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El mágico poder del verdadero amor

mgueler — Sat, 24 Feb 2024 00:52:33 +0000

La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

Un vínculo entre pasado y presente

mgueler — Fri, 02 Feb 2024 23:33:56 +0000

“Bolero — La leyenda de Anchin y Kiyohime” en el Kennedy Center. Foto gentileza de The Japan Society.

Anclado en esa cultura milenaria que aún hoy es un bastión insoslayable del ser japonés, el Nihon Buyo (traducido como danza japonesa) se desarrolló al comienzo de la era Taisho (1912-1926), cuando los artistas de este arte ampliaron sus creaciones, e incorporaron expresiones de las artes escénicas folclóricas y estructuras de danza de grupo que continúan hasta hoy. En este mundo se funde lo tradicional con lo contemporáneo, se ensamblan obras de Kabuki, piezas inspiradas en obras clásicas de Noh, cuentos populares, y también, obras únicas escritas y coreografiadas por los mismos intérpretes.

El Kennedy Center, junto a The Japan Society, presentaron el 29 de enero una única función de “Nihon Buyo en el siglo XXI: de la danza Kabuki al Bolero” en el Terrace Theater del Kennedy Center. Una fascinante muestra de este estilo de danza japonesa que establece un puente entre el pasado y el presente.

Con ese subyugante minimalismo japonés, esa apabullante austeridad y ese cuidado estético llevado al extremo, este espectáculo fue una demostración de talento, creatividad y belleza sublime.

Como en un templo sagrado, los artistas, tres músicos magníficos, iniciaron este rito con “Matsuri” (Festival). Esta pieza de música instrumental con percusión y flauta comenzó con sonidos solemnes dedicados a los dioses para luego estallar en ritmos festivos.

La primera danza o relato en movimiento se basó en una historia estrenada en 1819. Una suerte de divertimento inspirado en un zare-e (un comic semejante al manga) dibujado por el sacerdote budista Toba Sojo.

“Toba-e” es una graciosa historia que cuenta las vicisitudes de un criado, Hanayagi Genkuro, en su intento por atrapar a un ratón, Hanayagi Suzuhiko, que aparece en la cocina a altas horas de la noche. Con el soporte de textos traducidos y proyectados en una pantalla, la historia, contada por dos cantantes (Kiyomoto Kiyomidayu y Kiyomoto Ichitayu) se convierte en una preciosa parodia corporal de dos bailarines cuyo dominio de las sutilezas del movimiento alcanza límites asombrosos.

“Yugiri, la cortesana”, estrenada en el teatro Edo Nakamura-za en 1863, es una canción en la que la bella cortesana Yugiri llora porque lleva más de año sin ver a su amante Izaemon. Un bello relato de amor y sufrimiento. Seguida por “Hana” (Flor), una composición contemporánea de Tosha Suiho, quien interpreta la flauta. Esta pieza hace referencia a la estación primaveral durante el periodo Heian (794-1180), y representa la visita del Emperador de Kazán a un templo donde florecen los cerezos.

Para el final quedó la impactante puesta de “Bolero – La leyenda de Anchin y Kiyohime” con coreografía del director y coreógrafo Hanayagi Genkuro, quien utiliza la partitura de Maurice Ravel para contar el cuento popular “La leyenda de Dojoji”.

En esta historia, Kiyohime (Hanayagi Kieayaka), hija de un posadero, se enamora de Anchin, un monje que promete volver para encontrarse con ella, pero nunca lo hace. En venganza, Kiyohime se transforma en serpiente y lo persigue hasta su muerte.

Genkuro realza con su coreografía esta contundente música, y permite abordar desde el dramatismo, la ira y el peligro esta partitura tan visitada por una diversidad de coreógrafos occidentales contemporáneos.

A medida que la música va “in crescendo”, aumenta también el despecho de Kiyohime. Cuatro bailarines con abanicos que se mueven en distintas direcciones acompañan y asumen el protagónico masculino de forma alternativa. Movimientos precisos, cuidados y metódicos, y un dominio corporal y gestual impecable.

Finalmente, la escena se tiñe de rojo. Caen las cenizas de Anchin sobre Kiyohime. Una campana suena.

“¡María te queremos!”

mgueler — Sat, 05 Aug 2023 14:06:28 +0000

Durante más de 70 años María Fux se dedicó a demostrar que la danza es para todos. Foto: Argentina.gob.ar.

“¿Se puede bailar la vida? Sí, se puede”, dijo una y mil veces María Fux, esa mujer que, más que humana, parecía descender del Olimpo. “Mientras puedas moverte, mientras puedas gatear, solo necesitas un estímulo. Yo proporciono ese estímulo. Esperan que se lo dé, y yo se lo doy”.

Estar cerca de María Fux era sentir esa energía que el cuerpo necesitaba para moverse. Su voz, su entusiasmo, su generosidad y su ternura, hacían el resto. Esa magnífica mujer, que durante más de 70 años hizo bailar a los ciegos, a los sordos, a quienes no podían caminar, a los desahuciados, el 31 de julio, a los 101 años, volvió a ocupar su sitio en el Olimpo, y desde allí, sigue bailando.

Creadora de la danzaterapia, maestra de maestros, nacida en 1922, hizo una brillante carrera en los años 40 y 50, fue primera bailarina de la ópera del Teatro Cólon de Buenos Aires, y la segunda bailarina no clásica después de Isadora Duncan en pisar los escenarios de Moscú en 1955.

Sus abuelos maternos llegaron a la Argentina en 1915 escapando de la persecución a los judíos de Odessa, Ucrania. Desde los cinco años María se apasionó por la danza, descubrió a Isadora Duncan (1877-1927), y comenzó su búsqueda hasta que, en 1953, obtuvo una beca para estudiar en Nueva York con Martha Graham. Desde ese momento, su vida dio un vuelco radical.

En un ascensor, cuando la joven María, ávida por beberse la danza del mundo, con un inglés entrecortado y balbuceante le suplicó a la gran Graham que viera su danza. Pasó una noche atormentada tratando de armar algo que pudiera sorprender a este coloso de la danza moderna.

Al día siguiente, con sus discos de vinilo bajo el brazo, llegó al estudio. Solo tenía media hora. Y comenzó a bailar. Después de una hora, su repertorio se había terminado, se sentó en el suelo con el corazón palpitante esperando el veredicto. “Eres una artista, no busques maestros fuera de ti. No tengas miedo de hacer danzas teatrales, eres actriz. Vuelve a la Argentina y no esperes nada de maestros. Tu maestro es la vida”, le dijo Graham.

María Fux, autora de una diversidad de libros dedicados a la danzaterapia.

Al regresar, intentó ayudar a una niña sordomuda, y allí comenzó una historia que saltó de la aldea para llegar al infinito. Surgió así la danzaterapia para niños, adultos y personas con discapacidad.

Hoy, su escuela de formación con el método María Fux tiene filiales en Europa y en Brasil. Publicó nueve libros, entre ellos, “El color es movimiento”, “Danza, experiencia de vida” y “Danzaterapia, fragmentos de vida”. En su estudio-escuela se capacitan fisioterapeutas, terapeutas ocupacionales, fonoaudiólogos, médicos, profesores de danza y de gimnasia, psicoterapeutas, psicólogos, docentes. Todos fueron acercándose a esta mujer que pudo transformar la vida en movimiento.

Declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, recibió la Mención de Honor Senador Domingo Faustino Sarmiento, el Diploma de la Unesco por su labor docente, el reconocimiento de la ONU por su trayectoria, la Medalla del Bicentenario y los premios Gratia Artis, Fondo Nacional de las Artes y el Rosa de Plata del Senado de la Nación. Pero por sobre todo, siempre estuvo rodeada del amor de sus discípulos, los que hoy siguen sus pasos.

Cuando cumplió 100 años, desde la ventana de su departamento, la bailarina podía escuchar las voces de sus alumnos que, desde afuera, la celebraban con un cartel que decía: “María te queremos”. Y este 31 de julio, en su cuenta de Instagram @estudiomariafux se podía leer: “Ella, que dejó una huella imborrable en nuestras vidas y en la vida de tantas personas en Argentina y el mundo. Ella nos enseñó que la danza es vida, y así la recordaremos siempre”.

Seguramente hoy, desde el Olimpo, María Fux sigue bailando con los dioses y repitiendo, como solía hacerlo en la Tierra: “No se queden sentados mirando cómo el tiempo pasa. ¡Muévanse!”.

Honrar la vida de María Fux

El domingo 6 de agosto a las 11.30 am se realizará un encuentro para dar el último adiós danzando en la pérgola del Rosedal.

Mayo en movimiento

mgueler — Tue, 02 May 2023 12:55:31 +0000

“Nunca quise renunciar a mi carne”, proyecto de Situar Danza, dirigido por Ana Lucía Pellegrini y Sofía Rypka. Foto gentileza CCB.

La danza en sus diversos géneros y formas está presente todos los jueves en el Centro Cultural Borges. Al reconocido Ciclo Experiencias en Escena y a los espectáculos de tango-danza, se suman las obras que fueron seleccionadas en el marco de la Convocatoria Federal Situar Danza 2023, destinada a artistas de todo el país.

Además, los fines de semana el Borges propone poner el cuerpo en movimiento para aprender a bailar y practicar tango en el espacio Tango al Paso conducido por la milonga El Chiquilín. Todos los sábados y domingos de mayo de 17 a 19 horas. Un lugar pensado como un espacio público y gratuito de enseñanza y un punto de anclaje para la difusión de las escuelas de tango y las milongas del país.

Cada mes, una pareja de docentes de una escuela o milonga argentina se encargará de dictar las clases, lo que propicia un espacio federal y estilísticamente diverso. En Tango al Paso de mayo los docentes Micaela Marin y Joni “Chiqui” Cañete de la milonga El Chiquilín estarán a cargo de las clases.

Y el último domingo de cada mes habrá un verdadero encuentro con el baile en la flamante milonga del Borges, que funciona de 17 a 20 horas en la Sala Tita Merello. Y para bailarines de nivel intermedio y avanzado, y coreógrafos que desean formarse, continúan las clases magistrales de tango y comienza el Laboratorio de Tango escénico, género y tecnología, a cargo de Liliana Tasso y Verónica Litvak.

“Mujer diamante”, un solo de danza contemporánea que surgió de Situar Danza. Foto gentileza CCB.

Todos los espectáculos, clases y talleres son con entrada libre y gratuita. Los espectáculos requieren reserva de entradas. El Laboratorio y las clases magistrales se ofrecen con inscripción previa.

Los talleres de tango serán los jueves 11, 18 y 25 de mayo, de 15h a 18 h en la Sala Tita Merello. En estos cuatro encuentros se darán herramientas compositivas y un espacio de exploración para la creación de una performance que aborde el cruce entre el tango, el cuerpo, el género y las tecnologías. El taller se nutre de dos vertientes, la del cuerpo, el movimiento y la composición coreográfica en torno al tango escénico desde una perspectiva de género, y la del uso de dispositivos tecnológicos como cámaras web, capturas en vivo y proyecciones. La propuesta forma parte del proyecto Tango Tanz Trilogy, coproducción argentino-austríaca de creaciones que fusionan el lenguaje de la danza contemporánea, el tango, las tecnologías de la imagen y la comunicación.

La clase magistral de tango, “Marca activa y escucha sensible”, del tango social al tango escénico estará a cargo de Johana Copes y David Palo. Johana Copes hace 30 años que transita su vida como bailarina e intérprete y también es organizadora de eventos para difundir y generar nuevos vínculos y espacios en el tango. Creadora del Lady’s Tango Festival Worldwide (desde el año 2007) y Bailemos Tango. Desde 2006 participa en el staff del Festival y Mundial de Tango. Actualmente es la directora y coreógrafa de la Compañía Copes Tango Danza y tiene su espacio escuela “Copes-Valdez Tango Estudio”.

Entre los proyectos seleccionados en Situar Danza, se podrá ver en escena “Nunca quise renunciar a mi carne”, de Ana Pellegrini y Sofía Rypka; “La luna en la caja” con coreografía y dirección general de David Señoran; “Mujer diamante”, con idea y dirección de Natacha Visconti. En el ciclo Experiencias en Escena se presentará “La decisión”, de Mariela Puyol.

El jueves 18 de mayo, en el Auditorio Astor Piazzolla, Situar Danza presenta “La luna en la caja” de David Señoran. Foto gentileza CCB.

Fechas y horarios:
Clase magistral
Para alumnas y alumnos de nivel intermedio y avanzado. Actividad gratuita con inscripción previa en: bit.ly/41svVg9

Jueves 4 de mayo, 19 h | Auditorio Astor Piazzolla
Tango Danza
“In Shared Spaces”. Dirección: Claudia Grava, Verónica Litvak y Liliana Tasso.

Tres mujeres intentando mantener el glamour a través del cyberespacio. Performance coreográfica Austriaco-Argentina con escenarios conectados por internet en simultáneo. Se hace foco en el cuerpo, el género y su relación con el tango desde una perspectiva deconstructiva contemporánea y el atravesamiento tecnológico. Este proyecto fue distinguido como una de las diez obras argentinas para integrar el catálogo de la Plataforma Iberoamericana de Danza en la prestigiosa Feria Internacional de networking profesional de Danza Contemporánea Tanzmesse en Düsseldorf, Alemania.

Jueves 11 de mayo, 19 h | Auditorio Astor Piazzolla
Situar Danza
“Nunca quise renunciar a mi carne”. Directoras Ana Lucía Pellegrini y Sofía Rypka.

El origen de una excitación. Una tragedia. La deformación pictórica como cada detalle visceral de un gesto. Un robo. La preparación para la nada. Un nudo de tiempo. La potencia y la destrucción. El despliegue de un baile. Un drama real o una epifanía. El intento imposible de dejar de ser “unx”, para querer ser “otrx”.

Jueves 18 de mayo, 19 h | Auditorio Astor Piazzolla
Situar Danza
“La luna en la caja”. Coreografía y Dirección David Señoran

Las soledades de antes no son para nada distintas a las de ahora. Solo en forma. Lo que sentimos con respecto a la soledad nos reúne y atraviesa generacionalmente. Podemos darle complejidad a la conceptualización, podemos reflexionar de formas más o menos profundas, pero de todos modos allí está la soledad para tratarnos a todos por igual, en algún momento, en algún instante, incluso en algún sueño. La luna en la caja busca establecer un diálogo entre la tradición y la contemporaneidad.

Jueves 25 de mayo, 18 h y 18.30 | Sala Norah Borges
Ciclo Experiencias en escena
“La decisión”. Dirección Mariela Puyol

Una obra que atestigua la mutación constante de un cuerpo que, sin ser, puja por construirse ¿Cuántas veces es necesario morir sin llegar siquiera a conformar una forma inteligible? ¿Cuánto de la antigua piel perdura en cada resurgimiento? Por capas y estratos ascendentes que darán estructura a esta pieza, desde la oscuridad y el caos de las formas sin definir, se verá aparecer paulatinamente a una mujer que en carne y huesos se mueve agitando el espíritu que la habita.

Jueves 25 de mayo, 19 h | Auditorio Astor Piazzolla
Situar Danza
“Mujer diamante”. Idea y Dirección Natacha Visconti

Un solo de danza contemporánea que ahonda en la capacidad del cuerpo para desigualarse, diversificarse y construir universos disímiles. El movimiento y la luz dialogan para crear mundos poéticos y simbólicos que se suceden y resignifican a partir de sus diferencias. El cuerpo es un prisma que permite refractar, reflejar y descomponer su propia luz para descubrir los matices de su luminosidad, sus sombras y su espectro tonal.

Domingo 28 de mayo de 17 a 20 h | Salón Tita Merello
Milonga a cargo de Milonga del Chiquilín.

Centro Cultural Borges

Espacios: Auditorio Astor Piazzolla y Salón Tita Merello

Dirección: Viamonte 525, Buenos Aires

Todos los espectáculos son con entrada gratuita con reserva previa

Reservas en: https://centroculturalborges.gob.ar/

Capacidad limitada

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Los niños son los protagonistas

mgueler — Tue, 18 Oct 2022 01:10:03 +0000

Las rondas de baile en el patio de la Casa del Tantanakuy durante el Tantanakuy infantil y juvenil en Humahuaca, Jujuy. Foto gentileza: Tantanakuy infantil y juvenil.

Los niños y jóvenes junto a sus maestros, dan lugar al encuentro con la danza, la copla y la música en Tantanakuy infantil y juvenil. Esta “juntada” tiene como objetivo rescatar la memoria viva del legado ancestral y conservarlo a través de manifestaciones artísticas y autóctonas desde temprana edad. Este año, de regreso después de tres temporadas, el encuentro con los chicos será el jueves 20 de octubre a partir de las 10 de la mañana en el Centro Cultural Casa del Tantanakuy, ubicado en el barrio Santa Bárbara de Humahuaca, provincia de Jujuy.

Tantanakuy (palabra de origen quechua que significa “encuentro” de unos con otros), orquestado en sus comienzos por el inolvidable charanguero Jaime Torres, es una fiesta de alegría y música cuya finalidad es potenciar las manifestaciones culturales que fortalecen la identidad regional y el intercambio de saberes.

El 40° Aniversario del Tantanakuy infantil y juvenil, cuenta con el apoyo de la Municipalidad de Humahuaca. Y ha sido declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura de la Nación. Después de la muerte de Jaime Torres, la posta la tomó su hijo, Juan Cruz Torres, músico e intérprete del charango, quien vive en Humahuaca desde hace más de dos décadas

Cada año los grupos de niños participan en forma activa y abierta con coplas, poesía, danzas, interpretación de instrumentos, exposición de artesanías y cualquier otra manifestación artística de carácter autóctono.

Cantos y coplas interpretados por los niños de que llegan hasta Humahuaca para presentar su arte. Foto gentileza: Tantanakuy infantil y juvenil.

La presentación de cada delegación en el escenario será por orden de llegada y, como ocurre todos los años, la lista se engrosará a lo largo del día, por lo cual el encuentro se extenderá por varias horas durante la tarde del jueves.

Todos los niños compartirán desayuno, almuerzo y merienda como una herramienta integradora que favorece el vínculo con niños de otras regiones.

Al mediodía los participantes compartirán un almuerzo comunitario y a partir de las 14hs, y luego comenzarán las presentaciones en el escenario de todas las escuelas, instituciones y particulares.

Habrá talleres donde los niños podrán elegir diferentes propuestas de aprendizaje artístico: taller de danzas folklóricas, construcción de un instrumento, cerámica, mural colectivo, taller de literatura creativa, cine en 3d, ensamble de niños y adolescentes.

En la Comisión Organizadora del Tantanakuy infantil y juvenil están también la maestra y cantora Beatriz “Negrita” Cabana, quien estuvo en este emprendimiento desde sus orígenes, más otros miembros de la familia Torres como Elba Boffo, la compañera de Jaime, Claudia Torres, Soledad Torres, y Aldana Loiseau, docente y realizadora de animación quien junto a su pareja, Juan Cruz, también vive en Humahuaca y ambos dirigen la Casa del Tantanakuy. Además, colaboran en la organización el músico, poeta y maestro rural Fortunato Ramos, el guitarrista, intérprete y compositor jujeño José Simón, su hermana Isabel Simón y el periodista, docente e investigador Ricardo Luis Acebal.

La elegida fue Laura Alonso

mgueler — Sun, 23 May 2021 23:40:13 +0000

En Prodanza se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet impartido por Laura Alonso. Foto gentileza Prodanza.

A fines de abril, Cuba volvió a otorgar su tradicional Premio Nacional de Danza, un reconocimiento a las grandes personalidades que han hecho historia en la isla. Un premio que se institucionalizó en 1998 y que tiene en cuenta fundamentalmente la trayectoria y el aporte a la danza cubana.

Este año, con un jurado encabezado por el maestro Johannes García, ganador de este premio en 2020, la elección fue para Laura Alonso, bailarina, profesora y creadora del Centro de Promoción de la Danza de Cuba, ProDanza, por su consolidada trayectoria artística.

Ese mismo miércoles 28 de abril, el Consejo Nacional de Artes Escénicas (CNAE) informó en sus redes sociales que el Premio Nacional de Danza 2021 en Cuba fue concedido a la gran maitre de ballet y directora de la compañía Prodanza. En esta institución se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet.

“Mi padre, mi tío y mi madre hicieron el syllabus para la escuela cubana de ballet -dijo hace algunos años Laura Alonso en un reportaje en los Estados Unidos-. Mi padre fue el maestro que implementó el método, mi tío, el coreógrafo y mi madre, la bailarina que mostró esta escuela al mundo. Esta técnica es la nueva, las otras tienen más de 500 años de antigüedad. Tiene todos los nuevos descubrimientos para el atletismo en el ballet y utiliza nuevas las técnicas científicas.”

Hija de Fernando y Alicia Alonso, sobrina de Alberto Alonso, “Laurita”, como la llamaban los familiares más cercanos, creció inmersa en la danza y la cultura. Comenzó sus estudios en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, creada en 1931 por los dos hermanos Alonso (Fernando y Alberto) y por Alicia Alonso. Allí se formó con Alberto Alonso, León Fokine y otros profesores. Fue solista del Ballet Nacional de Cuba (BNC) por más de 20 años. Y ya en la década de 1980 creó el Departamento de Docencia Especializada, para promocionar y difundir la metodología de la escuela cubana de ballet.

Laura Alonso recibió Premio Nacional de Danza 2021 por la labor pedagógica que ha realizado dentro y fuera de Cuba. Foto gentileza Prodanza.

La creación del Centro ProDanza, marcó un hito en la historia del ballet de Cuba, y también en su carrera. El centro reunió agrupaciones de diversos estilos, acogió a las nuevas generaciones a través de La Joven Guardia, la cual abrió una puerta para el desarrollo profesional. Jóvenes bailarines que luego fueron primeras figuras del BNC como José Manuel Carreño, Svetlana Ballestaer, Xiomara Reyes, Lienz Chang, Ernesto Quenedit, Gladys Acosta, Ana Lobet, Julio Arozarena, Lorena y Lorna Feijóo, Galina Álvarez, Anissa Curbelo, Ariel Terrero, Armando González, Joan Boada, Alihaydeé Carreño, Víctor Gilí, Viengsay Valdés, entre una larga lista de talentosos intérpretes que representan al país y a la escuela cubana en diferentes lugares del mundo.

Al fundarse la Escuela Nacional de Arte, Laura Alonso se destacó por su trabajo docente en la clase de varones, y también dio clases en el Ballet del Instituto Cubano de Radiodifusión (ICR) y el Teatro Musical de La Habana. Por otra parte, también fue docente de la Universidad de las Artes (ISA). Fue impulsora del movimiento del Psicoballet, iniciativa que surgió en 1973, y que utiliza la técnica básica del ballet combinada con métodos psicológicos para restaurar el equilibrio psíquico-social en personas con discapacidades mentales, motoras y sensoriales.

Laura Alonso trascendió los límites de su propio país y ha impartido clases en diferentes países de mundo y en compañías reconocidas internacionalmente como el Ballet de Monterrey en México, en la ópera de Finlandia y en la escuela nacional de Finlandia, y ha sido maestra en Ohio University y en Dayton University. Fue miembro del claustro de maestros del comité organizador del Jackson International Ballet Competition, en Mississippi, y en 1990 fue premiada como la mejor maestra de la competición.

En el libro editado por la UNESCO, fue seleccionada para representar a la mujer en Cuba por su destacada labor en el mundo de la cultura, especialmente en la danza.

Hablemos de DCC-II

mgueler — Fri, 22 Jan 2021 17:43:25 +0000

DCC fusiona el ritmo y la cadencia de los bailes populares, elementos teatrales de la danza posmoderna, danza conceptual, y otros estilos. Foto gentileza LDA.

Viene de Parte I

Lazos y cruces

Ganar la beca Chevening y contar con el beneficio y el apoyo del Gobierno Británico para cursar una Maestría en el prestigioso Conservatorio Trinity Laban, ha sido una oportunidad excepcional devenida en experiencia transformadora y enriquecedora.

El nuevo escenario con los símbolos y códigos propios que identifican a Reino Unido como sociedad y país despertó en mí cierta introspección y la necesidad de indagar, analizar, comparar y cuestionar visiones, percepciones, reafirmaciones y entendimientos acerca de quién soy y de dónde vengo a nivel emocional y corpóreo.

Por tal motivo, las primeras impresiones de mi estancia en el Reino Unido pueden resumirse en una simple metáfora; “trasplantar una planta”. Sí…; Trasplantar, verbo transitivo-intransitivo; sacar una planta con sus

de un lugar para plantarla en otro. (CHRP)

Por mi parte, nunca he trabajado con DCC de forma exclusiva debido al eclecticismo de mis intereses profesionales. Aún así, cuando me vinculé a compañías de Italia como Körper, Eko Dance o Balletto Teatro di Torino, me di cuenta como nunca antes de cuán presente estaba y está en mí el estilo de DCC y cuán distinto es de los que pueden encontrarse fuera de la Isla. Esto me ha generado el recurrente cuestionamiento de romper con el mismo asemejándome a lo que me rodea o convertirme en una entidad “exótica”. Y digo, “exótica” porque todavía en Europa es donde se colocan estos adjetivos sobre ciertas propuestas artísticas condicionando a los creadores y el mercado. (LDA)

El cuerpo en medio

Después de varios meses en Londres me siento todavía en medio de una metamorfosis kafkiana. Confronto con frecuencia mi yo individual; ahora desde una perspectiva del otro.

Viviendo en Cuba nunca sentí la necesidad de ser percibida y reconocida como parte de un contexto social; nunca fui “la otra”, por tanto, tampoco tenían lugar las obsesiones-fascinaciones que ahora ocupan mi mente en relación a temas como la identidad, la comunicación y el cuerpo; en especial, el cuerpo, que ha sido la vía, el puente, el instrumento principal en mi carrera. (CHRP)

El cuerpo siempre es el eje. Crear una coreografía de danza contemporánea hoy en día significa crear un tipo de movimiento, pues es lo que define a los coreógrafos. De ahí que casi la totalidad de los procesos de montaje comiencen con talleres de introducción al respecto.

El punto es que estando fuera de Cuba me ha sorprendido con frecuencia que muchos se refiriesen al “estilo” de los bailarines y coreógrafos cubanos, y que otros coreógrafos y bailarines no se cuestionasen la pertenencia a un estilo en base a su propia cultura o identidad. (LDA)

Yo nunca me concebí como la cubana “estereotipo”; quizás, todo lo contrario. Sin embargo, estando en Londres he reconocido en mí, patrones, comportamientos, gestos corporales que he debido dosificar, domesticar y hasta censurar.

He estado reflexionando sobre la complejidad del dialecto corporal, así como sobre la proxémica y el uso del espacio, lo paralingüístico y lo referente al tono de la voz, los acentos y, finalmente, el tacto.

Siento ahora que mi identidad corporal navega en estéticas, normas y composturas a través del conflicto y la conciliación, y negocia con símbolos foráneos y propios.

He percibido que en ocasiones envío signos que son inadecuados en este ambiente cultural, por lo que he debido modular mi tono de voz así como evitar reír a carcajadas, saludar con besos, despedirme con abrazos. He percibido, en resumen, que soy distinta y que si en Cuba me concebía como un cuerpo florecido, abierto, expandido, en Londres soy un cuerpo en contención.

Pero claro, en Cuba las relaciones son del todo particulares. Una conversación, por ejemplo, es una danza viva. El cubano es soberano en su lenguaje corporal, un performer versátil que más que narrar, describe con su cuerpo lo que cuenta con su voz. La gestualidad de nuestra Isla es irreprimible, arrolladora, excesiva y puede catapultar y hacer obvio desde los más nobles sentimientos de amor, fraternidad, calidez hasta el disentimiento o enfado.

Una plática entre cubanos es una danza que conecta individualidades e incluye en muchos casos body contact. Es una negociación un tanto invasiva de cuerpos que hablan e interactúan con miradas agudas y expresividades imponentes. Es también la base de nuestro estilo danzario. (CHRP)

Continúa: Parte III

Entre el principiante y el experto

mgueler — Tue, 04 Aug 2020 22:10:09 +0000

En los últimos 30 años, Anabella Lenzú se ha dedicado a investigar la lógica interior de la actuación. Foto: Todd Carroll. Gentileza AL.

¿Por qué mencionar esta cita sobre la Meditación Zen? ¿Esta práctica influyó en mi filosofía o en mi trabajo? Considero la práctica de cualquier arte como una meditación acerca de la vida. En los últimos 30 años, he dedicado mi vida a investigar la lógica interior de la actuación y el rol del bailarín en nuestra sociedad actual, utilizando y respondiendo con este sistema de seis preguntas: quién, qué, cuándo, dónde, porqué y cómo, a través de la enseñanza de la danza, la creación coreográfica, y la escritura.

Nada me da más satisfacción que descubrir los diferentes procesos de creación, de devenir y de transformación. Mi mente y corazón curioso siempre me llevan a un nuevo comienzo, donde la creatividad me ayuda a trascender ideas y reglas, creando métodos significativos, en cada nueva aventura, tanto en el escenario como en el salón de clase.

Pero, ¿cómo se mantiene esta actitud de pureza después de 30 años? Hay períodos en los que mi niña interior está completamente despierta y la generosidad de mis descubrimientos son fáciles de comunicar y compartir. Hay períodos en los que la llama está casi apagada, y es aquí cuando mi experiencia y dominio del oficio, me guían como una persona ciega. Es un precario equilibrio entre mi estado interior y lo que me rodea. La danza es unión con nosotros mismos, con los demás y con el medio ambiente.

Celebro, respondo, protesto, grito, lloro y me río de la vida a través de la danza. No quiero seguir una fórmula, ni apoyarme en mis previos fracasos o éxitos. Mi fórmula para seguir adelante es sorprenderme con cada descubrimiento. Tal vez inconscientemente, quiera seguir siendo ingenua y así mantener mi práctica “pura”, como dice el maestro zen. ¿Puedo obligarme a sentir sed o hambre? No puedo.

Usted, mi lector, me preguntará, ¿qué pasa con la mente del experto? Piensa que después de 30 años, enseñando en tres continentes, en más de 50 instituciones, embajadas, escuelas públicas y privadas, universidades, academias, compañías de danza, festivales e instituciones, ¡siento que soy un máster!? Lo único que sé es que estoy aquí, todos los días, abriéndome al encuentro mágico y misterioso con otros en la vida, en el escenario y en un salón de clases. Mi meditación diaria es observar los cuerpos de mis bailarines con gran detalle y con amor, ver cómo sus expresiones (mentales, emocionales y espirituales) emergen y florecen en cada ensayo, en cada clase.

Es como observar la naturaleza que se revela ante nuestros ojos, como una planta que crece de una semilla y se convierte en un árbol con flores y frutos. ¡Qué privilegio! Aquí está la mente del principiante: observando, nutriendo y guiando a otros, porque nuestros cuerpos son una perfecta manifestación de vida. Nuestros cuerpos, son nuestro templo. Cuando bailo, siento las fuerzas de la vida en todo mi ser. Estoy despierta y todos mis sentidos están alertas, para compartir el regalo de mi danza, para conectarme con otros, desde mi ánima hasta el ánima del espectador. Aquí, la meditación ocurre después del espectáculo cuando reflexiono acerca de mi interacción y la reacción con el público.

Para mí, danzar, es un intento de comunión con los demás y con mi entorno. Quizás una de nuestras necesidades como seres humanos es conectarnos con la presencia de Dios o con un poder mayor que nosotros. A veces siento que mi danza es un rezo. Como siempre digo, un buen maestro es un excelente estudiante, y es por eso que quiero permanecer abierta a todo y disponible en cada nueva experiencia.

Mi profesión me permite experimentar la generosidad, compasión, altruismo, empatía, tolerancia, paciencia y gratitud. Valoro la libertad y el respeto por los demás al entregarme totalmente en el proceso de aprendizaje. El arte de la enseñanza comprende la contemplación, apreciación, reflexión, intercambio, observación detallada, asimilación y desarrollo de la conciencia humana.

www.AnabellaLenzu.com

Se hace camino al andar

mgueler — Sun, 21 Apr 2019 00:58:50 +0000

A mediados de abril Viengsay Valdés protagonizó “Cenicienta” junto al Ballet Nacional de Cuba en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Fota: Nancy Reyes. Gentileza BNC.

Una nueva etapa del Ballet Nacional de Cuba (BNC) –fundado en 1948 por el triunvirato Alonso, Fernando, Alicia y Alberto-, se inicia con el nombramiento de Viengsay Valdés como subdirectora artística de la compañía. Una de sus más brillantes primeras bailarinas compartirá esta responsabilidad junto con la sempiterna directora general, la “prima ballerina assoluta” Alicia Alonso.

Su característica principal es entregarse con pasión, rigor y disciplina al arte del ballet, y a partir de este reciente desafío que comenzó el 22 de enero, la primera bailarina, cuyo nombre, de origen laosiano, significa Victoria, fue demostrando en estos primeros meses con cuánta firmeza y autoridad llevará el timón para que esta prestigiosa “nave” siga con rumbo seguro.

A mediados de marzo, Valdés, con su cargo a cuestas, subió a escena para protagonizar “Cenicienta”, del reconocido coreógrafo cubano Pedro Consuegra sobre la música del austriaco Johann Strauss hijo. La flamante subdirectora de la compañía aprovechó la ocasión para hacer fehaciente algunos de sus objetivos artísticos y estéticos futuros, al compartir escena con miembros del cuerpo de baile que apenas habían tenido una experiencia anterior en esta pieza. Y, sin duda, ya se respiraba aire fresco en la escena de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, con una “Cenicienta” que trajo vitalidad, colorido y matices de chispeante humor, con solo unas semanas de arduo y sensato empeño.

Danzahoy: ¿Qué representa este nombramiento en este momento de su carrera como primera bailarina?

Viengsay Valdés:Un reconocimiento a mi esfuerzo, al conjunto de mi carrera y un estímulo para crecer más como profesional y especialmente como maestra; un impulso para trabajar ya no solo por mí sino para muchos bailarines, la mayoría muy jóvenes, para tratar de honrar los preceptos de la escuela cubana de ballet y luchar por desarrollarla, mantenerla y, de ser posible, elevar su prestigio.

D: ¿Cree que esto afectará el desempeño pleno de sus presentaciones escénicas locales e internacionales?

V V:Lucharé porque no me afecte, sino que me enriquezca, porque los buenos maestros enseñando aprenden. Eso siempre me decía el gran Fernando Alonso y lo ratificaban las cuatro joyas. Cuando él las puso enseñar, se convirtieron en mejores artistas, y esto está dicho por ellas mismas. Mi voluntad es de entrega en plenitud.

D: ¿Cómo logrará conciliar ambas responsabilidades profesionales? ¿Acaso ya cuenta con el apoyo de sus colegas en estas lides, así como de los miembros del cuerpo de baile?

V V: Cuento con el apoyo de experimentados maestros como Aurora Bosch y el coreógrafo Alberto Méndez, la experimentada Ocilia Pedrera al frente del departamento de “regisserato”. El maestro Lázaro Carreño nos está ayudando sobre todo en entrenar a los jóvenes bailarines en la labor de trabajo de pareja. Además de mantener el antiguo equipo de profesores de la compañía y de sumar en el futuro a otros que pueden aportar desde sus propias experiencias y aprendizajes.

La subdirectora del BNC, Viengsay Valdés, en “Don Quijote”, una de sus “marcas registradas”. Foto: Nancy Reyes (BNC). Archivo Danzahoy.

D: ¿Qué piensa diseñar como novedades en la programación futura de títulos del repertorio? ¿Mantendrá lo previsto para esta temporada de 2019?

V V: En 2019 estoy sujeta a cumplir con los compromisos previos a mi nombramiento, aunque enseguida comencé a reformular propuestas, sobre todo de los programas previstos para presentar en La Habana, y los resultados ya se ven en los escenarios. Así que trato de cumplir con lo establecido y al mismo tiempo ir insertando mis ideas. En cuanto a futuros títulos, por supuesto que habrá novedades, pero prefiero anunciarlas en su momento para mayor sorpresa de mis propios bailarines, a quienes me gustaría entusiasmar primero.

D: ¿Cree que la compañía está en el momento adecuado para revisar el desempeño de su personal artístico activo y consiguientemente, hacer las necesarias promociones, o mantenerlos en los rangos actuales?

V V:Ninguna compañía en el mundo permanece estática, la danza es un arte vivo. El artista se evalúa constantemente. Ojalá los bailarines se convirtieran en sus más férreos evaluadores. Hay mucho talento ahora mismo en la compañía, yo recién asumí el cargo, me estoy familiarizando con todos desde mi nueva responsabilidad, y una de mis primeras medidas fue crear audiciones para los roles de los diferentes personajes, como sucedió en la más reciente temporada de “Cenicienta”. Me interesa mucho que todos entiendan que, sin importar los rangos, la mejor competencia de un artista es cuando compite consigo mismo y además, que sepan que todos somos importantes para construir la imagen del Ballet Nacional de Cuba.

D: ¿Tiene entre sus intenciones, en esta primera etapa, lanzar invitaciones a distinguidos y reconocidos coreógrafos locales o foráneos para enriquecer el repertorio activo del BNC?

V V: Ya lo estoy haciendo. El Premio Nacional de Danza 2004 Alberto Méndez comenzó a re-montar sus obras en la compañía y acaba de crear un pas de deux nuevo para dos jóvenes bailarines, a propósito del Festival La Huella de España. En lo inmediato, la compañía tiene el compromiso inquebrantable de una gira por España y de regreso a Cuba, a fines del verano, comenzaremos a trabajar con creadores cubanos y extranjeros.

En 2018, el BNC cerró el festival “Artes de Cuba” en el Kennedy Center con “Giselle”, protagonizado, entre otras bailarinas, por Viengsay Valdés. Foto: John Rowe. Archivo Danzahoy.

Diez días sin descanso

mgueler — Wed, 08 Nov 2017 22:04:09 +0000

Danza Contemporánea de República Dominicana presentó “Defilló”, de Marianela Boan, en la sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba. Foto: Caroline Becker. Gentileza MB

El 29 de octubre concluyó el XVII Festival internacional de teatro de La Habana, cuya edición de 2017 estuvo signada por un voluminoso catálogo que revelaba los muy diversos modos expresivos de las manifestaciones escénicas aquí representadas: danza, teatro dramático, intervenciones en espacios no convencionales, teatro documental, lecturas dramatizadas, así como propuestas apegadas a las convenciones aristotélicas tradicionales. Cada una de ellas nos provocaron innumerables reflexiones polisémicas, a partir de las “inmanencias” de sus contextos sociales o políticos, si tenemos en cuenta el slogan escogido para esta ocasión: teatro, sociedad y resistencia.

Durante diez días y noches (con perturbadoras lluvias intermitentes), el público aficionado leal asistió consistentemente a más de una quincena de espacios escénicos de la capital cubana, con la finalidad prioritaria de “dialogar” a partir de los espectáculos producidos por destacados creadores de unas doce naciones del planeta y más de 30 agrupaciones locales. En su mayoría, referentes en importantes circuitos del mundo: Alemania, Argentina, Brasil, Canadá, Chile, Francia, Grecia, México, República Dominicana o Uruguay. Todo ello, siempre con las limitaciones económicas reflejadas en la sobria selección internacional. A pesar del fuerte auspicio del Consejo Nacional de las Artes Escénicas del Ministerio cubano de cultura, el patrocinio de varias entidades locales y extranjeras afincadas en la isla, los grupos foráneos han gestionado los fondos necesarios para “estar y compartir” con sus colegas en La Habana.

Las obras

Danza aérea en “Defilló”, obra que rinde homenaje al pintor dominicano, Fernando Peña Defilló. Foto: Caroline Becker. Gentileza MB.

Esta edición del festival teatral habanero ha privilegiado a la danza para su gala inaugural en la Sala García Lorca del Gran Teatro Alicia Alonso, al elegir a la compañía Danza Abierta con su laureada pieza “Welcome”, creada en 2016 por su directora y coreógrafa Susana Pous. En solo 60 minutos los siete afiatados y sensuales cuerpos que la interpretan, logran comunicar intensamente “el abrazo, la bienvenida y la partida, en una isla sin límites, como el de las almas que la ocupan”. Contó con dos bazas más a su favor: la deslumbrante música original del pianista cubano Aldo López-Gavilán y el efectista diseño “instalativo” móvil de la joven artista plástica Mabel Poblet.

Un acierto de los productores de la muestra internacional, resultó la elección de dos presentaciones únicas para clausurar el macro evento de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea de República Dominicana, fundada en 2010 por la iconoclasta y retadora coreógrafa cubana Marianela Boán (ex primera figura de Danza Contemporánea de Cuba). Boán define su agrupación de tres parejas, en el programa de mano, como una sólida formación enfocada “en la tensión entre las nuevas tendencias de la danza mundial y la “dominicanidad” en el más amplio sentido de la palabra”.

La coreógrafa retorna al escenario de sus antiguos éxitos –hace más de dos décadas– de la sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba con su más reciente creación, “Defilló”, como tributo a este inmenso artista de las artes visuales de esta isla caribeña. En poco más de una hora, Boán logra penetrar, con su hermosa y pertinente dinámica coreográfica, el mundo “místico y ontológico” de la obra pictórica del más notable pintor dominicano, Fernando Peña Defilló, premio nacional de artes plásticas de su país.

Defilló falleció el pasado año con 90 años, y prácticamente activo hasta sus últimos días. Era un humanista de vastos conocimientos y profundas inquietudes sociales e intelectuales; de formación académica que navegó en su creación pictórica entre la figuración y la abstracción (en su larga estancia europea, del 1951 al 1963, se integró al informalismo español), también viajó por África y residió un par de años en París, hasta que retornó a su país natal donde residió pintando los últimos 25 años de su partida definitiva. La obra de este excepcional creador puede ser apreciada en el museo que lleva su nombre (por iniciativa del propio maestro y su familia), situado en la Ciudad Colonial de Santo Domingo, considerada como el inmenso legado de 65 años de labor creativa.

La escritura coreográfica desplegada en esta obra, con el magnífico soporte musical debido al destacado compositor belga Wim Mertens –con la intervención incidental de un tema cubano interpretado por el virtuoso pianista cubano Chucho Valdés–, nos introdujo en el vórtice de una personalidad artística de exquisita sensibilidad poética, donde la naturaleza y la condición humana son protagonistas de sus obras.

Si bien algunos recursos escénicos necesarios para la realización plena de la puesta en escena (un gran linóleo blanco, que permitiera disfrutar de las metamorfosis dinámicas de los cuerpos danzante), otros efectos dejaron ver la impronta de una creatividad original y vital, tal como el empleo de un mantel como pantalla sobre la que visualizamos pinturas del artista Defilló. Pinturas que luego se convertirían en cuerpos danzantes vestidos con su habitual paleta de brillantes colores primarios; la secuencia de las naranjas, o la sorprendente danza aérea ejecutada por una espléndida pareja de solistas, la cual nos condujo a un final inesperado detonante de las meritorias ovaciones.

En la gala inaugural la compañía Danza Abierta llevó “Welcome”, creada en 2016 por su directora y coreógrafa Susana Pous. Foto: Archivo Danzahoy. Gentileza Danza Abierta de Cuba.

Otras propuestas

La danza se mantuvo invadiendo los espacios escénicos de la ciudad capital, y de otras subsedes provinciales. Proveniente de la lejana y fría Noruega, nos visitó por tercera vez una notable compañía fundada en 1998 por Jo Stromgrem, bailarín de formación clásica que sufrió una lesión que le impidió seguir su carrera, y sin amilanarse por ello encontró otra vía en la experimentación, donde entrecruza la danza con el teatro, la música en vivo y los lenguajes inventados. Todo lo cual apreciamos y aplaudimos en su pieza “There”, con una superlativa entrega por cuatro intérpretes con una sólida formación integral.

De Francia vinieron dos propuestas disímiles en cuanto a discursos artísticos y tendencias. Primero, pudo verse el unipersonal del coreógrafo –bailarín (sui generis) de origen tunecino Radhouane El Meddeb, bautizado con el título “Bajo sus pies el paraíso”, que evoca entre telones la gestualidad de alguien que viste una burka, el cual luego ingresa en un ritual de experimentación corporal. Durante 50 minutos, se entrega en la búsqueda de la femineidad al perseguir la fuente del sentimiento materno. Los espectadores asistían “a un nuevo nacimiento”, a una experiencia de desnudez total, “ritualizada en el delirio de la celebración y en el frenesí”.

Experimentación y tendencias

El Ballet Nacional de Cuba repuso “Carmen”, versión revisada de la pieza de Alberto Alonso. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

En el Teatro Mella, otro francés, Philippe Quesne, se instaló con su Vivarium Studio para presentarnos la pieza de teatro-danza “El efecto Serge”, creada en 2007 para su actor fetiche Gaetan Vourc´h. Todo el tiempo, está “en una sala de su casa” en la que seis amigos lo visitan, y asisten a una “performance” de tres minutos: procedimiento teatral a medio camino entre “lo amateur” y “el minimalistmo”. Un ritual con humor delirante, en el cual Quesne renueva las convenciones y lo convierte en un espectáculo inclasificable.

Igualmente de Francia, se presentó el coreógrafo Christophe Haleb con la compañía La Zouze con la obra “Entropic”, en el Laboratorio Habana Off. En tanto que coreógrafo experimental, Haleb busca una danza que no posea como meta final el virtuosismo físico, sino lo cotidiano.

Para crear la coreografía, explica Haleb, usamos herramientas de la danza contemporánea para trabajar la presencia, el movimiento desde expresiones del hip hop, skaters… Los danzantes han ido mostrando, entendiendo su gesto, la intimidad, su mundo propio, apuntó.

La muestra cubana de danza tuvo como representantes a algunas de sus más afamadas agrupaciones, como el Ballet Nacional de Cuba con la reposición revisada de la celebrada pieza de Alberto Alonso “Carmen”, esta vez con los debuts de primeras bailarinas en el titular y las revelaciones de jóvenes solistas en los papeles masculinos.

Se sumó también Lizt Alfonso Dance Cuba con su exitosa producción “Fuerza y Compás”, inusitadamente, de gira por tres principales ciudades de Israel, país que no tiene relaciones diplomáticas con Cuba, sin embargo debió cancelar su tour por los Estados Unidos al no conseguir las visas correspondientes. La Compañía JJ de Danzas Tradicionales de Cuba, para festejar los 25 años de su fundación, presentó su obra para toda una noche “Arará”, del folklore de origen africano, producido por su fundador bailarín y coreógrafo Johannes García.