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Una fiesta de cubanía

mgueler — Tue, 31 May 2022 00:27:53 +0000

Con “Híbrido”, Norge Cedeño presentó una creación que se refiere a la cultura cubana y a sus raíces. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

El estelar bailarín cubano Carlos Acosta, al frente de la dirección artística de dos compañías de danza, entre sí alejadas miles de millas, Acosta Danza en La Habana y el Birmingham Ballet en Gran Bretaña, se enorgullece de renovar sus vínculos presenciales con su numeroso y entusiasta público habanero. “La pandemia del Coronavirus Sars-2 postergó nuestro rencuentro. Finalmente podemos reunirnos y vamos a celebrar la vida; agradecer a todos los que han luchado directamente con la enfermedad y homenajear a aquellos que despedimos”, concluye así sus palabras en el programa de mano virtual como presentación de esta temporada bautizada por él, 100% cubano. El título hace referencia a todos los elementos temáticos de las obras que serán representadas por un elenco totalmente nacional. La compañía realizó con este cartel una extensa gira europea, que incluyó varios teatros de Gran Bretaña y Francia, hasta su retorno a la mayor de las Antillas en abril.

Según expresó Acosta, se ha concebido estas presentaciones como una fiesta de cubanía: “aquí están nuestras fiestas y valores, nuestras dudas y nuestras crisis, nuestro espíritu de nación joven, llena de vida, que tropieza y se levanta, con muchos deseo de dar”(sic)

En esta ocasión, sobre las tablas de la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, ofrecieron dos estrenos absolutos por jóvenes bailarines-coreógrafos: “Liberto”, de Raúl Reinoso -solista del conjunto desde su fundación- quien explora la necesidad de la libertad para todo ser humano mediante la figura simbólica del cimarrón, un esclavo de origen africano que se fuga de la dotación de su amo o propietario en tiempos del feroz régimen colonial español. El personaje principal es perseguido por una jauría sanguinaria -cual una cacería humana- que sirve al coreógrafo para desarrollar “sus ideas en torno al ser humano enfrentado consigo mismo, o hermanado con la naturaleza”.

El segundo estreno, “Híbrido”, de Norge Cedeño (antiguo solista de Danza Contemporánea de Cuba y fundador de su propia agrupación, “El otro lado”), ofrece una visión metafórica de “nuestra cultura” como el “gran asidero ante los conflictos”.

El propio Acosta ha profetizado, en el programa de mano digitalizado en QR (una novedad para los asistentes locales, pues deben escanearlo en el lobby del teatro), que “esta obra moverá fibras muy íntimas en las cubanas y los cubanos”.

Tres apreciadas reposiciones completaron la segunda parte del programa, tras una breve pausa. A pesar de las adaptaciones sufridas por el cambio de sede teatral, el público las aplaudió extensamente: “Paysage, soudain, la nuit” del sueco Pontus Lidberg, creada a partir de un dual soporte musical que magnifica la rumba cubana (patrimonio cultural de la nación), del consagrado maestro Leo Brouwer para Paysage, y el europeo Stefan Levin (para “la nuit”).

Le siguió el solo femenino “Impronta” de la española María Rovira, la cual logra trasladar con su vocabulario técnico “esa manera de bailar que es muy común en la mayor de las Antillas”, gracias a Zeleide Crespo, una bailarina de ébano fuera de serie. Y para cerrar en tono enfático, al elevar los acentos climáticos y atizar las efusivas respuestas de la heterogénea audiencia, Acosta y su directora artística Yaday Ponce, eligieron el original de Alexis Fernández (Maca), con cinta collage de Kumar, Kike Wolf -a partir de La Bella Cubana, de José White- y Omar Sosa, con imágenes en video del cantante y compositor X Alfonso. Toda la compañía se entrega de lleno, para regalar algo que “es como un espejo de lo que somos”.

Los estrenos absolutos

“Liberto”, de Raúl Reinoso, explora la necesidad de la libertad mediante la figura simbólica del cimarrón. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

Nos enfrentamos con “Liberto”, de Raúl Reinoso sobre música original de Pepe Gavilondo, a partir de una concepción musical de ambos, acentuada por el inteligente diseño de luces del israelita Yaron Abulaifa (dirigido mediante plataforma virtual en internet).

En síntesis, Reinoso ha transpuesto en danza contemporánea explosiva la historia de un cimarrón, es decir un esclavo de origen africano en fuga, con la explícita intención de provocar una profunda reflexión “sobre las caras del esclavismo” desde la antigüedad hasta nuestros días. En suma, a partir de una historia de amor, va más allá hasta encontrar el camino “hacia el reino utópico de la libertad total”.

Fue el mismo Acosta quien lo instigó al diseño y desarrollo de una coreografía a partir de una pequeña fábula de dos cimarrones, según comentarios de Reinoso: él está interesado en desvelar los componentes de la cultura africana “como un estilo vivo dentro del repertorio de (su) compañía, es decir, crear piezas que expongan la belleza negra” (otro ejemplo cercano está en este cartel, “Impronta”).

El cimarrón tiene una meta, la natural de todos ser humano, conseguir la libertad. Por ella, expresa el autor, es capaz de sacrificarse y, “sin no la encuentra físicamente, la halla en la imaginación, en su espiritualidad”. Sin duda, sin miedo a los esoterismos a ultranza, comunica su concepto de la libertad como tema trascendental para los seres humanos…y “cuando digo libertad me refiero más a un camino que a una meta” (sic)

Para desentrañar los simbolismos de esta dramática pieza, es necesario recurrir a dos obras paradigmáticas de la literatura cubana del siglo XX: “El Monte” de Lydia Cabrera, y “Biografía de un cimarrón”, novela testimonial del etnógrafo y poeta Miguel Barnet.

La primera fue “iluminadora” para elegir el tipo de sonoridades que debía tener el soporte musical la coreografía. En la segunda, se describen las semillas, los arroyuelos, cuevas, maderas, árboles, todo lo cual “evocó una atmósfera de sonidos y timbres que luego solicitó al compositor Gavilondo. El músico ha logrado varios éxitos componiendo para la danza, y está convencido que cada coreógrafo tiene una manera propia de entender su pieza, “con sus exigencias específicas”. Gavilondo es rotundo al revelar un requisito: que la música se integre tanto a la coreografía que una y otra parezcan la misma cosa. Así sucedió en “Liberto”, como lo fue su trabajo precedente “Satori”.

El vestuario y las luces constituyen dos de los elementos a favor de este estreno. En los diseños de Alicia Pérez se manifiesta el requerimiento de crear “una visualidad universal” (evitar el color local), bebiendo de la estética africana importada por la masa de los negros de nación convertida en mano de obra esclava, consiguiendo una imagen descontextualizada. El segundo elemento, la iluminación en manos de Abulafia, se convirtió en otro personaje después de elaborarla Internet mediante, con el objetivo de interpretar las ideas de Reinoso. De allí surgió una traducción lumínica del tema central, merced a este notable profesional en las artes escénicas, residente en los Países Bajos y colaborador regular de los grandes teatros de Europa y Australia. Abulafia es autor de un imprescindible libro, considerado el primero de este género, “The Art of Light on Stage: Lighting in Contemporary Theatre”, de 2016, “desde las perspectivas semióticas y fenomenológicas”.

El segundo título estrenado mundialmente es “Híbrido”, una creación de Norge Cedeño. El coreógrafo (asistido por miembros de su grupo) pretende mostrar un universo “donde lo real y lo irreal desdibujan sus límites para alcanzar nuestras quimeras”. Es decir, una aproximación “a las realidades e imaginarios” de los seres que habitan la nación que los vio nacer, mediante la fuerza de su cultura y su danza.

Cedeño expresa en el programa de mano el ¿por qué? “Híbrido”: Es el resultado de las necesidades de la dirección de la compañía en la búsqueda del sello de cubanía que comparte con los mercados internacionales en los que normalmente trabaja. En suma, la búsqueda de un equilibrio entre todos los elementos que le interesaba utilizar para llegar a eso que llama “cubanidad”.

Está estructurado a partir de las características que tiene el cubano en su forma de moverse, interactuar, su gestualidad, su forma de sentir la música, sus ritmos y los colores. “Ha sido un reto interesante para mí -desvela Cedeño-, fue un rescate de las formas de construcción que tengo en reposo y que al final es mucho de lo que me interesa defender. Una motivación fundamental para la dramaturgia surgió del conocido ‘mito de Sísifo’. Un sueño para viajar revisitado…porque los sueños no tienen límites”.

Los pilares fundamentales en “Híbrido”, de su equipo creativo, son dos elementos de la producción: la música y el vestuario (de originalidad elegante). Para el primero, contó con la colaboración buscada, una notable violinista dotada con talento para la composición y el compositor Randy Araujo, “el ideal híbrido”. Es decir: “logré tener en la misma obra un compositor de música electrónica-artista plástico de formación y con una compositora de música acústica”, comentó. Ambos consiguen la contemporaneidad con un lenguaje identificable, no sólo para los cubanos: la diversidad de ritmos es apabullante -a veces caótica, como lo reconoce también el coreógrafo.

Por otra parte, el vestuario de Celia Ledón (su muestra en el Kenndedy Center fue muy comentada), aporta efectismo al reto de la transformación, de las metamorfosis que se suceden en este “viaje”, como una “amplificación de la estructura dramatúrgica” de la coreografía. Algo parecido aconteció con el set escenográfico y el diseño de luces que tuvieron el crédito seguro con el mencionado Yaron Abulafia, con una estructura minimalista. Esto revela una influencia en la composición escénica del bailarín-coreógrafo contemporáneo del cine. Comentó que piensa sus piezas cinematográficamente, desde la luz y desde el cine, “desde una perspectiva audiovisual” que la traduce en un espectáculo de danza. A veces muestra guiños de imágenes presentes en Rembrandt, Dalí, Munch o Mondrian.

Primera promoción de la academia Acosta Danza

La última representación de esta temporada 100% cubano tuvo una característica inusitada. Todas las obras del repertorio, tanto los estrenos como las reposiciones fueron bailadas, en esta ocasión, por los bailarines formados en la academia de danza adjunta a la compañía, a cargo de la ex solista del Ballet Nacional de Cuba Aymara Vasallo. Por supuesto, estos bisoños intérpretes ganaron el reconocimiento del auditorio en buena lid, pues se entregaron a fondo en cada uno de los roles asignados, algunos de ellos con mayor realce que otros, en sendos géneros, al mostrar sus potencialidades para alcanzar una carrera profesional de éxito.

El cuerpo como herramienta

mgueler — Fri, 14 Feb 2020 05:40:59 +0000

Acosta Danza presentó en Cuba “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

De regreso de la exitosa primera gira por Suramérica, donde bailaron un variado repertorio en ciudades de Chile, y luego de asumir, en las gélidas islas británicas, la dirección del Birmingham Royal Ballet, Acosta Danza, la compañía fundada y dirigida por Carlos Acosta, sube al escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso su décimo cuarta temporada y la primera de 2020.

Esta serie que se presentó el 31 de enero, y el 1 y 2 de febrero, está caracterizada por el trabajo que realizan los bailarines con sus cuerpos, “la herramienta fundamental del que baila”, como ha expresado el propio Acosta: “para ellos es su pincel, su guitarra, su cincel y su piedra”. De acuerdo con los títulos elegidos para esta ocasión, tanto las reposiciones como el estreno mundial, son consecuentes con los objetivos del director artístico.

Las coreografías sucesivas de este cartel exhiben todo el atletismo conseguido por su cotidiana dedicación -en los salones de clases- al desarrollo de la técnica, así como al lirismo y expresividad corporal que brota “de la mente creadora”, como hábil respuesta de máxima capacidad. Son obras muy exigentes del virtuosismo, en las destrezas logradas por el músculo, trabajado éste con toda la prospectiva definida ante el desafío que exige cada una.

La vocación declarada por Carlos Acosta, desde el primer instante de la creación de esta agrupación, está claramente manifestada en esta temporada como “un acto da fe”: poseer un cuerpo de baile dúctil, integral, que pueda ejecutar e interpretar un amplio diapasón de formas y estilos: lo académico y lo contemporáneo en función de la comunicación interactiva de sendos lenguajes corporales.

“Cor”, de Marianela Boán, permite que los intérpretes trabajen de manera interactiva entre la coreografía y la música en vivo. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Todo ello se hizo evidente en “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes (1990) -producción realizada gracias a la ayuda desinteresada de la mecenas estadounidense Madeleine Plonsker, como “un regalo a la danza cubana” (en palabras de Acosta)-, que reconoció desde su primera visita la fortaleza física de los danzantes de este conjunto, capaz de crear “la imagen de un mundo irreverente”. Sumado a ello, la contribución artístico-conceptual de la reconocida artista visual Glenda León y el talento del joven compositor e instrumentista Pepe Gavilondo, valores fundamentales para conseguir “un universo donde lo onírico y lo real son la misma cosa”.

El lenguaje coreográfico de Nunes -como se manifestó aquí- se vio beneficiado por la empatía desarrollada entre las idiosincrasias latinas del brasileño y las caribeñas, desde el inicio del montaje de su pieza. Todo fue estructurado y ensayado en corto tiempo -el coreógrafo tuvo que cumplir otros compromisos artísticos en el exterior- y gracias a contar con la pericia de la maitre asistente Clotilde Peón se logró estrenar como estaba previsto.

Zeleidy Crespo en el solo “Impronta”, de María Rovira. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

A su retorno, pocas semanas antes de la fecha fijada para estrenar “echó pie en tierra” para revisar y pulir los complicados y fluidos entrelazados movimientos corporales, por las exigentes coordinaciones entre la cabeza y el cuerpo. Allí aparecen las referencias debidas a su formación europea, particularmente su cercanía a maestros tales como Williams Forsythe, Hans van Manen o Jirí Kylian, entre otros. Su obra fluye por la diversidad del diseño escénico: los formatos se suceden a partir de un “opening” con una música de ceremonial de alguna etnia foránea, como preludio; primero las tres parejas juntas se entrelazan, después vemos bailar espléndidos solos, un apasionado trio y, finalmente, un brillante dúo. Es de destacar el solo bailado por Raúl Reinoso, con un seductor soporte musical de flauta sinfónica traversa, y el mencionado dúo final, esta vez bailado intensamente por Gabriela Lugo (exquisita y segura sobre puntas), junto al versátil y atlético Alejandro Silva. Ellos desaparecen lentamente en el ciclorama negro, acto seguido el telón de boca se cierra. El público quedó sin aliento unos segundos, antes de romper en pie con nutridos aplausos.

Es una obra abstracta, cargada de ideas a partir de su concepto de la vida presente de los cubanos y, como si “a través de las dificultades, se encuentran con la felicidad. “Pensé en esa energía que tiene el cubano de encontrar caminos para vivir o sobrevivir”, apuntó Nunes en el programa de mano.

El éxito de “Mundo Interpretado” se consigue -en un elevado porcentaje- por la creación visual minimalista de Glenda León: nenúfares iluminados colgantes que ascienden y descienden conforme a los propósitos fijados por Nunes (previamente quedó impresionado por un cuadro floral de León), además el inteligente y logrado soporte musical aportado por Gavilondo (por momentos, con sonoridades referenciales, o guiños, al minimalismo de un Philip Glass o Arvo Part), del que transpiraba una originalidad, debida a su formación con eminentes maestros cubanos, para recrear la atmósfera onírica deseada por el coreógrafo.

También reposiciones

La pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán, “El Cruce sobre el Niágara”, una de las favoritas del público. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Algunas de las reposiciones fueron muy bien recibidas, otra no tanto. Entre las primeras, fue un goce superior la pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán (siempre residente en República Dominicana) “El Cruce sobre el Niágara”, un icono de la danza moderna cubana creada en 1987 e inspirada en la obra teatral homónima del dramaturgo peruano Alonso Alegría. Y que tiene como soporte musical una hermosa creación del francés Olivier Messiaen. Esta vez fue entregada de manera impecable e intensa por dos soberbios bailarines, Raúl Reinoso y Mario Sergio Elías, enaltecidos por el diseño de luces del laureado Carlos Repilado (fallecido recientemente).

De la misma creadora, Boán, su pieza “Cor” (sugiere sus derivaciones semánticas: coro, corazón, coraje, correo, coral), que incluye la definitiva participación de los intérpretes de manera interactiva en el material coreográfico y en la música en vivo ejecutada por su compositor y tecladista Gavilondo (la maestra coral Alina Orraca se empeñó en el trabajo vocal con los danzantes), así como la colaboración del eminente percusionista Lino Pedroso. El trabajo de luces de Bonnie Beecher ha beneficiado en gran medida esta producción de Acosta Danza. No obstante, el resultado final no llegó a buen puerto, a pesar de las intervenciones inclusivas de las congas; los boleros archiconocidos o las rumbas: los bailarines “cantaron a coro” el popular tema de Gonzalo Asencio “Consuélate como yo”, mientras se cambiaban de vestuario a la vista del auditorio, muy identificado con la música y la letra.

Le antecedió el solo femenino “Impronta”, realizado por otra mujer experimentada en este quehacer, la ibérica María Rovira, para una excepcional bailarina de la compañía, Zeleidy Crespo, una deslumbrante mulata cual una venus africana de garbo y estatura inhabituales salida de las cálidas aguas del mar Caribe, dotada de excepcional carisma y habilidades técnicas. El imprescindible compositor Pepe Gavilondo aseguró el éxito con el aporte de las sonoridades requeridas por Rovira para los siete minutos de este impresionante unipersonal.

Para el cierre de la primera parte, Acosta eligió el dúo “Soledad”, creado por el catalán, Rafael Bonachela, e interpretado por una pareja de fuste y dramáticamente vibrante, quienes desde la primera escena de las cuatro que lo integran lograron cautivar al auditorio, que contaron con variado soporte musical: entre las piezas, una de Astor Piazzolla interpretada por el afamado violinista Gidon Kremer, así como un popular tema de Agustín Lara cantado de manera sensacional por Chavela Vargas. El diseño de luces fue un protagonista más, debido al cubano Pedro Benítez sobre el original de Lee Curran. El poco feliz vestuario y escenografía estaban firmados por el propio Bonachela.

Luego de esta temporada en Cuba, la Acosta Danza, compañía se presenta con “Acosta Danza Up Close” desde el jueves 13 hasta el 24 de febrero en el Teatro Linbury, escenario perteneciente a la Royal Opera House de Londres, en el Reino Unido. El espectáculo, está compuesto por las obras “El cruce sobre el Niágara”, de la cubana Marianela Boán; ”Impronta”, de María Rovira; el dueto “Soledad”, de Rafael Bonachela; “Mundo Interpretado”, de Juliano Nunes y el solo “Two”, de Russell Maliphant, obra que bailará Carlos Acosta.

Ovación para Carlos Acosta

mgueler — Fri, 28 Sep 2018 19:23:42 +0000

Afiche promocional de “Yuli”, film que marca la tercera participación de la directora catalana Icíar Bollaín y que compite por la Concha de Oro. Gentileza Acosta Danza.

Con ovaciones y lágrimas de los espectadores fue recibida, la película “Yuli”en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El filme, inspirado en la vida del bailarín cubano Carlos Acosta, fue dirigido por la cineasta catalana Icíar Bollaín, a partir de un guion de Paul Laverty; cuenta con la fotografía de Alex Catalán, la música de Alberto Iglesias y las actuaciones estelares de Carlos Acosta, Laura De la Uz, Santiago Alfonso, Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera, junto a la participación de la Compañía Acosta Danza. Esta presentación marca por tercera ocasión la participación de la directora en la competencia por la Concha de Oro. La película se estrenará comercialmente en España el 14 de diciembre.

La producción, que compite por la Concha de Oro, ha sido calificada por la prensa especializada como “luminosa”, “emotiva” y “deslumbrante”. El periodista Carlos Pumares del periódico ”La Razón” asegura que, de lo visto hasta ahora en el Festival, la película de Icíar Bollaín es ”Lo mejor, sin ninguna duda”. Para Pumares, la directora “intercala la infancia y el estrellato, yendo hacia adelante y hacia atrás con enorme sencillez”. El crítico concluye afirmando que “Si el festival terminase hoy, la Concha de Oro sería para esta sólida directora”.

Para Luis Martínez de “El Mundo”, la película de Iciar Bollaín que el domingo se llevó los focos del Festival de San Sebastián (…) tiene algo de espejo. A él se asoma el bailarín Carlos Acosta para contar su vida. Y lo hace sin precisar exactamente el lado, desde el que se mira. ¿Qué le empuja a contemplar su reflejo al protagonista: la certeza del éxito, la vanidad, o se trata sólo del simple pavor, o vértigo, de haber podido ser otro? En efecto, y para situarnos, Yuli es como de niño en las calles de La Habana llamaban a Acosta. Y Yuli es como se llama la película en la que Acosta narra y baila, en primera y dolorosa persona, su propia vida”.

Las periodistas Pepa Blanes y María Guerra en su reseña Icíar Bollaín y su retrato de Carlos Acosta, el bailarín negro que triunfó, para la Cadena SER, comentan que “En una mezcla de flashblack, Bollaín se apoya en tres edades de Acosta. De niño, cuando empieza a bailar. De joven, cuando sale de Cuba, primero a Suiza y luego a Inglaterra. Por último, en la actualidad, donde Carlos Acosta dirige una escuela de ballet en su país”.

Carlos Acosta llegó a San Sebastián para presentar la película que habla sobre su vida en cuba y de sus éxitos como bailarín internacional. Gentileza Acosta Danza.

Carlos Loureda de la revista Fotogramas considera que “‘Yuli’ contiene los ingredientes necesarios para triunfar en taquilla: el lado social de la escritura de Paul Laverty (guionista habitual de Ken Loach), mezcla de emoción y alguna carcajada, números de danza insertados en la narración y un ida y vuelta continuo (…) entre el pasado y presente”.

El comentario de Loureda, titulado “Yuli”, de Icíar Bollaín, deslumbra con la fotografía de Alex Catalán, analiza los valores contrastantes de los escenarios y las atmósferas en la visualidad de la película. Según el periodista «El sublime fotógrafo dota a cada espacio de una personalidad distinta. Cuba resulta luminosa, atractiva, acogedora y maternal. Europa es fría, sepulcral, hacia tonos azules o grises, casi al borde de la claustrofobia”.

El Diario de Sevilla también publicó una reseña de Magdalena Tsanis, periodista de la agencia informativa EFE. Tsanis comenta que el relato fílmico sobre Carlos Acosta transcurre “en paralelo entre el pasado y el presente, salta de su infancia y juventud ficcionada, con los actores Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera poniéndose en su piel, a su vida adulta, como bailarín y coreógrafo. Las coreografías, de María Rovira, sirven de enlace entre el pasado y el presente y traducen en movimiento y emoción los episodios más dramáticos de la vida de Acosta, escenas en las que Bollaín alcanza altas cotas estéticas”.»

Nacido en La Habana en 1973, Carlos Acosta bailó en compañías como el Houston Ballet, el Ballet Nacional de Cuba o Royal Ballet de Londres donde fue primer bailarín durante más de 15 años. En 2015 fundó en La Habana su compañía Acosta Danza.

El Festival de San Sebastián está catalogado como uno de los eventos culturales más prestigiosos de España y de los países de habla hispana. En su más de medio siglo de existencia, ha sido testigo de importantes acontecimientos en la historia del cine internacional como el estreno de “Vértigo” y de “Con la muerte en los talones”, ambas películas de Alfred Hitchcock.

Vienen de tierras lejanas

mgueler — Thu, 19 Apr 2018 16:35:27 +0000

Acosta Danza subió a escena “Mil años después”, estreno mundial, regalo para Carlos Acosta de parte del creador japonés Saburo Teshigawara. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La nueva temporada primaveral habanera de Acosta Danza, la jovial agrupación fundada y dirigida por el encumbrado bailarín cubano Carlos Acosta, se presentó tres noches sucesivas a teatro lleno, del 6 al 8 de abril, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso bajo la etiqueta de “Encuentros”. Y realmente lo fue doblemente. Al confrontarse los aficionados locales con tres obras provenientes de dos culturas -artísticas y coreográficas- de lejanas regiones como Japón y Suecia, representados por sus creadores: Saburo Teshigawara y Pontus Lidberg, respectivamente.

El primero, despertó curiosidad con una obra menos reciente empero icónica y referencial, “Lost in Dance”, 26 min, interpretada por el propio Teshigawara junto a su alter ego, la intrigante, intensa y virtuosa bailarina Rihoko Sato, desde 1996 su asistente artística para su labor creativa, laureada con el premio Positano “Léonide Massine per l’Arte della Danza (2012), y recientemente con el nuevo premio Japan Dance Critical Award (2016).

Teshigawara (1953) nació en Tokio, donde estudió artes visuales antes de comenzar ballet con 20 años cumplidos. En 1981, aunque admirador de la técnica clásica, comenzó a experimentar con proyectos más interdisciplinarios, trabajando con realizadores de vídeos y con artistas de artes escénicas, en busca de lo que denominó “a new form of beauty”. Este creador se ha distinguido por su poderoso sentido de la “composición, del dominio del espacio y los fluidos movimientos de baile”, con el objetivo de crear un estilo único y personal.

En cierta ocasión dijo: “I don´t live to make dance”. Luego ha explicado que “cuando hay algo que quiero expresar cojo un lápiz para convertirlo en poesía; si tengo un lienzo frente a mí será una pintura y si hay un espacio alrededor de mí, éste se transformará en una danza”. Para un mejor entendimiento de su danza hay que remitirse a la tradicional caligrafía japonesa, donde su brocha o pincel casi nunca se levanta del papel. Sus movimientos son como espirales en el espacio que se aceleran o desaceleran, como los movimientos en cámara lenta de un mimo. Hasta sus caderas y brazos se agitan enérgicamente con círculos. Todo parece igual o casi igual. Aunque, prestando más atención, se puede descubrir la variedad y hasta mínimas sorpresas, aunque la impresión acumulativa pueda parecer una monotonía… sin duda es de una inventiva a veces impenetrable.

Vale señalar, por ejemplo, su repetida secuencia con la bailarina, ambos de riguroso negro, para indicar las transferencias de los cuerpos dentro de la danza, con los recíprocos traspasos ad infinitum de un amplio y sedoso kimono negro. El inteligente soporte musical de la Sonata de Schubert (tempo moderato cantabile) ejecutada preciosamente en la grabación por el gran Sviatoslav Richter, fue una contribución mayor al carácter hipnótico de la pieza: ahí está su tendencia a enfatizar los símbolos y no lo narrativo.

“Lost in Dance”, de Saburo Teshigawara interpretada por el coreógrafo y junto a la virtuosa bailarina Rihoko Sato. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de un prolongado pero necesario intermedio, para el montaje escenográfico de la obra siguiente, comenzó la pieza grupal de corta duración concebida por el sueco Pontus Lidberg para once notables bailarines de Acosta Danza, bajo el título en francés “Paysage, soudain, la Nuit” (Un paisaje, súbitamente, la noche). Lidberg ha establecido su reputación en pocos años como coreógrafo, cineasta y bailarín. Su creatividad quedó internacionalmente reconocida con su film “The Rain”. Ulteriormente, en 2012, su filme creado para el grupo californiano Morphoses, “Labyrinth Within”, le permitió ganar el trofeo como Mejor Película en el Festival Dance in Camera, del neoyorquino Lincoln Center.

Lidberg nació en Estocolmo hace 40 años y posee una mirada intensa, propia de una personalidad controlada, intelectual y reflexiva. Su formación artística es muy peculiar. Desde los 6 años inició su inusual carrera luego de asistir a un espectáculo de ballet. A los 10 años, después de una audición, este hijo de un siquiatra y una sicóloga, ingresó en la Escuela del Real Ballet de Suecia; luego recibió una maestría en Artes Escénicas Contemporáneas de la Universidad de Gothenburg, posteriormente intercaló cuatro años de estudios de medicina entre los cursos de ballet, actuaciones en escena y la dirección de filmes.

Para su estreno mundial en La Habana, “Paisaje…”, Lidberg tuvo un doble acierto al elegir como soporte sonoro una notable obra del afamado compositor cubano Leo Brouwer (Paisaje cubano con rumba) y otra pieza corta minimalista del sueco Stefan Levin (Cuban Landscape), así como la escogencia para la escenografía de la talentosa artista Elizabet Cerviño: una instalación lineal lumínica que muestra una franja de trigo antes de la cosecha.

Además, la coreografía para un grupo mixto de bailarines -que incluyó al propio autor y su joven compatriota David Lagerqvist, como bailarín invitado-, está cargada puntualmente de un marcado atletismo, sazonado con instantes joviales teñidos de gran sentido del humor, que provocaron la espontánea risa del auditorio. Aquí destacaremos la labor interpretativa de Marta Ortega, Laura Treto y Alejandro Silva, entre otros.

Con el soporte sonoro de obras del cubano Leo Brouwer y del sueco Stefan Levin, Pontus Lidberg llevó a Cuba “Paysage, soudain, la Nuit” . Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de otra pausa, la danza siempre intensa, dinámica y subliminal en su creatividad y estilo particular de Saburo Teshigawara. Esta vez aplicada sobre ocho brillantes bailarines ambos sexos de Acosta Danza, con notables intervenciones de Javier Rojas (en el “opening” y el cierre), Carlos Luis Blanco y la escultural Zeleidy Crespo. Se trata de otra obra hipnótica (o casi) de unos 27 minutos, “Mil años después”, estreno mundial regalo a Carlos Acosta, con coreografía, dirección, diseño de luces y vestuario por el multifacético creador japonés asistido por la eficaz bailarina Sato.

En esta entrega hubo atisbos de elementos provenientes de la técnica académica y del butoh, pero no hubo cambrés, cargadas, ni el “contact”; sin embargo, los afiatados cuerpos del conjunto cubano vestidos de blanco con sus piernas y pies desnudos, asimilaron aproximativamente -en escasos ensayos- una filosofía y poética bien ajena a ellos hasta entonces. En cambio, evolucionaron con precisión las dinámicas tímbricas de la exquisita Suite Lírica del vienés Alban Berg, con notables dúos por Raúl Barroso y Mario Sergio Elías… Hasta que irrumpe la soberbia música de cámara creada por Mozart – un cambio de giro rupturista-, sobre la cual los bailarines “se desmayan” sucesivamente como castillos de naipes. ¿Será, acaso, una imagen evocativa del maltrato indiscriminado infringido a la “casa común”?

Empieza llenando salas

mgueler — Tue, 06 Mar 2018 19:54:34 +0000

Acosta Danza subió a escena “Imponderable”, del coreógrafo español Goyo Montero sobre canciones de Silvio Rodríguez. Foto: Yuris Nórido. Gentileza AD.

La juvenil compañía Acosta Danza, bajo la batuta del icónico bailarín cubano Carlos Acosta, retorna a los escenarios habaneros con cuatro estrenos para Cuba, en una primera temporada para 2018 bautizada “Mitos”. Y vuelve a desafiar a los observadores escépticos, quienes han reflejado en sus comentarios sus dudas en cuanto a la permanencia o durabilidad de esta nueva institución, en un país caribeño sometida a varios avatares limitantes, ya sea en lo político como en lo financiero, a las puertas de una nueva centuria.

Con apenas tres años de su primera presentación pública –el 8 de abril de 2016- ha pasado con éxitos la prueba de fuego de su consolidación, cuando otras agrupaciones del género en la isla –y otros rincones del planeta-, murieron casi al nacer.

El programa propuesto para iniciar su andadura en el año que comienza –esta vez en el vasto escenario de la Sala Avellaneda del moderno Teatro Nacional de Cuba a la vera de la Plaza José Martí y con aforo para unos tres mil espectadores–, suscitó grandes expectativas en sus fieles admiradores al conocer que podrían ver bailar al “mulato de oro”. Ídolo de los compatriotas aficionados a la danza, concitó llenos totales en las tres funciones anunciadas, y abrió la posibilidad de verlo en dos de las novedades, “Mermaid” y “Rooster”.

Los títulos que irán integrando, sucesivamente, el repertorio activo de esta joven compañía, según las premisas desveladas previamente por su fundador-director serían, primeramente la reposición de “Imponderable” del coreógrafo español Goyo Montero sobre algunas populares canciones del mediático cantautor local Silvio Rodríguez. Luego se sucedieron los cuatro estrenos: el dúo “Mermaid”, del belga-marroquí Sidi Larbi Cherkaoui (tuvo en el pasado septiembre su premier en Londres); dos miniaturas de la catalana María Rovira: “El salto de Nijinsky”, para siete bailarines de ambos sexos como tributo al icono de los Ballets Russes, y el espectacular solo “Impronta”, especialmente concebido para una excepcional bailarina mulata, Zeleidy Crespo, con el soporte musical creado por el talentoso joven compositor y pianista José Víctor Gabilondo. Finalmente, como colofón vino “Rooster” (versión de 1994) del británico Christopher Bruce, un favorito de mayorías debido al inteligente uso de los mejores éxitos de la afamada banda inglesa The Rolling Stones, pero su aporte creativo está por verse.

En el Teatro Nacional de Cuba Acosta Danza estrenó “Mermaid”, protagonizada por Carlos Acosta y Marta Ortega. Foto: Manuel Vason. Gentileza AD.

Algunos de los párrafos impresos en el programa de mano, definen los basamentos estéticos de Acosta Danza. Ella(…) se inserta en el panorama escénico cubano persiguiendo una línea contemporánea, sin dejar de lado el desarrollo técnico del ballet clásico (sic). Responde a la necesidad de su creador (CA) de concretar en una obra la visión artística que ha ido conformando durante sus años de carrera fecunda. (sic)

La compañía se define como un espacio de renovación, de búsqueda y experimentación, no sólo para artistas cubanos, sino que también abre puertas a los creadores del mundo, coreógrafos, músicos, diseñadores, artistas de la plástica y de las artes visuales.(sic)

(…) igualmente, tiene el objetivo de realizar espectáculos de danza en plena concordancia con las nociones más actuales que se desarrollan en el mundo, no solo en materia del movimiento de los cuerpos sino todo lo referente a la escena. (sic)

Después de leer detenidamente lo expresado arriba, se manifiesta como irresistible a la memoria, una cita reveladora del sistema poético de José Lezama Lima, en su ensayo “Mitos y cansancio clásico”: “Sólo lo difícil es estimulante; sólo la resistencia que nos reta es capaz de enarcar, suscitar o mantener nuestra potencia de conocimiento”.

En el propio Acosta, sus maitres, profesores y equipo técnico, es admirable su perseverancia y coraje, particularmente porque cuentan con un elenco de bailarines afiatados y con especiales talentos, los cuales se entregan en cada representación con todas sus dinámicas, energías y pasión, a veces hasta el extremo.

No obstante, al revisar las nuevas obras que integran el corpus de su repertorio activo, se advierte que no aportan lo necesario o lo esperado en el aspecto de la creatividad. Ciertamente, como una verdad de Perogrullo, los danzantes requieren siempre del reto constante en los discursos, acicate para su desarrollo muscular, cerebral y técnico.

Es altamente valorable la entrega del dúo “Mermaid”, donde se puede apreciar una defensa de altos calibres por parte de ambos intérpretes: la diminuta, precisa y exquisita Marta Ortega y del propio Acosta, en excelente forma, gran clase y proyección escénica deslumbrante. Así como el ya mencionado solo “Impronta”, esculpido a la medida de una bailarina como Zeleydi Crespo, dotada de una fisicalidad y destrezas fuera de serie para entregarse, con toda su encarnación, a las diosas del panteón yoruba predominantes en la tradiciones culturales cubanas de origen africano. Las otras piezas del programa mostraron el buen oficio de sus coreógrafos, pero el resultado final de sus puestas en escena podría calificarse de intrascendente.

Por vez primera, para cumplir un añorado sueño de Carlos Acosta, la compañía Acosta Danza realizó una gira nacional con presentaciones en los coliseos de cuatro capitales provinciales del archipiélago cubano, con las mismas obras que integraron la temporada Mitos en febrero.

“Rooster” (versión de 1994) de Christopher Bruce, incluye los más famosos temas de The Rolling Stones. Foto: Manuel Vason. Gentileza AD.

Compañía Acosta Danza nominada en los Manchester Theatre Awards del Reino Unido

Acosta Danza, compañía dirigida por el bailarín Carlos Acosta, ha sido nominada al Premio Robert Robson para la Danza de los Manchester Theatre Awards que entrega la crítica especializada en Artes Escénicas a los mejores espectáculos presentados durante el 2017 en Greater Manchester, importante condado del Reino Unido.

El pasado año, Acosta Danza actuó con éxito de crítica y público los días 12 y 14 de octubre de 2017, en The Lowry Theatre de la Ciudad de Salford, en Manchester, con un programa compuesto por las piezas “El cruce sobre el Niágara”, de Marianela Boán; “Belles Lettres”, de Justin Peck; “Imponderable”, de Goyo Montero; “Mermaid”, coreografía de Sidi Larbi Cherkaoui y “Twelve”, de Jorge Crecis.

Con este reconocimiento, la compañía cubana se inserta, a solo dos años de su fundación, en la categoría de Mejor Espectáculo de Danza junto a las emblemáticas compañías británicas English National Ballet y la Rambert Dance Company.

Los Manchester Theatre Awards son unos de los más prestigiosos galardones de las Artes Escénicas que se entregan en el Reino Unido.