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El primer paso

mgueler — Wed, 12 Aug 2026 14:05:53 +0000

El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera se presenta en el Teatro Varsovia. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

En medio de un infinito mar de propuestas contemporáneas, ha nacido en México una compañía independiente que busca alejarse de ideas abstractas para hacer una danza contemplativa que pueda mover las emociones y sensaciones de un público no docto en esta disciplina artística.

Se trata de El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera, quien actualmente forma parte de la prestigiada compañía La Cebra Danza Gay, y en el pasado formó parte del Ballet Independiente; dos grupos icónicos dentro de la historia de la danza nacional.

La compañía de Tavera ya ha emprendido proyectos y ha realizado algunas presentaciones tiempo atrás; sin embargo, será el sábado 15 de agosto cuando haga su presentación oficial ante el público y los medios de comunicación a través de una función especial en el Teatro Varsovia, espacio que ha abierto sus puertas tanto a compañías de renombre como de reciente creación.

Sus raíces

Tavera guarda gratos recuerdos de su infancia vinculados totalmente a la danza. De hecho, podría asegurar que empezó a bailar al mismo tiempo que dio sus primeros pasos. Y es que su madre era bailarina de folclor, por lo que sus primeros años de vida estuvo entre telones, escenarios y salones de ensayos: “Recuerdo que solía dormirme entre las faldas que las bailarinas dejaban en el piso. Bailé durante toda mi niñez y sigo hasta la fecha”, confesó.

El joven bailarín -egresado en la Licenciatura en Danza por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo- cuenta que durante su adolescencia llegó a pensar en estudiar otra carrera, como ingeniería; pero el rumbo de su vida volvió a tomar cauce en la danza cuando, después de ver una función profesional de danza, decidió dedicarse a este arte.

Dentro de la universidad hidalguense Tavera se especializó en ballet; sin embargo, dos momentos fueron determinantes para que el joven coreógrafo optara por el género contemporáneo. Uno, fueron las historias que sus maestros le contaron sobre el extinto Ballet Teatro del Espacio, una de las compañías más importantes que ha tenido nuestro país y que fue dirigida por los maestros Gladiola Orozco y Michel Descombey. Otro, fue la visita que hizo a las instalaciones de Ballet Independiente en la Ciudad de México, donde pudo conocer a la maestra Magnolia Flores y al maestro José Rivera Moya.

“Mis maestros bailaron en Ballet Teatro del espacio y me cautivaron las historias que me contaban del grupo. Me parecía algo mágico y místico y eso me motivo a seguir en el género de contemporáneo. Un día también me invitaron a la capital mexicana a conocer la escuela de Ballet Independiente y después de asistir a varios de sus ensayos me fui involucrando con su trabajo”.

Al preguntarle cuáles ha sido las enseñanzas que le ha dejado ser parte de estos dos grupos y de estar cerca del maestro José Rivera Moya, el director de El Lirio Danza Escénica respondió: “Estar en estos dos grupos es realizar un sueño que jamás pensé que iba a ocurrir. Cuando estudiaba sólo escuchaba historias, pero cuando llegué a estas dos compañías dirigidas por José me encontré con rigor, disciplina y respeto por la danza. Me di cuenta de que su trabajo es un oasis en la danza mexicana. Es de los pocos artistas que tiene un fuerte compromiso con la danza”.

Nueva ventana

Tavera, quien fue acreedor de la beca “Elisa Carrillo” en 2012, explicó que la idea de crear una nueva compañía es porque busca desarrollar sus propias inquietudes artísticas. Si bien se encuentra satisfecho siendo parte de La Cebra Danza Gay y de lo aprendido con el maestro José Rivera Moya, considera que era necesario emprender su proyecto personal:

“Quiero darle salida a mi propia voz y acoger a artistas que tengan mis mismas inquietudes, para desarrollarlas con el compromiso y profesionalismo que he aprendido a lo largo de mi carrera”.

El bailarín está consciente de que son muchas las propuestas de danza contemporánea que existen en México, y por supuesto a nivel internacional. Sin embargo, eso no lo detiene porque considera que hay lugar para todos, además de que su propuesta busca ser lo más empática posible con el público. Confiesa que él como espectador se ha enfrentado a funciones de danza muy conceptuales que lo han hecho cuestionarse qué arte tiene cabida en la actualidad.

Sobre el sello que tiene su compañía El Lirio Danza Escénica explicó: “Hago danza accesible al público. Creo que en la actualidad la danza contemporánea se ha vuelto bastante conceptual, por eso mi danza busca ser más empática y cercana. Me interesa buscar la belleza de las cosas mundanas, hacer una narrativa simple y una estética fácil de apreciar. Afortunadamente he encontrado gente que siente conexión con mi discurso y es justamente la gente que no suele asistir a este tipo de funciones. Y eso es importante porque un gran reto en la danza es atraer a públicos nuevos”.

En cuanto al significado del nombre de la compañía, su joven director explica que busca hacer una analogía, ya que mantener un proyecto dancístico en México no es sencillo debido a la precariedad en la que viven los artistas: “Los lirios son flores que crecen en condiciones naturales adversas y así es en el mundo de la danza, los buenos proyectos pueden salir adelante”.

Por lo que respecta a los integrantes del grupo, para los proyectos que emprendieron previamente hizo una convocatoria vía redes sociales, la cual tuvo gran recepción. Para la etapa actual, El Lirio Danza Escénica está conformada por ocho bailarines procedentes de diferentes entidades del país: Ixchel Rivera (Durango), Laura Valenzuela (Tamaulipas), Abraham Bailón (CDMX), René Mendoza (Veracruz), Orlando Ceballos, Rolando Guevara y Luis Tavira (Estado de México).

“Entelequia”, “Tarde de cigarras”, “Procesión” y “Sones y Claveles” son las cuatro obras que presenta la nueva compañía. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

Mantener un sueño

Tanto Tavira como los bailarines del grupo están conscientes de que mantener una compañía de danza en México no es tarea fácil. Sin embargo, eso no los va a detener porque hacer arte es su prioridad.

Cada uno de los integrantes tiene un trabajo externo que les permite solventar los gastos de su proyecto, además de algunos apoyos que han conseguido, como el que les dio en su momento el programa Escenarios IMSS Cultura, el Sistema Colectivo Metro y la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

“Económicamente nos mantenemos nosotros, pero ha valido la pena seguir con este sueño. Cierto que es difícil continuar frente al panorama de la danza mexicana, pero no nos abruma que hay menos apoyo a la cultura. Claro que no estamos peleados con la idea de hacer dinero, pero lo que nosotros queremos es darle sentido a nuestra vida y ese sentido es hacer danza”, enfatizó Tavira.

Finalmente, el director de la compañía hizo un llamado para que los gestores trabajen más de cerca con los grupos independientes, de tal manera que contribuyan a su existencia

La función

Para su presentación oficial, El Lirio Danza Escénica ha preparado un programa especial integrado por cuatro coreografías que representan el sello de la compañía. Una de ella es “Entelequia”, una mirada contemplativa de momentos íntimos de personas. Otra es “Tarde de cigarras” que retrata la parte autodestructiva de los seres humanos. También está contemplada “Procesión”, que es un llamado a la resiliencia y con la cual el grupo participó dentro del Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea Inbal-UNAM en 2024; así como “Sones y Claveles” inspirada en los sones veracruzanos donde los elementos tradicionales se mezclan con la danza moderna mexicana.

El Teatro Varsovia se encuentra en la calle de Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia.

Un nuevo desafío

mgueler — Tue, 23 Jun 2026 17:21:20 +0000

Miu Kim, de South Korea, presenta “SRAA”, obra que explora las sensaciones del cuerpo y su relación con la conducta y el movimiento. Foto: Sung-Kim. Gentileza QBF.

Cuando ya se cumple una década de espectáculos en los que la base fue la experimentación corporal, el Queer Butoh Festival regresa a la ciudad de Nueva York con cuatro noches de propuestas interdisciplinarias que exploran el panorama en constante evolución del butoh en Nueva York y en el mundo. La edición de este año, que se realiza desde el 24 al 27 de junio en el The Brick Theater, en Brooklyn, reúne a artistas locales e internacionales que llegan de México, Bélgica, Corea del Sur, Singapur, Chile y distintas regiones de Estados Unidos. Cada uno de estos intérpretes tiene como objetivo destacar el butoh como una forma artística global y en permanente transformación, basada en la experimentación, la presencia escénica y el cambio.

Durante las cuatro jornadas el Festival propone presentaciones de Fana Muñoz y Moisés Regla (México), Camille Raséra (Bélgica), Miu Kim (Corea del Sur) y Dani Cole (Nueva York).

Entre los artistas invitados también figuran los neoyorquinos Milo Longenecker (24 y 25 de junio), Zo Roze (24 y 27 de junio), Oscar Suh-Rodriguez (25 y 26 de junio), Eric Lichtenstein (26 de junio) y Robyn Wong Min Xuan (27 de junio).

Detrás de este Festival está Vangeline, docente, coreógrafa y bailarina radicada en Nueva York, especializada en butoh japonés, dirige el Vangeline Theater y el New York Butoh Institute, y es reconocida por su enfoque riguroso de investigación y por su trabajo para ampliar la relevancia contemporánea del butoh en el siglo XXI.
Esta expresión artística japonesa de danza-teatro japonesa impulsada a fines de la década de 1950 por Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, surgió como una reacción a las formas tradicionales japonesas y a la influencia de la danza occidental. Sus pioneros buscaron una forma de expresión que permitiera explorar aspectos profundos de la condición humana: la memoria, el dolor, la transformación, la muerte, el deseo, la fragilidad y la relación con la naturaleza.

El 25 de junio Oscar Suh-Rodriguez sube a escena “Butterfly Harvest” (Cosecha de mariposas). Foto: Ava Pellor. Gentileza QBF.

Sin alejarse en absoluto de esa base originaria, Vangeline, desde su propia producción promueve activamente la diversidad y la inclusión, con el fin de generar espacios para voces históricamente subrepresentadas y proyectar el legado del butoh a través de la investigación, el activismo y la creación contemporánea.

Al frente de una compañía integrada exclusivamente por mujeres, Vangeline desarrolla obras coreográficas que articulan el butoh con problemáticas sociales. Es fundadora del New York Butoh Institute Festival, dedicado a visibilizar a las mujeres dentro de esta disciplina, y también creadora del Queer Butoh Festival, centrado en las voces LGBTQ+. A su vez, impulsa el proyecto “Dream a Dream”, un programa premiado que desde hace dieciocho años lleva prácticas de butoh a instituciones penitenciarias del estado de Nueva York.

En el centro de su filosofía artística se encuentra la convicción de que el butoh puede funcionar como una herramienta de transformación tanto individual como colectiva. Su trabajo busca integrar la totalidad de la experiencia humana -la belleza y la oscuridad- al tiempo que recupera voces históricamente marginadas.

Las coreografías de Vangeline han sido presentadas en Chile, Alemania, Italia, Francia, Finlandia, Dinamarca, Reino Unido, México, Hong Kong, Singapur y Taiwán. Entre sus reconocimientos recientes: dos becas del National Endowment for the Arts para su próxima obra “Unforgotten: Butoh for 9/11” y otra en 2022 por “The Slowest Wave”, un proyecto dedicado a explorar la relación entre el butoh y la neurociencia. También recibió una residencia Gibney Dance (2022-2023), una beca de coreografía de New York Foundation for the Arts y del New York State Council on the Arts (2018), el Gibney Dance Social Action Award (2015) y el Janet Arnold Award de la Society of Antiquaries of London (2019). Recientemente obtuvo una prestigiosa beca académica en Wadham College para el ciclo 2026-2027.

Es autora del libro “Butoh: Cradling Empty Space”, donde analiza los vínculos entre el butoh y la neurociencia. También lideró el primer estudio científico dedicado a medir los efectos del butoh sobre el cerebro, en el marco del proyecto The Slowest Wave. Su nueva creación, “MAN WOMAN”, realizada junto a Machine Dazzle y Ray Barragan Sweeten, tuvo su estreno en el La MaMa Moves Festival y será presentada en septiembre en el Schwarzman Centre de la Universidad de Oxford. Asimismo, interpretará su nuevo solo Naiad Metal en el Lincoln Center entre el 5 y el 8 de agosto de 2026.

2026 Queer Butoh Festival

Vangeline Theater / New York Butoh Institute tiene como misión preservar la integridad y el legado del butoh japonés, proyectándolo hacia el futuro mediante programas de educación, justicia social, investigación y archivo. A través de la danza, el ritual, el sonido y la actuación interdisciplinaria, el Festival reafirma su compromiso con la expresión queer, la exploración artística y el intercambio cultural.

2026 Queer Butoh Festival

Desde el 24 al 27 de junio a las 8pm

The Brick Theater
579 Metropolitan Ave,
Brooklyn, 11211

Entradas: hacer clic aquí.
Más información:
https://www.bricktheater.com/event/queer-butoh-festival-2026/2026-06-24/

Un imprescindible de la danza

mgueler — Sun, 08 Feb 2026 22:12:59 +0000

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”, de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.

Con alma y cuerpo

mgueler — Sat, 01 Nov 2025 13:25:02 +0000

“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

Danza para todos

mgueler — Fri, 05 Sep 2025 20:49:47 +0000

“Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7 de septiembre. Foto: Gerardo Castillo.

La danza es un arte para todos, más cuando a través de esta disciplina artística se abordan temas cruciales que tocan el corazón del espectador, reflexiona la bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia quien, convencida del poder social de esta expresión corporal, se postuló para ser parte de la programación del programa Escenarios IMSS-Cultura, logrando su objetivo.

Será durante el mes de septiembre cuando la destacada artista escénica ofrecerá seis funciones gratuitas de su obra “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7, y en el Teatro Tepeyac el 16 y 17, ambos recintos emblemáticos de toda la red Teatral del IMSS en el país.

Para Villaurrutia, ser parte de este programa es un honor, ya que son muchos los artistas escénicos que se postulan debido a los alcances sociales que tiene: “Haber sido aceptada representa un logro para mí como artista. Estoy agradecida con el IMSS por permitirme llegar a otras poblaciones con estas flores blancas que están renaciendo para seguir sanando a más gente”.

Cabe destacar que Escenarios IMSS-Cultura es un proyecto que busca difundir expresiones artísticas, garantizando que más personas puedan acceder a actividades culturales de calidad. Es impulsado por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

Bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia. Foto: Liliana Velazquez

Las expectativas que tiene la bailarina con estas funciones son grandes, ya que está convenida que la danza, al igual que todas las artes escénicas, tiene el poder de conectar con cualquier espectador que tenga la posibilidad de ocupar una butaca: “A mí me cambió la vida ir a un teatro; gracias a mis papás que me llevaron al teatro fue que descubrí la danza, la magia del arte escénico. En ese sentido, quiero compartir con la gente esa magia que se vive en el teatro, que experimente desde la butaca desde que se abre el telón. Mi arte jamás lo he hecho con un afán clasista. Todo lo contrario, el arte es para todos”.

Para estar a la altura del programa Escenarios IMSS-Cultura, Villaurrutia -quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores-, eligió su coreografía “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) porque es una de las obras que más satisfacciones le ha dado en la escena mexicana; desde su estreno en 2018, se ha presentado en los principales escenarios de nuestro país como la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque del Inbal y el Centro Nacional de las Artes, entre otros.

Se trata de un unipersonal que nace desde la danza tradicional con una mirada y tratamiento contemporáneo para abordar los conflictos surgidos entre una mente y cuerpo alterados por estados de ansiedad, estrés y/o depresión, que hacen referencia al padecimiento que, entre las culturas indígenas, es conocido como “Tiricia” (enfermedad del alma).

La pieza está basada en los textos “La Tiricia” de Rubén Luengas y “Trenzaré mi tristeza” de Paola Klug, así como en diferentes géneros musicales tradicionales de México (como el son jarocho, huasteco, arribeño y la chilena). Se cuenta que las personas que tienen la enfermedad de la tiricia no pueden llorar, se les va el hambre y suelen tener pesadillas. Entre sus remedios se encuentran el ir a recoger flores blancas y tirarlas a un río para que este se lleve la tristeza.

Al preguntarle a la creadora cuál es el simbolismo de elegir esta pieza para los teatros del IMSS explica: “’Flores blancas’ es una obra que quiero mucho. Desde su estreno, la gente ha conectado con ella porque todos hemos enfrentado enfermedades del alma, como la depresión y la ansiedad. Me entusiasma poder brindar una obra que plantea la esperanza del renacer y el mensaje de que sí se puede salir adelante. Es una visión muy humana que conecta. Quiero que mi obra tenga esta utilidad, de tocar almas, de tocar corazones. Estoy convencida que hay piezas que curan el alma. Creo en el poder sanador de las artes, de la danza y he tratado de brindar con mi arte momentos de liberación, de catarsis, de experiencias sensitivas”.

Finalmente, Villaurrutia reiteró su agradecimiento a Escenarios IMSS-Cultura porque le permite seguir cumpliendo su sueño de girar esta coreografía y llegar a más espectadores.

FUNCIONES “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede)

Teatro Legaria
Viernes 5 de septiembre, 18:00 horas; sábado 6 y domingo 7 de septiembre, 13:00 horas.
(Calzada Legaria esquina Lago Gran oso, colonia Pensil, alcaldía Miguel Hidalgo)

Teatro Tepeyac
Martes 16 de septiembre, 10:00 horas; miércoles 17 de septiembre, 10:00 y 16:00 horas.
(Calzada de Guadalupe 497, colonia Estrella, alcaldía Gustavo A. Madero)

Una mirada diferente

mgueler — Sun, 16 Jul 2023 14:07:33 +0000

Nora Robles y Pedro Calveyra forman parte de esta experiencia que sobrepasó las expectativas de concurrencia. Foto gentileza CCB.

El 6 de julio comenzó un nuevo programa de tango en el Centro Cultural Borges. Esta vez, con una de las grandes figuras de la danza que supo fusionar el tango con el lenguaje contemporáneo. Ana María Stekelman, creadora de la compañía Tangokinesis y de una serie de obras que marcaron un antes y un después en la historia de la danza argentina, se lanzó con un proyecto innovador: el Laboratorio de investigación coreográfica: Tango Moderno “Composición Coreográfica”. Cuatro encuentros en los que los bailarines trabajarán sobre composición coreográfica con el tango.

El trabajo continúa todos los jueves hasta el 20 de julio, de 15 a 18 horas en la Sala Tita Merello, y el jueves 27, de 18.30 a 19.30 horas se realizará una presentación gratuita, abierta al público con inscripción previa.

Esta propuesta consiste en comprender la evolución del tango y sus infinitas posibilidades de cambiar, sin perder su esencia y su raíz. Para lograr ese objetivo la propuesta se basa en la improvisación, la musicalidad, la forma y el espacio. Stekelman, con la asistencia de dos de sus bailarines de Tangokinesis, Nora Robles y Pedro Calveyra, conduce esta experiencia que sobrepasó las expectativas de concurrencia.

La coreógrafa, una de las fundadoras del emblemático Ballet Contemporáneo y del Taller de Danza del Teatro San Martín (C.A.B.A), realizó numerosas obras para Julio Bocca y el Ballet Argentino, para el Teatro Colón, y otros renombrados Ballets en el exterior. Para el cine, realizó la coreografía de Tango de Carlos Saura y Tetro de Francis Ford Coppola. Recibió el premio American Choreography Award y fue Nominada al Premio Benois de la Danse del Teatro Bolshoi de Moscú. En Argentina, recibió los premios María Ruanova a la trayectoria, el premio Konex de Platino como la mejor coreógrafa de la última década (2009) y el premio a la Trayectoria otorgado por el Fondo Nacional de las Artes (2012). Además, es Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires.

En 1993, Stekelman presentó en el Teatro Andamio en forma oficial Tangokinesis, su compañía de danza y tango. Una propuesta que revolucionó el ámbito de la danza contemporánea y también del tango. Así la coreógrafa fue fusionando esta danza popular con otros géneros musicales y estéticos. Desde su debut, Tangokinesis ha participado en varios festivales de danza y películas.