La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

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A mediados de abril Viengsay Valdés protagonizó “Cenicienta” junto al Ballet Nacional de Cuba en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Fota: Nancy Reyes. Gentileza BNC.

Una nueva etapa del Ballet Nacional de Cuba (BNC) –fundado en 1948 por el triunvirato Alonso, Fernando, Alicia y Alberto-, se inicia con el nombramiento de Viengsay Valdés como subdirectora artística de la compañía. Una de sus más brillantes primeras bailarinas compartirá esta responsabilidad junto con la sempiterna directora general, la “prima ballerina assoluta” Alicia Alonso.

Su característica principal es entregarse con pasión, rigor y disciplina al arte del ballet, y a partir de este reciente desafío que comenzó el 22 de enero, la primera bailarina, cuyo nombre, de origen laosiano, significa Victoria, fue demostrando en estos primeros meses con cuánta firmeza y autoridad llevará el timón para que esta prestigiosa “nave” siga con rumbo seguro.

A mediados de marzo, Valdés, con su cargo a cuestas, subió a escena para protagonizar “Cenicienta”, del reconocido coreógrafo cubano Pedro Consuegra sobre la música del austriaco Johann Strauss hijo. La flamante subdirectora de la compañía aprovechó la ocasión para hacer fehaciente algunos de sus objetivos artísticos y estéticos futuros, al compartir escena con miembros del cuerpo de baile que apenas habían tenido una experiencia anterior en esta pieza. Y, sin duda, ya se respiraba aire fresco en la escena de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, con una “Cenicienta” que trajo vitalidad, colorido y matices de chispeante humor, con solo unas semanas de arduo y sensato empeño.

Danzahoy: ¿Qué representa este nombramiento en este momento de su carrera como primera bailarina? 

Viengsay Valdés:Un reconocimiento a mi esfuerzo, al conjunto de mi carrera y un estímulo para crecer más como profesional y especialmente como maestra; un impulso para trabajar ya no solo por mí sino para muchos bailarines, la mayoría muy jóvenes, para tratar de honrar los preceptos de la escuela cubana de ballet y luchar por desarrollarla, mantenerla y, de ser posible, elevar su prestigio.

D: ¿Cree que esto afectará el desempeño pleno de sus presentaciones escénicas locales e internacionales? 

V V:Lucharé porque no me afecte, sino que me enriquezca, porque los buenos maestros enseñando aprenden. Eso siempre me decía el gran Fernando Alonso y lo ratificaban las cuatro joyas. Cuando él las puso enseñar, se convirtieron en mejores artistas, y esto está dicho por ellas mismas. Mi voluntad es de entrega en plenitud.

D: ¿Cómo logrará conciliar ambas responsabilidades profesionales? ¿Acaso ya cuenta con el apoyo de sus colegas en estas lides, así como de los miembros del cuerpo de baile? 

V V: Cuento con el apoyo de experimentados maestros como Aurora Bosch y el coreógrafo Alberto Méndez, la experimentada Ocilia Pedrera al frente del departamento de “regisserato”. El maestro Lázaro Carreño nos está ayudando sobre todo en entrenar a los jóvenes bailarines en la labor de trabajo de pareja. Además de mantener el antiguo equipo de profesores de la compañía y de sumar en el futuro a otros que pueden aportar desde sus propias experiencias y aprendizajes.

La subdirectora del BNC, Viengsay Valdés, en “Don Quijote”, una de sus “marcas registradas”. Foto: Nancy Reyes (BNC). Archivo Danzahoy.

D: ¿Qué piensa diseñar como novedades en la programación futura de títulos del repertorio? ¿Mantendrá lo previsto para esta temporada de 2019?

V V: En 2019 estoy sujeta a cumplir con los compromisos previos a mi nombramiento, aunque enseguida comencé a reformular propuestas, sobre todo de los programas previstos para presentar en La Habana, y los resultados ya se ven en los escenarios. Así que trato de cumplir con lo establecido y al mismo tiempo ir insertando mis ideas. En cuanto a futuros títulos, por supuesto que habrá novedades, pero prefiero anunciarlas en su momento para mayor sorpresa de mis propios bailarines, a quienes me gustaría entusiasmar primero.

D: ¿Cree que la compañía está en el momento adecuado para revisar el desempeño de su personal artístico activo y consiguientemente, hacer las necesarias promociones, o mantenerlos en los rangos actuales? 

V V:Ninguna compañía en el mundo permanece estática, la danza es un arte vivo. El artista se evalúa constantemente. Ojalá los bailarines se convirtieran en sus más férreos evaluadores. Hay mucho talento ahora mismo en la compañía, yo recién asumí el cargo, me estoy familiarizando con todos desde mi nueva responsabilidad, y una de mis primeras medidas fue crear audiciones para los roles de los diferentes personajes, como sucedió en la más reciente temporada de “Cenicienta”. Me interesa mucho que todos entiendan que, sin importar los rangos, la mejor competencia de un artista es cuando compite consigo mismo y además, que sepan que todos somos importantes para construir la imagen del Ballet Nacional de Cuba.

D: ¿Tiene entre sus intenciones, en esta primera etapa, lanzar invitaciones a distinguidos y reconocidos coreógrafos locales o foráneos para enriquecer el repertorio activo del BNC?

V V: Ya lo estoy haciendo. El Premio Nacional de Danza 2004 Alberto Méndez comenzó a re-montar sus obras en la compañía y acaba de crear un pas de deux nuevo para dos jóvenes bailarines, a propósito del Festival La Huella de España. En lo inmediato, la compañía tiene el compromiso inquebrantable de una gira por España y de regreso a Cuba, a fines del verano, comenzaremos a trabajar con creadores cubanos y extranjeros.

En 2018, el BNC cerró el festival “Artes de Cuba” en el Kennedy Center con “Giselle”, protagonizado, entre otras bailarinas, por Viengsay Valdés. Foto: John Rowe. Archivo Danzahoy.

El Mariinsky Ballet presentó “La Bayadera” en el Opera House del Kennedy Center desde el 17 al 22 de octubre. Foto: Valentín Baranovsky. Gentileza JFKC.

La infidelidad y la traición masculina parece un tema recurrente, y muchas veces, inevitable en la historia del ballet romántico del siglo XIX. Quizás, no solo en el ballet. Pero quizás, más allá de la anécdota, lo que trasciende es la entereza y la fortaleza de la figura femenina que opta por su propia muerte al ver que se quiebra la promesa moral del amor. “La Bayadera” sigue siendo una de esas joyas del pasado que renacen en cada función, y se reafirman como gemas incomparables.

El Mariinsky Ballet, heredero de esos tesoros gestados por MariusPetipa en el seno de su escuela, trajo por segunda vez al Opera House del Kennedy Center, desde el 17 al 22 de octubre, la versión completa de esta obra que, en 2008 fue protagonizada por Diana Vishnieva en la misma sala.

ViktoriaTereshkinka, interpretó a Nikiya en la noche del estreno y compartió cartel con otros dos elencos. Foto: Vyacheslav Khomyakov. Gentileza JFKC.

Esta vez, ViktoriaTereshkinka, quien años atrás interpretó a Gamzatti, se convirtió en Nikiya. La bailarina creció en intensidad y magnetismo y hace una composición atractiva, que transita por diferentes perfiles. Tereshinka logra internarse en el rol con delicadeza y al mismo tiempo pone el dramatismo adecuado a ese maravilloso personaje que se arriesga al amor, enfrenta a su rival, y al ver la debilidad de su amado, prefiere morir por amor. Precisión y calidad se dan cita en esta intérprete.

La historia de “La Bayadera” es una verdadera trama de intrigas y pasiones donde se mezclan el amor, la venganza, el arrepentimiento. Nikiya, enamorada del guerrero Solor debe enfrentar la traición de su amado, obligado a casarse con Gamzatti, por un arreglo hecho en la infancia.

En el primero de los tres actos, Solor llega hasta el templo y se encuentra con Nikiya, la bayadera a quien ama. El gran Brahman los descubre y jura venganza. Solor decide romper con los votos de matrimonio que tenía con Gamzatti, pero no puede.

En el segundo acto, la boda, en los jardines del palacio del Rajá. Y el desenlace: Nikiya debe bailar para los novios hasta que una esclava de Gamzatti le ofrece una canasta de flores con una serpiente venenosa. Nikiya, mortalmente herida, advierte que Solor no podrá romper su compromiso y rechaza el antídoto que le ofrece el gran Brahman.

Kimin Kim, como Solor, es un excelente partenaire y un bailarín con una asombrosa calidad técnica. Magníficos saltos, y una batería de battements, grand jetes y giros deslumbrantes. Kim realza los bellos pas de deux con Gamzatti y Nikiya

Gamzatti, interpretada con solvencia por Anastasia Matvienko, bailarina de calidad, gran musicalidad, buena línea y delicados equilibrios, y una interesante veta actoral que se hace evidente en el apasionado duelo con Nikiya, en el primer acto, y en su impertérrita frialdad en el momento de la muerte de la bailarina del templo.
Yaroslav Baibordin, por su parte, hizo un gran trabajo como el Ídolo de Bronce. Sus saltos precisos y sus elevaciones destacadas, mostraron un bailarín sólido.

Kimin Kim, como Solor, es un excelente partenaire y un bailarín con una asombrosa calidad técnica. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

Con gran influencia de la cultura oriental, esta obra que se estrenó en el Teatro Bolshoi en 1877, tuvo su premiere por el Mariinsky Ballet en 1941. Y, sin duda, tiene su punto fuerte en el tercer acto cuando Solor, atormentado por la culpa y el arrepentimiento ante la muerte de Nikiya, huye de la realidad a través de los efectos del opio. En su alucinación, entra en el Reino de las Sombras, una de las más bellas y magnificentes escenas del ballet de todos los tiempos.

En medio de un maravilloso cuadro en el que 32 bayaderas aparecen en distintos planos y van avanzando sobre el escenario en arabesque, Solor se encuentra con Nikiya. En esta escena del Reino de las sombras, las bailarinas del cuerpo de baile del Mariinsky lograron la perfección más absoluta. Si bien en otras secuencias las filas se vieron desiguales, sin esa línea perfecta que siempre caracterizó a las dos compañías rusas más importantes, el Mariinslky y el Bolshoi. No obstante, la belleza del acto blanco superó cualquier mínima imperfección y dio lugar a otro de los más conmovedores pas de deux de la historia del ballet, cuando Nikiya, transformada en una sombra, se reconcilia con su amado, lo perdona, y lo transporta a su mundo. Sublime.

El cuerpo de baile del Mariinsky Ballet en el Acto II de “La Bayadera”. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El ABT presenta “El lago de los cisnes” hasta el domingo 29 de enero en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Más allá del paso del tiempo, más allá de sus múltiples intérpretes y versiones, “Lago de los cisnes” es una de esas obras indiscutibles del repertorio. Combina una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 25 al 29 de enero, reúne todos esos elementos y, sobre todo, muestra un cuerpo de baile sólido y refinado. Quizás, después de la partida de las tres grandes estrellas femeninas, Paloma Herrera, Julie Kent y Xiomara Reyes, la compañía todavía pasa por una etapa de transición en la que se advierte aun la ausencia de verdaderas “etoiles” para estos roles en los que héroes y heroínas deben devorar la escena.

Gillian Murphy, una de las siete protagonistas de la versión de “Lago de los cisnes” que trae el ABT a Washington DC, y junto a ella, Roman Zhurbin. Foto: Hidemi Seto. Gentileza JFKC.

Mckenzie, en su prólogo, narra la secuencia en la que Odette cae en las manos del malvado hechicero von Rothbart quien, al no obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en cisne, dejándola atrapada en sus dominios. Un punto en el que difiere de otras puestas en las que no siempre describen el secreto de ese hechizo. La función de apertura, protagonizada por Hee Seo como Odette/Odile, y Cory Stearns como Sigfrido, tuvo momentos logrados, que indudablemente se refuerzan por una estupenda coreografía y la música sublime de Piotr Illych Tchaikowsky.

Seo y Stearns hicieron un excelente trabajo en pareja, especialmente en el pas de deux del acto blanco, en el que Odette se encuentra con Sigfrido y le cuenta su tragedia. Ambos se prometen amor eterno y queda pendiente la esperanza de romper el maleficio a través del amor. No obstante la profunda emoción que genera ese pas de deux estuvo ausente. También estuvo ausente por parte de Seo ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne. No obstante, la bailarina logró encontrar el movimiento de cuello acertado semejante al de un verdadero cisne. Mientras, Stearns, quien ha crecido como bailarín y se lo ve más sólido, logró crear un personaje atractivo, con buenos saltos y prolijos cierres.

Magnífico el cuerpo de baile en el bello acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna. Un despliegue casi sublime y encantador, que deja perplejo, y permite ver un ensamble sólido.

El segundo acto situado en el palacio, en el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece Odile, con su maleficencia, instigada por Von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje. Thomas Forster, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia, encarna a ese von Rothbart. Con la interpretación adecuada, Forster realizó una estupenda variación y mostró su calidad como bailarín solista de la compañía. Por su parte, Patrick Ogle cubrió el rol de von Rothbart en su verdadera y repulsiva forma de “animal” o monstruo del bosque. Impresionante.

El pas de trois de “Lago de los cisnes” con Devon Teuscher, Joseph Gorak y Christine Shevchenko. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Sin duda, la llave maestra de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, una suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina, dado que plantea una combinación de actuación exigida y técnica superlativa. Aquí aparecen los famosos fouettés, clave de esta coreografía. Seo comenzó con sus doble giros, y en la mitad de los 32 fouettes que tiene esta coreografía se fue levemente de eje. Por otra parte, en el rol de este personaje, le faltó la malicia que requiere. Por su parte, Stearns terminó sus difíciles variaciones con total brillantez.

Joseph Gorak, como Benno, amigo del príncipe, se destacó con su actuación con su entusiasta personalidad y por su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante, al igual que en el pas de trois con Sarah Lane y Skylart Brandt.

Quedan aún cinco funciones, una de las cuales será protagonizada por Herman Cornejo y Misty Copeland, funciones que están totalmente vendidas.

El último saludo de Julie Kent en el Met, el sábado 20 de junio durante su despedida del ABT. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Julie Kent, una de las tres heroínas de las últimas dos décadas del American Ballet Theatre (ABT), el sábado 20 de junio dijo “adiós” a la compañía con la que bailó durante 29 años. Y también, al escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, sede de la temporada de primavera del ensamble dirigido por Kevin McKenzie.

Para su despedida Kent escogió una de las obras clave de su repertorio, “Romeo y Julieta”, de Kenneth MacMillan, estrenada por el Royal Ballet of London en 1965 y por el ABT en 1985. La bailarina, que fue la primera estadounidense en recibir el Benois de la Dance, eligió al italiano Roberto Bolle como su Romeo.

Semanas atrás, Bolle fue también partenaire de Paloma Herrera, otra de las grandes heroínas que se despidió este año del ABT, y de Aurelie Dupont, cuando se retiró del Ballet de la Opera de París. Un bailarín excepcional que logra combinar una técnica impecable con una asombrosa, contagiosa y conmovedora intensidad actoral, y cualidades superlativas como partenaire.

A teatro lleno, se alcanzaba a escuchar en la platea: “mi Julie”, “mi pequeña Julie”, “ella es maravillosa”, “la vamos a extrañar”… Y una emoción incontenible explotó en el primer acto -en su primera aparición en escena-, con un aplauso prolongado que no dejaba escuchar la música, y al final, durante más de 20 minutos.

Kent comenzó su preparación con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet. Asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de unirse al ABT como aprendiz en 1985. En 1987, estelarizó la película “Dancers” con Mikhail Baryshnikov. En 1990 fue promovida al rango de solista de la compañía y a principal en 1993. Toda una vida con el ABT.

Kent y Bolle supieron narrar esta maravillosa historia de amor y odio, pintada con la maestría de Shakespeare, y por la increíble sensibilidad de MacMillan. Encarnar a estos personajes simbólicos que han quedado en la memoria colectiva como ideales del amor es un reto permanente para cualquier bailarín, dado que implica un desafío técnico y al mismo tiempo, interpretativo.

MacMillan hace transitar al cuerpo de baile con elocuencia y propone escenas intensas marcadas por la melodía incomparable de Sergei Prokofiev. Pero es en los bellos los pas de deux donde los bailarines principales juegan entre la danza y el dilema de esos dos jóvenes, víctimas del odio y el resentimiento de las familias. Kent y Bolle, se internaron en estos entrañables y trágicos personajes con absoluta y delicada sutileza e intensidad.

El primer acto, en la plaza de Verona: el enfrentamiento de Montescos y Capuletos. Un conflicto que se plantea a través de las figuras de Romeo, Mercutio (un magnífico Herman Cornejo), Benvolio (Blaine Hoven) y Tibaldo (Patrick Ogle), sobrino de los Capuletos.

Mientras que Julieta -en la segunda escena del primer acto-, con la Nodriza (Susan Jones), muestra a Kent encantadora y fresca. La adolescente juega con una muñeca semejante a la que, al final de la función, llegó de manos de un espectador y la bailarina se la entregó a su pequeña hija Josephine.

El Romeo de Bolle, cuyos saltos y giros precisos y seguros muestran su solidez como bailarín, adquiere un especial magnetismo y compone un personaje del que cualquier Julieta se enamoraría.

Pero más allá del trabajo de la pareja principal, en esta despedida de Kent, el Mercutio de Cornejo adquirió un protagonismo especial que despertó ovaciones en cada una de sus variaciones. Sus impecables saltos, su musicalidad, su técnica y su interpretación se convirtieron en algo memorable dentro de esta noche inolvidable.

El cuerpo de baile lució preciso en las danzas de palacio, con un vestuario bello, sobrio y atractivo creado por Nicholas Georgiadis, también responsable de la escenografía.

Luciana Paris, una bailarina con de amplio rango, se destacó especialmente en el trío de las prostitutas con un trabajo seductor y encantador, y con una descollante de energía que la distinguía de sus compañeras.

Kent y Bolle, en la crucial escena de El balcón lucieron impecables. Bolle, partenaire sólido e intérprete encantador, supo ensamblarse a Kent con apasionamiento y candor. Un encuentro en el que ambos mantuvieron perfección técnica y tocaron el corazón.

Roberto Bolle y Julie Kent del ABT en “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan, en el Met de Nueva York. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Con mayor dramatismo e igual desafío técnico, MacMillan recrea su pas de deux del dormitorio, en la última y primera noche que los jóvenes pasan juntos antes de que Romeo sea condenado al destierro, y antes también, de la tragedia final. Kent y Bolle, nuevamente, marcaron la intensidad de este momento. Al igual que en el pas de deux en la cripta de los Capuletos, donde Romeo, en su desesperación, baila con Julieta inerte.

Cuando cayó el telón, una ovación tronó en la sala y una lluvia de flores llego desde la platea y desde el escenario. Por allí comenzaron a desfilar uno a uno sus compañeros de ruta, mientras Kent dejaba aflorar su incontenible emoción.

Alessandra Ferri, Paloma Herrera, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, Xiomara Reyes, y bailarinas solistas y del cuerpo de baile de la compañía subieron a escena para el último adiós. También lo hicieron sus antiguos partenaires, José Manuel Carreño, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg y Robert Hill, y su director, Kevin McKenzie. Casi al final, Victor Barbee, su esposo y director asistente de la compañía, y sus dos hijos, William y Josephine, a abrazaron a Julie Kent, contagiados por sus lágrimas. Antes de que se cerrara definitivamente el telón, Kent corrió hacia la platea y lanzó tres enormes besos como tratando de alcanzar a cada uno de los espectadores que esa noche la acompañaron en su despedida.

Natalia Magnicaballi y Michael Cook bailan en el Kennedy Center con el Suzanne Farrell Ballet. Foto: Carol Pratt. Gentileza de JFKC.

Cuando llegó por primera vez a Nueva York en 1998 con la compañía de Julio Bocca, la argentina Natalia Magnicaballi se quedó prendada de Estados Unidos y se propuso volver. Al año siguiente, Suzanne Farrell, la inolvidable musa de George Balanchine la contrató para su compañía, la Suzanne Farrell Ballet que tiene su sede en el Kennedy center de Washington, DC, donde la compañía se presenta en la temporada de otoño, desde el 17 al 21 de noviembre con un programa mixto que incluye obras de Jerome Robbins, Paul Mejia, Maurice Béjart y George Balanchine.

“Venía de un mundo muy naif y me encontré con una realidad muy dura. Sin embargo, lo que más me llamó la atención es que no habiendo hecho la escuela del American Ballet me consideraron para hacer Balanchine”, dijo Magnicaballi. Pero más allá de haber sido elegida por Farrell, la bailarina estaba dispuesta a probar nuevos desafíos.

Volvió a la Argentina y formó parte del Ballet Contemporáneo del San Martín, después, se fue a Italia a trabajar en Artballeto. Pero nunca dejó la compañía de Farrel con quien ya hace más de 10 años que trabaja. Después, llegó una oferta del ballet Arizona, dirigido por Ib Andersen, y ahora Magnicaballi recorre el país de punta a punta bailando para las dos compañías.

Hasta los 4 años vivió en un conventillo de la calle Magallanes 861, en La Boca, hoy, uno de los barrios más visitados de Buenos Aires, Argentina. Después, la familia, que siempre tuvo que pelear duro para hacer alcanzar el dinero, se fue a vivir  al vecindario de Montserrat, a media cuadra de la Avenida 9 de Julio. Y por esa época empezó su contacto con la danza.

Danzahoy: ¿Por qué la danza?

Natalia Magnicaballi: Empecé en el sótano del colegio primario porque todas mis amiguitas fueron ahí. Y quise seguir. Pero como siempre tuvimos problemas de dinero, mi mamá decidió mandarme a la Escuela Nacional de Danza . Allí una maestra le recomendó que fuera a la escuela del Colón y empecé a los 8 años con el maestro Vasil Tupín que me dio una beca para clases particulares. Mi mamá pagaba una clase por semana y el maestro me hacía ir todos los días dos clases. Y a los 9 años entré al Colón mientras seguía becada en el estudio de Tupín.

D: ¿Cómo era tu relación con Tupín?

NM: Él y su esposa Mercedes serrano fueron como mis abuelos. Me dieron todo. Más allá de la técnica me enseñaron a ser artista, la expresión, el compromiso y el trabajo diario. Ellos la llamaban Natasha (recuerda con nostalgia).

D: ¿Cómo manejaste el tema de tu altura?

NM: Hasta los 13 años era muy chiquita y después pegué el estirón, y el problema fue encontrar partenaires de mi altura en la argentina.

D: ¿Alguna vez pensaste entrar a la compañía del Colón?

NM: No, porque lo mejor que me podía pasar era estar en la compañía de Julio (Bocca). En el Colón en aquel momento no había concursos. Creo que a ninguno de los que formamos parte de esa camada se les ocurrió bailar en el Colón.

D: ¿Se puede bailar en dos compañías que están a tanta distancia la una de la otra?

NM: Estoy fija en las dos. No conozco mucha gente que esté en esta situación y me siento privilegiada. Generalmente antes de empezar la temporada tengo que hablar con los dos directores para organizar las fechas. Me mandan videos para que aprenda los ballets. Viajo mucho a la noche y llego directo a la sala de ensayo. A veces no me puedo poner las zapatillas porque tengo los pies muy hinchados. Muchas veces me ha pasado que he tenido que bailar en Los Ángeles viernes y sábado con Suzanne Farrell Ballet, y volar para bailar el domingo en Arizona.

D: ¿Cómo fue llegar a este país sin conocer a nadie?

NM: Cuando llegué no hablaba nada de inglés. Y Suzanne  (Farrell) se quedó admirada porque aprendí todos los pasos sin saber inglés. Recuerdo las cenas con la compañía en las que estaba con los ojos como huevo duro sin entender nada. Por ese entonces vivía en Nueva York y estaba totalmente sola.

D: ¿De qué manera organizas tu rutina diaria?

NM: De lunes a miércoles me levanto a las 7:30, a las 9 empiezan las clases hasta las 4:30 y después doy clases hasta las 9 de la noche. Los jueves hago gyrotonic y los viernes trato de no hacer nada y los fines de semana me ocupo de mí, voy a la peluquería, me pinto las uñas, cocino.

D: Con tantos viajes, ensayos y clases, ¿cómo puedes combinar tu vida personal con la artística?

NM: Mi marido, Andy Maroglio, conoce todo los entretelones de la carrera y eso facilita nuestra vida en común. Nos conocimos trabajando juntos en la compañía de Julio (Bocca). Pero recién cuando debuté en Nueva York con Julio, comenzó nuestra historia de amor. Ese día me llegó un ramo gigantesco de flores que decía “tu admirador número uno”. Yo no sabía quién podía ser. Y esa noche me olvidé las flores en el camarín. Pero al salir, él se acercó y me preguntó por las flores y descubrí quién era ese admirador anónimo. Y desde entonces, no nos separamos más. Es un eterno noviazgo.

Temporada del Suzanne Farrell Ballet

En el Eisenhower Theater del kennedy Center de DC 

Programas

Programa A: Nov. 17, 18, & 20 at 7:30 p.m., Nov. 21 at 1:30 p.m.
La Source (Balanchine/Delibes)
Sonate No. 5 (Béjart/Bach)
In Memory Of… (Robbins/Berg)
 
Programa B: Nov. 19 & 21 at 7:30 p.m., Nov. 20 at 1:30 p.m.
La Sonnambula (Balanchine/Rieti)
Monumentum Pro Gesualdo (Balanchine/Stravinsky)
Movements for Piano and Orchestra (Balanchine/Stravinsky) 
Eight by Adler (Mejia/Adler)