La Compañía Nacional de Danza en “The vertiginous thrill of exactitude”, con coreografía de William Forsythe. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

La Compañía Nacional de Danza (CND) vuelve a dar otro paso de gigante con el programa “Una noche con Forsythe”, en la segunda velada dedicada íntegramente a autor -tras la noche de Jiří Kylián hace un lustro-,  desde la incorporación en la dirección artística de José Carlos Martínez, en 2011. Considerado uno de los coreógrafos más influyentes y revolucionarios de la escena del último cuarto del siglo pasado, William Forsythe (Nueva York, 1949) desarrolló una parte importante de su trabajo al frente del Ballet de Frankfurt, que dirigió de 1983 a 2004. En una primera etapa, su trabajo parte del lenguaje académico más estricto y lo lleva hasta unos límites insospechados; posteriormente, el estilo de Forsythe evoluciona por otros derroteros hacia el planteamiento de sus piezas como una instalación coreográfica, una línea en la que ahondó en su década al frente de The Forsythe Company, de 2005 a 2015.

El programa seleccionado por Martínez se decanta por tres piezas selectas del repertorio de Forsythe: “The vertiginous thrill of exactitude” (1996), “Artifact Suite” (2004, sobre el original de 1984) y “Enemy in the figure” (1989). Alterando sabiamente el orden cronológico de su creación, el programa va de menos a más: desde la visión más cercana al clasicismo hasta la obra de corte más contemporáneo. Con la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria a punto del lleno, la CND acometió la noche de estreno con una mezcla de nervios, ilusión y expectativas, pues un programa Forsythe tan exigente como éste, eran palabras mayores.

Comenzó la velada con “The vertiginous thrill of exactitude”, un homenaje a las aportaciones del coreógrafo francés Marius Petipa (1818-1910), autor de los grandes temas del repertorio clásico como “La Bella Durmiente”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, entre otros, y del padre del neoclásico, el ruso George Balanchine (1904-1903), piedra angular de la escuela americana y autor de obras como “Serenade”, “Tema y Variaciones”, “Tchaikovsky. Pas de deux” o “Jewels”. Mientras que de Petipa toma la construcción de la obra en solos, pasos a dos, a tres y glorioso final del elenco al completo, y, obviamente, todas las bases estilísticas del lenguaje clásico; de Balanchine, su gusto por los ballets abstractos o ‘plotless ballet’, además de la ejecución endiablada de enésimos pasos a ritmo, precisamente, vertiginoso, tal y como anuncia el título.  Estrenada en su origen por el Ballet de Frankfurt en 1996, esta pieza presenta a un quinteto de intérpretes –tres mujeres y dos hombres-, sobre la novena  sinfonía de Franz Schubert, y responde a todos los cánones del clásico: imaginativo tutú de color verde pistacho y no de tul ilusión, las hipnóticas zapatillas de punta, lirismo y virtuosismo técnico, todo ello interpretado con acierto por el elenco de la CND, pese a algunos desajustes, sobresaliendo los representantes masculinos –Alessandro Riga y Anthony Pina- sobre el apartado femenino.

Los componentes de la CND en “Artifact Suite”, que contó con cerca de cuarenta bailarines en escena. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Basado en tres secciones de la obra original de 1984, el Scottish Ballet estrenó veinte años después una versión reducida titulada “Artifact Suite”, que introdujo la CND en su repertorio precisamente en su actuación en el Palacio de Festivales en Santander. Carente de argumento, la obra se construye en tres movimientos como una exhibición del potencial máximo del clásico, del valor del trabajo del conjunto y, en especial, del cuerpo de baile, de la importancia de los elementos teatrales con esos impenitentes telones cayendo en mitad de escena. En la sección primera, un bello paso a dos sobre “La chacona” de Bach, enmarcado por treinta bailarines del cuerpo de baile; en la segunda, música de piano de Eva Crossman-Hecht acentuando la repetición para mostrar al cuerpo de baile como un complejo engranaje con una sincronía propia de la precisión suiza. Gracias a ese movimiento, se pudo apreciar el gran avance de la CND en pos de creación de una compañía compacta en la que los casi cuarenta bailarines se involucran al máximo en beneficio de la pieza de una gran belleza escénica, que casi consiguió hacer levitar a los espectadores en Santander.

Un foco enemigo

Vieja conocida de la CND, la obra “Enemy in the figure” entró en el repertorio de la compañía española en 2001, dentro de la etapa de Nacho Duato como director artístico. De corte más contemporáneo que todas las anteriores y nutrida en su origen de materiales propios de la improvisación, fue estrenada por el Ballet de Frankfurt en 1989 y aborda cuestiones como la necesidad de elección del espectador ante varios focos de acción en escena, la importancia de la iluminación en el escenario, la delimitación del espacio escénico. Una mampara ondulada cual escultura sinuosa de Richard Serra, divide el espacio escénico, pero no la acción que discurre en él. Además, la luz también adquiere un protagonismo singular: los intérpretes, ataviados con ropa estrafalaria, deben dirigir un gran foco como si fuera la manera en la que redirigir la mirada del espectador, pese a que hay acción más allá de donde ilumina el foco. Destellos de luz, sombras proyectadas, la desapacible música metálica de Thom Willems y una danza esencialmente contemporánea, convierten a “Enemy in the figure” en un curioso universo poblado de seres estrambóticos con la necesidad de subrayar, sobre todo, su soledad o individualidad ante el foco.

Con dos horas de duración, “Una noche con Forsythe” fue una buena forma de tomarle el pulso a esta CND que bien cabalga por un lugar de la Mancha de la mano del clásico “Don Quijote” o bien se aventura por los exigentes terrenos de un creador contemporáneo cuya revolución de las bases académicas le han convertido ya en un clásico. Puede que los universos de William Forsythe sean crípticos para los legos en la materia, pero la belleza que insuflan esta obras, en especial, las dos primeras, no es ajena a los espectadores. Así lo entendió el numeroso público reunido en el Palacio de Festivales de Cantabria que premió con una sonora salva de aplausos de más de cinco minutos de duración. Porque la belleza es belleza y no necesita más explicación.

Aída Badía, Agnés López y Erez Ilán, miembros de la CND, en “Enemy in the figure”, obra de William Forsythe que cerró la velada.Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Cristina Casa (Solista del Real Ballet de Flandes) y Anthony Pina encarnaron a los protagonistas de “Don Quijote”, en la última función de 2015 de la CND. Foto gentileza de Daniel Guinda.

En un lugar del Teatro de la Zarzuela, no ha mucho tiempo que vivía una ex estrella de la Ópera de París, seco de carnes, enjuto de rostro, gran luchador por la danza. Parafraseando muy libremente el comienzo de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, éste podría ser el inicio de una crónica acerca de la epopeya que ha supuesto para José Carlos Martínez poner en pie el espectáculo “Don Quijote”, primer ballet clásico de noche completa interpretado por la Compañía Nacional de Danza (CND) en dos décadas.

Cuando Martínez fue seleccionado para dirigir la formación nacional española, una línea básica de su plan era llegar al añorado ‘full length ballet’, en terminología anglosajona, lo que sería un ballet de noche completa. Cual Quijote luchando contra constantes molinos de viento, el otrora bailarín ha realizado una progresión hacia el clásico a través de la introducción de la icónica zapatilla de punta. Finalmente, y en la que es su quinta y última temporada por contrato –pendiente de posible renovación en fechas próximas-, el director ha puesto todas las cartas sobre la mesa con su versión de “Don Quijote”. Subyace la sensación de metáfora constante en la elección de este clásico, ya que son muchos los obstáculos que ha tenido que vencer el cartagenero para llevar a cabo dignamente su empeño.

Muchas circunstancias confluían a la hora de decantarse por esta obra: desde el cuarto centenario de la publicación de su segunda parte –donde se insertan los capítulos XX y XXI, dedicados a las bodas de Camacho-, hasta el carácter español por antonomasia del personaje protagonista: qué mejor para simbolizar la nueva etapa de la CND que una aventura quijotesca.

La versión de Martínez funde en un mismo crisol elementos de la escuela francesa con esa búsqueda de lo verdaderamente español, partiendo del original de Marius Petipa (1869) y de la versión ampliamente remozada de Alexander Gorsky (1900). Si algo había claro en la intención del coreógrafo era recuperar el acento español de la obra. Por eso, tanto el bolero como el fandango de las partes características de la obra recobran parte de su sabor genuino de la mano de Mayte Chico, bailarina y coreógrafa de dicho estilo. Junto a la potenciación de la autenticidad española, confluye en la versión de Martínez un gran poso de sus décadas en el Ballet de la Ópera de París. Su gusto por el refinamiento de la escuela gala se percibe en el dibujo del acto segundo, también llamado el sueño de Don Quijote.

Pas de deux de “Don Quijote” a cargo de Cristina Casa y Anthony Pina. Foto gentileza de Daniel Guinda.

Gozando de una importancia capital la puesta en escena de este primer ballet de noche completa de la CND en veinte años, Martínez no quiso dejar nada al azar y apostó por invitar a alguna de las grandes estrellas españolas que triunfan en el extranjero. En el debut y primeras funciones contó como protagonista con Joaquín de Luz, bailarín Principal del New York City Ballet, quien tuvo a Maria Kochetkova, Principal del San Francisco Ballet, para darle la réplica en un par de espectáculos. También acudieron a la llamada de Martínez otras figuras como Cristina Casa, Solista del Real Ballet de Flandes, quien encarnó a Quiteria en tres funciones, y en las últimas veladas, Elisa Badenes, Principal del Stuttgart Ballet.

Decía Ninette de Valois que lo importante era crear el cuerpo de baile porque las estrellas ya vendrían luego y, en todo caso, se podían contratar. Y el director de la CND aplicó con inteligencia este planteamiento. No obstante y ante la carencia de una escuela asociada a la compañía, cosa frecuente en otras formaciones de prestigio y calado internacional, el trabajo de generar y homogeneizar el cuerpo de baile se antoja una labor de largo recorrido. Paciencia: Roma no se construyó en un día.

La última función de 2015 fue protagonizada por Cristina Casa en la piel de Quiteria y Anthony Pina, en el rol de enamorado Basilio. Exultantemente feliz por bailar en su ciudad natal, Casa se mostró muy segura, poderosa y con un amplio dominio técnico. Añorando los aplausos del hogar, la bailarina madrileña desplegó un abanico de virtudes y destrezas técnicas en una Quiteria que combinó el descaro como actitud vital con el aplomo en su danza. En contraposición, el Basilio de Pina quedó empequeñecido por el empuje de Casa. El artista americano despuntó más en sus solos que en sus labores de partenaire. Apabullante resultó también la interpretación de Esteban Berlanga como Espada, quien mostró rotundidad en sus intervenciones.

Todos ellos discurrieron por el escenario del Teatro de la Zarzuela de Madrid durante los tres actos, con una duración de dos horas y media, en los que transcurrió la lectura de José Carlos Martínez del clásico de “Don Quijote”, en la que, por cierto, los singulares papeles de Quijote y Sancho Panza fueron encarnados respectivamente por Isaac Montllor y Jesús Florencio. Mientras que el padre de Quiteria fue corporeizado por José Antonio Beguiristain y el sacerdote por Carlos Faxas. Todas ellas, colaboraciones especiales.

Y para que un clásico adquiera carta de naturaleza como corresponde, qué menos que la música en directo y qué difícil resulta en ocasiones. La partitura de Ludwig Minkus fue interpretada por la Orquesta de la Comunidad Autónoma de Madrid, bajo la batuta de José María Moreno.

El arrollador éxito de este espectáculo. Se mide por el respaldo unánime del público, ya que todas sus funciones agotaron sus localidades –precisamente, la última velada contó en el patio de butacas con los reyes don Felipe y doña Letizia, sus hijas y la reina doña Sofía–, como por las largas ovaciones, computando ocho minutos con los que se saldó la última actuación de 2015.

La Compañía Nacional de Danza finalizó el espectáculo con “Minus 16″, una explosión de energía que conquistó al público de Biarritz. Foto: Jacobo Medrano. Gentileza de CND.

El primer espectáculo de la temporada 2015/16 llevó a la Compañía Nacional de Danza (CND), a la localidad vascofrancesa de Biarritz, que, estos días, apura las últimas jornadas de la vigésimo quinta edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Habiendo sido su actual director José Carlos Martínez étoile del Ballet de la Ópera de París durante quince años, las estrechas relaciones con todo el mundo de la danza francés son consustanciales, por eso, a nadie extraña que la primera actuación en el extranjero de la etapa de Martínez fuera en Biarritz o que Thierry Malandain, director del Ballet Biarritz y del Festival Le Temps d’Aimer la Danse, invitara a la CND en la edición de las bodas de plata del certamen.

Para esta ocasión, Martínez se decantó por un programa triple de corte contemporáneo, compuesto por piezas del coreógrafo norteamericano William Forsythe y de los creadores israelíes Itzik Galili y Ohad Naharin. Comenzó la velada con la obra “Sub” (2009) de Galili, una especie de enérgico combate masculino que reúne a siete bailarines en escena, ataviados con largas faldas y torsos desnudos. Las piezas del coreógrafo israelí suelen nutrirse de un lenguaje muy físico, casi cercano a una batalla campal o a una lucha de un arte marcial. De extremada exigencia física, requiere intérpretes con buen fondo físico para su correcto desarrollo. Por otra parte, concibe el dibujo escénico del movimiento de forma muy geométrica, tendiendo a las líneas cardinales puras, todo ello muy subrayado por una iluminación de mínimos y certera, que acentúa el dramatismo y derroche energético de los intérpretes.

Considerado uno de los coreógrafos clave del último cuarto del siglo XX, el neoyorquino William Forsythe redefinió y exprimió la técnica clásica con modos muy contemporáneos, durante su etapa al frente del Ballet de Frankfurt (1984-2004). “Herman Schmerman” (1992), creada para el New York City Ballet, es un buen ejemplo de cómo emplear la técnica clásica y que su apariencia diste mucho del almibarado prototipo de tutú y zapatillas de punta. Se trata de una pieza sin argumento, más que la pura diversión de los intérpretes, en palabras del propio Forsythe. Construida en dos escenas, comienza con lo que podría ser el cuerpo de baile y finaliza con un paso a dos.

El espectáculo finalizó con la divertidísima “Minus 16” (1999) de Ohad Naharin, creada para Nederlands Dans Theater II. El israelí es el padre de la técnica gaga, gracias a la que los bailarines ganan autoconciencia de su cuerpo y aprenden a escuchar su propio movimiento, de forma que consiguen mayor fluidez. En el caso de la pieza con la que la CND finalizó su actuación, la nota más característica es su eclecticismo tanto en la calidad y estilo de movimiento como en el collage musical que acompaña a la obra: desde “Stabat mater” de Vivaldi a una versión tecno de “Somewhere over the rainbow”. La obra se compone de varias escenas, alternando fragmentos de mayor seriedad, con otros más desenfadados, en los que incluso los bailarines suben a escena a varios espectadores.

El público biarrota recibió con ganas a la CND, tras la buena imagen dejada en su actuación de 2012. Hace días que las entradas se agotaron y no cabía ni un alma más en la Gare du Midi. Siendo el primer espectáculo de la temporada para el grupo de Martínez, la compañía demostró profesionalidad y oficio en unas obras en las que se destacó su vertiente contemporánea. Muy aplaudidos en cada pieza, el final con la entretenida interacción con los espectadores, provocó muchas situaciones cómicas y consiguió una destacada salva de aplausos, con gran parte del patio de butacas en pie. Para la temporada 2015/16, el gran caballo de batalla de José Carlos Martínez es la puesta en escena de un ballet clásico íntegro, habiendo sido el escogido “Don Quijote”, que subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela, el 16 de diciembre. Visto que en los programas mixtos -de corte más clásico, neoclásico o contemporáneo- la CND se desenvuelve con soltura, queda abordar ese gran clásico que sería deseable que no quedara en una quijotada.

Escena final de “La Bella Durmiente” del Staatsballett de Berlín, con la boda de los príncipes Aurora (Iana Salenko) y Desirée (Dinu Tamazlacaru). Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

La expectación por el retorno a España de Nacho Duato era máxima. Hace cinco años, su salida de la Compañía Nacional de Danza (CND), tras dos décadas al frente de la misma, levantó mucha polvareda. Durante este lustro, el coreógrafo valenciano ha recalado en San Petersburgo, donde dirigió el Teatro Mikhailovsky (2011-2014) y creó el tantas veces reclamado clásico, y desde el año pasado, ejerce como intendente de la Staatsballett de Berlín, compañía con la que regresó a los escenarios españoles, para ofrecer dos espectáculos que inauguraron la temporada 2015/16 del Teatro Real de Madrid: “La Bella Durmiente” y un programa contemporáneo conformado por las piezas de Duato “Static time” y “White darkness” y la obra de Marco Goecke, “And the sky on that cloudy old day”.

A petición de Vladimir Kejman, Nacho Duato realizó su propia lectura sobre el clásico de Marius Petipa “La Bella Durmiente” (1890), estrenada por el Mikhailovsky hace cuatro calendarios. Siendo esta obra un pilar básico del repertorio clásico, la actitud a adoptar por un creador que quiere versionarla o adaptarla puede ser diversa: desde el respeto riguroso al legado y estilo decimonónico hasta la apuesta rotunda por la transgresión sin ambages. Pues bien, el coreógrafo mediterráneo opta por el camino de en medio, sin llegar a ser un clásico en puridad ni un remozado contemporáneo. Eliminada la pantomima acartonada, la obra contiene una esencia predominantemente clásica, citando los pasajes más destacados de la misma, lo que no deja de ser desconcertante para el espectador español, más acostumbrado a disfrutar del trabajo contemporáneo de Duato, que nutrió el segundo espectáculo ofrecido por el Staatsballett de Berlín. Aunque la reelaboración del personaje de Carabosse (Rishat Yulbarisov), con apariencia de drag queen y turbadora presencia escénica, y las danzas de carácter del tercer acto sirven para encontrar ese punto más actual.

Con un presupuesto de millón y medio de euros, “La Bella Durmiente” de Nacho Duato es una producción lujosa, desde una escenografía hasta un vestuario en los que no se ha escatimado ni un céntimo. Sin embargo, ni siquiera el resplandor de tanta opulencia ensombreció la labor de Iana Salenko, Primera Bailarina de Staatsballett de Berlín, que encarnó a la princesa Aurora. De aspecto frágil y delicado, Salenko deslumbró con su sólida técnica clásica, pese a algunos titubeos en los equilibrios. Ella fue la máxima protagonista de la obra, acompañada por un partenaire con el lustre en horas bajas – Dinu Tamazlacaru, en el rol de príncipe Desirée-.

Con una duración de tres horas y otros tantos actos, “La Bella Durmiente” provocó dos reacciones ante el público: deleitó a los espectadores con una visión más aperturista y dejó tibios a los balletómanos, defensores de un academicismo férreo. Los cuatro minutos de aplausos en la noche de la première ofrecen diversas lecturas, pero lo que dejan nítido es que el público español está deseando ver buenas compañías y producciones de lujo. Aunque con menor presencia de público, el triple bill contemporáneo conectó con lo que los aficionados españoles a la danza mantenían en su retina sobre el trabajo de Duato. Su última creación “Static time” sobre el tiempo congelado, abunda en las características de su estilo con un movimiento ligado y una acusada musicalidad.

Tras la entretenida “And the sky on that cloudy old day” de Goecke, pieza en la que los bailarines imitan en su movimiento a los insectos, llegó la monumental “White darkness”, creada durante su etapa en la dirección de la CND (1990-2010), en memoria de su hermana fallecida a consecuencia de las drogas. Sin duda, una de las obras más aclamadas y destacadas del repertorio de Duato.  Con el público dividido en filias y fobias, afectos y desafectos, nadie puede negar que el esperado retorno de Nacho Duato  ocasionó un cataclismo al mundo de la danza española. Clásico o contemporáneo, el coreógrafo valenciano sigue siendo genio y figura.

Moisés Martín formó parte del San Francisco Ballet, junto a su hermano Rubén y actualmente pertenece a la CND. Foto gentileza MM.

“Empezamos a bailar porque nuestra madre quería mantenernos ocupados después del colegio, ya que éramos muy movedizos y nos pasábamos las tardes jugando al fútbol los cuatro en el pasillo de casa –comentó el bailarín español Moisés Martín–. Mi madre, en su juventud, estudió bellas artes y tenía una vena artística: dibujaba y hacía esculturas, y además le gustaba mucho la música y la danza”.

Hace poco tiempo, Moisés, formó parte del San Francisco Ballet, junto a su hermano Rubén, que aún permanece en la compañía de California. Después de pasar por el HET (Compañía Nacional de Holanda, actualmente forma parte de la troupe de la Compañía Nacional de Danza de España.

Su madre los matriculó en la Escuela Municipal de Danza y Música de Zaragoza, donde aprendieron ballet clásico y música. Moisés estudió saxofón, los dos hermanos gemelos el violín, y Rubén –actualmente primer bailarín en el San Francisco Ballet–, la guitarra. A los tres años decidieron cambiarse al estudio de María de Ávila, después de que un integrante de su compañía les recomendara su escuela. María de Avila, una de las más reconocidas maestras españolas, les dio una beca completa a los cuatro hermanos.

“En un principio no nos gustaba mucho la idea de llevar medias y cinturilla, pero poco a poco Rubén y yo fuimos desarrollando la vocación –recordó–. Los gemelos, sin embargo, como eran tan buenos y se tenían puestas tantas expectativas en ellos, no aguantaron la presión y el dolor físico, y decidieron no continuar”.

Moisés Martín llegó al Het National Ballet cuando tenía 27 años. Foto gentileza MM.

Danzahoy: ¿En qué momento te diste cuenta de que el ballet no era sólo un pasatiempo, sino que podía llegar a ser tu salida profesional?
Moisés Martín: Cuando empecé en la escuela de María de Avila ya supe que la danza era algo serio y dejé de ser un chico normal. Como no disponíamos de tiempo para poder llevar a cabo todo, decidimos estudiar a distancia. También supuso un gran estímulo el encontrarme con el gran bailarín cubano-americano, Fernando Bujones, con quien participé en un cursillo de verano y quien me dio una clase privada. A raíz de ese momento, Bujones se convirtió en uno de mis bailarines favoritos y un ejemplo a seguir.

D: ¿Qué has aprendido en cada una de las compañías de ballet con las que trabajaste?
MM: Entré a formar parte del San Francisco Ballet a los 19 años. Algo increíble: ¡era una compañía tan importante! ¡Y qué grandes bailarines!: Yuri Possokhov, Roman Rykine, Anthony Randazzo y Christopher Stowell. Grandes no sólo por su brillante técnica, sino sobre todo por su calidad artística. Tuve la suerte de entrar al mismo tiempo que Sergio Torrado, otro bailarín español, y estábamos maravillados de que nos pagaran por bailar y salir de gira. Bailábamos en algunos de los mejores teatros del mundo. Era todo increíble, pero al mismo tiempo sentía una gran presión porque había mucha competencia y había que trabajar durísimo para conseguir papeles importantes. De esa época valoro mucho la riqueza de repertorio y el entusiasmo del público.

María de Avila, una de las más reconocidas maestras españolas, les dio una beca completa a los cuatro hermanos Martín. Fotogentileza MM.

D: ¿Y con el HET?
MM: Al Het National Ballet llegué con 27 años. Podía haber continuado en la compañía de San Francisco, donde me encontraba muy cómodo, también a nivel personal porque trabaja mi hermano, pero sentí que necesitaba conocer otras compañías y estar más cerca de mi familia. En el Het todo empezó muy bien,  y justo, cuando estaban considerando darme los papeles principales de “Cascanueces” y “Giselle”, me lesioné. Es una compañía que tiene mucho prestigio, muy respetuosa con su tradición, sobre todo con el repertorio de Rudi Van Dantzig y de Hans Van Mannen. Tuve la suerte de interpretar el papel de Tibaldo en el “Romeo y Julieta” de Van Dantzig y de trabajar directamente con él. Es un gran artista y trasmite esa pasión que siente por la danza. Para él lo importante es la interpretación del personaje, quiere que seamos capaces de sacarlo adelante nosotros sin que él nos dé muchas indicaciones.

D: ¿Hubo algún momento o experiencia que le haya hecho centrarse menos en su vida interna como bailarín?
MM: Como consecuencia de mi lesión estuve ocho meses sin poder bailar y eso me provocó una depresión. Tampoco es que estuviera parado, ya que utilicé mi tiempo en sacarme el título de profesor de Gyrotonic. Durante ese periodo me di cuenta de que tenía que ser más generoso con la audiencia. Desarrollé un aspecto más maduro de mi personalidad, quizá debido a que no podía bailar y ocupaba mi tiempo en cosas que no me apasionaban tanto. Al volver de la lesión, la compañía estaba trabajando en “Afternoon of the Faun”, y ahora entiendo lo que significó para mí la “cuarta pared”: hizo que proyectara más hacia fuera. En los papeles que interpreté anteriormente, solía ver un vacío en la audiencia; pero en este papel tuve que llegar hasta más allá de la última fila. El teatro de la Ópera es enorme, así que tuve que hacer un gran esfuerzo.

D: ¿Cuáles son las mayores dificultades y las mayores satisfacciones a las que se enfrenta uno cuando se sufre una lesión?
MM: Lo que creo es que tenemos una imagen metal de lo que debería ser el cuerpo de un bailarín que no siempre se ajusta a la realidad. En el pasado, no trabajaba mi cuerpo de una manera más orgánica; por eso seguramente me lesioné tan joven. No siempre es fácil aceptar tu propio cuerpo y las limitaciones, para así, de esta manera, trabajar sin forzar más allá de nuestras propias limitaciones. Hoy en día soy más consciente de que hay que entrenar el cuerpo de una manera más orgánica; además se disfrutar mucho más. Y te sientes más conectado.

D: Recientemente, Sergei Polunin, el bailarín ruso, hizo declaraciones sobre su experiencia y dijo que había empezado a bailar demasiado joven como para darse cuenta de lo que implicaba el prepararse para llegar a ser profesional. ¿Qué opinas de sus declaraciones?
MM: Habla de una falta de normalidad en su vida, porque se convierte en algo muy serio demasiado pronto. A pesar de aprender algo que te gusta y que amas, se pierde un poco la perspectiva, el humor, el divertirse…Dejas de hacer las actividades cotidianas propias de un niño; con tantas horas de preparación es difícil encontrar el equilibrio. Prácticamente, nuestra vida se limitaba a bailar, sin tiempo para relacionarnos como niños normales. En mi opinión, la formación de un bailarín debería incluir otras actividades, como por ejemplo clases de hip hop, pintura, música, cine… Me doy cuenta que cuanto más me nutro de otras actividades artísticas, mejor compagino mi carrera profesional. Desgraciadamente, no todos estamos hechos para el ballet clásico, por lo tanto estar en contacto con otras artes puede abrirte tu abanico de posibilidades en la vida.

D: ¿Qué impacto te causó viajar a Cuba?
MM: Pasé mucho tiempo en la calle disfrutando de su maravilloso clima tropical. El carácter de su gente, su música y el sol me impactaron mucho; me di cuenta de que a pesar de no tener recursos materiales, son muy ricos en valores humanos.

D: ¿Qué expectativas tienes con la CND para los próximos cinco años?
MM: Me encantaría bailar un repertorio muy diverso por lo menos hasta los 40 años. Esto para mí es un gran reto, también seguir disfrutando de lo que hago, viajar e incluir la fotografía como parte del proceso. Me gustaría estudiar Bellas Artes, pintar y fotografiar; necesitaría aprender más recursos técnicos a nivel fotográfico. También me encantaría enseñar y trabajar como instructor de Gyrotonic.

Ensayos y conversaciones detrás de la escena se proyectan en “Danse la danse”. Foto gentileza Prensa Alejandro Muñoz.

“Danse la danse”: un documental dirigido y escrito por Alain Deymier (‘Les rideaux rouges’), que sigue al bailarín, coreógrafo y director artístico Nacho Duato en su última gira realizada en julio de 2010 en el teatro Bolshoi de Moscú (Rusia). El periplo marca el fin de una cruzada que se remonta a 1990 cuando el coreógrafo comenzó a liderar el Ballet del Teatro Lírico Nacional de España en Madrid, que desde 1993 se conoce como Compañía Nacional de Danza (CND).

El miércoles 17 de abril la película se proyectará en el Conservatorio Superior de Danza de Madrid “María de Avila”, y luego se instalará, a partir del viernes 19 de abril, en algunos cines de España (ver abajo).

Un film sobre Nacho Duato (der.) y la CND que propone una mirada íntima hacia la trayectoria del coreógrafo español. Foto gentileza Alejandro Muñoz.

Esta gira de despedida de Duato como director de la CND de España, propone una mirada íntima hacia la trayectoria del coreógrafo y de sus bailarines, descubre momentos de sus ensayos y sus conversaciones entre bastidores. Esta actuación supone el final de un período y el comienzo de una nueva etapa en su vida.

Juan Ignacio Duato Barcia nació en Valencia, España, el 8 de enero de 1957. Conocido en el mundo artístico como Nacho Duato, en junio de 1990 fue invitado por el Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música del Ministerio de Educación y Cultura, para que asuma como director artístico del Ballet del Teatro Lírico Nacional de España en Madrid, luego CND. Su trabajo como director se extendió posteriormente hasta la formación de la Compañía Nacional de Danza 2, que nació como cantera de jóvenes bailarines que van cambiando cada dos años.

“Danse la danse”, un documental dirigido y escrito por Alain Deymier.

En 1998 protagonizó la serie de televisión “La virtud del asesino”. En 2010, Duato firmó contrato para dirigir el ballet del Teatro Mijáilovski de San Petersburgo, Rusia, a partir del 1 de enero de 2011. El 7 de febrero 2013 la edición digital de “Der Tagessíegel” que Duato, podría asumir como nuevo director del Ballet Estatal de Berlín.

El francés Alain Deymier, director de la película, tiene una historia prestigiosa como fotógrafo. Durante toda su carrera ha realizado exposiciones en todo el mundo al tiempo que desarrollaba su trabajo cinematográfico en varios países: China (Air, Birds, The Fan), Uruguay (Teresa) y Argentina (Les Rideaux Rouges).

“Danse la Danse”marca su paso al largometraje. “Me embarqué en la realización del documental porque adoro la danza, adoro la música y supe de este evento en Moscú, que era el final de una etapa de Nacho –dijo Deymier–. Estaba un poco obsesionado por los temas que se relacionan con el final de las cosas, el vacío… Y me puse a darle forma. Nacho lo aceptó y le encantó. El proceso con él fue maravilloso”

La CND tuvo como primer director al bailarín Víctor Ullate, seguido por María de Ávila, el estadounidense Ray Barra, la rusa Maya Plisétskaya, Nacho Duato (1990-31 de julio de 2010) y Hervé Palito (de forma provisional), y actualmente, la ex etoile del Ballet de la Ópera de París, José Carlos Martínez.

Ficha Técnica:

Director: Alain Deymier.
Fotografía: Pol Orpinell.
Sonido: David Paco.
Montaje: Ninon Liotet.
Música Adicional: Elysean Fields.
Con la colaboración de: Nacho Duato
Producción: España/Francia.
Género: Documental. 2012. 71 Minutos.

Estreno en cines: 19 abril

Bilbao, Multicines 7
Lleida, Funatic
Valladolid, Casablanca
Madrid, Artistic Metropol
Madrid, Sala Berlanga (A partir del 26 de abril)
Las Palmas, Monopol
Palma de Mallorca, CineCiutat

El programa inaugural de la nueva etapa de la CND, “Work in progress”, tuvo una buena acogida del público de Madrid, España. Foto: Fernando Marcos. Gentileza CND.

La presentación de la nueva etapa de la Compañía Nacional de Danza (CND) con José Carlos Martínez (Cartagena, 1969) al frente supuso toda una declaración de intenciones sobre el nuevo rumbo de la formación. Tras veinte años bajo la dirección de Nacho Duato (Valencia, 1957) y con la interinidad de Hervé Palito, Martínez, ex étoile del Ballet de la Ópera de Paris, ha asumido la tarea titánica de reconvertir la filosofía, principios y repertorio del grupo. Entre sus líneas de actuación figuran como ejes cardinales aspectos tales como dar una oportunidad a los nuevos coreógrafos españoles, presentar obras de los grandes coreógrafos mundiales ante el público español e ir abriendo el abanico de posibilidades y estilos hacia el neoclásico. De esta manera, el programa inaugural de la nueva etapa, “Work in progress”, respondió a las premisas de Martínez.

A modo de apertura, Alejandro Cerrudo (Madrid, 1980), bailarín y coreógrafo residente de la Hubbard Street Dance Company de Chicago, debutó en casa con la obra “Extremely close” (2008). La música de piano de Philip Glass y Dustin O’Halloran crea una atmósfera de imperturbable serenidad, mientras que la pieza de Cerrudo trata de la proximidad y lejanía entre seres humanos, aún hallándose cerca físicamente. En composiciones de dúos, tríos o cuartetos hasta completar un octeto de bailarines, la coreografía es una especie de perpetuum mobile, dividida en pequeños instantes con aroma a tiempo detenido. Varios paneles móviles se desplazan constantemente creando diferentes espacios escénicos, a la par que una lluvia de plumas se precipita y construye un suave y mullido lecho para que los bailarines ejecuten movimientos precisos y ralentizados. La obra delata la juventud de Cerrudo en el ámbito compositivo, así como la fuerte raigambre de los conocimientos extraídos en su etapa en el Nederlands Dans Theater (NDT) 2.

El guiño hacia el mundo de lo clásico vino de la mano de “El espectro de la rosa” (1993), en una lectura libre y casi apócrifa del original (1911) de los Ballets Rusos de Diaghilev. Michel Fokine firmó el paso a dos de Tamara Karsavina y Vaslav Nijinsky, estrenado en el Teatro de Monte-Carlo, hace un siglo. En su época, maravilló el salto de inicio y grand jeté final de Nijinsky, sumado a la delicada de Karsavina, embelesada por el espectro de la rosa traída de un baile. La propuesta de Angelin Preljocaj (Sucy-en-Brie, Francia, 1957) difiere por completo del concepto romántico del original, ensalzando el aspecto más carnal y libidinoso, reprimido por la pareja. En el interior de una caja, dos parejas representan la faceta contenida –ellos ataviados con la viril indumentaria de torero-, mientras en el exterior, un dúo encarna a la joven y al espectro de la rosa. Enigmática lectura del coreógrafo francés de origen albanés, con un resultado desconcertante para el espectador.

El programa elevó su tono y nivel con “Artifact II” (1984), considerada una obra maestra indiscutible de William Forsythe (Nueva York, 1949) y creada para el Ballet de Frankfurt (1984-2004). No es la primera vez que la CND aborda esta pieza, ya que entró en su repertorio en 1984, tras su estreno en el Teatro Arriaga de Bilbao. Había quienes clamaban por ver a las bailarinas de la CND con sus zapatillas punta –de cuya popularización se cumplen 180 años, ya que Marie Taglioni las convirtió en una seña de identidad en “La Sylphide” (1832)- y ésta fue la ocasión. De forma inteligente, Martínez desempolva del baúl de los recuerdos una obra célebre de uno de los grandes coreógrafos de finales del siglo XX. Sobre música de Bach, el creador norteamericano emplea los recursos de la danza neoclásica, dotándolos de un contexto diferente y construyendo una nueva gramática a partir del lenguaje clásico. El fondo y los laterales presentan al cuerpo de baile, lugar de donde surgen dos parejas que interpretan bellos pasos a dos, interrumpidos de forma abrupta por el continuado caer de los telones. Extracto de una pieza indispensable en las últimas décadas del ballet, todo un gusto recuperarla para el público madrileño.

Johan Inger (Estocolmo, 1967), coreógrafo asociado de NDT, fue el responsable de la última obra de la velada, “Walking mad” (2001), creada para la compañía holandesa. A partir de la grabación del “Bolero” de Maurice Ravel, con Zubin Mehta dirigiendo a la Filarmónica de Los Ángeles, el creador sueco construye una pieza en dos partes: la primera va in crescendo a la par que la inmortal música de Ravel hasta la apoteosis final; la segunda, sobre partitura de Arvo Pärt, se centra en el imprescindible paso a dos intimista de manual, que Inger podría haber omitido y haber cerrado con el éxtasis del “Bolero”. El programa “Work in progress” contiene las líneas maestras de lo que pretende ser la senda de José Carlos Martínez en la dirección de la CND. En apenas cuatro meses, el nuevo director ha confeccionado una propuesta plural, un amplio abanico que abarca desde el neoclásico, hasta el contemporáneo, pasando por la savia nueva de jóvenes creadores. El ex étoile del Ballet de la Ópera de Paris necesita tiempo para consolidar su trabajo y, sobre todo, un voto de confianza, empezando por sus propios bailarines. Queda fuera de toda duda la profesionalidad y calidad de los componentes de la CND, sin embargo, en varias de las obras ofrecidas en la velada acusaron una manifiesta falta de fe. No sólo hay que bailar, hay que interpretar y creer en lo que se baila. Tiempo y fe a partes iguales necesita Martínez para que cuajen los cimientos de una futura compañía versátil, abierta a diferentes estilos de danza, siendo la calidad su eje motor. De momento, el público le dio su respaldo y aplauso en las cinco funciones- con el aforo totalmente vendido- en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.

Nacho Duato volvió a bailar con la CND en el estreno de “Alas”.

Desde hace 20 años la Compañía Nacional de Danza de España (CND) tiene nombre propio: Nacho Duato, el coreógrafo que con su llegada en 1990 cambió el perfil del ensamble español. Hoy, que Duato anunció su retiro y dio su último adiós en el Teatro de la Zarzuela a fines de junio, empieza la disputa por la herencia. Y la pelea es feroz.

Fundada en 1979 con el nombre de Ballet Nacional de España Clásico, tuvo como primer director a Víctor Ullate, uno de los maestros indiscutibles, formador de muchos de los bailarines españoles que hoy andan por el mundo. Entre ellos, Tamara Rojo y Ángel Corella. Dos de los nombres que suenan como herederos del trono que deja Duato.

En febrero de 1983 se hizo cargo de los Ballets Nacionales – Español y Clásico – (actual CND) María de Avila, quien sistematizó el trabajo interno del ballet y abrió las puertas a coreógrafos como George Balanchine y Anthony Tudor. En 1987, Maya Plisetskaya asumió la dirección. Nombres y experiencia sobraban.

Desde 1990 y hasta hace algunos años, Duato pasó a ser el “niño mimado” de la danza en España. La contemporánea. La clásica pasó a segundo plano. Al punto de propiciar una suerte de exilio de bailarines.

Pero la historia del exilio es más antigua que la CND de Duato, tiene sus raíces en una política cultural que nunca puso su debida atención en la danza clásica y sólo intentó vender al flamenco como marca registrada para exportación.

Corella, hoy director del Corella Ballet de Castilla y León, con sede en Segovia, subrayó a la agencia EFE que interrumpió su carrera e invirtió tiempo y dinero “por amor al arte, en el sentido estricto de la palabra”, convencido de que su misión es salvar la danza clásica en España, y al mismo tiempo, obtener la recompensa del sacrificio del exilio.

El bailarín no dudó en atacar la política del gobierno en relación a las artes en general, y disparó: “estamos muy preocupados por el deporte, y el fútbol en especial se lo lleva todo…”

Desde hace casi 10 años los bailarines españoles en el exterior claman por una verdadera política cultural que avale la creación y promoción de una compañía de danza clásica. En 2006, la noticia sobre la formación del primer ballet real de España causó conmoción en el mundo de la danza. Tamara Rojo sonaba como la candidata a la dirección y Alicia Alonso como la mentora de esta compañía que no llegó a nacer.

Ahora que Duato dijo “adiós”, la idea parece apuntar al “reciclaje” y no a la creación de una verdadera compañía de danza clásica. Reciclar la CND sería como matar a la “gallina de los huevos de oro”. Duato hizo un trabajo estupendo y marcó un estilo de calidad y nivel dentro de un rubro bastardeado por falsos coreógrafos. Ganó prestigio internacional, y puso a la danza contemporánea española en un primer plano.

En un país que tiene un amplio presupuesto para la cultura, la disyuntiva parece estar entre el reciclaje o la nada. Y el resultado del reciclaje sería el neoclásico que, “grosso modo” ante los ojos de los no entendidos, es algo así como una mezcla de lo clásico y lo contemporáneo. Por lo visto, los funcionarios culturales poco saben de danza y mucho de política. Con todos los bailarines del exilio España podría tener una de las mejores compañías clásicas del mundo, pero los políticos prefieren debatirse en discusiones bizantinas mientras buscan al nuevo heredero.