Cuerpo de baile del ABT en “Crimen y castigo”, obra que se presenta en el Kennedy Center. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

¿Cómo llevar a escena, con absoluta fidelidad, una pieza crucial y aguda como “Crimen y Castigo” de Fyodor Dostoevsky? Quizás, acercarse a una obra de esta envergadura y llevarla a otros campos ajenos a la literatura, incluido el teatro, requiera una disociación y un desprendimiento absoluto del original. Pretender encontrar esos personajes atormentados que transitan en la novela que el autor ruso escribió en 1866, es ardua tarea. Sin embargo, Helen Pickett intentó fundir imágenes, diálogos, personajes y crear lo que podría llamarse “una obra basada en Crimen y Castigo”. También podría considerarse una suerte de “recreación coreográfica” de este clásico de 600 páginas.

El 12 de febrero el American Ballet Theatre se lanzó a ese riesgo en el que a veces se pierde o se gana, y presentó esta obra, que permanecerá en cartel hasta el domingo 16, en el Opera House del Kennedy Center. Su estreno mundial fue el 30 de octubre de 2024 en el David H. Koch Theater del Lincoln Center de New York, y tuvo como protagonistas a Cassandra Trenary (Raskolnikov), Christine Shevchenko (Dunya), Calvin Royal III (Razumikhin), SunMi Park (Sonya), Roman Zhurbin (Marmeladov), Claire Davison (Katerina), Joseph Markey (Luzhin), James Whiteside (Svidrigailov) y Thomas Forster (Porfiry).

Esta obra maestra de la literatura es una historia policial, escrita y estructurada de tal manera que, no sólo se entrecruzan las tramas, sino que deja al desnudo la condición humana. Dostoevsky narra el asesinato de una vieja prestamista perpetrado por Raskólnikov, un joven que tuvo que resignar sus estudios de abogado por falta de recursos económicos. Pero más allá del hecho en sí, el autor se adentra en un drama psicológico y moral que trasciende la época y se convierte en un conflicto universal. La culpa arrastra a Raskólnikov a una torturante desesperación hasta que finalmente confiesa su crimen y recibe su castigo. Como fiel exponente del realismo ruso (1830-1880), Dostoievski describe las desigualdades sociales de la época con absoluta crueldad.

Catherine Hurlin y Aran Bell, como Razumikhin y Dunya en el Segundo acto de “Crimen y castigo”. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Frente a esta catedral literaria, la coreógrafa Helen Pickett, que ya había incursionado con éxito en “Crucible” (Las brujas de Salem) para el Scottish Ballet y “Emma Bovary” para el National Ballet of Canada, armó su propia catedral moderna, minimalista y por momentos, despojada de emoción. Pickett propone una forma narrativa interesante, que es una suerte de danza-teatro, danza contemporánea y ciertos guiños al neoclásico. La coreógrafa, quizás demasiado pegada a la gestualidad de los ballets clásicos en algunas secuencias, tiene logros coreográficos de peso, especialmente en las escenas de conjunto donde se ve un cuerpo de baile sólido y convincente.

La apertura, con proyecciones oníricas, llega a su momento de mayor esplendor cuando sube el telón y aparece el cuerpo de baile como una masa uniforme, opresiva y coordinada al segundo. No obstante, fue en el discurso corporal de los personajes principales donde la coreógrafa se debilita y, por ende, frena la fluidez de la obra y la le quita emoción. La puesta, además, se apoya en la proyección de subtítulos que le soplan al espectador lo que está ocurriendo. Un recurso que pudo tener su particular atractivo, pero que, sin embargo, el texto es demasiado obvio y no ayuda a adelantar la escena. Como si el espectador necesitara que lo lleven de la mano para comprender mejor.

El protagonista, Raskólnikov, interpretado en la primera noche por Herman Cornejo, marcó una enorme diferencia con el resto en el plano interpretativo. Cornejo no sólo ejecutó las marcaciones y las secuencias coreográficas con solvencia, sino que se convirtió en ese Raskólnikov atormentado por la culpa. Un bailarín impecable y un gran artista, inteligente, sensible e intuitivo.

Skylar Brandt y Herman Cornejo en “Crimen y castigo” de Helen Pickett. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Sonya, interpretado por Skylar Brandt con delicadeza angelical, encarna a la joven obligada a prostituirse para mantener a su familia. Es ella quien incita a Raskólnikov a confesar su crimen para lograr su redención. Brandt es una bailarina exquisita, pero la coreografía y el hilo dramático delineado por Pickett, no logran sacar a la luz las virtudes de Brandt, ni tampoco plasman la profundidad del personaje.

Aran Bell y Catherine Hurlin encarnaron a Razumikhin y a Dunya, el amigo y la hemana de Raskólnikov. Ambos lograron su mejor momento en el pas de deux del segundo acto. Una de las pocas secuencias en las que la coreografía logró fundirse con la emoción.

Joseph Markey interpretó a Luzhin, el prometido Dunya. Su trabajo fue excelente, no obstante, la coreografía tuvo secuencias de gran ambigüedad que oscilaba entre la pantomima de Gamache en “Don Quijote” y la delicadeza de Paris en “Romeo y Julieta”.

Desde lo técnico, el American Ballet Theatre hizo un trabajo impecable. Los bailarines, que a su vez eran los encargados de mover los módulos de madera que recreaban distintos espacios, trabajaron con una convicción absoluta. Aunque en esta enorme catedral creada por Pickett la emoción sólo apareció de manera intermitente.

Es importante y hasta necesario que el ballet se acerque a la literatura, y se abran nuevas puertas para contar historias semejantes a las de “Onegin”, “Don Quijote” o “Giselle”. Hoy, narradas con un lenguaje coreográfico diferente y con recursos técnicos, también diferentes.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, en el rol de Raskólnikov. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

Bailarines del United Ukrainian Ballet junto a Alexei Ratmansky (ctro.) cantan el himno de Ucrania luego del saludo final de “Giselle”. Foto: Mena Brunette. Gentileza JFKC.

“Menuda estupidez la guerra/ Qué has llegado a ser ahora/ Bajo esta lluvia de hierro/ De fuego de acero de sangre”, escribió el poeta francés Jaques Prevert en su libro de poemas “Palabras”, publicado en 1946 cuando ya la Segunda Guerra Mundial había terminado. Hoy, que el mundo vuelve al horror de la guerra, el United Ukrainian Ballet (Ballet ucraniano unido), levanta su estandarte de resistencia con una producción que hasta parece un “milagro”.

Mientras la invasión de Rusia a Ucrania empieza a transitar por su segundo año, los artistas ucranianos llevan su lucha simbólica desde la escena. Unidos por la tragedia, por el amor a su Patria y a la danza, estos 60 profesionales exiliados de los teatros nacionales de Kiev, Járkov y Odessa, entre otros, hicieron su debut en el Kennedy Center de Washington DC entre el 1 y el 5 de febrero.

Bajo la dirección artística de Igone de Jongh, el United Ukrainian Ballet tiene su sede en La Haya, en el edificio del antiguo Conservatorio Real, donde viven y trabajan gracias al apoyo de las empresas locales y del gobierno.

La compañía estrenó por primera vez en Estados Unidos la producción de “Giselle” del reconocido coreógrafo Alexei Ratmansky. Un clásico del repertorio y una obra emblemática en la historia del ballet romántico donde se funden elementos esenciales de la condición humana: el amor, la traición, el despecho, la muerte y la misericordia. Esta nueva interpretación de Ratmansky, creada especialmente para la compañía, tiene como invitados especiales a Christine Shevchenko, bailarina principal del American Ballet Theatre, y a Oleksii Tiutiunnyk, bailarín de la National Opera de Ucrania.

Christine Shevchenko, bailarina principal del American Ballet Theatre, y Oleksii Tiutiunnyk, bailarín de la National Opera de Ucrania. Foto: Mark Senior. Gentileza JFKC.

Durante 2022 la compañía llevó esta producción especial a varias ciudades holandesas, al London Coliseum Theatre, y contó con escenografía y vestuario del Birmingham Royal Ballet.

Ratmansky, revisitó “Giselle” para el Bolshói en 2019 y, de acuerdo con su investigación, trató de acercar esta tragedia a la versión original de 1841. El coreógrafo propone una visión delicada y fresca de esta campesina traicionada por Albert, un noble disfrazado.

Shevchenko, que protagonizó a Giselle en la noche del estreno, hizo una entrañable composición de la campesina, con magníficos equilibrios, delicados brazos y una intensa musicalidad. Conmovedora y etérea en el acto blanco. Mientras que Tiutiunnyk, en el role de Albert tuvo momentos de intensidad interpretativa, especialmente en el segundo acto cuando, arrepentido, visita la tumba de Giselle y se encuentra con las Willis.

Hilarion, el guardabosques (Sergei Kliachin) despechado que revela la traición de Albert y desencadena la tragedia es un bailarín sólido con buenos saltos y precisión.

El resto de la compañía muestra un cuerpo de baile ajustado y preciso que hace perfectamente creíble cada una de las situaciones del primer acto y permite crear los climas sugerentes para el desenlace.

Un segundo acto, magnífico, y emocionante, se desarrolla en un bosque que parece mágico a partir de la presencia de esas Willis. Coordinación y equilibrios perfectos es lo que caracteriza desde lo técnico. No obstante, esos bailarines no solo muestran precisión sino que dejan salir el duende del ballet hasta tocar el corazón del espectador. El redentor segundo acto se desarrolla junto a una tumba bañada en añil de medianoche.

Esculturales Willis -espíritus de novias traicionadas- acechan implacables a los intrusos. Giselle, protege a Albert de la condena de las Willis. Ambos bailan uno de los pas de deux más desafiantes del ballet. Ambos logran esa magia inevitable del amor, aún después de la muerte.

Cuando bajó el telón la sala explotó en aplausos. Los bailarines, envueltos en la bandera ucraniana, esperaron la llegada de Ratmansky, también con su bandera, y cantaron el himno de su patria. Imposible no emocionarse. Imposible no pensar en lo injusto de la guerra. Imposible no pensar en resistir hasta que vuelva la Paz.

United Ukrainian Ballet en el estreno de “Giselle” en el Kennedy Center de Washington DC. Foto: Mark Senior. Gentileza JFKC.

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La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600