“Circo Kósmico”, un relato inspirado en las enseñanzas del astrónomo José Maza. Foto gentileza Circo Jumbo.

La magia del circo y la exploración del universo se unen en “Circo Kósmico”, el nuevo espectáculo que ya está recorriendo Chile con una propuesta que combina acrobacias, música y divulgación científica. La iniciativa, impulsada por Jumbo y la Fundación Inversión Cultural (FINC) y acogida a la Ley de Donaciones Culturales, reúne a artistas de Rusia, Ucrania, Colombia, Brasil, Alemania y Chile en una producción de gran formato que integra ciencia, arte y reflexión ambiental.

La gira comenzó el 10 de octubre en Santiago y se extenderá hasta el 16 de noviembre en Arica, con 57 funciones en 18 ciudades del país.

“Circo Kósmico” forma parte de la tradicional iniciativa “Circo Jumbo”, que desde hace más de dos décadas lleva espectáculos gratuitos o de bajo costo a distintas regiones del país. En esta edición, más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el espacio y, al mismo tiempo, reflexionar sobre el cuidado del planeta.

El actor y cantante chileno Augusto Schuster protagoniza la historia en el papel de Astro, un piloto que emprende un viaje intergaláctico junto a Celeste y Jumbito para salvar un planeta en peligro. “Es un privilegio compartir escenario con artistas nacionales e internacionales de gran nivel y llevar este espectáculo a lugares donde pocas veces se vive algo así”, señaló Schuster. “Cantar en este show es también una forma de agradecer y devolver a la gente todo el cariño que me ha entregado a lo largo de mi carrera”, agregó.

El espectáculo cuenta además con la participación especial del astrónomo José Maza, quien, como un guía del espacio, explica de manera cercana los secretos del universo y las claves para comprender la fragilidad de la Tierra. Su intervención conecta el asombro del público con la reflexión científica.

El relato, inspirado en las enseñanzas del propio Maza, sigue la travesía de los protagonistas por distintos mundos sostenibles. Durante el viaje se enfrentan al Monstruo Basura, un personaje que representa la contaminación y que, tras descubrir la belleza de la naturaleza, logra transformarse y devolver la esperanza al planeta.

El argumento de “Circo Kósmico”, basado en ideas de Maza, narra la travesía espacial de Celeste y Jumbito, guiados por Astro (Schuster), quienes emprenden una misión para salvar un planeta en peligro. Durante su viaje visitan distintos mundos sostenibles y aprenden sobre el cuidado del medioambiente. El relato incorpora al personaje Monstruo Basura, que representa la contaminación y se transforma al descubrir la importancia de proteger la naturaleza.

Más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el cosmos y a reflexionar sobre el cuidado del planeta. Foto gentileza Circo Jumbo.

El espectáculo busca generar conciencia ambiental a través del arte, destacando acciones cotidianas como ahorrar agua, reciclar, proteger la naturaleza y reducir la contaminación.

La producción artística está a cargo de un equipo creativo canadiense, con destacados profesionales del mundo del espectáculo internacional. Entre ellos se cuentan Paul Bisson, cantante y compositor con experiencia en “Notre-Dame de Paris” y el Cirque du Soleil; James Lavoie, diseñador de vestuario y escenografía; Marlise McCormick, directora y coreógrafa; y Robert Massicotte, diseñador de escenografía con más de 30 años de trayectoria.

“Este año queremos sorprender y emocionar con una propuesta que entretiene e inspira una reflexión sobre cómo, a través de acciones simples, podemos cuidar el medioambiente y construir un futuro mejor para todos”, afirma Luiz de Rizzo, gerente de Marketing de supermercados Cencosud, uno de los patrocinadores de estas presentaciones.

Con funciones que ya han reunido a miles de personas en distintas regiones, “Circo Kósmico” se consolida como una experiencia familiar que invita a descubrir el universo y, desde allí, a mirar con nuevos ojos el planeta.

“Circo Kósmico” es un espectáculo para compartir en familia que combina divulgación científica con lenguaje circense. Foto: Ann Kathrin Bocks. Gentileza Circo Jumbo.

La gira nacional continuará en las siguientes fechas y lugares:

Valparaíso – Parque Cultural de Valparaíso: sábado 1 de noviembre / 15:30 hrs

Valdivia – Gimnasio Azurmendy: martes 4 de noviembre / 17:30 hrs

Osorno – Coliseo María Gallardo: jueves 6 de noviembre / 15:30 hrs

Puerto Montt – Arena Puerto Montt: viernes 7 de noviembre / 15:00 hrs

Temuco – Gimnasio UFRO: domingo 9 de noviembre / 12:30 hrs

Concepción – Gimnasio Municipal: martes 11 de noviembre / 17:30 hrs

Iquique – Casa del Deportista: viernes 14 de noviembre / 15:30 hrs

Arica – Gimnasio Pedro Lagos: domingo 16 de noviembre / 17:30 hrs

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El Festival Internacional de Circo Actual presenta siete espectáculos protagonizados por alrededor de 15 artistas. Foto gentileza FICA.

Es innegable el crecimiento exponencial que ha tenido el circo contemporáneo. Sin embargo, hay una necesidad de seguir generando espacios para la formación, investigación y goce de este arte escénico. De ahí el entusiasmo por organizar el primer Festival Internacional de Circo Actual (FICA) que tendrá como sede la capital mexicana.

Tal es la reflexión compartida por el artista argentino Santiago Manuel Fernández quien, después de estar inmerso durante 23 años en el mundo del circo contemporáneo, ha organizado el FICA para cautivar a todo tipo de espectadores con una programación incluyente donde las propuestas sobresalen por su creatividad y el arduo trabajo de investigación que hay detrás de cada una.

El FICA se realiza del 2 al 7 de octubre y la función inaugural es el 5. Las funciones serán en el Teatro Varsovia, Cracovia 32 y en Circo de Mente; en tanto que los talleres en Arte Obrera, Circo Zephyr y Acroyoga pan y circo. Seis días en los que el público podrá disfrutar de siete espectáculos protagonizados por alrededor de 15 artistas escénicos procedentes de Argentina, Australia y México (participarán creadores de Chihuahua, Sonora, Jalisco e Hidalgo).

El detonador

En entrevista el director del FICA, quien ha trabajado en importantes compañías como La Bomba Teatro, Mermejita Circus (donde fue co-fundador), Cirko de Mente y Mutación Escénica -entre otras- gracias a su estilo donde fusiona artes circenses, música, teatro y comedia física, comentó que ya era tiempo de arriesgarse a emprender el festival:

“Los artistas de circo siempre nos arriesgamos. El arriesgarse es parte poética del circo, de nuestra liturgia, así que había que atreverse a hacer este encuentro. Siempre es bueno seguir generando espacios para que las artes circenses sigan creciendo y desarrollándose”.

¿Dicotomía entre circo contemporáneo y tradicional?

El también director de escena y escritor explicó que en ningún momento el FICA nace para competir contra las propuestas del circo tradicional. Está convencido que no existe dicotomía alguna; de hecho -continúa-, son estéticas diferentes que han sabido convivir. Al respecto detalló: “Evidentemente al principio hubo alguna aspereza entre el circo tradicional y el contemporáneo. Pero en el circo hay lugar para todas y todos. El circo no es excluyente, es incluyente a diferencias de otras artes que, por el mismo hecho de clasificarlas como artes mayores, ya están excluyendo a las demás. El circo es inclusión”.

Fernández se muestra positivo del crecimiento que ha tenido el circo contemporáneo. Asegura que varias son las causas, entre ellas, el surgimiento de escuelas especializadas que han permitido que la formación circense no se quede encriptada en familias que han pasado esta tradición de generación en generación. Otro detonador ha sido sin lugar a duda el trabajo de la compañía franconcanadiense Cirque du Soleil, que ha marcado un precedente para las nuevas generaciones.

“Antes, cuando a alguien le mencionabas la palabra circo, de manera inmediata se venía a su mente la carpa, los animales y los payasos vestidos de colores. Ahora. cuando les mencionas esa misma palabra lo asocian más con artes escénicas, con una propuesta interdisciplinaria, con la fusión del circo con el teatro, danza, música…”

Festival incluyente

Fernández, quien ha sido programador del Festival Internacional de Circo de Linares, Nuevo León, está convencido que el público gozará las propuestas del FICA son muy diversas entre sí: “Nuestra oferta es tan amplia que el público va a encontrar el tipo de circo con el que sienta mayor empatía. Es como la danza, no a todos les gusta el clásico, hay quienes prefieren el folklor, el flamenco o el tango. Nosotros queremos que los espectadores encuentren el tipo de circo contemporáneo que más goce. Desde el clown, el circo teatro o el danzado, hasta el acrobático”.

El FICA cobrará vida a través de las propuestas escénicas de Jade Zerón, Luz Cabadas, Circo Alebrije, Ali Salguero, Antuco Aldape, Karen Circus, Cía. Perpetum Móvile, Iván Pulido y más artistas que ha sobresalido dentro del mundo del circo contemporáneo. Habrá quienes sustituyen los malabares con lenguaje dancístico, hasta aquellos que recurren a objetos cotidianos para generar música o artistas que hablan sobre género dentro de sus propuestas.

Al preguntarle al director del FICA cuál es la filosofía que determinó la curaduría de su programación, expone: “Creo que a todos nos une la idea de crear. Todas las puestas de escena participantes fueron creadas a partir de un trabajo profundo de investigación. Así que la creación y la investigación son los ejes que rigen al festival”.

La curaduría del festival se realizó con el equipo de producción en el que participan: Jorge Arellano, Esmeralda Fra, Ali Salguero y Hanna Arellano.

Paralelamente a las funciones, también se llevarán a cabo actividades académicas (talleres) donde las y los interesados en este arte podrán aprender de la experiencia de los participantes y retroalimentar su profesión.

Divertimento para espectadores activos

Sobre el aporte que buscan hacer a través de FICA, Fernández asegura que le están apostando al divertimento, más no al entretenimiento. Al respecto explicó: “Hago esta diferencia porque el espectador no va a ver entretenimiento puro como tal, no se tratan de propuestas espectaculares. Son espectáculos que, si bien van a disfrutar al máximo, requieren de un disfrute activo donde el cerebro tiene que estar conectado con lo que está pasando en el escenario.  Nuestro festival apela a un espectador activo, que se conecte y se comprometa con lo que está pasando. Las grandes producciones te modifican o te cimbran en el momento, son efímeras, pero las que nosotros apostamos te sumergen en un pensamiento o reflexión más duradera y profunda”.

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Blue Man Group pasó a ser parte de la compañía Cirque du Soleil después de largos años en el off Broadway. Foto gentileza de Blue Man Group Production y JFKC.

Al entrar al escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center, un despliegue de luces, cables, estructuras de metal y pantallas deslumbran y despiertan un cierto misterio. Algo así como entrar a un laboratorio de experimentación o a un recinto propio de la ciencia ficción. Así comienza un viaje de 90 minutos en donde la música, el humor, la ternura, la candidez y la tecnología se dan la mano. Tres hombres con las cabezas pintadas de azul cobalto surgen en la escena y provocan una explosión de sonidos y colores a medida que la percusión va dominando la escena con un ritmo fascinante.

Blue Man Group, este ensamble itinerante gestado por tres amigos, Chris Wink, Phil Stanton y Matt Goldman, en 1991 tomó entidad propia en los teatros del off Broadway en Nueva York. El grupo, que en 2017 pasó a ser parte de la compañía Cirque du Soleil, juega con la sorpresa y con cierto suspenso. Ha encontrado, sin duda, el lenguaje que hoy predomina como elemento familiar. La actuación sin palabras, las imágenes, el juego, son parte de este show que también apela a la participación del público.

Casi como niños que hacen una travesura en la casa de mamá, estos hombres azules desparraman galones de pintura luminosa de colores en una desopilante combinación visual y sonora. Por momentos, bajan a la platea, escogen un par de espectadores para que suban a escena y jueguen con ellos, y de esa forma van transitando distintas etapas y circunstancias que se convierten en una observación de las conductas humanas.

Explosión de colores, sorpresa y un poco de suspenso forman parte del espectáculo de Blue Man Group. Foto: Evan Zimmerman. Gentileza: JFKC.

Blue Man Group alienta al público a reconectarse con el niño interior y ofrece una perspectiva diferente. Más de 35 millones de personas en todo el mundo han experimentado este fenómeno de Blue Man Group que apunta a todas las edades en un espectáculo que se actualiza continuamente. Con nueva música, diferentes secuencias, instrumentos musicales no convencionales y personalizados, y tecnología van tejiendo y destejiendo historias breves.

Lo que sí queda claro en este deambular por diferentes episodios y situaciones es que los integrantes del grupo logran manejar episodios diferentes con absoluta destreza. Aquí convergen sus habilidades como actores, bailarines, músicos, mimos y comediantes. La música en vivo interpretada tanto por el grupo como por una banda en el escenario y el aporte de la tecnología que, en ciertas ocasiones se utiliza sólo como soporte escenográfico, logran un impacto visual atractivo. De la misma manera que los videos que surgen en forma simultánea a la interacción con el público. Cada uno de estos elementos crean una atmósfera, por momentos, mágica.

Blue Man Group, propone una experiencia sensorial, quizás ajenas a las reglas convencionales del teatro tradicional.

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Creado, producido, dirigido y coreografiado por Los Vivancos, “Nacidos para bailar” funde lo sacro y lo profano. Foto gentileza Los Vivancos.

Tras una gira ininterrumpida de nueve años que los ha llevado por 200 ciudades en 37 países, actuando más de 900 veces ante cerca de 1.800.000 espectadores, el premiado grupo Los Vivancos presenta su tercera gran producción: “Nacidos para bailar”. El espectáculo, que se estrena en el teatro Tivoli de Barcelona del 11 de mayo al 3 de julio, cierra una etapa en la carrera de estos siete artistas.

Lo éxitos atemporales de las grandes leyendas de la música se reúnen en “Nacidos para bailar”, un concierto que busca traspasar las fronteras de lo físicamente posible combinando atletismo con eclecticismo artístico. Una obra en la que danza, humor, artes marciales, virtuosismo musical y equilibrismo convergen para crear una utopía escénico-musical. En este show combina el flamenco, el metal y una orquesta sinfónica con interpretaciones musicales en directo, un vestuario de alto diseño y una elaborada producción técnica.

Con esta obra Los Vivancos concluyen una trilogía que les ha llevado nueve años completar y que está formada por “7Hermanos”, “Para Siempre” (Aeternum), y  “Nacidos para bailar”.

Con “7Hermanos”, el grupo representó el cuerpo; con “Aeternum”, el alma, y con “Nacidos para bailar”, encontraron la fusión de lo sacro y lo profano.

Creado, producido, dirigido y coreografiado por Los Vivancos, este último espectáculo cuenta con la participación de un equipo creativo de nivel internacional. El premiado compositor cinematográfico Joan Martorel, que ha colaborado en la orquestación de bandas sonoras como “Mi gran noche” (Alex de La Iglesia) o “Terminator Genesis”, firma las partituras de esta pieza. Y adapta las composiciones originales de leyendas como Metallica, Deep Purple o Lehonard Cohen al rock sinfónico de Los Vivancos.

El show cuenta con la tecnología inalámbrica de E-Tecnileds que se combina con el sello de Leather Desings, artesano creador de complementos en cuero presentados en el Museo de Arte de Brooklyn y que han usado artistas como Madonna o Beyoncé. El ingeniero espacial de la NASA, Eduardo García, colabora como asesor técnico de la escenografía, que se compone de estructuras especialmente diseñadas. Y la Orquesta Sinfónica de Budapest interpreta la banda sonora de la obra.

Para describir esta obra Los Vivancos utilizan un lenguaje coreográfico que presenta la espectacularidad como un fin en sí misma. Integrado por Elias, Judah, Josua, Cristo, Israel, Aaron y Josué, y con el Guinness World Record a los pies más rápidos del mundo, han sido catalogados por “The New Yorker Magazine” como “La agrupación flamenca con más proyección de la actualidad”. Destacan sus colaboraciones con importantes personalidades y artistas como Antonio Banderas, el diseñador Giorgio Armani o la Princesa Estefanía de Mónaco. A ellos se suma la directora artística de la Ceremonia de Clausura de los Juegos Olímpicos de Sochi 2014, Julie Hamelin; el creador y director de “Corteo” del Cirque du Soleil Daniel Fizi Pasca, y el compositor Fernando Velázquez, entre otros.

“Delirium”, uno de los shows con sello de Cirque du Soleil que emitirá la señal Film&Arts durante enero. Foto gentileza Film&Arts.

A partir del 3 de enero Film&Arts emitirá para América latina un ciclo con los mejores espectáculos de Cirque du Soleil: “KÀ”, “La Nouba”, “Alegría”, “Michael Jackson: The Immortal World Tour” y “Delirium”.

La compañía canadiense, con sede en Quebec, describe su trabajo como un “montaje dramático de artes circenses y esparcimiento callejero”. Creado por los Guy Laliberté y Daniel Gauthier en Baie-Saint-Paul, en 1984, y convertido en pionera en su género, Cirque du Soleil surgió como una nueva propuesta estética que rompía los cánones tradicionales.

El origen de su nombre se remonta a un día en que Laliberté admiraba una puesta de sol durante un viaje a Hawái; poco después optó por usar el término en francés «soleil» cuyo significado es símbolo de juventud, dinamismo y energía.

Ya en 1980, Gilles Ste-Croix había fundado una compañía denominada Les Échassiers de Baie-Saint-Paul (Los zanquistas de Baie-Saint-Paul») formada por bailarines, tragafuegos, trapecistas, malabaristas y especialistas en otras disciplinas circenses. Poco después el grupo cambió su nombre a Le Club des talons hauts y, tras dos años de experiencia callejera, en 1982, organizaron un festival cultural denominado La Fête foraine de Baie-Saint-Paul, al cual acudieron artistas callejeros de otras regiones de Canadá para recorrer las calles de Baie-Saint-Paul.

Este festival fue el puntapié inicial para que Laliberté y Ste-Croix decidieran fundar un circo en Canadá. El término Cirque du Soleil se usó por primera vez para nombrar el espectáculo que montaron ambos para conmemorar el 450 aniversario del descubrimiento de tierras canadienses por Jacques Cartier. El show recorrió la ciudad en 1984, y a partir de ese momento la compañía, no s´lo perfeccionó sus técnicas sino que también incorporó nuevos integrantes para formar un circo sin animales. Un factor que marcó la consolidación de Cirque du Soleil como el circo contemporáneo.

Cirque du Soleil abre el ciclo televisivo para los países latinoamericanos con “Kà”. Foto gentileza Film&Arts.

Actualmente la compañía tiene un promedio de 20 espectáculos rodando por el mundo, cuenta con 5.000 empleados, entre ellos más de 1.300 artistas de 50 nacionalidades, y se hablan 25 idiomas diferentes. Desde 1984, más de 100 millones de espectadores han asistido a alguno de los espectáculos del Cirque du Soleil.

Programación

Estreno: Sábado 3 de enero, 20.00 hs.

Cirque du Soleil: KÀ
El premiado director David Mallet regresa al mundo de Cirque du Soleil con KÀ, un show especialmente filmado para televisión. Grabado a 16 cámaras durante 3 funciones, KÀ se convierte así en el primer espectáculo de la compañía enteramente filmado. Montado en el MGM Grand Hotel & Casino, KÀ combina artes marciales, acrobacia, títeres, proyecciones interactivas de videos y pirotecnia, para ilustrar la natural dualidad a través de la saga de los gemelos imperiales que se embarcan en un viaje de aventuras para cumplir con su destino. Este viaje incluye una sucesión de desafiantes paisajes y cambiantes espacios que conjuran un imperio en escena.

Estreno: Sábado 10 de enero, 20.00 hs.
Cirque du Soleil: La Nouba
La Nouba es el espectáculo que captura el espíritu de la fiesta, la alegría y el placer de las pasiones. Cirque du Soleil ha reinventado la forma de actuar en vivo y este espectáculo es un ejemplo de cómo la compañía ha seguido produciendo obras que sorprenden y deleitan al público de todo el mundo. Este espectáculo con sede permanente en  Orlando, EE.UU., es la historia de todas las historias, el sitio de todos los misterios, donde los sueños y las pesadillas duermen al lado del otro y todo es posible.

Estreno: Sábado 17 de enero, 20.00 hs.
Cirque du Soleil: Alegría

Cirque du Soleil presenta por televisión el espectáculo “Alegría”. Foto gentileza Film&Arts.

Alegría relata la historia de la energía en comparación con la debilidad, el rey frente a sus bufones y la edad contra la juventud. Un reino sin rey, un mundo en donde todos se sienten poderosos, desde el travieso bufón de la corte Fleur, hasta el  joven y vital Bronx y los ancianos y aristocráticos Birds. El mundo de Alegría está habitado por trovadores, pícaros, mendigos, anticuados nobles y niños, por no hablar de los payasos: los únicos personajes capaces de afrontar los nuevos tiempos junto con los trastornos que estos traen. En el mundo enigmático e inquietante de Alegría, el espíritu humano sigue siendo implacable a pesar de los profundos cambios y la incertidumbre. Como un grito de guerra, Alegría celebra esta energía vital.

Estreno: Sábado 24 de enero, 20.00 hs.
Cirque du Soleil: Michael Jackson, The Immortal World Tour
Michael Jackson: The Inmortal World Tour, es una electrizante producción musical presentada en un formato de concierto de rock que combina la emoción y la innovación de la música de Michael Jackson y la creatividad sin igual de las acrobacias de Cirque du Soleil.  Las letras y música de Michael Jackson fueron la inspiración para la creación de este espectáculo multimedia en el que se podrá ver una gran cantidad de archivos inéditos del Rey del Pop. Todo este material se entrelaza con extractos de vídeos de los memorables musicales de Michael y sus icónicas representaciones teatrales en vivo.

Estreno: Sábado 31 de enero, 20.00 hs.
Cirque du Soleil: Delirium
“Delirium” es la versión para TV del espectáculo multimedia del renombrado Cirque du Soleil en un especial  que captura el show en su representación final en el teatro O2 Arena de Londres. Delirium empuja los límites de lo que ha sido posible hasta ahora en cuanto a magnitud técnica de una performance en vivo. Por primera vez en su historia, el Cirque Du Soleil transporta su espectáculo a los escenarios para crear una combinación nunca antes vista de la música, multimedia, danza y acrobacias.Este show multifacético rinde homenaje a la música del Cirque du Soleil, ya que gran parte de los temas interpretados son adaptaciones de las partituras originales de producciones previas.

Sitio: www.filmandarts.tv
Facebook: FilmAndArtsTV
Twillter: @FilmAndArtsTV
Para mayor información, visite nuestro sitio web www.amcnetworkslatam.com

Ezralow Dance estrena en Ford Theatres, de Hollywood, un espectáculo multimedia con cuatro obras de su director, Daniel Ezralow. Foto: Angelo Redaeli. Gentileza Ford Theatres.

Daniel Ezralow presenta su nueva compañía, Ezralow Dance con un estreno mundial comisionado y creado específicamente para Ford Theatres, de Hollywood, Los Ángeles, el sábado 13 de septiembre a las 8 pm.

Acompañado por ‘wild Up’, un grupo de música clásica y contemporánea, el ensamble del bailarín y coreógrafo incluirá dos obras de repertorio y dos nuevas creaciones como parte del cierre de la temporada del programa Zev Yaroslavsky Signature Series.

Considerado como “uno de los mejores bailarines y coreógrafos americanos que actualmente trabaja en escala internacional” por el Chicago Tribune, Ezralow ha creado coreografías para el teatro, el cine, la ópera, y la televisión. Sus trabajos abarcaron los géneros más diversos en propuestas destinadas a The Beatles, Cirque du Soleil, Spider-Man: Turn off the Dark de Broadway, la película “Across the Universe”, así como también para compañías de danza contemporánea como Hubbard Street Dance Chicago, Batsheva Dance Company, y el Ballet de la Ópera de París.

“Trato de que la gente pueda disfrutar la belleza de la danza, y que la danza sea una medicina para la longevidad —apuntó Ezralow—. Me encantaría que los doctores prescriban mi show para sus pacientes”.

Cofundador de ISO Dance, fue bailarín y coreógrafo de los primeros tiempos de Momix, compañía dirigida por Mosses Pendleton.

Ezralow Dance, integrado por nueve bailarines y un grupo de voluntarios, presentará un show con música en vivo. Foto: Angelo Radaeli. Gentileza Ford Theatres.

Ezralow se lanzó en la década de los 90 con un espectáculo que rompía los cánones tradicionales de la danza contemporánea, incluía elementos multimedia y hacía una revolución estética: “Mandala”. Su reflexión sobre la condición humana, y su visión filosófica de la danza hicieron que esta puesta se cponvirtiera en un hito y un modelo de la danza contemporánea de los finales del siglo XX.
Ezralow Dance, integrado por nueve bailarines y un grupo de voluntarios con formación en danza y otras disciplinas, propone una mirada sobre el mundo desde el humor y la reflexión. Y el coreógrafo apunta a que sea una suerte de “nuevo despestar”.

“Con esta nueva compañía —comentó— quiero construir un espacio creativo que permita trabajar con el enorme repertorio que he creado a lo largo del tiempo en distintos lugares del mundo. He tenido la suerte de poder experimentar diversos géneros como el cine, la TV y el teatro, pero siempre ha sido difícil armar una compañía. Especialmente porque cuesta solventarla. Pero básicamente quiero que este ensamble sirva también para la experimentación”.

Ganador de dos premios de coreografía en los Estados Unidos por sus trabajos innovadores y originales; de un Emmy, del Premio Positano en Italia; del Nijinsky, y de una beca NEA de coreografía, Ezralow montó este año una obra para la apertura de la XXII Olimpíadas de Invierno en Sochi, Rusia.

Las coreografías que se verán en el Ford Theatre tendrán música en vivo a cargo de wild Up, bajo la dirección de Christopher Rountree. Y el programa incluye el estreno de una pieza sobre música de Bach, en una deconstrucción de Chris Kallmeyer, y otra sobre el Concierto Brandenburgues N° 3 de Bach, interpretado con un set de instrumentos distinto al pautado en la partitura original.

Con este espectáculo, que se realizará al aire libre Ezralow propone un estilo que no se había experimentado anteriormente en este teatro. “Este show está dedicado a los soñadores”, concluyó Ezralow.

Información:

Ford Theatres
2580 Cahuenga Blvd. East
Hollywood, CA

Consultas y entradas: (323) GO 1-FORD (461-3673) o www.FordTheatres.org

Mauricio Vera, creador del Festival Re, se propuso reunir artistas de la danza, chilenos, que trabajan y viven en el exterior. Foto gentileza Festival Re.

Con la premisa “Queremos profetas en nuestra tierra”, Mauricio Vera, creador del festival, se propuso reunir artistas de la danza, chilenos, que trabajan y viven en el exterior.

El Festival Re fue un escaparate para estos jóvenes creadores quienes dieron a conocer sus creaciones y compartieron lo aprendido en el extranjero.

Después de una convocatoria abierta se seleccionaron doce bailarines, de muy buen nivel técnico, quienes tuvieron la misión de interpretar las nuevas obras. Junto a ellos, participaron tres bailarinas extranjeras invitadas.

El festival realizado por primera vez, estuvo muy bien organizado y difundido. Su creador puso singular empeño para que todo fluyera armoniosamente. Las obras presentadas fueron de pequeño formato.

El Manager Stage y Diseñador de Iluminación del Festival Re fue Alberto García.

Abrió el programa “Baza”, la propuesta del coreógrafo  Eduardo Zúñiga, ex bailarín del Ballet Nacional Chileno (BANCH), entrenado en el Ballet del Teatro Municipal de Santiago y en la Houston Ballet Academy. En la actualidad vive en Chicago donde fue parte de la Hubbard Street Dance Chicago. Desde 2010 integra el elenco de Luna Negra Dance Theater. Este año se incorporará a la compañía suiza Tanz Luzerner Theater.

Los intérpretes fueron Bruno Torres, Gabriel Nilo, Gema Contreras, Giselle Pezoa, Luis Leiva, Noelia Meilerman y  Paulina Rebolledo. Todos ellos precisos y comprometidos con el trabajo.

Alejandro Altamirano presentó “The End”, bailada por Karla Padilla Antezana y Pablo Ignacio Barckhahn Flores, con música de Max Richter. Un dúo exquisito, muy bien ejecutado, donde cada intérprete destaca como solista. El coreógrafo los lleva a mostrar toda su técnica y expresión.

Altamirano, vive actualmente en Barcelona. Fue parte del Ballet de Santiago y del BANCH, en Chile. Su carrera internacional en el Ballet del Teatro San Martín, Argentina, y en el Ballet de Víctor Ullate, en España. Ha participado en los espectáculos “A New Day”, de Celine Dion, y “La revé”, del Cirque du Soleil.

Alejandra Georgudis vive en Houston, Estados Unidos, se formó en Chile y bailó en la Compañía de Karen Conolly, en el Ballet de Santiago y el Ballet Contemporáneo de Santiago. Presentó como coreógrafa e intérprete “Otro Portal”, un trabajo de creación conjunta con Jeremy Choate, el diseñador de la iluminación.

Un atrayente y exquisito solo, iluminado principalmente con seguidor de luz desde arriba y atrás, va creando espacios de luz y de sombra. El juego de luz permitió no dejar de ver  ninguno de los movimientos y recorridos de esta excelente intérprete, quien enfundada en un etéreo vestido, diseñado por María Montes de Oca, hizo que no se perdiera un instante de sus evoluciones. La música de la creación es de Azam Ali.

“Back to me”, de Val Rey Suárez con música de Radiohead, fue interpretada por las bailarinas invitadas Amara Pérez, española y Marjorie Macia, francesa, radicadas en New York. Un dúo simple, ligero. Olvidable.

El coreógrafo español radicado en Chile, Esdras Hernández, presentó “Sesión 9”.

Tomando como tema una sesión de hipnosis, Esdras Hernández, también responsable de la banda sonora, dibuja un juego divertido con lo que le sucede al paciente en trance de ser hipnotizado. Interpretada en forma precisa y técnicamente disfrutable por el bailarín mexicano Gustavo Echevarría, en la actualidad en el Ballet de Santiago.

“El puente” fue hecha a partir de un poema escrito por el mismo coreógrafo: Felipe González. Quien intentó que los intérpretes traspasaran su lenguaje poético al movimiento. Después de un desarrollo difuso, logra en los últimos minutos dar coherencia a los movimientos y da con el elemento que los une, una hoja de papel con el poema que los atrae y los concentra. Con música de Konrad Bohley y Pablo Contreras.

Los intérpretes fueron Amara Pérez, Marjorie Macia, Asja Lorenčič, Carolina Calderón, Gema Contreras, Karla Padilla, Gustavo Ignacio Díaz, Flavio González, Luis Leiva, Noelia Meilerman, Daniela Murias, Gabriel Nilo, Giselle Pezoa, Paulina Rebolledo, Camilo Saavedra, Bruno Ignacio Torres.

Felipe González, reside en Colonia, Alemania. Fue parte de las compañías Abundanza de Isabel Croxatto, así como las de Hilda Rivero, Vicente Ruiz, Luis Eduardo Araneda, y Andrés Cárdenas antes de irse becado a Alemania. En 2012 estrenó su obra Primo en Berlín.

Después del intermedio se presentó la videodanza A Round de Florencia Martina, como directora y coreógrafa y Nagore Rementeria como responsable de la cámara.

Vimos filmadas imágenes de simples movimientos entre personajes en una azotea de un edificio. La cámara está siempre de frente, los personajes se quitan uno a otro del espacio principal. No hay sorpresa, ni accidente que atraiga. Termina sin que se vea un desarrollo de la idea. Los intérpretes son Anders Duckworth y Ajani Johnson-Goffe.

Florencia Martina se formó en el London Contemporary Dance School. Forma parte del colectivo de danza-teatro The House of Strays y una compañía interdisciplinaria dedicada al video danza.

Mauricio Vera coreografió Pal’after, divertida, fresca, bien pensada con guión de León Murillo, música de Andrés Abarzua, e iluminación de Alberto García. Un muy buen cierre, fin de fiesta para el Festival. Una muestra de coreografías e improvisaciones en tono de comedia que sirvieron para que los intérpretes con diversas técnicas (contemporáneos, clásicos, street dance, videos, DJs) mostraran sus habilidades.

Participaron Gabriel Nilo (excelente interpretación), Amara Baliñas, Flavio González, Deise Mendonça, Bruno Torres, Karla Padilla, Marjorie Macia, Luis Leiva, Gema Contreras, Pablo Barckhahn, Gizelle Pezoa, Daniela Calderón, Gustavo Díaz, Asja Lorenčič, Camilo Saavedra, Diana García.

Mauricio Vera, radicado en Estados Unidos, está participando en el programa “So you think you can dance”, del canal FOX.  Formó parte del Ballet de Santiago por seis años. En Estados Unidos se formó en School at Steps, Steps on Bradway y Broadway Dance Center. Actualmente es integrante del State Street Ballet.

En junio, Jennifer Muller con su grupo The Works, presentó en el Cedar Lake theatre de NY, "The White Room". Foto: Paula Lobo. Gentileza The Work.

He disfrutado del mes de junio en los Estados Unidos, y particularmente en la ciudad de Nueva York. Ahora, hago un gran esfuerzo de síntesis para ofrecer a los lectores una visión exhaustiva de las artes escénicas en las carteleras de la Gran Manzana: sería como referirme solamente a la punta del iceberg.

Estas someras notas valorativas, al tener en cuenta la variedad –en géneros, estilos y calidades– de los eventos artísticos que presencié en junio, y que han quedado como sus “afterimages”, principalmente en las ciudades de Seattle y Nueva York; representativas de una sustancial experiencia nutricia para su acervo intelectual.

Reunión de críticos

La motivación primera para realizar este intensivo viaje a los Estados Unidos –gracias a los gentiles patrocinios de amigos e instituciones privadas, como la Fundación Amistad–, lo constituyó el cumplimiento de una invitación de la Dance Critics Association (DCA) para participar en su Conferencia anual, del 9 al 12 de junio, en uno de los paneles dónde analizaríamos las versiones del ballet “Giselle” y su figura paradigmática, Alicia Alonso. En esta ocasión, el anfitrión era el Pacific Northwest Ballet, bajo la dirección artística de Peter Boal (exprimer bailarín del NYCBallet), quien presentaba en su sede del Phelps Center de Seattle, su versión coreográfica– “quasi arqueológica”–, de “Giselle”, según las anotaciones de Stephanov de la producción de 1884.

El lema general de la conferencia era Talking about “Re”, coordinada por el presidente de la DCA, Robert Abrams, con la asistencia de unos 40 miembros, entre historiadores, críticos, académicos, musicólogos, coreógrafos, y periodistas especializados en las artes escénicas, en particular la danza.

Allí discutimos acerca de la producción del PNB, con la presencia de sus ejecutores (la víspera asistimos a una representación de “Giselle”, con las brillantes interpretaciones de sus estrellas Carla Forbes y el cubano Karel Cruz, en los papeles protagonistas), posteriormente se trataron otros temas esenciales para el devenir de este arte y de la crítica de danza; las perspectivas del ballet “Giselle; las reconstrucciones de los clásicos por todos los medios disponibles hoy; las reconstrucciones de lo mejor del repertorio norteamericano de ballets del siglo XX; sobre los contínuos cambios en la práctica de la escritura sobre danza y el futuro de sus críticos; e igualmente cómo el acto curaturial –”Curiating History”– puede ser considerado como “crear el pasado”, ya sea en la literatura o en la coreografía, et al. Los resúmenes de las interesantes intervenciones aparecerán en las próximas ediciones del boletín trimestral DCANewsletter, bajo el cuidado editorial de Mindy Aloff.

Nueva York

Mi prolongada estadía en la Gran Manzana comenzó desde el 7 de junio. Luego de disfrutar de las programaciones balletísticas del Lincoln Center, decidí desviar mi curiosidad crítica hacia las carteleras de otros teatros de Manhattan.

Me resultaba una urgencia apartarme de las tentaciones balletísticas del Lincoln Center de Manhattan. Entonces enfoqué mi interés en las programaciones de los teatros en el Midtown y el Downtown. Algo importante era el estreno mundial anunciado por Pascal Rioult y su grupo en el The Joyce: “On Distant Shores (…A Redemption Fantasy), con música homónima bajo la dirección de su autor, Aaron Jay Kernis, sobre un pasaje de la Guerra de Troya y el rescate de Helena. No llegó a convencernos, si bien las interpretaciones fueron meritorias, sin embargo no logró superar las referencias con ciertas obras de Martha Graham. Más lograda, en mi opinión, fue el dúo femenino de la primera parte, “Black Diamonds” (2006), gracias a sus exquisitas interpretes de una proyección corporal notable, Penélope González y Charis Haines, con el soporte de la muy empleada pieza de Stravinsky “Duo Concertante” ejecutada con mucha calidad interpretativa y la inteligente iluminación diseñada por David Finley.

Jennifer Muller

Muy prometedor y estimulante era el anuncio de un estreno mundial por la eminente coreógrafa Jennifer Muller con su grupo The Works, y esto nos motivó a trasladarnos al Cedar Lake theatre de Chelsea, el mismo día de la premiere, en medio de las más distinguidas galerías de arte contemporáneo (la Malborough exhibe una muestra colectiva de excelencia, Living in Havana, con varios artistas reconocidos residentes en Cuba), y con la euforia de la comunidad gay neoyorkina tras la aprobación senatorial de los matrimonios del mismo sexo y la víspera de la Gay Pride Parade).

Ese 22 de junio, a teatro lleno, apreciamos The White Room, cuyo título es una metáfora del tema central de inocencia y corrupción, a partir de la violencia sobre una virginal jovencita vestida siempre de blanco, la “aprentice” Hsing–Hua Wang, quien muestra una calidad de movimientos destacados por su lirismo pero al mismo tiempo cargados de gran emotividad. La puesta en escena se desarrolla, en dos horas, con una estructura y diseño muy estudiada, siempre en la tendencia minimalista, apoyada en medios audiovisuales y en un eficaz diseño de luces.

Contó la Muller con intérpretes ajustados a las caracterizaciones, fue el caso de Pascal Rakoert, Gen Hashimoto y la imponente presencia de Susana Bozzetti, quienes evitaron el cansancio visual que pudiera producir las reiteraciones de pasos y frases de movimientos, algunos llevados a situaciones extremas; su lenguaje muestra una fuerza expresiva visceral, sobre una compilación musical irritante a veces, como soporte musical único. El mensaje de Muller aquí está claro: el poder corrompe.

Non-dance

También la non–dance está presente en NYC, y esto lo comprobamos en un espectáculo de 60 minutos –sin asientos–, en uno de los estudios del Baryshnikov Arts Center, denominado The Painted Bird: Amidst (Part II). Esta es la segunda parte de una trilogía de “performances” interactivas en vivo, basadas en una novela del polaco Jerzy Kosinski, con acciones situadas en los tiempos de guerra de la Europa del este.

El conceptualista, director escénico, bailarín y coreógrafo Pavel Zustiak (de origen checo e instalado en Estados Unidos desde 1999), pretende profundizar con su Palissimo Company en los temas de la otredad, los desplazamientos, las migraciones y la transformación. Zustiak, también bailarín en la pieza, trata de crear obras sofisticadas, multidisplinarias, con abundantes imágenes surrealistas, que agreden al público que circula en medio de ellas, y en ésta, entramos en un salón de clases sumergidos en una densa niebla y aturdidos por una música electrónica que rivaliza con un grupo “heavy metal” en vivo, para ser guiados por los rayos laser y los propios bailarines que se desplazan y cambian, reiteradamente, sus sucias vestimentas.

También ópera

El anuncio de una coreografía de Karol Armitage, como plato fuerte en la última presentación de la temporada en el Avery Fisher Hall del Lincoln Center por la Orquesta Filarmónica de New York, elevó mi interés por asistir al estreno en esta ciudad de “La zorrilla astuta” (The Cunning Little Vixen) de Janos Janacek. Se trata de una imaginativa y encantadora producción de esta ópera “antropomórfica” (como la califica un crítico musical neoyorquino), muy relacionada con las fábulas de Esopo, y que resultó ser una de las más audaces ideas de Alan Gilbert, el actual director musical de la Filarmónica.

Esta es la primera vez que una de las más importantes óperas de la pasada centuria es puesta en escena en New York, con todas las de la ley en cuanto a las excelentes voces de los solistas, los Coros y las escolanías, así como en recursos escénicos. (La Orquesta y los Coros estaban instalados, sobre la escena, dentro de un bosque de girasoles gigantes). Armitage concibió una simple empero ingeniosa coreografía para una docena de miembros de la Metropolitan Opera Children´s Chorus, quienes hicieron todo tipo de acrobacias, dentro y fuera de un escenario extendido hacia la platea, disfrazados de múltiples criaturas del reino animal, como ranas, mariposas, conejos, mosquitos, abejas, etc. El elenco protagonista cantó en forma excelente una traducción al inglés de Norman Tucker, a partir del libreto en checo del propio Janacek.

Sin ser un espectáculo de danza, en el sentido estricto del término, sería injusto no señalar la calidad y capacidad de maravillar al espectador de la nueva producción de dos horas inagotables de riquezas imaginativas, con estilo y buen gusto, del afamado conjunto canadiense Le Cirque du Soleil, y nada más y nada menos en el magnífico Radio City Music Hall, hito del art–déco neoyorquino.

El director teatral y cinematográfico Francois Girard, laureado por su serie televisiva de 1993), dedicada al iconoclasta genio canadiense del piano, Glenn Gould, y por dos filmes: El violín rojo (1998) y Silk ( 2007), ha recreado en “Zarkana” (su segundo trabajo para el Circo del Sol), el mundo mágico del mago Zark. Allí, la música pop y rock con notables voces solistas de ambos sexos, sirve de apoyo a las bien diseñadas “danzas” de los cientos de coristas y acróbatas. El polifacético Girard sorprenderá a los amantes de la ópera con su “Parsifal” de Wagner para la Metropolitan Opera House, la próxima temporada.