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Volver a las raíces

mgueler — Fri, 30 Oct 2026 20:52:52 +0000

Cartel de “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud”.

La danza tradicional sigue viva, en constante movimiento y transformación por quienes la hacen, reflexionó la reconocida maestra Paula Villaurrutia quien ha creado un montaje que busca reconocer y dar voz a aquellos bailadores y músicos que viven su tradición desde sus propios lugares de origen.

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es el título de la propuesta que la destacada bailarina, coreógrafa, docente, gestora e investigadora hizo en colaboración con dos figuras emblemáticas del arte tradicional de Ometepec, poblado de la Costa Chica de Guerrero: la Banda “De mi tierra”, y el Diablo Mayor “Cuco Mix, a los que conocen desde hace dos décadas.

Tendrá dos funciones peculiares porque se trata de dos escenarios totalmente opuestos entre sí. La primera será el 31 de octubre en la Sala de Conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, y la segunda el 7 de noviembre en la Cancha de la Ermita de este poblado guerrerense.

Con este montaje, la maestra Villaurrutia consolida su singular estilo de revisitar la danza folklórica y tradicional mexicana, abordándolas como medios de expresión y creación escénica para contar historias, crear mundos y personajes de aquellas emociones y situaciones que la habitan y la conectan con el otro.

Cabe destacar que “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es la segunda obra del proyecto “Pasos Danzantes… Testimonial coreográfico de bailadores tradicionales” por el cual la maestra Villaurrutia obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Artes (SNCA) para crear obras basadas en testimoniales de vida de danzantes y/o bailadores de diferentes géneros tradicionales.

El origen

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es la segunda obra del proyecto “Pasos Danzantes…”

La maestra Villaurrutia -quien se ha presentado en importantes recintos como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM y el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del INBAL-, compartió que este montaje tiene un simbolismo especial para ella, ya que su vínculo con la Costa Chica de Guerrero siempre ha sido estrecho: de ahí es su familia, por lo cual guarda profundos recuerdos. Además, durante toda su vida ha viajado constantemente a esta zona que posee una gran diversidad de manifestaciones culturales.

Para la creadora, es importante dejar en claro que “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” va más allá de ser una representación o mostrar la riqueza cultural de esta región. Alejada de nacionalismos, folklorismos o patriotismos, su interés es trascender los cuadros con fines representacionales: “No me interesa que la gente diga qué bonita máscara o mira cuántos colores. Aunque sé que eso es inevitable quisiera que mejor pensaran en qué hay detrás de esa máscara o esos colores. Es algo más profundo, es ese acercamiento con el ser humano y sus emociones lo que me interesa tratar en esta obra”.

La maestra Villaurrutia realizó constantes viajes de la Ciudad de México a Ometepec para recabar testimoniales de vida de varios músicos, danzantes y bailadores de esta zona de la Costa Chica de Guerrero, un proceso enriquecedor y también profundamente retador, pero necesario para comprender a profundidad cómo viven su tradición desde sus propios lugares de origen. Es importante destacar que este montaje es resultado de todos los años de convivencia, de abrevar y adentrarse en esta región, y de un trabajo en conjunto donde todos los involucrados colaboraron para enriquecerlo.

La propuesta

Testimonial coreográfico de bailadores tradicionales.

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es un recorrido escénico de 50 minutos por la memoria, donde se une la tradición y la creación escénica contemporánea, abordando temáticas en torno a la identidad, la memoria, y la pertenencia.

Está conformado por cuatro escenas. La primera refleja la fe y devoción de quienes danzan a través de Carmelo Javier Otero (Cuco Mix), encargado de “La Danza de Diablos” del barrio de la Ermita. La segunda muestra los recuerdos de orgullo y honor del músico y ex danzante Don Bonfilio Santiago, quien en su juventud fue bailante de La Danza de la Conquista y actualmente uno de los músicos más reconocidos de la región. La tercera exalta el valor y el legado de “La Chilena”, género musical y dancístico de la Costa Chica por medio de los testimonios de bailadoras tradicionales. La cuarta aborda la fiesta, al arraigo y fervor de la danza de El Toro de Petate, característica de este poblado guerrerense. Todas cobijadas por un diseño sonoro, acompañamiento visual, música en vivo, así como dispositivos escénicos que potencian y accionan a diferentes personajes que comparten escena.

Al preguntarle qué significa para estos artistas guerrerenses presentarse en la Sala Elisa Carrillo y en su propio poblado, la maestra Villaurrutia compartió que hay una profunda emoción y compromiso porque es la primera vez que ellos serán los protagonistas; si bien están acostumbrados a presentarse en eventos lo han hecho en conjunto, no de manera individual: “Para ellos es un gran compromiso pues están representando su región y lo que ellos son y hacen. Pero estamos cuidando que sean naturales en escena y no se vean forzados. Los estamos cobijando y potencializando”.

En cuanto al sentir de ella, la creadora expuso: “En mí hay compromiso y nervios pues hablamos de una misma obra, pero dos producciones. Por un lado, la Sala y por otro la cancha que debo transformar en un escenario”. Aunque aclaró que en un principio la obra fue visualizada para ser presentada tanto en espacios convencionales como en espacios alternativos.

La autora de “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” señaló que su obra es un reconocimiento a los hacedores de la tradición y una necesidad de acercarnos al ser humano desde sus propios testimoniales, más que ser una pieza monográfica o representativa:

“Me interesa acercar un poco al público al sentir de quienes danzan y tocan en los pueblos, y con ello, comenzar a trascender esa idea de que lo folklórico y/o lo tradicional, es una cosa inamovible, de museo, o hasta enigmática o encasillada sólo a la alegría. Creo que nos falta más ese acercamiento/vínculo desde lo humano, pues desgraciadamente en las ciudades y dentro del sistema capitalista nos han quitado este sentido de comunidad, de legado, de trascendencia, de fe (y lo menciono no desde un sentido religioso). Por eso hablo del arraigo, como aquello que te sostiene a la tierra, aquello que te da pertenencia e identidad, pero también del fervor, que es lo que te conecta con dios, con el universo, con la fuerza creadora. Vivimos entre lo sagrado y lo profano”.

La cofundadora de ARTESA. Tradición. Creación. Escena, está convencida que este tipo de montajes tendrían que dejarse de ver desde ojos “turistas” y saber que aquí y del otro lado del mundo, al ser humano lo mueven por lo general las mismas situaciones: “Los invitaría a ver este montaje porque es un montaje que ha sido hecho desde lo comunitario, desde el amor y sentir de esa región, porque nos acerca a lo que sucede detrás de cada nota que se toca, detrás de cada paso que danza”.

Para la maestra Villaurrutia resultó un reto poner en diálogo a la coreografía y los saberes de las artes escénicas al servicio de la danza tradicional, de aquellos danzantes y bailadores, que desde sus propias historias de vida son los más dignos representantes y promotores de su tradición, entendiendo que cada cuerpo baila con su historia, con su saber, su saber hacer y su saber ser.

Finalmente, la destacada intérprete confesó que este montaje es muy importante dentro de su trayectoria, porque le da la posibilidad de conjuntar los saberes, experiencias búsquedas como coreógrafa: “Es el punto de encuentro entre mi amor por la danza y música tradicional, y la creación escénica contemporánea. Es el poder seguir enunciando lo que me habita y comparto a través de la coreografía y con ello unir géneros, disciplinas, públicos y visiones. Es poder regresar un poco de lo que la danza me ha brindado; pues más allá de “rescatar”, la danza, la creación y la tradición me han rescatado a mí”.

Funciones

*Primera función

Sábado 31 de octubre, 16:00 horas, Sala de Conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario
(Carretera Federal, Los Reyes-Texcoco Km. 14.3, 56250 Texcoco de Mora, Estado de México).

*Segunda función

Sábado 7 de noviembre, 19:00 horas, Cancha de la Ermita de Ometepec, Guerrero
(Calle Niños Héroes y Ermita s/n, Barrio de la Ermita, Ometepec Centro.

Un drama cargado de poesía

mgueler — Thu, 24 Sep 2026 13:21:27 +0000

Mulan, rol interpretado por Tang Xinyi, con el cuerpo de baile de China Ningbo Performance & Arts Group. Foto: Zhou Huanxin.

Cuenta una antigua leyenda china, cuyos orígenes se remontan a la dinastía Wei del Norte, que Hua Mulan, una joven disfrazada de guerrero se une al ejército para evitar que su padre vaya a la guerra. Algunas versiones atribuyen la composición de esta obra a la dinastía Tang. Pero más allá de sus orígenes, y de las diferentes versiones que llegaron hasta la actualidad, también a través de Disney, “Mulan”, llegó a la danza para instalarse como una mega realización en el ballet contemporáneo de acción.

Una producción deslumbrante, que fusiona la tradicional con lo universal, y que incorpora una alta tecnología es el resultado de esta realización que se presentó del 18 al 20 de septiembre en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. La producción del China Ningbo Performance & Arts Group, concebida por Zhou Liya y Han Zhen, despliega una propuesta coreográfica de extraordinaria riqueza escénica que, a su vez, transita por momentos de profundidad emocional.

La coreografía, cuya narrativa es clara, precisa y consistente, abre un espacio que permite indagar en el alma del espectador. La obra recupera la historia de Mulan, y transita por sus contradicciones más profundas con un ritmo intenso. En esta obra, el drama no reside en las hazañas militares de la protagonista, sino en los cuestionamientos internos sobre la propia identidad, que se debate entre el deber y los sentimientos, entre el heroísmo y la vulnerabilidad.

En esta confluencia de danza clásica china, artes marciales, teatro y ballet de acción, la precisión de los desplazamientos, la uniformidad del cuerpo de baile y la potencia física de los movimientos de combate, contrastan con, sutileza de los movimientos y la delicadeza de los gestos de cada personaje. Momentos de una exquisita delicadeza y de una gran fuerza emocional alternan con una narración épica y heroica. En la coreografía de Zhou Liya y Han Zhen el cuerpo encuentra sus propias palabras, cuenta, dice, respira, sufre y trasciende la anécdota.

Tang Xinyi y Hao Ruoqi, quien alterna con Wang Zeng, dl rol del general Wei, en la producción que se presentó en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. Foto: Zhou Huanxin.

La intérprete de Mulan, Tang Xinyi, es una bailarina capaz de transitar por todos los estilos. Extensiones estupendas, equilibrios impecables y un port de bras refinado. Tang Xinyi respira a Mulan como si fuera propia. Ella es la dueña de ese entrañable personaje. Desde el lirismo de sus movimientos en las escenas más íntimas, en su murada ante el espejo, en su ternura y en su contradicción ante el amor se contraponen con secuencias de una enorme exigencia física. Ella es una guerrera enérgica y decidida que cohabita con la joven que añora su hogar y descubre el horror de la guerra. Con pequeños gestos, Tang Xinyi atraviesa con maestría ambas dimensiones.

Wang Zeng, quien encarna al general Wei, es un bailarín de fuerte presencia escénica, con movimientos firmes y contenidos. Su personaje evoluciona y cambia cuando descubre sus sentimientos más ocultos por Mulan. Los encuentros entre ambos protagonistas alcanzan momentos de gran intensidad y belleza. En sus dúos van transitando desde la energía marcial a la relación corporal más íntima, donde los gestos dicen lo que los personajes callan.

El cuerpo de baile constituye otro de los grandes anclajes de esta producción. Los bailarines ejecutan las complejas secuencias de combate con admirable precisión, mientras las bailarinas aportan delicadeza y dramatismo en algunos momentos de evocación y lirismo. Y en medio del drama, “Mulán” encuentra también lugar para el humor, especialmente cuando Mulan debe convivir con los soldados y al mismo tiempo, preservar su identidad.

Las escenas de conjunto son impactantes, tanto por la destreza física de los bailarines sino también por los desplazamientos y la distribución en el espacio escénico. Los grupos se despliegan y se fragmentan con plasticidad y sincronía admirables, y son el hilo conductor de la narración coreográfica. Cada una de las escenas muestra un cuidadoso trabajo teatral y una inteligente programación de ritmo escénico.

La escenografía de Tan Ze’en y la iluminación de Han Jiang contribuyen a la espectacularidad de cada escena. Una plataforma giratoria diseña los espacios y las escenas, desarrolla acciones simultáneas y le da proyección al paisaje. Y en estos distintos planos escénicos, también, como en una secuencia cinematográfica, aparecen las referencias al pasado, los recuerdos de los personajes y permite una delicada transición entre ambas realidades. De esta manera, “Mulan” se convierte en una pieza escénica de enorme belleza.

La música original de Du Ming acompaña con precisión la narración coreográfica. Su partitura combina sonoridades tradicionales chinas con orquestación sinfónica, y potencia cada momento con presencia.

“Mulan” tiene todos los elementos de un drama contemporáneo con una intensidad poco frecuente. En esta obra se reúnen: una coreografía bella, enérgica y sin lugares comunes, una narración clara, excelentes bailarines-intérpretes, y un despliegue escénico deslumbrante. Pero por sobre todas las cosas, “Mulan” es emoción pura desde el principio hasta el fin.

La producción del China Ningbo Performance & Arts Group, con coreografía de Zhou Liya y Han Zhen. Foto: Zhou Huanxin.

Danza y memoria en Times Square

mgueler — Tue, 08 Sep 2026 18:03:26 +0000

“Unforgotten: Butoh for 9/11”. Esta obra colectiva, que cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts. Foto gentileza VT.

El próximo viernes, al cumplirse 25 años del atentado a las Torres Gemelas, en Nueva York, Estados Unidos, rendirán homenaje a las 2.977 víctimas que murieron el 11 de septiembre de 2001 en el World Trade Center. La cifra es apenas una aproximación. Hoy, después de más de dos décadas, han muerto más personas debido a las enfermedades causadas por la toxicidad del aire de aquellos trágicos días y meses que las que murieron el propio día del atentado.

Como parte de esos homenajes que nunca son suficientes para atenuar el dolor, el Vangeline Theater, sede del New York Butoh Institute, presentará el 11 de septiembre a la 1:00 p.m. en Times Square “Unforgotten: Butoh for 9/11”. Esta obra colectiva, que cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts, se creó con el fin de honrar a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre en Nueva York, Filadelfia y Washington DC.

Con una duración de 60 minutos, la pieza, de acceso gratuito, cuenta con coreografía de Vangeline y será interpretada por Dani Cole, Yazmin Gonzalez, Alaisha Sharma, Zo Roze, Madelyn Sher, Eilish Henderson y Suyi Xu, con acompañamiento musical en vivo de la reconocida violonchelista Katinka Kleijn.

Desde hace dos décadas, Vangeline Theater realiza en Nueva York funciones públicas en conmemoración del 11 de septiembre y, durante los últimos diez años, estas presentaciones se realizaron en Times Square, con una dedicatoria especial a los bomberos, policías y demás personas que perdieron la vida durante los atentados.

La elección del Butoh para una fecha de esta naturaleza no es casual. Esta forma de danza japonesa, de carácter meditativo y expresivo, surgida en Japón en la década del 50, pocos años después del lanzamiento de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki, propone una exploración profunda del cuerpo, la memoria y la transformación. Esta “danza de la oscuridad” tomó forma a través de los bailarines Ohno Kazuo y Hijikata Tatsumi. Ambos crearon una serie de técnicas expresivas que intentaban representar la devastación emocional, física y espiritual posterior a la guerra.

En un espacio de enorme visibilidad y carga simbólica como Times Square, la presentación busca generar un ámbito de duelo colectivo y de reflexión artística sobre la pérdida, la resiliencia y la posibilidad de sanar a través del arte.

Al frente del proyecto está Vangeline, coreógrafa, bailarina y docente radicada en Nueva York y especializada en Butoh japonés. Como directora artística del Vangeline Theater/New York Butoh Institute, ha desarrollado una trayectoria centrada tanto en la investigación de esta disciplina como en su actualización desde una perspectiva contemporánea. Su trabajo combina Butoh, activismo y compromiso social, con especial atención a la diversidad, la inclusión y la incorporación de voces históricamente subrepresentadas.

Al frente del proyecto está Vangeline, coreógrafa, bailarina y docente radicada en Nueva York y especializada en Butoh japonés. Foto: Michael Blaze. Gentileza VT.

Vangeline es también fundadora del New York Butoh Institute Festival y de Queer Butoh, además de creadora de The Dream a Dream Project, un programa que lleva esta disciplina a personas privadas de libertad en instituciones penitenciarias del estado de Nueva York. Para la artista, el Butoh puede funcionar como una herramienta de transformación tanto personal como colectiva, capaz de integrar zonas luminosas y oscuras de la experiencia humana.

Su investigación también ha abordado los vínculos entre el Butoh y la neurociencia. En The Slowest Wave, proyecto distinguido en 2022 por el National Endowment for the Arts, exploró esa relación y encabezó un estudio científico sobre los efectos de esta práctica en el cerebro. Su trabajo ha sido presentado internacionalmente y reseñado por medios como The New York Times y Los Angeles Times.

La dimensión sonora de la obra estará a cargo de Katinka Kleijn, violonchelista de formación clásica e integrante de la Chicago Symphony Orchestra y del International Contemporary Ensemble. Reconocida por desarrollar una práctica interdisciplinaria que cruza improvisación, composición, performance y experimentación sonora, Kleijn ha colaborado con artistas como Yo-Yo Ma y ha presentado proyectos en espacios como Carnegie Hall, Lincoln Center y la Library of Congress.

En “Unforgotten: Butoh for 9/11”, movimiento y música se unen para convertir la conmemoración en una experiencia artística compartida. Más que reproducir el pasado, la obra propone habitar la memoria desde el cuerpo y transformar un espacio emblemático de Nueva York en un lugar de recogimiento, homenaje y resistencia.

Desde hace dos décadas, Vangeline Theater realiza en Nueva York funciones públicas en conmemoración del 11 de septiembre. Foto gentileza VT.

La Astrología baila su danza

mgueler — Sun, 23 Aug 2026 15:36:33 +0000

Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea sube al escenario del Teatro Raúl Flores Canelo con una propuesta multidisciplinaria. Foto: Octavio Amador. Gentileza DC.

La salud espiritual de los seres humanos está endeble; la Modernidad ha roto el puente que siempre ha existido entre la humanidad y el Universo. Por ello, sería importante reconstruir dicho lazo a través de una herramienta tan valiosa como la Astrología que, más allá de su función predictiva, posee una mirada introspectiva en torno a la psique humana.

Tal es la reflexión que inspiró al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear “Héroes y Leyendas”, una propuesta dancística con toques multidisciplinarios que se estrenará mundialmente del 27 al 30 de agosto en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes (Cenart).

Se trata de una pieza simbólica para el destacado bailarín y coreógrafo mexicano. Por un lado, porque él es parte del reparto y le genera un enorme gozo pisar el escenario. Por el otro, porque dicha obra forma parte de una trilogía por la cual obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, la cual ha recibido en cuatro ocasiones.

Cabe destacar que este montaje también es un proyecto apoyado por el Programa de Residencias Artísticas en Danza (PRAD) de la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

El origen

La obra “Héroes y Leyendas”está inspirada en la Astrología más popular en Occidente, la llamada greco-caldea, cuya esencia gira en torno a mitos y arquetipos que establecen un sistema de organización del Universo y de la correspondencia de éste con el ser humano.

Sobre la conexión que el coreógrafo tiene con este tema explicó: “La Astrología siempre ha sido un campo de fascinación y misterio en mi vida. Desde niño, los símbolos, los nombres y las imágenes del zodíaco me han intrigado”.

En la actualidad, Ruvalcaba -quien fue maestro durante más de tres décadas en la Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello-, encuentra un profundo sentido al conocimiento astrológico:

“Hoy la Astrología, como punto de reflexión sobre los arquetipos y su organización estructurada, me parece un excelente marco de referencia para dirigir el aprendizaje del inconsciente personal. No me parece tan importante en su parte predictiva, pero sí en su aspecto simbólico y arquetípico, pues provee de un modelo sobre el cual reflexionar pues, como dijo Joseph Campbell, el mito es el mapa del alma humana”.

“Héroes y Leyendas” forma parte de una trilogía cuyo tema central es la Astrología en sus diferentes aspectos. Foto: Octavio Amador. Gentileza DC.

La propuesta

“Héroes y Leyendas” es un montaje de 75 minutos que será interpretada por Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea. La temática gira en torno a la Astrología vista como un cuerpo de conocimiento organizado con base en mitos y arquetipos. Es una analogía de la estructura fundamental de la psique humana, narrando el viaje del alma desde Aries hasta llegar a Piscis. Es un viaje escénico de autodescubrimiento y perfección.

La propuesta está integrada por tres secciones: “La Madre Tierra pariendo a los Dioses”, “El nacimiento de la Humanidad”; así como “El Zodiaco y las Estrellas”. Sobre esta división, su autor explicó que quiso establecer una línea de tiempo y de narrativa como todas las mitologías, donde hay un principio y un momento actual.

Con relación a la elección del título, el multipremiado creador tapatío explica: “El camino del alma humana es el camino del héroe, y se explica mejor, se entiende mejor, desde las leyendas”.

En escena aparecerán ocho bailarines encabezados por el maestro Ruvalcaba Pérez: Antonio Soria, Paulino Medina, Diego Emilio Labra Cajero, Luis Reséndez, Marco Martínez, César Cortés y Rafael Gómez.

Lectura

Más allá de las predicciones, para este creador la Astrología es un campo de conocimiento que puede arrojar, en medio de un mundo caótico, un rayo de luz en torno al misterio del alma humana: “En este momento de consumismo vacuo, la Astrología propone una mirada más amplia e inteligente del misterio de los seres humanos. La Astrología es un mapa organizado y estructurado de la psique humana y así se debe asumir”.

Desde su experiencia propia y de las lecturas que ha hecho en torno al tema, el coreógrafo considera que la Astrología propone alternativas de acción dentro de arquetípicos que existen dentro de todos nosotros y que nos permiten extender nuestro marco de referencia hacia algo mucho más grande e inclusivo: “Realmente, lo que la Astrología hace es referirnos hacia el mapa del universo organizado en una serie de mitos que lo humanizan”.

“Héroes y Leyendas” forma parte de una trilogía que el maestro Ruvalcaba Pérez propuso para obtener la beca del Sistema Nacional de Creadores de Artes en su emisión 2025 y que lleva por nombre “Historias e Intersecciones”. El tema central de las tres obras es la Astrología. La primera está inspirada en la Astrología greco-caldea; la segunda estará basada en la Astrología Azteca y la tercera en la Astrología Maya.

Al preguntarle qué lectura le gustaría que se llevara el espectador después de la función, el maestro respondió: “Que el ser humano tiene capacidad de trascender su tiempo y sus límites proyectándose hacia las estrellas porque, finalmente, somos polvo de estrellas”.

Cuatro funciones en el Teatro Raúl Flores Canelo del Cenart.

Funciones

Obra: “Héroes y Leyendas”
Intérprete: Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea
Fechas: Jueves 27, viernes 28 y sábado 29 de agosto, 19:00 horas. Domingo 30 de agosto, 18:00 horas
Sede: Teatro Raúl Flores Canelo del Cenart
(Av. Churubusco s/n, colonia Country Club. Cerca de la estación General Anaya de la Línea 2 del Metro).

El primer paso

mgueler — Wed, 12 Aug 2026 14:05:53 +0000

El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera se presenta en el Teatro Varsovia. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

En medio de un infinito mar de propuestas contemporáneas, ha nacido en México una compañía independiente que busca alejarse de ideas abstractas para hacer una danza contemplativa que pueda mover las emociones y sensaciones de un público no docto en esta disciplina artística.

Se trata de El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera, quien actualmente forma parte de la prestigiada compañía La Cebra Danza Gay, y en el pasado formó parte del Ballet Independiente; dos grupos icónicos dentro de la historia de la danza nacional.

La compañía de Tavera ya ha emprendido proyectos y ha realizado algunas presentaciones tiempo atrás; sin embargo, será el sábado 15 de agosto cuando haga su presentación oficial ante el público y los medios de comunicación a través de una función especial en el Teatro Varsovia, espacio que ha abierto sus puertas tanto a compañías de renombre como de reciente creación.

Sus raíces

Tavera guarda gratos recuerdos de su infancia vinculados totalmente a la danza. De hecho, podría asegurar que empezó a bailar al mismo tiempo que dio sus primeros pasos. Y es que su madre era bailarina de folclor, por lo que sus primeros años de vida estuvo entre telones, escenarios y salones de ensayos: “Recuerdo que solía dormirme entre las faldas que las bailarinas dejaban en el piso. Bailé durante toda mi niñez y sigo hasta la fecha”, confesó.

El joven bailarín -egresado en la Licenciatura en Danza por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo- cuenta que durante su adolescencia llegó a pensar en estudiar otra carrera, como ingeniería; pero el rumbo de su vida volvió a tomar cauce en la danza cuando, después de ver una función profesional de danza, decidió dedicarse a este arte.

Dentro de la universidad hidalguense Tavera se especializó en ballet; sin embargo, dos momentos fueron determinantes para que el joven coreógrafo optara por el género contemporáneo. Uno, fueron las historias que sus maestros le contaron sobre el extinto Ballet Teatro del Espacio, una de las compañías más importantes que ha tenido nuestro país y que fue dirigida por los maestros Gladiola Orozco y Michel Descombey. Otro, fue la visita que hizo a las instalaciones de Ballet Independiente en la Ciudad de México, donde pudo conocer a la maestra Magnolia Flores y al maestro José Rivera Moya.

“Mis maestros bailaron en Ballet Teatro del espacio y me cautivaron las historias que me contaban del grupo. Me parecía algo mágico y místico y eso me motivo a seguir en el género de contemporáneo. Un día también me invitaron a la capital mexicana a conocer la escuela de Ballet Independiente y después de asistir a varios de sus ensayos me fui involucrando con su trabajo”.

Al preguntarle cuáles ha sido las enseñanzas que le ha dejado ser parte de estos dos grupos y de estar cerca del maestro José Rivera Moya, el director de El Lirio Danza Escénica respondió: “Estar en estos dos grupos es realizar un sueño que jamás pensé que iba a ocurrir. Cuando estudiaba sólo escuchaba historias, pero cuando llegué a estas dos compañías dirigidas por José me encontré con rigor, disciplina y respeto por la danza. Me di cuenta de que su trabajo es un oasis en la danza mexicana. Es de los pocos artistas que tiene un fuerte compromiso con la danza”.

Nueva ventana

Tavera, quien fue acreedor de la beca “Elisa Carrillo” en 2012, explicó que la idea de crear una nueva compañía es porque busca desarrollar sus propias inquietudes artísticas. Si bien se encuentra satisfecho siendo parte de La Cebra Danza Gay y de lo aprendido con el maestro José Rivera Moya, considera que era necesario emprender su proyecto personal:

“Quiero darle salida a mi propia voz y acoger a artistas que tengan mis mismas inquietudes, para desarrollarlas con el compromiso y profesionalismo que he aprendido a lo largo de mi carrera”.

El bailarín está consciente de que son muchas las propuestas de danza contemporánea que existen en México, y por supuesto a nivel internacional. Sin embargo, eso no lo detiene porque considera que hay lugar para todos, además de que su propuesta busca ser lo más empática posible con el público. Confiesa que él como espectador se ha enfrentado a funciones de danza muy conceptuales que lo han hecho cuestionarse qué arte tiene cabida en la actualidad.

Sobre el sello que tiene su compañía El Lirio Danza Escénica explicó: “Hago danza accesible al público. Creo que en la actualidad la danza contemporánea se ha vuelto bastante conceptual, por eso mi danza busca ser más empática y cercana. Me interesa buscar la belleza de las cosas mundanas, hacer una narrativa simple y una estética fácil de apreciar. Afortunadamente he encontrado gente que siente conexión con mi discurso y es justamente la gente que no suele asistir a este tipo de funciones. Y eso es importante porque un gran reto en la danza es atraer a públicos nuevos”.

En cuanto al significado del nombre de la compañía, su joven director explica que busca hacer una analogía, ya que mantener un proyecto dancístico en México no es sencillo debido a la precariedad en la que viven los artistas: “Los lirios son flores que crecen en condiciones naturales adversas y así es en el mundo de la danza, los buenos proyectos pueden salir adelante”.

Por lo que respecta a los integrantes del grupo, para los proyectos que emprendieron previamente hizo una convocatoria vía redes sociales, la cual tuvo gran recepción. Para la etapa actual, El Lirio Danza Escénica está conformada por ocho bailarines procedentes de diferentes entidades del país: Ixchel Rivera (Durango), Laura Valenzuela (Tamaulipas), Abraham Bailón (CDMX), René Mendoza (Veracruz), Orlando Ceballos, Rolando Guevara y Luis Tavira (Estado de México).

“Entelequia”, “Tarde de cigarras”, “Procesión” y “Sones y Claveles” son las cuatro obras que presenta la nueva compañía. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

Mantener un sueño

Tanto Tavira como los bailarines del grupo están conscientes de que mantener una compañía de danza en México no es tarea fácil. Sin embargo, eso no los va a detener porque hacer arte es su prioridad.

Cada uno de los integrantes tiene un trabajo externo que les permite solventar los gastos de su proyecto, además de algunos apoyos que han conseguido, como el que les dio en su momento el programa Escenarios IMSS Cultura, el Sistema Colectivo Metro y la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

“Económicamente nos mantenemos nosotros, pero ha valido la pena seguir con este sueño. Cierto que es difícil continuar frente al panorama de la danza mexicana, pero no nos abruma que hay menos apoyo a la cultura. Claro que no estamos peleados con la idea de hacer dinero, pero lo que nosotros queremos es darle sentido a nuestra vida y ese sentido es hacer danza”, enfatizó Tavira.

Finalmente, el director de la compañía hizo un llamado para que los gestores trabajen más de cerca con los grupos independientes, de tal manera que contribuyan a su existencia

La función

Para su presentación oficial, El Lirio Danza Escénica ha preparado un programa especial integrado por cuatro coreografías que representan el sello de la compañía. Una de ella es “Entelequia”, una mirada contemplativa de momentos íntimos de personas. Otra es “Tarde de cigarras” que retrata la parte autodestructiva de los seres humanos. También está contemplada “Procesión”, que es un llamado a la resiliencia y con la cual el grupo participó dentro del Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea Inbal-UNAM en 2024; así como “Sones y Claveles” inspirada en los sones veracruzanos donde los elementos tradicionales se mezclan con la danza moderna mexicana.

El Teatro Varsovia se encuentra en la calle de Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia.

Un nuevo desafío

mgueler — Tue, 23 Jun 2026 17:21:20 +0000

Miu Kim, de South Korea, presenta “SRAA”, obra que explora las sensaciones del cuerpo y su relación con la conducta y el movimiento. Foto: Sung-Kim. Gentileza QBF.

Cuando ya se cumple una década de espectáculos en los que la base fue la experimentación corporal, el Queer Butoh Festival regresa a la ciudad de Nueva York con cuatro noches de propuestas interdisciplinarias que exploran el panorama en constante evolución del butoh en Nueva York y en el mundo. La edición de este año, que se realiza desde el 24 al 27 de junio en el The Brick Theater, en Brooklyn, reúne a artistas locales e internacionales que llegan de México, Bélgica, Corea del Sur, Singapur, Chile y distintas regiones de Estados Unidos. Cada uno de estos intérpretes tiene como objetivo destacar el butoh como una forma artística global y en permanente transformación, basada en la experimentación, la presencia escénica y el cambio.

Durante las cuatro jornadas el Festival propone presentaciones de Fana Muñoz y Moisés Regla (México), Camille Raséra (Bélgica), Miu Kim (Corea del Sur) y Dani Cole (Nueva York).

Entre los artistas invitados también figuran los neoyorquinos Milo Longenecker (24 y 25 de junio), Zo Roze (24 y 27 de junio), Oscar Suh-Rodriguez (25 y 26 de junio), Eric Lichtenstein (26 de junio) y Robyn Wong Min Xuan (27 de junio).

Detrás de este Festival está Vangeline, docente, coreógrafa y bailarina radicada en Nueva York, especializada en butoh japonés, dirige el Vangeline Theater y el New York Butoh Institute, y es reconocida por su enfoque riguroso de investigación y por su trabajo para ampliar la relevancia contemporánea del butoh en el siglo XXI.
Esta expresión artística japonesa de danza-teatro japonesa impulsada a fines de la década de 1950 por Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, surgió como una reacción a las formas tradicionales japonesas y a la influencia de la danza occidental. Sus pioneros buscaron una forma de expresión que permitiera explorar aspectos profundos de la condición humana: la memoria, el dolor, la transformación, la muerte, el deseo, la fragilidad y la relación con la naturaleza.

El 25 de junio Oscar Suh-Rodriguez sube a escena “Butterfly Harvest” (Cosecha de mariposas). Foto: Ava Pellor. Gentileza QBF.

Sin alejarse en absoluto de esa base originaria, Vangeline, desde su propia producción promueve activamente la diversidad y la inclusión, con el fin de generar espacios para voces históricamente subrepresentadas y proyectar el legado del butoh a través de la investigación, el activismo y la creación contemporánea.

Al frente de una compañía integrada exclusivamente por mujeres, Vangeline desarrolla obras coreográficas que articulan el butoh con problemáticas sociales. Es fundadora del New York Butoh Institute Festival, dedicado a visibilizar a las mujeres dentro de esta disciplina, y también creadora del Queer Butoh Festival, centrado en las voces LGBTQ+. A su vez, impulsa el proyecto “Dream a Dream”, un programa premiado que desde hace dieciocho años lleva prácticas de butoh a instituciones penitenciarias del estado de Nueva York.

En el centro de su filosofía artística se encuentra la convicción de que el butoh puede funcionar como una herramienta de transformación tanto individual como colectiva. Su trabajo busca integrar la totalidad de la experiencia humana -la belleza y la oscuridad- al tiempo que recupera voces históricamente marginadas.

Las coreografías de Vangeline han sido presentadas en Chile, Alemania, Italia, Francia, Finlandia, Dinamarca, Reino Unido, México, Hong Kong, Singapur y Taiwán. Entre sus reconocimientos recientes: dos becas del National Endowment for the Arts para su próxima obra “Unforgotten: Butoh for 9/11” y otra en 2022 por “The Slowest Wave”, un proyecto dedicado a explorar la relación entre el butoh y la neurociencia. También recibió una residencia Gibney Dance (2022-2023), una beca de coreografía de New York Foundation for the Arts y del New York State Council on the Arts (2018), el Gibney Dance Social Action Award (2015) y el Janet Arnold Award de la Society of Antiquaries of London (2019). Recientemente obtuvo una prestigiosa beca académica en Wadham College para el ciclo 2026-2027.

Es autora del libro “Butoh: Cradling Empty Space”, donde analiza los vínculos entre el butoh y la neurociencia. También lideró el primer estudio científico dedicado a medir los efectos del butoh sobre el cerebro, en el marco del proyecto The Slowest Wave. Su nueva creación, “MAN WOMAN”, realizada junto a Machine Dazzle y Ray Barragan Sweeten, tuvo su estreno en el La MaMa Moves Festival y será presentada en septiembre en el Schwarzman Centre de la Universidad de Oxford. Asimismo, interpretará su nuevo solo Naiad Metal en el Lincoln Center entre el 5 y el 8 de agosto de 2026.

2026 Queer Butoh Festival

Vangeline Theater / New York Butoh Institute tiene como misión preservar la integridad y el legado del butoh japonés, proyectándolo hacia el futuro mediante programas de educación, justicia social, investigación y archivo. A través de la danza, el ritual, el sonido y la actuación interdisciplinaria, el Festival reafirma su compromiso con la expresión queer, la exploración artística y el intercambio cultural.

2026 Queer Butoh Festival

Desde el 24 al 27 de junio a las 8pm

The Brick Theater
579 Metropolitan Ave,
Brooklyn, 11211

Entradas: hacer clic aquí.
Más información:
https://www.bricktheater.com/event/queer-butoh-festival-2026/2026-06-24/

Un imprescindible de la danza

mgueler — Sun, 08 Feb 2026 22:12:59 +0000

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”, de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.

Con alma y cuerpo

mgueler — Sat, 01 Nov 2025 13:25:02 +0000

“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

Danza para todos

mgueler — Fri, 05 Sep 2025 20:49:47 +0000

“Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7 de septiembre. Foto: Gerardo Castillo.

La danza es un arte para todos, más cuando a través de esta disciplina artística se abordan temas cruciales que tocan el corazón del espectador, reflexiona la bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia quien, convencida del poder social de esta expresión corporal, se postuló para ser parte de la programación del programa Escenarios IMSS-Cultura, logrando su objetivo.

Será durante el mes de septiembre cuando la destacada artista escénica ofrecerá seis funciones gratuitas de su obra “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7, y en el Teatro Tepeyac el 16 y 17, ambos recintos emblemáticos de toda la red Teatral del IMSS en el país.

Para Villaurrutia, ser parte de este programa es un honor, ya que son muchos los artistas escénicos que se postulan debido a los alcances sociales que tiene: “Haber sido aceptada representa un logro para mí como artista. Estoy agradecida con el IMSS por permitirme llegar a otras poblaciones con estas flores blancas que están renaciendo para seguir sanando a más gente”.

Cabe destacar que Escenarios IMSS-Cultura es un proyecto que busca difundir expresiones artísticas, garantizando que más personas puedan acceder a actividades culturales de calidad. Es impulsado por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

Bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia. Foto: Liliana Velazquez

Las expectativas que tiene la bailarina con estas funciones son grandes, ya que está convenida que la danza, al igual que todas las artes escénicas, tiene el poder de conectar con cualquier espectador que tenga la posibilidad de ocupar una butaca: “A mí me cambió la vida ir a un teatro; gracias a mis papás que me llevaron al teatro fue que descubrí la danza, la magia del arte escénico. En ese sentido, quiero compartir con la gente esa magia que se vive en el teatro, que experimente desde la butaca desde que se abre el telón. Mi arte jamás lo he hecho con un afán clasista. Todo lo contrario, el arte es para todos”.

Para estar a la altura del programa Escenarios IMSS-Cultura, Villaurrutia -quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores-, eligió su coreografía “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) porque es una de las obras que más satisfacciones le ha dado en la escena mexicana; desde su estreno en 2018, se ha presentado en los principales escenarios de nuestro país como la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque del Inbal y el Centro Nacional de las Artes, entre otros.

Se trata de un unipersonal que nace desde la danza tradicional con una mirada y tratamiento contemporáneo para abordar los conflictos surgidos entre una mente y cuerpo alterados por estados de ansiedad, estrés y/o depresión, que hacen referencia al padecimiento que, entre las culturas indígenas, es conocido como “Tiricia” (enfermedad del alma).

La pieza está basada en los textos “La Tiricia” de Rubén Luengas y “Trenzaré mi tristeza” de Paola Klug, así como en diferentes géneros musicales tradicionales de México (como el son jarocho, huasteco, arribeño y la chilena). Se cuenta que las personas que tienen la enfermedad de la tiricia no pueden llorar, se les va el hambre y suelen tener pesadillas. Entre sus remedios se encuentran el ir a recoger flores blancas y tirarlas a un río para que este se lleve la tristeza.

Al preguntarle a la creadora cuál es el simbolismo de elegir esta pieza para los teatros del IMSS explica: “’Flores blancas’ es una obra que quiero mucho. Desde su estreno, la gente ha conectado con ella porque todos hemos enfrentado enfermedades del alma, como la depresión y la ansiedad. Me entusiasma poder brindar una obra que plantea la esperanza del renacer y el mensaje de que sí se puede salir adelante. Es una visión muy humana que conecta. Quiero que mi obra tenga esta utilidad, de tocar almas, de tocar corazones. Estoy convencida que hay piezas que curan el alma. Creo en el poder sanador de las artes, de la danza y he tratado de brindar con mi arte momentos de liberación, de catarsis, de experiencias sensitivas”.

Finalmente, Villaurrutia reiteró su agradecimiento a Escenarios IMSS-Cultura porque le permite seguir cumpliendo su sueño de girar esta coreografía y llegar a más espectadores.

FUNCIONES “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede)

Teatro Legaria
Viernes 5 de septiembre, 18:00 horas; sábado 6 y domingo 7 de septiembre, 13:00 horas.
(Calzada Legaria esquina Lago Gran oso, colonia Pensil, alcaldía Miguel Hidalgo)

Teatro Tepeyac
Martes 16 de septiembre, 10:00 horas; miércoles 17 de septiembre, 10:00 y 16:00 horas.
(Calzada de Guadalupe 497, colonia Estrella, alcaldía Gustavo A. Madero)