Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

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Gala Centenario Alicia Alonso recorre ocho ciudades de España para homenajear a la gran diva de la danza. Gentileza Arte y Cultura.

Hoy, 7 de mayo, comienza la gira por España de la Gala Centenario Alicia Alonso con una función en el Teatro Auditorio de San Cugat, Barcelona. Este tour que convoca una diversidad de artistas terminará el 6 de junio y abarcará, entre otras ciudades, Madrid, Alicante, Zaragoza, Valladolid, Cádiz, Córdoba y Málaga. Este homenaje, previsto y programado en 2020 en torno a la fecha del nacimiento de Alicia Alonso, el 21 de diciembre, debió cancelarse por la pandemia.

El elenco que participa está integrado por Anette Delgado y Dani Hernández, primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba y la bailarina Ginett Moncho, que actúa con Alexis Tutunnique, primer bailarín del Ballet de Kiev. Participa también Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires, junto a Javier Torres, actualmente primera figura del Northern Ballet (Gran Bretaña). Se suman a la gala la española Eva Nazaret y el cubano Javier Monier; y Oriana Plaza, primera bailarina del Ballet Municipal de Lima, Perú, que tiene como pareja a Maynard Miranda, también cubano, y primer bailarín del Ballet del Teatro de Sibiu, en Rumanía.

Anette Delgado, primera bailarina del BNC, en “Giselle”. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El programa comprende selecciones de varias obras emblemáticas de la carrera de Alicia Alonso, como “Giselle”, “Carmen”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, “Cascanueces”, “La fille mal gardée”, “Coppélia”, “Espartaco” y “La diva”, a lo que se suma un gran final con la participación de todos los artistas.

Pedro Simón, director del Museo Nacional de la Danza de Cuba, manifestó: “Que los jóvenes bailen en honor de Alicia Alonso es la acción más pura y justa que pueda concebirse ante el centenario de una figura que enalteció, como pocas, el arte del ballet clásico, y la danza toda, con su genio interpretativo personal y con las enseñanzas que legó a las generaciones de bailarines de su época y del futuro. Y es que Alicia Alonso no se limitó a recibir la herencia de los grandes maestros que le trasmitieron las tradiciones de siglos anteriores, sino que supo recrearlas, enriquecerlas y llevarlas a nuevos caminos, sin traicionar su esencia, pero haciendo de ellas una experiencia acorde y cercana a los tiempos modernos, a los públicos y artistas de nuestros días”.

Por su parte, el lunes 3, la vicealcaldesa y consejera municipal de Cultura y Proyección Exterior del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández, destacó que en esta gala intervendrán “estrellas” de la danza internacional como Lázaro Carreño, que hará de ‘maître’, ensayador y regidor de el programa pautado. La gala incluirá un audiovisual de Alicia Alonso y sus grandes hitos en su historia como bailarina.

Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires participa con Javier Torres, del Northern Ballet. Foto gentileza Arte y Cultura.

Itinerario

MAYO:

7: Estreno Barcelona San Cugat (teatro Auditorio)

8 y 9 Zaragoza (teatro Principal)

12 Murcia (Teatro Romea)

13: Alicante (teatro Principal)

14: Elche: Gran Teatro

15: IBI (teatro Río)

16: Torrejón de Ardoz (teatro José m Rodelo)

17: Madrid (Teatro Gran Vía)

20, 21, 22 y 23 Valladolid Teatro Calderón)

25: Cadiz (Teatro Falla)

26: Málaga

27: Córdoba (Gran Teatro)

29: Pozuelo de Alarcón (Teatro Mira)

30: Toledo (Auditorio El Greco)

JUNIO:

2: Zamora: (Teatro Principal)

3: Santander: (Palacio de los Festivales)

5: Terrassa (Centro Cultural Terrassa)

6: Manresa (Kursaal)

“Carmina Burana”, una coreografía de Adriana Coll y con reposición de Ricardo Alfonso, es una de las obras del repertorio del Ballet del Sur. Foto gentileza Ballet del Sur.

Allá por 1956, un grupo de jóvenes entusiastas de la ciudad de Bahía Blanca, líder en la danza del sur de la provincia de Buenos Aires, Argentina, decidieron lanzarse a la aventura de armar una compañía de ballet. Capitaneados por la maestra Alba Lutecia Collo de Duyos empezaron los ensayos y el trabajo cotidiano con énfasis en danza clásica. Cinco años después, el 22 de marzo de 1961, el grupo fue oficializado por el Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. El Ballet del Sur se convirtió entonces en una de las pocas agrupaciones de danza del país fuera del Ballet Estable del Teatro Colón.

La agrupación realiza una labor de divulgación cultural a través del arte de la danza desde su creación, en continua relación con niños y jóvenes, a través de la inclusión, dentro de su programación anual, de ciclos de funciones gratuitas para estudiantes, infantes y público en general.

Cuenta con un amplio repertorio que incluye grandes clásicos como “Coppelia”, “Giselle”, la versión integral del “El Lago de los cisnes”, “Gayané”, entre otras. Su versión de “La Sylphide” de August Bournonville fue la primera que se montó en América Latina.

En Chile, el Ballet del Sur presentó “Giselle” con la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez. Foto gentileza Ballet del Sur.

A lo largo de estos años la compañía también ha incorporado obras de danza contemporánea de grandes creadores argentinos. Entre ellas, “Cantares”, “Concierto de ébano”, “Carnaval de los animales”, “Preludios”, “Canto jondo”, “Tangos en gris” de Oscar Araiz. Así como “Contrapunto” de Ana María Stekelman, y “Alicia en el país de las maravillas”, “Siesta de un fauno”, “Azul profundo”, “Circo Stravinsky”, “Tango vitrola”, “Perfume de gardenia”, “Azul 20” y “Satie Satie” de Alejandro Cervera, que forman una larga lista de coreógrafos.

Por otra parte, es la primera compañía argentina que incluyó obras del rumano-francés Gigi Caciuleanu como “Las cuatro estaciones” y “Mozartissimo”.
Desde 2010 Ricardo Alfonso, bailarín y coreógrafo uruguayo formado en la Escuela Nacional de Danzas de Montevideo, Uruguay, asumió la dirección del Ballet del Sur. Tras su paso por el Ballet del SODRE , empezó a crear sus primeras coreografías para Ballet Hoy, dirigido por Inés Camou. Con la Sociedad Uruguaya Pro-Opera y Ballet Hoy, Alfonso intervino en la puesta en escena de “María de Buenos Aires” (Piazzolla-Ferrer) como asistente de reggie y coreografía e interpretando uno de los personajes protagónicos (El Gato). En Brasil trabajó junto a Maria Waleska Van Helden, y participó en varias ediciones de Dança Alegre Alegrete. En Santa Fe, junto a otros profesionales, fundó TAIARTE y fue director del Ballet Contemporáneo de Santa Fe.

A lo largo de su historia, la dirección del Ballet del Sur estuvo a cargo de prestigiosos maestros como Alba Lutecia, Blanca Lemos, Jorge Sansinanea, Rubén Chayán, Elsa Mochen, Marta Pereyra, Alejandro Cervera, Violeta Janeiro, Liliana Martínez, Rodolfo Lastra Belgrano y Andrés Walsh. En 2019, recibió la Mención al Merito de los Premios Konex por estar entre las cinco mejores compañías de la Argentina de los últimos 10 años.

Participó en el Festival de la Danza de Jacksonville (Jacksonville, USA) y en la ciudad de Orlando, dentro de la gira realizada por el Estado de Florida (USA). Realizó, además, presentaciones en el Centro de Experimentación de Ópera y Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y en galas y encuentros internacionales organizados por la UNESCO y el Consejo Argentino de la Danza, entre otros.Llegó también, junto a Marianela Núñez, al Teatro del Lago, en Frutillar (Chile), para presentar la versión integral de “Giselle”, considerado por el diario La Nación uno de los mejores espectáculos de danza de 2016. Y un año después volvió al mismo teatro con “La Sylphide”, junto a la Etoile de la Opera de Paris, Ludmila Pagliero.

Y así como Pagliero o Núñez, el Ballet del Sur también tuvo la visita de reconocidos bailarines: Iñaki Urlezaga, Maximiliano Guerra, Cinthia Labaronne, Julio Bocca, Luis Ortigoza, Cristina Delmagro, Silvia Bazilis, Karina Olmedo, Silvina Perillo, Igor Selensky y Yuri Klevtsov (Rusia), así como Cecilia Kerche (Brasil) y otros.

El Ballet del Sur presentó “La Sylphide”, de August Bournonville, protagonizada por la Etoile de la Opera de Paris, Ludmila Pagliero, Foto gentileza Ballet del Sur.

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Olga Ferri y Enrique Lommi, en “Giselle”, ambos formaron parte de una generación de notables intérpretes y destacados maestros. Foto: Miguel Micciche. Gentileza Patricia Casañas.

Enrique Lommi
Por Patricia Casañas

Nació el 1º de julio de 1922. Entre sus maestros cabe mencionar a José de Cherpino, Esmée Bulnes, Michel Borowski, Leonide Massine, Serge Lifar y Nicolai Zvereff.

Desde su ingreso al Ballet Estable del Teatro Colón en 1941, a instancias de Leónidas Barletta, fundador del Teatro del Pueblo, cumplió una extensa y prolongada actuación. Fue bailarín solista de la compañía en 1947 y Primer bailarín por concurso en 1949, siendo el primer argentino en alcanzar ese rango en el Ballet Estable.

Durante veinticuatro años Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del elenco. Bailó junto al Original Ballet Russe del Coronel de Basil en las tres temporadas que el conjunto extranjero realizó en la Argentina. Fue el protagonista del estreno mundial del ballet “Estancia” de Michel Borowski, con música de Alberto Ginastera, en el Teatro Colón en 1952. Entre sus papeles más logrados se encuentran los que exigen un fuerte carácter dramático, como el Predicador en “El niño brujo”, las hermanastras en “Cenicienta”, Coppelius en “Coppelia”, Teobaldo en “Romeo y Julieta”, Yago en “Otelo”, “Hamlet”, y muchos otros.

Su actividad en Europa se desarrolló en el marco del Ballet de Berlín (Berliner Ballet), oportunidad en la que también se desempeñó como maestro en la Escuela de la Ópera de esa ciudad.

Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Marilina Calós. . Gentileza Patricia Casañas

Su trayectoria docente incluye la Dirección de la Escuela Municipal de Danzas de San Nicolás, su participación como maestro de la Compañía de Joaquín Pérez Fernández, de la Gran Compañía Española de Antonio el Chavalillo y de la compañía Municipal de la ciudad de Rosario.

Impulsor del ballet en el interior del país, formó muchas compañías privadas. También es autor de numerosas coreografías para televisión y cine: “Romeo y Julita”, “La simuladora”, “Adiós, pampa mía”, entre otras películas.

Fue codirector del Ballet Estable del Teatro Colón y Director del Ballet Argentino de La Plata, y es coautor del libro “La Danza: su técnica y sus lesiones más frecuentes”.

Junto a su esposa, la recordada estrella de la danza argentina Olga Ferri, fundó en 1971 el Ballet Estudio, institución de gran prestigio en Buenos Aires, donde se formaron reconocidas figuras de la danza como Paloma Herrera, Ludmila Pagliero, Iñaki Urlezaga, Julio Bocca, Carolina Agüero, Raúl Candal, Alejandro Parente, y otros.

El 20 de septiembre de 2018, el maestro Enrique Lommi fue merecedor de la Mención de Honor Juan Bautista Alberdi otorgada por la Cámara de Diputados de la Nación por su extenso e invalorable compromiso con la cultura.

Gustavo Mollajoli
Danzahoy/Prensa Teatro Colón

El  maestro de ballet Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, quien fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980, y posteriormente, director de la compañía en dos oportunidades, murió en Buenos Aires debilitado por una enfermedad prolongada que provocó un paro cardíaco.

Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

Nació en 1935 en Entre Ríos, en la ciudad de Federación, estudió con Jorge Tomin, Wasil Tupin y María Ruanova, entre otros, y luego integró como solista el Ballet del Teatro Argentino de La Plata en 1957. Se unió al Ballet Estable del Teatro Colón donde fue primer bailarín entre 1966 y 1980 ejerciendo también el rol de Director del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1973 a 1974 y luego desde 1984 a 1989.

Dirigió el Ballet de Dallas en los Estados Unidos entre 1979 y 1982, y fue maestro del Ballet de Minas Gerais del Grupo Corpo (Brasil) entre 1989 y 1997 y maestro de ballet del Teatro Municipal de Rio de Janeiro entre 1999 y 2003 para luego regresar como Director Artístico de la Compañía de Ballet del Teatro Argentino de La Plata entre 2005 y 2006.

Su repertorio como intérprete se extiende desde “El Lago de los cisnes” a “La Consagración de la Primavera” de Oscar Araiz. Entre sus obras se destacan su versión de “Giselle” de 1984 –la versión más bailada en el Teatro Colón–, también el dúo “A Buenos Aires” estrenado en 1985 por Julio Bocca y Raquel Rosetti estrenada en Moscú y cabe señalar la pieza “Suite Porteña” en 1988.

En 1985, fue nombrado socio honorario del Consejo Argentino de la Danza dependiente del Consejo Internacional de la UNESCO con sede en París y miembro permanente de la Asociación Iberoamericana de Especialistas en Ballet.

Norma Fontenla y Gustavo Mollajoli compartieron escenario en el Teatro Colón. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

A sala llena, el sábado 4 de agosto Karina Olmedo bailó por última vez en el Teatro Colón. Flores, lágrimas y emoción. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Una historia de amor, de encuentros y desencuentros es el marco en el que Karina Olmedo y Alejandro Parente, cierran una etapa que formó parte de la historia de la danza en la Argentina. Con casi 30 años en la compañía, los dos bailarines dicen “adiós” al Ballet Estable del Teatro Colón (BETC) con “La viuda alegre”, obra que comenzó sus funciones el 2 de agosto y cierra el 8, con la despedida de Parente.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el BETC subió a escena este ballet con adaptación musical de John Lanchberry, coreografía de Ronald Hydn, reposición coreográfica de Steven John Woodgate y dirección musical de Manuel Coves al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

“La viuda alegre” (Die Lustige Witwe – The Merry Widow), opereta escrita en 1905 por el compositor austro-húngaro Franz Lèhar, con libreto de Victor Léon y Leo Stein, está basada en la comedia “L’attaché d’ambassade” de Henri Meilhac. Desde su estreno en Viena, en diciembre de 1905, fue considerada como una de las obras más importantes del género. Robert Helpmann, codirector del Australian Ballet, llegó a un acuerdo con los herederos de Lehár para crear un ballet con la música de la opereta. Se ocupó del libreto y propuso a Ronald Hynd que hiciera la coreografía y a John Lachbery la adaptación musical. Fue el primer ballet original de esta compañía, que se estrenó con gran éxito el 29 de noviembre de 1975.

La primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, Karina Olmedo, se retiró de los escenarios con el protagónico de “La viuda alegre”, con Juan Pablo Ledo como partenaire. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

El sábado 4, fue Olmedo quien bailó por última vez en el escenario que la vio crecer y a través del cual transitó alegrías y tristezas, y recorrió esas tablas junto a bailarines como Igor Zelensky, Faruk Ruzimatov, Yuri Klevtsov y Carlos Acosta, entre otros, interpretando los roles principales de los ballets más entrañables del repertorio clásico.

La primera bailarina del BETC asumió el rol principal en “La viuda alegre”, junto al primer bailarín Juan Pablo Ledo y a la compañía dirigida por Paloma Herrera. Al término de la función, cayeron flores sobre el escenario, y ante una sala llena ovacionándola, llegaron las lágrimas, la emoción, los afectos, los recuerdos… Y allí estaban también sus compañeros de ruta, la directora general del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz, su padre y sus hijas.

Luego de la función, el Teatro Colón homenajeó a su primera bailarina con una recepción en el Salón Dorado, y entre aplausos, besos y abrazos, logró decir, con emoción contenida: “Me retiro con una misión cumplida en esta casa. Les agradezco profundamente por todo el cariño que es lo que más me llena el alma y el amor con el que han compartido conmigo esta noche”.

Olmedo comenzó a los ocho años en la Escuela Nacional de Danzas y estudió en forma independiente con la profesora Gloria Kazda hasta que, a los 14 años entró al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, y luego fue parte del BETC. En 1989 obtuvo la medalla de oro en el I Concurso Latinoamericano de Ballet de Buenos Aires y una beca para perfeccionarse en el centro de Rosella Hightower en Francia. A su regreso fue convocada por Julio Bocca para formar parte de su compañía, el Ballet Argentino, con el cual realizó una extensa gira internacional.

Como primera bailarina del BETC su repertorio incluyó grandes producciones como “La Fille Mal Gardée”, “La Bayadera”, “Don Quijote”, “El Cascanueces”, “Coppelia”, “La bella durmiente del bosque”, “Paquita”, “Raymonda”, “Suite en Blanc”, “Los cuatro temperamentos”, “Suite porteña”, “Estaciones porteñas”, “Romeo y Julieta”, “Giselle” y “Apollon Musagete”, sobre una innumerable lista de obras y roles protagónicos.

El miércoles 8 de agosto, cierra el telón de “La viuda alegre”, con la despedida del primer bailarín Alejandro Parente, interpretando su rol protagónico junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez, con quien ya ha bailado la función del domingo 5 de agosto. Esta función se podrá ver en vivo por www.teatrocolon.org.ar.

El miércoles 8 de agosto, cierra el ciclo de “La viuda alegre”, con el primer bailarín Alejandro Parente que bailará con Marianela Núñez. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Ver ensayos y testimonio de Alejandro Parente. Clic aquí.

El Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Paloma Herrera, hará siete presentaciones de “Coppelia”, el clásico con música del compositor francés Léo Delibes. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Bajo la dirección artística de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará el viernes 15 de junio, “Coppelia”, con música del compositor francés Léo Delibes. Esta puesta cuenta con coreografía de Enrique Martínez, reposición coreográfica de Dalal Achcar, diseño de escenografía y vestuario de José Varona y contará con la participación de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires bajo la batuta del director musical Martin West.

El Ballet Estable del Teatro Colón presentará esta producción en siete funciones: viernes 15, sábado 16, martes 19, jueves 21, viernes 22 y sábado 23 de junio a las 20:00 horas; y la última función se realizará el domingo 24 de junio a las 17:00 horas.

Basado en una historia de E.T.A. Hoffmann, “Der Sandmann” (El hombre de arena) publicada en 1815, el ballet se estrenó el en mayo de 1870 en la Ópera de París con Giuseppina Bozzani en el rol principal. No obstante, el éxito de esta puesta se vio interrumpido por la Guerra franco-prusiana y el cerco de París, aunque con el tiempo se convirtió en el ballet más interpretado en la Ópera Garnier.

La historia trata sobre un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, realizador de muñecos mecánicos, quien ha creado una muñeca especial, casi humana. Y parece tan real, que Franz, un aldeano comprometido con Swanilda, se enamora de esa enigmática joven que todos los días está sentada en la ventana de la casa de Coppelius leyendo un libro. Entre enredos, celos y peleas amorosas, Swanila decide descubrir quién es esa joven que le roba el amor de Franz.

La pieza, que de alguna manera toca un tema candente en la época en la que se debatía desde la filosofía el valor y alcance de la ciencia, muestra el costado menos macabro de este cuestionamiento sobre esta disciplina como “dadora de vida” o como “manipuladora de la voluntad”.

“Coppélia”, también conocido como “La muchacha con los ojos de esmalte” es una comedia que en su primera presentación fue protagonizada por Giuseppina Bozzacchi, una joven estudiante de ballet que acababa de cumplir 16 años, y si bien se esperaba que tuviese una gran carrera, se enfermó de cólera durante el cerco de París y murió al cumplir 17. Tiempo después del primer estreno, Marius Petipa recreó la puesta original de Saint-Leon, y diez años más tarde hizo su propia versión de este clásico.

Camila Bocca y Federico Fernández, del Ballet Estable del Teatro Colón, en los ensayos de “Coppelia”. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

La realizada en 1968 por el cubano Enrique Martínez para el American Ballet Theatre (ABT) se ha estrenado en diferentes compañías, incluido el Ballet Nacional del SODRE. El coreógrafo, formado en la escuela cubana y en Nueva York con Igor Schwesoff, comenzó bailar con el ABT en 1947 y desde 1960 hasta 1981, fue director y asistente de maître de ballet, y empezó a desarrollar su faceta como coreógrafo.

En el Teatro Colón, Swanilda, será interpretada por la bailarina Macarena Giménez en las funciones del 15, 22 y 24 de junio, asimismo lo hará Emilia Peredo Aguirre en las funciones del 16, 21 y 23 de junio y Camila Bocca en la función del 19 de junio.

En el rol de Franz, Juan Pablo Ledo realizará las funciones del 15, 22 y 24 de junio, Maximiliano Iglesias en las funciones del 16, 21 y 23 de junio y Federico Fernández en la función del 19 de junio.

Esta propuesta artística también integra el ciclo “Colón para chicos” que se presentará el sábado 23 de junio a las 11:00 horas bajo la interpretación de los bailarines Camila Bocca y Federico Fernández.

Programa 

Música: Léo Delibes
Coreografía: Enrique Martínez
Reposición coreográfica: Dalal Achcar
Asistentes coreográficos: María Luisa Noronha Krahl, María
Celeste Lima y Tindaro Silvano
Diseño de Escenografía y Vestuario: José Varona
Iluminación: Rubén Conde

Reparto

Alicia Alonso junto al presidente de la Nación, Raúl Castro, en la ceremonia de inauguración del teatro que ahora lleva su nombre. Foto: Nancy Reyes.

La capital cubana comienza el año 2016 con razones para sentirse orgullosa de poseer una suntuosa y elegante instalación teatral en pleno corazón de la urbe. El primer día del año reabrió el Gran Teatro de La Habana, desde ahora bautizado con el nombre de la gran diva de la danza Alicia Alonso. La celebración: un espectáculo ad hoc denominado ´Tríptico Clásico” -un acto de “Giselle”, de “Coppélia” y de “Lago de los cisnes”-, a cargo del Ballet Nacional de Cuba (BNC) sobre la escena de su Sala principal Federico García-Lorca.

El renovado inmueble abrió sus puertas como se lo conoce hoy, en 1915, con la autoría de Paul Belau, un acreditado arquitecto belga que se decantó por un eclecticismo que integra elementos de un neobarroquismo europeo tardío y recargado, con guiños hacia particularidades arquitectónicas provenientes de españolismos “tropicalizados”.

El ahora Gran Teatro Alicia Alonso de La Habana, como prefieren llamarlo los medios oficiales, puede considerarse la más antigua institución teatral en activo de América latina, pues fue inaugurado el 18 de febrero de 1838, entonces bajo el nombre de Gran Teatro de Tacón. (Un acto obsequioso de los propietarios hacia el gobernador general de la Isla, de infeliz memoria para los súbditos de la corona española).

La poderosa Comunidad  Gallega de La Habana, fundada en 1879, se empeñó después de instaurada la República (1902) en construir un palacio que reafirmara su presencia física en la naciente sociedad criolla del archipiélago cubano. Para tales efectos, se compraron en 1906 el teatro Tacón y sus edificios anexos, los cuales ocupaban una de las áreas urbanas mejor situadas del llamado reparto Las Murallas, enfrentadas al emblemático Parque Central capitalino.

Integrantes del Ballet Nacional de Cuba presentaron “Giselle” en el Gran Teatro Alicia Alonso. Foto: Nancy Reyes.

El Centro Gallego fue una de las más importantes obras de su tipo que se realizaron en La Habana, y su construcción fue encomendada a la acreditada firma norteamericana Purdy and Henderson. En su interior se mantuvo la sala teatral que, después de 1961 hasta hoy, adoptó el merecido nombre de García Lorca. Remodelada con los más exquisitos materiales de construcción y decorativos, muchos la consideraron como “una de las mejores de América, tanto por su elegancia, como por su decoración y confort”, si se tiene en cuenta sus excepcionales condiciones técnicas y el mecanismo escénico que poseía.

Desde su fundación, por las tablas de este magnífico coliseo se han presentado las más prestigiosas figuras y compañías de ballet, ópera y del arte dramático, con fama internacional, así como los más ilustres intérpretes de la música, tanto instrumentistas, como cantantes o directores orquestales. Igualmente, las más relevantes luminarias del talento artístico nacional. Y desde 1965, es la sede del BNC y, luego de sus Festivales internacionales de ballet. A partir de 1985, por iniciativa de la propia Alicia Alonso, el edificio en su totalidad pasó a denominarse Gran Teatro de La Habana.

Desde este año, por decreto del Consejo de Estado, este complejo cultural se llamará “Alicia Alonso”. Para refrendar el apoyo estatal irrestricto a esta institución y a las agrupaciones artísticas que acogerá, a la función de gala de reapertura asistió el presidente de la Nación, Raúl Castro, arropado por el ministro del ramo y otras altas autoridades de su gobierno.

Los privilegiados para asistir a este significativo acontecimiento, según criterio de los organizadores, fueron los obreros y especialistas, y sus familias. Todos ellos hicieron posible la restauración durante tres años. También asistieron algunos familiares de músicos y bailarines, laureados con premios nacionales de todas las manifestaciones artísticas, entre otros “elegidos”. Derecho a su cobertura periodística, solo la tuvieron los periodistas de los medios oficiales locales.

En las funciones posteriores a la inauguración hubo cambios en las distribuciones de los elencos, particularmente los protagonistas. La única primera bailarina reincidente fue Sadaise Arencibia. En cambio los otros roles fueron asumidos por talentosas bailarinas principales, como Estheysis Menéndez y Gretel Morejón, en las entregas viriles no hubo alteraciones.

La programación continuó, el siguiente fin de semana, con tres funciones de “Giselle” en su producción completa donde alternaban los papeles protagonistas Arencibia con el joven Víctor Estévez; Anette Delgado con Dani Hernández y, por último, la pareja formada por Viengsay Valdés (a pesar de persistentes dolores sacro-lumbares no abandonó su notable entrega) y de nuevo Estévez.

“Lago de los cisnes”, a cargo del Ballet Nacional de Cuba subió a escena en la Sala principal Federico García Lorca. Foto: Nancy Reyes.

Significativo del desarrollo artístico de la bailarina Menéndez  resultó su desempeño en el difícil rol de Myrtha, la Reina de las Wilis, y como siempre deslumbró el trabajo estilístico coherente y preciso del cuerpo de baile femenino en la ejecución de las diagonales del segundo acto, premiados con rotunda salva de aplausos. Sin embargo es para recomendar más ensayos con el cuerpo de baile, ahora nutrido en su mayoría por elementos muy juveniles, para le realización de los bailables del primer acto más concentrados musicalmente, y su relación con las pantomimas, en el primer acto.

Por iniciativa personalizada del notable bailarín cubano Carlos Acosta, se encuentra en La Habana estos días el coreógrafo y bailarín francés Benjamin Millepied, actual director de danza del Ballet de L´Opéra de Paris, junto con su esposa la “oscareada” actriz Natalie Portman y su pequeño hijo Aleph. Ambos visitaron los salones de la Escuela Nacional de Ballet guiados por su directora y maestra principal Ramona de Sáa, para luego ver “in situ” los trabajos que desarrolla la recién creada agrupación cubana de Acosta. Igualmente, fueron recibidos por Alicia Alonso en su sede de El Vedado, donde les mostraron fragmentos del segundo acto de “Giselle”.

Basada en el cuento de Charles Perrault con elementos argumentales de los hermanos Grimm, “La Cenicienta” es una coproducción con el Teatro Argentino. Foto gentileza Ballet del Sur.

“La Cenicienta”, uno de esos cuentos simbólicos e inolvidables de la literatura infantil, y ya un clásico del ballet, llega a Bahía Blanca a través del Ballet del Sur, dirigido por Ricardo Alfonso. Desde el 25 al 27 septiembre en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, subirá a escena la obra con coreografía de Rodolfo Lastra Belgrano, sobre música de Serguéi Prokofiev

La obra, presentada por OAS, Organismo dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, con la participación de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca dirigida por Federico Sardella.

Basada en el cuento de Charles Perrault con elementos argumentales de los hermanos Grimm, “La Cenicienta” es una coproducción con el Teatro Argentino, que cuenta con diseño de escenografía de Gaston Jouvert, diseño de vestuario de Nicolás Biolatto.

El Ballet del Sur comenzó sus actividades en Bahía Blanca en 1956, con la voluntad y vocación de un grupo de jóvenes a cargo de la Alba Lutecia, y en 1961 fue oficializado por el gobierno de la provincia de Buenos Aires. Realizó su labor de divulgación estética y cultural a través de la inclusión dentro de su programación de funciones para estudiantes y niños. Cuenta en su vasto repertorio de obras del ballet universal como “Coppelia”, “Giselle”, la versión integral del “Lago de los Cisnes”, “Gayané”, y su versión de Augusto Bournonville de “La Silphide” es única en Latinoamérica

En esta producción del clásico de Perrault, el Ballet del Sur convocó a Lastra Belgrano, quien fue director de la compañía desde 2006 hasta 2009. El coreógrafo, fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón, recibió becas del Joffrey Ballet y de la Fundación Harckness, y fue contratado en 1977, por el London Festival Ballet como primer solista.

La creación coreográfica desde 1979  es el centro de su actividad artística. Sus obras “Romeo y Julieta”, “Belisem y Belisema”, “Encuentro”, “Romances” y “Adagio”, fueron interpretadas por figuras tales como Silvia Bazilis, Cristina Del Magro, Raúl Candal, Julio Bocca, Maximiliano Guerra, Eleonora Cassano y otros.

Anette Delgado y Dani Hernández, participarán en la Gala Internacional de Ballet y Danza, el 9 de agosto, en el Teatro del Lago, en Frutillar, Chile. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

Bailarines cubanos, muchos de ellos del Ballet Nacional de Cuba (BNC), recorrerán escenarios internacionales con distintas propuestas y programas, entre fines de julio y principios de agosto. El primer espectáculo que abre el fuego de esta serie de shows en los que la escuela cubana de ballet mostrará algunos de sus mejores exponentes.

“Cubanía” es el título del espectáculo que el bailarín cubano Carlos Acosta presentará el 21, 22 y 23 de julio, en el Royal Opera House de Londres. Con trabajos de destacados coreógrafos del país caribeño, acompañados de la música interpretada en vivo por una orquesta de Cuba, Miguel Altunaga, George Céspedes, Alexander Varona y Zenaida Yanowsky se suman a este despliegue de danza cubana.

Asimismo, Verónica Corveas interpretará junto a Acosta y a la compañía Danza Contemporánea de Cuba, la suite de “Tocororo”, obra con coreografía Acosta. La pieza, que es una suerte de autobiografía, se estrenó en La Habana en 2002 y luego en Londres.

El 22 de julio, en la XXII Gala Internacional de Danza «Alicia Alonso», en la Lonja del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, en España, las primeras figuras del BNC Yanela Piñera y Arián Molina, interpretarán los pas de deux “Coppélia” y “Don Quijote”.

Por otra parte, Luis Valle, solista de esta compañía, fue invitado a bailar “La bayadera” y “Cascanueces” con el Joburg Ballet de Johannesburg, Sudáfrica, del 28 de julio al 30 de septiembre.

Dos de los más destacados primeros bailarines de la compañía que dirige Alicia Alonso, Anette Delgado y Dani Hernández, participarán en la Gala Internacional de Ballet y Danza, el 9 de agosto, en el Teatro del Lago, en Frutillar, Chile. El repertorio que realizará esta dupla incluye “Aguas primaverales” y “Esmeralda”.

Delgado y Hernández compartirán escenario con Natalia Pelayo y Edgardo Trabalón del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires; Natalia Berríos y Luis Ortigoza del Ballet de Santiago de Chile; Agustina Galizzi y Roberto Rodríguez de la Compañía Nacional de Danza de México; Marianela Núñez y Thiago Soares del Royal Ballet de Londres, y con Julie Kent y Marcelo Gomes del American Ballet Theatre de Nueva York, entre otros.

El Ballet Nacional de Cuba llevó al Teatro Nacional su versión de “Coppélia”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR/BNC.

He considerado necesario repetir, como preámbulo a mis comentarios críticos, para una mejor comprensión de los cambios y añadidos realizados por Alicia Alonso a esta producción de la decimonónica pieza “Coppélia”, algunos detalles históricos y creativos en el estilo y la dramaturgia. Ha sido registrado el hecho de que este fue uno de los primeros títulos de importancia que Fernando y Alicia Alonso decidieron incluir en el repertorio de la recién fundada compañía Ballet Alicia Alonso en 1948.

En cambio, se desconoce la fecha exacta en que esta versión coreografiada por la Alonso quedó establecida, pero se intuye por sus resultados de que hubo un concienzudo trabajo de la repositora para entregarnos momentos de virtuosismo técnico sin perder la coherencia narrativa del argumento, asegurándole el rigor necesario a la “danse d´école”, como a las danzas de carácter o démi-charatére.

Según el historiador del BNC, dos fechas del siglo XX marcaron esta puesta en escena balletística: la de 1957, con la propia Alonso en Swanilda y André Eglevsky como Franz (en el Teatro Griego de Los Ángeles), y la posterior revisión en 1976, para una nueva representación por el BNC.

El énfasis de este comentario crítico –y su trascendencia histórica–, está provocado por la insólita y afortunada reaparición sobre el escenario de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba (sede temporal hasta que concluyan los trabajos de la restauración capital del Gran Teatro de La Habana, en 2015, según los pronósticos avanzados), del emérito bailarín de carácter Adolfo Roval, con una veteranía de bien llevadas 85 primaveras, se metió en la piel y la pasión histriónica del Dr. Coppélius (mago o brujo fabricante de la bipolar muñeca de la trama concebida por Charles Nuitter). Roval formó parte del elenco del Ballet de Cuba en la década del 1950, en años posteriores a los 70 figuró como maitre de ballet principal del BNC, y luego partió al extranjero en diversas misiones pedagógicas, jubilándose recientemente de su cargo en la Cátedra Alicia Alonso de la Universidad Rey Juan Carlos I, en Madrid. Fue una oportunidad  única, por iniciativa de la propia Alonso, de que las jóvenes generaciones de bailarines y espectadores observaran “en vivo” a uno de los icónicos intérpretes de este rol.

Sobresaliente fue también la entrega del joven Ernesto Díaz, primer bailarín de carácter, según pudimos constatarlo en la última función programada en el mes de mayo. Un Coppélius matizado, donde lo dibuja errático y a la vez meláncolico, menos surrealista que el de su predecesor de edad canónica.

En cuanto a la joven primera bailarina Amaya Rodríguez, que encarnó esta vez a Swanilda, podemos decir que logró una interpretación “quasi” impecable, de hermosa línea y de técnica segura, que debe madurar la concepción del personaje como “soubrette” al estilo francés  (aunque Grettel Morejón, quien alternó el rol, fue más frágil y vulnerable). Su partenaire, Dani Hernández, es un primer bailarín de fuste, elegante y caballeroso en el Franz, pero no perdió la oportunidad de mostrar sus dotes histriónicas en los momentos picarescos, evitando caer en vulgaridades como guiños a sus “fans”.

Aplaudimos la coherencia y sincrónicos desplazamientos del cuerpo de baile, en tan difíciles diseños coreográficos planteados por Saint-Léon, así como su preocupación en las pantomimas. Sin duda sería de agradecer un mayor pulido en las ejecuciones de las danzas de carácter. En este caso,  sería razonable invitar a un maestro foráneo experto en mazurkas y czardas. Celebramos también los hermosos decorados y el vestuario diseñado por Ricardo Reymena. Esta vez no hubo orquesta en el foso.