significativo. Lo que subió a escena fue mucho más que virtuosismo, fue identidad, emoción y belleza. La compañía logró ese milagro que pocas veces sucede cuando el público y los intérpretes conectan sus almas y dejan que el duende de la danza se apodere de todo.

“Sartori, obra de 2018, del coreógrafo cubano Raúl Reinoso, abrió el programa “Cuban Eclectico”. Foto: Enrique Soldevilla y Estudio 50. Gentileza JFKC.

Jonathan Larson frente al espejo

mgueler — Fri, 02 Feb 2024 18:15:15 +0000

Brandon Uranowitz y el elenco de “Tick, Tick… Boom!” en el Eisenhower Theater. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Nueva York, 1990. Una historia de película. Un aspirante a compositor, Jon. Fracasos. Decepciones. La duda permanente de haber tomado la decisión equivocada al optar por las artes escénicas. Las contradicciones. Y un triunfo que no alcanza a disfrutarse.

“Tick, Tick… Boom!”, esta suerte de “monólogo reflexivo”, semi-autobiográfico, puso en la escena del Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC fragmentos de la vida del compositor Jonathan Larson, conocido por el exuberante éxito de “Rent”, la superproducción de Broadway ganadora del Premio Pulitzer. Aunque Larson no vivió para disfrutar de su éxito. El compositor murió en 1996 por un problema cardíaco no diagnosticado, el día antes de que “Rent” se estrenara en Broadway.

Larson interpretó “Tick, Tick… Boom!” en el Off-off Broadway en los ’90, y luego, en 2001 ganó la taquilla del West End en Nueva York. Giras y numerosas producciones terminaron en 2021 con una adaptación cinematográfica de Netflix dirigida por Lin-Manuel Miranda y protagonizada por Andrew Garfield.

En esta reposición “a gran escala” que presenta el Kennedy Center, la dirección está a cargo de Neil Patrick Harris, ganador de un premio Tony de canto y baile, quien también interpretó a Jon, en una producción realizada en 2005 en Londres.
Harris convocó a un reparto excelente y talentoso que tiene como protagonista a Brandon Uranowitz, ganador de un Tony en 2023 por “Leopoldstadt”, quien compone un personaje absolutamente creíble con sus contradicciones y su apuro por demostrar su talento como si desde lo más profundo de su ser hubiera sabido su próximo final.

Sumergido en el barrio del SoHo neoyorquino, sin recursos y ya a punto de cumplir 30 años, Jon se interna en sus planteos existenciales acerca de su elección de vida. El recurso escénico de Harris pone las reflexiones de Jon en una pantalla dentro del escenario, como si el inconsciente le hablara a su propio dueño.

Denée Benton y Brandon Uranowitz en “Tick, Tick… Boom!”. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Junto a Uranowitz, Denée Benton como Susan, la novia de Jon y profesora de danza, y Grey Henson como Michael, su amigo de la infancia que optó por una empresa de estudios de mercado y dejó atrás sus aspiraciones como actor.

Sin duda, esta es una pieza de cámara, reflexiva, que quizás se aleja de la estructura de un musical tradicional. Cuenta una historia que podría ser esencialmente teatral, para tres personajes, pero la sucesión de canciones y su contenido, la proyectan de una manera diferente. Tal vez, difícil de encasillar en un género en particular.

Algunos temas conmovedores interpretados por Uranowitz o a dos voces con Henson son algunos de los aciertos de esta obra, de la que es necesario resaltar la calidad vocal de los tres intérpretes y, especialmente, la potencia de Benton en sus solos.

Los cuatro bailarines y cantantes que forman parte de esta producción y que cumplen diferentes roles, es otro de los aciertos de Harris. A ellos se suma la puesta de luces de Cory Patak y la coreografía, sencilla y apropiada de Paul McGill.

“Tick, Tick… Boom!”, permite revisar la vida de Larson desde una mirada más cercana a los conflictos humanos de todos los días. Permite a su vez, descubrir en uno mismo esas preguntas que a veces están prohibidas por el peso de la sociedad y la agobiante cotidianeidad.

Volver al origen

mgueler — Tue, 04 Apr 2023 13:13:42 +0000

Social Tango Project presenta su espectáculo el 8 de abril en el Eisenhower Theater como parte del festival River Run. Foto gentileza STP y JFKC.

Esta vez, el tango llega sin acrobacias ni pirotecnia. Tal como comenzó. Por primera vez en el Kennedy Center, Social Tango Project (STP) hará su debut el 8 de abril en el Eisenhower Theater como parte del festival River Run. Esta propuesta internacional, que comenzó el 22 de marzo y continuará hasta el 22 de abril, se centra en la importancia de los ríos en la vida de las comunidades y reúne una diversidad de expresiones artísticas que abarcan desde la danza y el teatro, hasta la fotografía y las instalaciones multimedia.

El tango, cuyos orígenes se centran en los márgenes del Río de la Plata es un invitado insoslayable. Como parte de esta presentación en el festival River Run de Washington DC, la compañía STP dictará dos talleres abiertos a todo público, el primero será el 7 de abril a las 8 pm en The Reach del Kennedy Center, y el domingo 9, dos workshops en La Cosecha, organizados por Tango Mercurio.

Creado en 2012 por una iniciativa de Ramón de Oliveira Cezar, un apasionado del tango, profesor de las facultades de Finanzas en Columbia y New York University, y por la bailarina Agustina Videla, Social Tango Project, tiene como misión esencial difundir el valor social del baile, y celebrar el tango a través de la danza, la música, el cine y la fotografía.

El proyecto se plasma en un espectáculo de danza-teatro con música en vivo que cuenta con la participación de bailarines amateurs. Se compone de música original, una muestra fotográfica, un cortometraje y una película de docu/ficción.

“Uno de los objetivos del espectáculo -comentó Videla, quien optó por el tango cuando tenía 16 años y no se desprendió de él desde entonces- es mostrar un tango más cercano a la gente, accesible a cualquier edad y a cualquier cuerpo. Un tango más al piso a nivel coreográfico, que permita que la gente termine la función sintiendo que es un baile que puede ser propio. Eso es lo fundamental. Eso es lo real, dado que el tango es una danza popular que no exige ningún entrenamiento previo, ni tener un cuerpo particular, ni una edad particular como para poder disfrutar de esa conexión con otro y con la música”.

Tal como en los orígenes, allá por la mitad del siglo XIX, los protagonistas del tango formaban parte de la comunidad rioplatense con su diversidad étnica y social, y esa mezcla inevitable de los migrantes de entonces. Desde la marginalidad más absoluta hasta los salones más famosos de París, el tango fue cambiando su condición a través del tiempo. Amado y denostado, entronizado y despreciado según los vaivenes de las modas, de la política y del entorno social.

Esta propuesta integradora de Social Tango Project reúne bailarines profesionales y amateurs. Foto gentileza STP.

Fue recién en 1996 cuando la Argentina declaró al tango como parte integrante de su patrimonio cultural. Y el 30 de septiembre de 2009, a petición de las ciudades de Buenos Aires y Montevideo, la UNESCO lo declaró Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Hoy, es la danza que identifica a la Argentina, si bien sus orígenes, en las márgenes del Río de la Plata, también involucran a Uruguay.

Esta propuesta integradora de STP surge, en parte, como una necesidad de volver a los orígenes. “Muchos de los bailarines están aburridos de los grandes shows -aseguró Videla-, de hacer siempre lo mismo, de buscar el mismo artificio de la danza acrobática, de la pose y de los gestos que, de alguna manera, están asociados al tango de escenario. Una sensualidad exacerbada y una imagen de la mujer y del hombre que está muy alejada de lo que ellos son”.

El equipo de tangueros que completa la propuesta busca equilibrar la relación entre los protagonistas, que son bailarines profesionales, y la verdadera esencia del tango, la que se vive en las milongas. Por eso, tanto en el video proyectado dentro de la obra, como las fotografías expuestas en el hall del teatro -materiales visuales de la fotógrafa Nora Lezano- muestran, ya no a bailarines con cuerpos perfectos, sino a personas de edades y profesiones distintas, con cuerpos diversos, que bailan tango, que viven esta danza como parte de su cotidianidad, como parte de su socialización más que como fenómeno artístico y escénico.

“Lo que más anhelamos -confesó Videla- es que este proyecto abra nuevas puertas para las personas que quieran compartir la danza y disfrutar de la danza en sus vidas”.

Programa:

El 7 de abril a las 8 pm
Milonga, clases y show
River Pavilion en The Reach
Evento interactivo de Social Tango Project con demostraciones de bailarines invitados e instrucción con música en vivo.

El 8 de abril a las 8pm
Show
Estreno en Estados Unidos. Show interactivo con participación de la audiencia.
https://www.kennedy-center.org/whats-on/explore-by-genre/international/2022-2023/riverrun-social-tango-project/

El 9 de abril a la 1pm
Workshops
Clases con el elenco de STP
En La Cosecha organizado por Tango Mercurio
Registrarse en: https://www.tangowmercurio.org/events

El cuentacuentos de Taiwán

mgueler — Sun, 23 Oct 2022 16:02:47 +0000

Cloud Gate Dance Theatre de Taiwán presentó en Washington DC “13 Tongues”, una obra que funde cultura tradicional con elementos contemporáneos. Foto: LIU Chen-hsiang. Gentileza JFKC.

Hubo una vez un cuentacuentos llamado 13 Tongues. Vivía en Wanhua, un barrio de Taipei, en Taiwán. El cuentacuentos transitaba las calles contando asombrosas historias, creaba mundos imaginarios y dejaba atónitos a los pasantes con sus múltiples voces que daban vida a una infinidad de personajes. Esta figura legendaria quedó grabada en la memoria del pueblo. Casi siete décadas después, CHENG Tsung-lung, actual director de Cloud Gate Dance Theatre de Taiwán, inspirado en los recuerdos de su madre, creó “13 Tongues”.

Del 20 al 22 de octubre la compañía trajo al Eisenhower Theater del Kennedy Center un homenaje cargado de reflexiones emocionales. En esta obra, los elementos de la tradición, el sonido de esas miles de voces que supo crear 13 Tongues, las canciones de la infancia y los ritos taoístas se funden en una síntesis simbólica que permite una diversidad de interpretaciones. Estrenada en 2016, esta es la primera producción de CHENG Tsung-lung en la compañía.

Cloud Gate Dance Theatre de Taiwán, fundada en 1973 por el coreógrafo LIN Hwai-min como la primera compañía de danza contemporánea en una comunidad de habla china, combina sus raíces en la mitología, el folclore y la estética con una visión moderna y contemporánea.

Cuando hace varios años Cloud Gate Dance Theatre llegó a Estados Unidos con su primera e inolvidable producción, “Songs of the Wanderers”, marcó un antes y un después y quedó registrada en la memoria. Allí, no sólo mostraron bailarines con una técnica y un manejo corporal preciso y elocuente, sino también una estética capaz de trascender la belleza imaginable. El agua, y los elementos de la naturaleza cobraban un peso filosófico que inducía a la “emoción” de las propias emociones.

A partir de la mitad de “13 Tongues”, obra que dura una hora y cinco minutos aparecen los colores resplandecientes de los trajes. Foto: LIU Chen-hsiang. Gentileza JFKC.

Esta vez, Cheng trae nuevamente a esos magníficos bailarines, trece, capaces de transitar por interminables equilibrios, movimientos relacionados con el Qi Gong, artes marciales, danza moderna y clásica, y hasta algunos guiños del Contact. Y al mismo tiempo, cantan, hablan, vociferan, gritan, y vuelven al silencio. Por momentos, los cuerpos generan el ritmo y el sonido seco del movimiento puro, subyugante. Proyecciones y música electroacústica generada por LIM Giong, se entrelazan con rituales religiosos del taoísmo, con canciones infantiles, con palabras y frases, que van recreando esos personajes y esas voces que el cuentacuentos 13 Tongues solía convocar en sus historias.

Pero no sólo el sonido y la propuesta multimedia acompañan esta estructura coreográfica grupal. Los solos, y esporádicos dúos cobran protagonismo en medio de ese grupo sincronizado que, sin esfuerzos, se integra y desintegra como la respiración. A su vez, la iluminación de SHEN Po-hung, es un elemento imprescindible de este todo compacto que es “13 Tongues”.

El ambiente es misterioso y oscuro insertado en un escenario ennegrecido se rompe con las proyecciones de colores brillantes que se funden con una coreografía dinámica y sorprendente desde la estructura. Los bailarines se mueven por este paisaje desolado y casi onírico como si estuvieran dentro del agua y nadaran sin resistencia.

Entre luces y sombras, el diseño del vestuario de LIN Bing-hao, gana protagonismo a partir de la mitad de esta obra de una hora y cinco minutos. Poco a poco los bailarines van adquiriendo los colores, muchos de ellos, en espejo con la magnificencia de un enorme pez Koi que se balancea y nada sobre una pantalla hasta meterse en la escena.

En medio de esta subyugante puesta, los bailarines forman un grupo impecablemente preciso y uniforme, y logran una variedad de climas, texturas y ritmos para transmitir una historia que merece ser contada.

“13 Tongues” es una propuesta multimedia que incorpora movimientos relacionados con el Qi Gong, las artes marciales con danza moderna y clásica. Foto: LIU Chen-hsiang. Gentileza JFKC.

A jugar con la imaginación

mgueler — Fri, 22 Jul 2022 23:12:34 +0000

Blue Man Group pasó a ser parte de la compañía Cirque du Soleil después de largos años en el off Broadway. Foto gentileza de Blue Man Group Production y JFKC.

Al entrar al escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center, un despliegue de luces, cables, estructuras de metal y pantallas deslumbran y despiertan un cierto misterio. Algo así como entrar a un laboratorio de experimentación o a un recinto propio de la ciencia ficción. Así comienza un viaje de 90 minutos en donde la música, el humor, la ternura, la candidez y la tecnología se dan la mano. Tres hombres con las cabezas pintadas de azul cobalto surgen en la escena y provocan una explosión de sonidos y colores a medida que la percusión va dominando la escena con un ritmo fascinante.

Blue Man Group, este ensamble itinerante gestado por tres amigos, Chris Wink, Phil Stanton y Matt Goldman, en 1991 tomó entidad propia en los teatros del off Broadway en Nueva York. El grupo, que en 2017 pasó a ser parte de la compañía Cirque du Soleil, juega con la sorpresa y con cierto suspenso. Ha encontrado, sin duda, el lenguaje que hoy predomina como elemento familiar. La actuación sin palabras, las imágenes, el juego, son parte de este show que también apela a la participación del público.

Casi como niños que hacen una travesura en la casa de mamá, estos hombres azules desparraman galones de pintura luminosa de colores en una desopilante combinación visual y sonora. Por momentos, bajan a la platea, escogen un par de espectadores para que suban a escena y jueguen con ellos, y de esa forma van transitando distintas etapas y circunstancias que se convierten en una observación de las conductas humanas.

Explosión de colores, sorpresa y un poco de suspenso forman parte del espectáculo de Blue Man Group. Foto: Evan Zimmerman. Gentileza: JFKC.

Blue Man Group alienta al público a reconectarse con el niño interior y ofrece una perspectiva diferente. Más de 35 millones de personas en todo el mundo han experimentado este fenómeno de Blue Man Group que apunta a todas las edades en un espectáculo que se actualiza continuamente. Con nueva música, diferentes secuencias, instrumentos musicales no convencionales y personalizados, y tecnología van tejiendo y destejiendo historias breves.

Lo que sí queda claro en este deambular por diferentes episodios y situaciones es que los integrantes del grupo logran manejar episodios diferentes con absoluta destreza. Aquí convergen sus habilidades como actores, bailarines, músicos, mimos y comediantes. La música en vivo interpretada tanto por el grupo como por una banda en el escenario y el aporte de la tecnología que, en ciertas ocasiones se utiliza sólo como soporte escenográfico, logran un impacto visual atractivo. De la misma manera que los videos que surgen en forma simultánea a la interacción con el público. Cada uno de estos elementos crean una atmósfera, por momentos, mágica.

Blue Man Group, propone una experiencia sensorial, quizás ajenas a las reglas convencionales del teatro tradicional.

El hechizo vuelve a escena

mgueler — Fri, 11 Feb 2022 18:31:06 +0000

Cuerpo de baile y Eun Won Lee y Gian Carlo Pérez (Ctr.), en “Lago de los cisnes” estrenada en el Eisenhower Theater del Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Recuperar la danza después del devastador impacto de la pandemia de COVID-19 es una empresa titánica. Más aún si se trata de subir a escena una obra tan monumental y con tanta demanda como “Lago de los cisnes”. Pero The Washington Ballet (TWB) arremetió con ese desafío y lanzó sus primeras funciones, después de dos años de silencio, con este clásico que requiere de una disciplina férrea, una sutileza artística que casi trasciende lo terrenal, y una preparación técnica impecable.

Bajo la dirección, puesta en escena y coreografía de su directora, Julie Kent y de Victor Barbee, director artístico asociado, esta producción se caracteriza por un minucioso cuidado y prolijidad. Basados en la coreografía tradicional de Marius Petipa y Lev Ivanov de esta obra que recuperó el Teatro Mariinsky en 1895, Kent y Barbee pusieron un toque propio que dio como resultado una puesta de calidad.

La potente y majestuosa música de Piotr I. Tchaikovsky construye el resto: la magia, donde la luna se funde con la noche y el malvado hechicero von Rothbart mantiene encantada a Odette y al resto de las princesas para que se conviertan en cisne blancos durante el día y se transformen durante la noche.

Kent ha logrado uniformidad en los actos blancos en los que la sincronización en las filas de cisnes se ajusta de manera deslumbrante, más allá de la estrecha dimensión del escenario. El despliegue de cisnes entrando a escena como una sucesión interminable es absolutamente conmovedor. Y la magnífica coordinación del pas de quatre interpretado por Victoria Arrea, Jessy Dick, Lucy Nevin y Alexa Tores mostró el acertado trabajo tanto de los bailarines como de los preparadores.

Eun Won Lee como Odile y Gian Carlo Pérez en el rol del príncipe Sigfrido en el tercer acto de “Lago de los cisnes” de TWB. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

El Eisenhower Theatre del Kennedy Center, por momentos, quedó apretado para una coreografía que, generalmente, se presenta en espacios más amplios. Pero nada de esto afectó el nivel de la danza, el compromiso de los bailarines y la belleza de una puesta en la que la escenografía y el vestuario, préstamo de Ballet West, formaron parte de un todo compacto y sin fisuras.

Eun Won Lee como Odette/Odile y Gian Carlo Pérez como el príncipe Sigfrido compusieron una buena dupla. Ambos bailarines poseen un alto nivel técnico. Pérez, desbordante de pasión, intenso y conmovedor, dejó ver su sólida formación en la escuela cubana de ballet. Con magníficos saltos, una línea majestuosa y una gran musicalidad, Pérez delineó un Sigfrido para recordar. Lee, por su parte, se destacó por sus extensiones, sus equilibrios y sus magníficos fouettés cuando debió encarar a Odile, el cisne negro del tercer acto.

Pero esta producción no sólo tuvo dos protagonistas. El cuerpo de baile, en cada uno de los cuatro actos de esta poética y apasionada historia supo contarla a través de un relato íntimo y conmovedor. Ashley Murphy-Wilson mostró su musicalidad y precisión en el pas de trois del primer acto junto con Ayano Kimura y Ariel Martínez. Por otra parte, los intérpretes de las danzas de carácter del tercer acto no sólo pusieron un toque vital y fresco, sino que también mostraron precisión y buena técnica.

A esta puesta se sumó un detalle primordial: la Orquesta de TWB en vivo, dirigida de manera excelente por Charles Barker.

Es cierto que la pandemia dejó sus marcas. Pero no caben dudas de que se trata de un “volver a empezar”.

Bailarinas de TWB en “Lago de los cisnes”, ballet que se presenta hasta el domingo en el Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

El regreso postergado desde 2020

mgueler — Mon, 31 Jan 2022 01:08:05 +0000

Bailarines de The Washington Ballet, Adelaide Clauss y Gian Carlo Perez protagonizan “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Presentar ‘Lago de los cisnes’, el icónico ballet que posiblemente sea la columna vertebral de este arte es un momento muy emocionante para The Washington Ballet (TWB) -dijo Julie Kent, directora de la compañía-. Esta producción es el siguiente paso, lógico, en la construcción del repertorio. Todos los ballets románticos que hemos presentado en los últimos años como “Giselle”, “Les Sylphides”, “La Bella Durmiente”, han preparado a nuestros bailarines para este preciso momento”.

El Washington Ballet estrenará la esperada puesta de “Lago de los cisnes”, del 9 al 13 de febrero en el Eisenhower Theater del John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC. Una producción cuyo estreno en 2020 se postergó por el comienzo de la pandemia del Covid-19, cuyas restricciones aun siguen afectando el mundo de las artes escénicas.

Con puesta en escena y coreografía de Kent y Victor Barbee, director artístico asociado, la producción marca el regreso triunfal de la compañía al escenario del Kennedy Center. Con la poderosa partitura de Piotr I. Tchaikovsky, la trágica historia de amor de la etérea princesa cisne Odette y el príncipe Sigfrido promete magia, intriga, melancolía y suspenso.

Con coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov, Kent y Barbee adaptaron este clásico, basándose en sus años de experiencia y en las notaciones de Vladimir Stepanov. Así como también, en una meticulosa investigación que contó con la asistencia de la becaria en residencia de TWB, Natalie Rouland. Completan esta puesta un vestuario y un diseño escénico especial, que cuenta con orquesta en vivo dirigida por el director Charles Barker.

La compañía dirigida por Julie Kent incorpora a su repertorio una nueva versión de “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Cuando nos encerramos hace dos años, ninguno de nosotros podía predecir lo que seguiría: la incertidumbre existencial, la pérdida de oportunidades, la pérdida de la unión que es la esencia de la actuación en vivo. Pero TWB se comprometió a seguir adelante, juntos y, a menudo, de manera innovadora. Ahora estamos al borde de marcar un hito artístico importante: nuestro propio ‘Lago de los cisnes’”, reflexionó la directora artística.

George Balanchine y Francis Mason en “101 Stories of the Great Ballets” describieron la trama desde un punto de vista sutil y particular. “La heroína de ‘Lago de los cisnes’ es una princesa de la noche; ella es toda magia, una criatura de la imaginación. Es la reina de los cisnes, un hermoso pájaro, excepto entre la medianoche y el amanecer, cuando el misterioso hechicero Von Rothbart le permite convertirse en una bella mujer. En el mundo del cielo y del agua se siente como en casa, pero en el mundo real, donde el romance es posible, parece estar irremediablemente perdida. El gran amor que llega a tener por un príncipe mundano está condenado desde el principio; ella no tiene control sobre su destino”.

La temporada 2022 de TWB continuará en la primavera con “Giselle” (del 28 de abril al 3 de mayo en el Warner Theatre) y NEXTsteps (del 22 al 26 de junio en el Sidney Harman Hall) con nuevas obras de los coreógrafos Brett Ishida, Mthuthuzeli November y Jessica Lang. A su vez, y fuera de escena, la compañía presentará Dance for All (del 21 de marzo al 8 de abril), una serie de eventos y experiencias gratuitos que se reslizarán en los ocho distritos de la ciudad.

Funciones:

The Washington Ballet presenta “Lago de los cisnes” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
Coreografía sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivanov de Julie Kent y Victor Barbee
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky
The Washington Ballet Orchestra, Charles Barker
Vestuario cortesía de Ballet West
Escenografía y vestuario: Peter Cazalet
Iluminación: Brad Fields

Miércoles 9 de febrero a las 20 h.

Jueves 10 de febrero a las 20 h.

Viernes 11 de febrero a las 20 h.

Sábado 12 de febrero a las 14 h.

Sábado 12 de febrero a las 20 h.

Domingo 13 de febrero a las 14 h.

www.washingtonballet.org

Salud y Seguridad
Para todas las actuaciones, TWB ha instituido varias políticas de salud y seguridad de COVID-19, incluida la prueba de vacunación para todos los espectadores mayores de 12 años, así como el requisito universal de usar de mascarillas.

Destrozando prejuicios

mgueler — Tue, 01 May 2018 21:36:09 +0000

En Washington DC, Andersson Dance, dirigida por Örjan Andersson, propuso una puesta ocurrente de “Goldberg Variations — Ternary Patterns for Insomnia”, de Johan Sebastian Bach. Foto: Hugh Carswell. Gentileza JFKC.

La historia podría empezar con: “Había una vez…”, en las largas noches de Dresden, Alemania, durante la mitad del siglo XVIII, había un conde llamado Hermann Carl von Keyserlingk, embajador ruso, que no podía conciliar el sueño dado que sufría de insomnio. Así fue como, en su desesperación, encomendó al compositor Johann Sebastián Bach, quien era el maestro de su clavicembalista Johann Gottfrieb Goldberg, que compusiera unas piezas para el teclado, suaves y agradables, que le permitieran entretener sus noches. Y en 1741, Bach concluyó aquellas piezas que terminaron llamándose “Las Variaciones de Goldberg”, ya que era el joven quien las tocaba noche tras noche. También cuentan que Bach recibió del conde una copa de oro llena de monedas de oro, como pago por la partitura.

Otros cuentan que estas variaciones forman parte de uno de los tomos dedicados al clavicémbalo, de la enciclopedia musical que Bach empezó a escribir durante su madurez, y que el conde insomne solo recibió una copia como regalo, en agradecimiento por las referencias que había hecho para que Bach fuera compositor de la Corte de Dresden a finales de 1736.

Creada por Bach en 1741, “Goldberg Variations”, deja la formalidad en esta versión para cuerdas de Jonathan Morton, director del Scotish Ensemble. Foto: Hugh Carswell. Gentileza JFKC.

Sea como fuere, las “Variaciones Goldberg” se convirtieron en una de las piezas más famosas de Bach a lo largo del tiempo. Y en pleno siglo XXI, la compañía sueca Andersson Dance y el Scotish Ensemble, llevaron al Kennedy Center de DC una propuesta particular, casi teatral o de danza callejera. Ajena a cualquier reverencia cortesana, esta versión se puso zapatillas de goma, jeans, camisetas, ropa deportiva y se despojó de prejuicios.

En el escenario del Eisenhower Theater, desde el 26 al 28 de abril, la compañía dirigida por Örjan Andersson, se sumergió en esta nueva mirada de este clásico barroco, creada en 2015 como una iniciativa de Andersson y Jonathan Morton, director del Scotish Ensemble. Y esta vez, las variaciones escritas para clavicémbalo se convirtieron en variaciones para orquesta de cuerdas. Y una orquesta de cuerdas en la cual los músicos, también bailan.

Con el nombre “GoldbergVariations — Ternary Patterns for Insomnia”, los cinco bailarines de Andersson Dance se fueron mezclando con los once músicos del Scottish Ensemble. Con coreografía de Andersson, músicos y bailarines van componiendo una estructura que se asemeja más a ejercicios de improvisación que a una puesta formal. Con insinuaciones de “Contact”, Hip-Hop, Tap, danza contemporánea y expresión corporal, los intérpretes van transitando cada una de esas 30 bellas variaciones que, con clavicémbalo ausente, sonaban igualmente magníficas en manos de los excelentes músicos del Scottish Ensemble.

Bailarines estupendos, dueños de una gran flexibilidad y ductilidad, músicos talentosos y dispuestos a jugar con libertad en el escenario, arman un ensamble compacto, atractivo, si bien casi al final de los 75 minutos de esta obra, la propuesta se vuelve repetitiva y los recursos creativos parecen agotarse.

En estas “Variaciones”, el humor fue el disparador. Una insolente irreverencia que descubre otros perfiles de la solemnidad, que rompe con las estructuras establecidas y se lanza a una nueva exploración. Desafiante. Riesgosa. Intrépida. Pero finalmente, se convierte en una perspectiva diferente, una particular mirada sobre el arte formal, su contexto, su finalidad y su destino. Quizás, un nuevo camino a recorrer y a descubrir en este primer cuarto de siglo tan confuso y errático.

Once músicos del Scotish Ensemble y cinco bailarines de Andersson Dance compartieron la coreografía de Örjan Andersson en este clásico de Johan Sebastian Bach. Foto: Hugh Carswell. Gentileza JFKC.

Cuando sobran las palabras

mgueler — Sun, 10 Dec 2017 19:01:47 +0000

“Confesiones privadas”, en el Kennedy Center, con Marte Engebrigtsen en el protagónico de Anna y Liv Bernhoft Osa en el rol de su madre. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

Indagar en los perfiles de uno de los grandes maestros del cine como lo es Ingmar Bergman, suena extraño para una revista de danza. También lo es, sumergirse en las profundidades del teatro. Pero sin embargo, no es casualidad que el teatro y la danza formen parte de ese inasible universo de las artes escénicas. Algo que solo queda en la retina y en el alma, y que hoy, tecnología mediante, nos permite recordar las imágenes como parte de un todo. ¿Acaso el cine no ha filmado danza? ¿Acaso el español Carlos Saura, casi contemporáneo de Bergman no ha dejado estampado para siempre en el cine al inolvidable Antonio Gades, o se ha lanzado a mostrar los secretos del tango en la Argentina? ¿Acaso la danza o el teatro no se han animado a incorporar el cine dentro del mundo de las artes escénicas?

En esta era globalizada, donde los límites entre las artes se hacen cada vez menos perceptibles, “Confesiones privadas”, obra que fue llevada al cine en 1999 por la actriz y ex mujer del cineasta sueco, Liv Ullmann, se convierte en una cita insoslayable para comprender el arte en su propia esencia de libertad. En esas profundidades en la que un artista debe jugarse el todo por el todo, el encasillamiento se transforma en carcelero del alma y de la creación.

Esta vez, como celebración de los cien años del nacimiento del gran cineasta sueco con el que crecieron varias generaciones, el Kennedy Center llevó al escenario del Eisenhower Theater, desde el 6 al 9 de diciembre, el estreno en los Estados Unidos de la pieza teatral escrita por Bergman, con la versión para teatro de Ullmann. Los protagonistas: integrantes del National Theater of Norway.

Ullmann, reanuda en “Confesiones privadas” esa búsqueda de sus propias raíces en la que Bergman incursionó en los films de sus últimas décadas. Una exploración sobre las luces y las sombras que fueron forjando su vida familiar. Y el resultado es una pieza teatral poderosa, intensa, reflexiva, en la que la gestualidad, la fuerza corporal de sus intérpretes y la potencia del texto se convierten en una danza en sí misma. Pieza esencial para cualquier artista, y especialmente para un bailarín que no solo trabaja con el movimiento, sino que requiere de técnicas teatrales para transmitir emociones profundas que hacen que el espectador se conmueva con un simple paso. Y si bien, en la era de la tecnología los sentimientos parecen desdibujarse, dónde queda entonces el hombre con sus conflictos, sus dudas, sus preguntas, su dolor y su alegría. Dónde queda, entonces, el artista si no tiene la capacidad de expresar desde el alma.

Mattis Herman Nyquist interpreta al padre de Ingmar Bergman junto a Marte Engebrigtsen en la obra dirigida por Liv Ullmann. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

Aquí, los protagonistas, transcurren en sus propios espacios gestuales, sumidos en la tragedia de sus personajes. Mientras la obra, hablada en sueco, con subtítulos, dibuja como una delicada coreografía, la evolución de una trama que muestra el drama de una mujer prisionera de sus pasiones en una época en la que los tabúes eran la tumba del alma. La fuerza corporal de esos personajes, quizás, no necesitaba de las palabras. Solo el gesto.

Anna Bergman, interpretado con una sutil y trascendente maestría por Marte Engebrigtsen, se convierte en el eje en torno del cual gira el resto de los personajes. Su marido, Henrik, a través de un actor conmovedor, Mattis Herman Nyquist; Marta, su amiga y confesora (Anneke von der Lippe); Jacob, el pastor ante quien Anna confiesa su infidelidad (Bjon Skagestad); Karin, la madre de Anna (Liv Bernhoft Osa); Thomas, el amante que no se atreve romper con los prejuicios y la medioridad (Morten Svartveit), y la narradora, Kari Simonsen, conforman un ensamble perfecto.

El talento de Ullmann para describir situaciones y conflictos, tanto desde lo espacial como desde lo dramático, hacen que esta pieza se interne en lo más profundo del corazón y siga resonando y cuestionando a través de imágenes, sensaciones y percepciones. Sentimientos que solo puede lograr una obra de arte en sí misma, sin importar si se trata de teatro, cine, danza o música. El arte en su estado puro.

Marte Engebrigtsen con Morten Svartveit (como Thomas), del National Theater of Norway, en una de las escenas de “Confesiones privadas”. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

“Giselle” encuentra su rumbo

mgueler — Sat, 04 Mar 2017 00:15:31 +0000

The Washington Ballet presentó “Giselle” en el Kennedy Center de DC. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Una historia de amor, traición y redención que, a pesar del paso del tiempo y de las infinitas veces que ha subido a escena a lo largo de tres siglos, “Giselle” es uno de esos clásicos que no se agota. Una obra de belleza y perfección indiscutibles que habla de conflictos morales de hoy y de siempre, con una cuota de mito y de leyenda.

Julie Kent, la nueva directora de The Washington Ballet (TWB) puso su sello propio en este ballet que la compañía estrenó en 2004 y que marca en el comienzo de su temporada de primavera en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de Washington DC, abre una nueva perspectiva.

Kent logró refinar ciertos detalles de técnica clásica, enfatizar el trabajo de interpretación de los bailarines, ajustar el cuerpo de baile y forjar una producción que apunta hacia el futuro. Con un toque adicional: volver a la orquesta en vivo. Esta vez, la agrupación de TWB estuvo dirigida por Charles Barker, quien desde 1987 es director principal en el American Ballet Theatre.

Maki Onuki, Gian Carlo Perez y Rolando Sarabia (izq. a der.), de The Washington Ballet, en el primer acto de “Giselle”. Foto: media4artists,Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Este ballet en dos actos, con música de Adolph Adam, coreografía de Jean Coralli y Jules Perrot, con libreto de Teophile Gautier, Vernoy de Saint Georges y Coralli, basado en una antigua leyenda alemana rescatada por Heinrich Heine, fue estrenado el 28 de junio de 1841 en la Académie Royale de Musique de Paris. Sus intérpretes principales fueron Carlota Grisi y Lucien Petipa. Casi cuarenta años más tarde Marius Petipá la estrenó en 1884 en el Teatro Imperial de San Petersburgo, versión que ha permanecido hasta hoy. Kent y Victor Barbee, director artístico adjunto de TWB, quienes estuvieron a cargo de la puesta en escena de esta “Giselle”, lograron desvelar ese mágico encantamiento de la obra.

La historia se sitúa en una aldea de la Renania medieval, donde Hilarion, un cazador que ama a Giselle, descubre que su rival, vestido como un campesino, esconde al duque Albrecht. Así comienza esta trama en la que el componente mágico llega en el segundo acto, donde la antigua leyenda de las Willis -jóvenes que murieron vírgenes por la traición de sus enamorados-, surge con un magnetismo inexplicable.

Maki Onuki (izq.) y Kateryna Derechyna, como Myrtha, en la producción de “Giselle” de The Washington Ballet. Foto: media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

Kent y Barbee, eligieron tres elencos para protagonizar este clásico. En la noche del estreno, Maki Onuki asumió el rol de Giselle junto al cubano Rolando Sarabia -una reciente incorporación de la compañía- como Albrecht, quien tuvo como contrafigura a otro cubano, también salido de las filas del Ballet Nacional de Cuba, Gian Carlo Pérez. No obstante, el trío entre Giselle, Albrecht e Hillarion en el primer acto, no alcanzó a generar la tensión suficiente que anticipa el drama final.

Onuki, una bailarina con larga historia en TWB, adquirió presencia en la escena de la locura, mientras que en el comienzo de la obra no mostró una real conexión con su personaje. En el segundo acto, ya convertida en Willis, dejó ver su transformación y su refinada técnica. Y en el pas de deux final con Albrecht, quien llega a su tumba en busca de perdón y redención, Onuki parece acercarse un poco más a su partenaire.

Sarabia, en cambio, como Albrecht, hizo una búsqueda más profunda de su Albrecht, fue un excelente partenaire, contenedor y cuidadoso, y sacó su personajes desde su interior. Con una técnica indiscutible y un cuidado estilo, fue absolutamente convincente en las contradicciones morales de su Albrecht.

El cuerpo de baile, quizás, es el que ha evidenciado el mayor impacto, y especialmente se advierte en el acto blanco del la segunda parte, donde las filas mostraron una notable mejora, y el port de bras de las bailarinas tuvo cambios sustanciales. Impecable, el despliegue de las Willis en “arabesque penche” cruzando a través del escenario. Kateryna Derechyna compuso una excelente Myrta, la reina de las Willis, al igual que Ashley Murphy y Ayano Kimura, como Moyna y Zulma.

Sin duda, el segundo acto de “Giselle” fue lo más logrado de esta producción que, en apenas cinco meses, ha logrado una notoria transformación, y ha abierto una puerta hacia la pureza del clásico, sin alejarse de las propuestas contemporáneas.