Con “Use this Gospel”, Joshua Horton ganó un Grand Prix y una beca de estudios otorgado por DanceCoreo International 2021. Foto gentileza LADC.

Las últimas jornadas fueron maravillosas para DanceCoreo International, un concurso pleno de emociones, creatividad, alianzas y caminos trenzados alrededor del mundo.

Luego de nueve semanas de competencia nos complace anunciar que la Gala de premiaciones, desde el prestigioso escenario del habanero Teatro Martí, en Cuba, fue transmitido en línea el 25 de junio por el canal de YouTube. https://youtube.com/c/liztalfonso

Con las actuaciones en vivo de la compañía Lizt Alfonso Dance Cuba (LADC), con coreografías de la propia Alfonso, también presidenta del jurado, se anunciaron a los creadores e intérpretes ganadores. Un palmarés con los codiciados Grand Prix, los tres premios, varias menciones, las múltiples becas y otros premios especiales, ofrecidos gracias a los aliados y patrocinadores foráneos del evento. El prestigioso jurado, constituido por personalidades del mundo de la danza, fue invitado a entregar los lauros conseguidos en arduas faenas creativas a los coreógrafos presentes (virtual o presencial).

La competencia cerró sus admisiones con más de 200 coreógrafos inscritos, 600 participantes provenientes de 45 ciudades de 13 países, conectados todos en el universo virtual. Fue una experiencia enriquecedora, única, la de este DanceCoreo Internationa, al demonstrar que, en momentos difíciles como estos, azotados por una agresiva pandemia global, la unión desde cualquier lugar distante del planeta, espacio y estilo, contribuyó y estimuló la creación coreográfica de manera inclusiva y proactiva.

Cuba, en tanto que país anfitrión, contó con la mayor participación, y entre todas las grabaciones audiovisuales recibidas se destacan las piezas ejecutadas en locaciones profesionales y desde casa. Una de ella logró hacerlo desde el áspero techo de un inmueble riesgoso.

Diversas fueron las temáticas y tópicos abordados en algunas obras, tales como: la violencia, en particular la de género; las personas sin amparo filial; el sensible tema del maltrato animal; las adicciones; los trastornos mentales y, por supuesto, la respuesta de la danza a la pandemia de la Covid 19.

Breves apuntes: valoraciones

Yasser Domínguez presentó “La llorona”, sobre la icónica canción de Chavela Vargas. Foto gentileza LADC.

El jurado instalado en un salón de la sede habanera de la compañía Lizt Alfonso Dance Cuba, equipado con la tecnología necesaria para realizar su labor mediante las plataformas virtuales, estuvo integrado por ocho prestigiosos expertos junto a su presidenta, la propia maestra y coreógrafa Alfonso. Su objetivo primordial era visualizar y justipreciar las 54 obras triunfantes de la pre-selección ejecutada previamente, a partir de los casi 300 videos con las piezas en concurso, enviadas mediante los canales de internet elegidos al efecto. Al concluir las tres horas del intenso análisis valorativo, se desarrolló una ronda de consultas y puntuaciones respectivas, no exenta de la discusión de pareceres, por los jurados presentes.

Estos intercambios permitieron llegar a buen puerto, al decantar a los coreógrafos y sus obras finalistas, y por lo tanto seleccionar el material coreográfico merecedor de los lauros previstos, así como las becas y presentaciones ofrecidas por algunos de los aliados y patrocinadores foráneos del evento en su primera edición.

En opinión de este cronista (miembro del jurado internacional ad hoc), las decisiones finales para adjudicarlos no fueron, mayoritariamente unánimes, sin embargo, la unanimidad primó en cuanto a la concesión de los Grand Prix y los primeros premios.

La creatividad, el manejo estructural y de los artefactos, así como los espacios y la originalidad dramatúrgica exhibida en los temas tratados con interpretaciones emotivas mediante notable pericia técnica, permitieron así observar sorprendentes talentos juveniles promisorios. Como por ejemplo, en el primer premio alcanzado por Yasser Domínguez con “La llorona”, sobre la icónica canción de Chavela Vargas, interpretada con intensidad y carisma por la más joven concursante, con solo trece primaveras. Se alzó pues con el premio Revelación. Por su parte, la obra coral “Aislamiento” por autores de Estados Unidos, fue una inteligente versión del archiconocido “Consagración de la Primavera”, de Igor Stravinsky.

Igualmente, el trío cubano, “Back to Love”, resultó ser un novedoso “ménage á trois” que logra superar lo trillado del asunto, a partir de una popular canción estadounidense. También fue una sensación, en el apartado de danza urbana, el joven Joshua Horton, con la pieza “Use this Gospel”, quien se alzó con un Grand Prix y una beca de estudios en su país, Estados Unidos.

Sin duda, los tres materiales coreográficos presentados por la pareja rumana de Alina Ciceo (coreógrafa) y Radu Domsa, el atlético intérprete-bailarín, fueron los merecidos acreedores de dos Grand Prix, por “Beyond Skin” y “The Office” (por la brillante manipulación de artefactos), además Domsa deslumbró con su performace “Prometeus”. La obra del cubano Luis M. Miranda, “Whatever it Takes”, después de una álgida discusión, se impuso con un importante lauro.

El rumano Radu Domsa, fue otro de los ganadores de un Grand Prix por “Beyond Skin”. Foto gentileza LADC.

Resultados:

https://www.liztalfonso.com/concurso-dancecoreo/?lang=es

Con 24 años de trayectoria Sara Baras lleva a escena “Sombras”, espectáculo que recopila experiencias, vivencias y aprendizajes. Foto: Santana de Reyes. Gentileza Festival Internacional Cervantino.

Su pasión por el arte, su pasión por la danza, su pasión por la vida misma ha hecho única a Sara Baras (España, 1971). Su intensidad es tal, que está convencida de que, cuando alguien ha sufrido la vida es cuando puede interpretar mejor. Esta entrega y su alto nivel técnico le han permitido posicionarse como una de las máximas exponentes del flamenco no sólo en su tierra natal sino en el mundo entero porque ha logrado, como pocos, hacer vibrar a millones de espectadores que se han dejado atrapar por su “duende”.

México nuevamente recibe a tan prestigiada bailarina y coreógrafa. Y lo hará en dos escenarios importantes: el Palacio de Bellas Artes el lunes 21 de octubre, a las 20:00 horas; y el jueves 24 en el Alhóndiga de Granaditas en el marco de la edición 47 del Festival Internacional Cervantino. También se presentará en Tlaxcala y en Aguascalientes el 19 y 26 de octubre, respectivamente.

Hablar de Sara Baras es referirse a una figura crucial en la danza mundial que ha dejado y sigue dejando un legado invaluable dentro del género del flamenco. Imposible no serlo teniendo a grandes maestros como Ciro, Manolete, El Güito y Dania González quienes le dieron las herramientas necesarias para que ella volara y llegara a la cima con su Ballet Flamenco Sara Baras que fundó en 1998 y con el cual se ha presentado en los mejores escenarios del mundo como el Théâtre des Champs-Elysées de París; el Teatro Sadler ́s Wells de Londres y el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, entre otros; ofreciendo más de cuatromil presentaciones.

Su amor a México

Con una profunda sonrisa la española aseguró: “Me siento muy feliz de estar en México y dejar mi alma en esta tierra bendita que queremos tanto. Serán funciones mágicas porque venimos con todo el ímpetu. Todavía tenemos clavado en el corazón el sentimiento de los mexicanos desde la última vez que estuvimos aquí. Volver al Palacio de Bellas Artes y al Festival Internacional Cervantino es un gran regalo para mí”.

Baras no oculta su entusiasmo porque, asegura, este país la vio crecer como bailarina y siempre le ha abierto las puertas a su arte.

Artista en evolución y con compromiso social

En el montaje de “Sombras” Sara baras utiliza la farruca, género de flamenco que sólo lo interpretaban los hombres. Foto: Santana de Reyes. Gentileza Festival Internacional Cervantino.

Baras, quien ha compartido el escenario con artistas de la talla de Paco de Lucía y Chavela Vargas, comentó que se siente un gran momento profesional. Esto, porque la danza le ha permitido mantenerse en constante evolución:

“Siempre he visto al flamenco no sólo como arte o como un trabajo de horario establecido. El flamenco se ha convertido en una forma de vida que me mantiene en constante crecimiento. Durante todos mis 24 años de trayectoria jamás he bajado la guardia; son años de experiencia que me han ayudado como artista y como persona. Son años que guardan una gran cantidad de emociones”.

Se define más que plena como intérprete porque si bien durante sus inicios su ímpetu juvenil la hacía enfocarse en la técnica y en la velocidad, poco a poco fue construyendo su propio estilo para hacer una danza con mayor profundidad: “Creo que lo importante en el arte no es tanto pensar en innovar, sino pensar más en la belleza, en algo más verdadero. Creo que cuando alguien ha sufrido la vida es cuando puede interpretar mejor. Tener ilusiones y una entrega verdadera es la única manera de poder crecer como artista”.

Ante la pregunta sobre qué cosas la inspiran o alimentan su creatividad, la coreógrafa expone: “Soy una persona que se deja inspirar por todo. Sin embargo, estoy convencida de que si te rodeas de personas y lugares especiales será más fácil inspirarte. Agradezco a todos esos maestros que me enseñaron tantas cosas. Todo lo que he vivido en mi vida me ha llenado y eso por consecuencia sale a través de mi baile.”.

Pero Baras también tiene un rol social muy fuerte. Al respecto, la española se muestra satisfecha por la oportunidad que la danza le ha brindado para asumir un compromiso social desde su trinchera como artista: “Compartir con el público mi arte me hace sentir privilegiada. Estoy convencida que el baile se convierte en una voz para ayudar a las personas que lo necesitan”.

Y es que la española forma parte de un intenso trabajo de servicio social. Basta mencionar las numerosas ocasiones en que ha prestado su imagen para campañas de lucha contra el cáncer y derechos humanos. También es madrina de honor de la Fundación Síndrome de Down Madrid y de la Fundación “Mi princesa Rett”, donde se realizan investigaciones y se atienden casos relacionados con una extraña enfermedad llamada Síndrome de Rett y que afecta particularmente a las niñas.

“Sombras” para celebrar

El Ballet Flamenco Sara Baras fundado en 1998, visita varios escenarios de México para celebrar dos décadas con el flamenco. Foto: Santana de Reyes. Gentileza Festival Internacional Cervantino.

Baras y su compañía están de manteles largos. Celebran 20 años de compartir el mismo viaje, guiados por una sola pasión: la danza. Por ello, pensaron en un programa que fuera especial y ese es “Sombras”. 

“Es un montaje simbólico porque celebramos dos décadas de existencia. En vez de repetir coreografías quisimos hacer una nueva lectura de lo que hemos aprendido a lo largo de todos estos años. En casi dos horas tratamos de resumir las hermosas experiencias y sensaciones que hemos tenido durante este tiempo”.

La bailaora explicó que un aspecto interesante de este montaje es que se utiliza la farruca, un género de flamenco que sólo lo interpretaban los hombres: “Hace muchos años yo interpreté una farruca y me marcó muchísimo, así que pensé en crear este espectáculo a partir de este estilo. El público será parte de una celebración muy rica, llena de detalles profundos donde verán a grandes músicos y por primera vez la inclusión de un artista plástico que hará trazos relacionados con la coreografía. Un especialista de flamenco disfrutará todo lo que encierra la danza, pero también un espectador común porque se dejará llevar por la propuesta”.

Una última pregunta para la bailarina fue: ¿Cuáles serán las propias sombras de Sara Baras?, a lo que respondió: “Yo le doy una connotación positiva a la palabra sombra. Todos tenemos sombras, es decir, momentos que no debemos olvidar porque nos han servido para crecer. La misma sombra de un bailarín guarda una magia, lo mismo que la sombra de un árbol. Yo tengo la experiencia de ser madrina de una fundación que atienden el terrible y extraño síndrome de Rett que daña especialmente a las niñas; cuando éstas presentan una crisis emocional paradójicamente sus papás llaman a estos episodios como ‘sombras’, así que yo quiero contribuir con un granito de arena diciéndole al espectador que mientras hay quienes experimentan momentos amargos con esta palabra, hay sombras que están llenas de experiencias maravillosas que son parte de la vida”.

“Cor”, de Marianela Boán, con seis intérpretes en escena y música del compositor cubano Pepe Gavilondo. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La más joven y reconocida compañía cubana de danza, fundada en 2015 por el laureado bailarín Carlos Acosta, retorna a su décima temporada y la primera de 2019, en su habitual escenario de la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –siempre sobrevendido-, con tres novedosas propuestas y la loable reposición de una exitosa obra, las cuales integran “Rituales”.

El propio Acosta, en tanto que director artístico, nos revela en el programa de mano sus objetivos a la hora de concebir este cartel, con dos términos claves: incertidumbre e indagación, en un párrafo que se explica por si solo: (estas piezas)… nos llegan en tiempos complejos para el mundo en los que la incertidumbre parece ser un sentimiento común… (y a pesar de ello) seguimos anteponiendo el arte y la belleza, sin dejar de asumir la época que nos ha tocado vivir como terreno de indagación. Para concluir: partimos de la idea de que el rito fue el inicio de toda representación escénica (…) a partir de allí, desarrollamos obras que nos muestran esencialmente (…) las preocupaciones, alegrías y deseos de los cubanos.

Al mismo tiempo, en esta introducción, Acosta se muestra solidario (acompañado por todo su conjunto) con las víctimas habaneras de un insólito evento meteorológico: la embestida de la naturaleza, por un fuerte tornado que causó enormes daños en tres populosos barrios de la capital el pasado 27 de enero. Y ante tal adversidad…”que sirva el arte de la danza como homenaje al alma cubana; que traiga alivios, alegría y esperanza, porque mientras que mantengamos nuestro espíritu limpio –ese que se trasluce en los momentos más difíciles- estaremos de alguna manera salvados”.

Para abrir cortinas fue elegido el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del joven catalán Juanjo Arqués, apoyado por un excepcional soporte musical –según los propósitos desvelados por el coreógrafo-, producido por el conjunto cubano Ariwo con la contribución del Dj Hammadi, que anteriormente había trabajado en otro proyecto con Acosta. El tema musical, “Pyramid”, interpretado por ellos entusiasmó a Arqués: por su innovadora mezcla de percusión cubana de raíz africana con sonoridades electrónicas.

Sin duda, la diversidad étnica de la sociedad cubana, sus contrastes, sus logros y “su melancolía por el pasado” lo fascinaron al estructurar una coreografía que “los”, mostrara como en el limbo, “parados ante una puerta y sin saber qué sucederá al traspasarla”. El tema de los rituales sincréticos de la santería local estuvo en su interés primario, empero luego fue hacia lo esencial de la ritualidad, para así conseguir encaminarse al concepto de ritual en el vocabulario, con uso de la simbología en movimientos reiterativos –y casi siempre elementales- que se original “de adentro hacia afuera”. Es una pieza coral y participativa del autor con siete excelentes bailarines del conjunto. Arqués, previamente, se defiende ante los posibles reproches de la crítica especializada: he tratado de transmitir –mediante los intérpretes- ese concepto de “liminalidad” de la pieza, así como “una Cuba que no es la más conocida”, la de la melancolía, la de rudeza de la vida y el trabajo (sic).

Estamos frente a una puesta en escena minimalista con una iluminación neutra diseñada por Bonnie Beecher y un vestuario intemporal de Natalie de Koening, que se aparta de todo posible pintoresquismo, siempre en presencia de una impositiva gran puerta colonial de madera, como practicable escenográfico giratorio que pende sobre la cabeza de los danzantes, sin que interactúen con ella: es un limbo a traspasar, como lo requiere la coreografía.

Acto seguido pasamos a un lenguaje, “otro”, donde prima el estilo neoclásico con influencias posmodernas, en el estreno cubano de “Soledad”, un dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella, de la compañía catalana Lanómina Imperial, que luego, en 1992, ingresó en la londinense Rambert Dance Co., hasta que, finalmente en 2006, funda la Bonachella Dance Co. Y en 2008, marchó a Australia como director artístico de la Sidney Dance Company.

Estilo neoclásico con influencias posmodernas en “Soledad”, dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Bonachella eligió un tema romántico recurrente, de amores y desamores entre dos seres humanos de distintos sexos, los cuales danzan con un lógico soporte musical -en un espacio limitado y minimalista- proporcionado por tangos y milongas de Astor Piazzola, así como boleros-rancheras en la icónica voz de la desaparecida Chavela Vargas (“Llorona” y “Noche de Ronda”), y un final interpretado por el célebre violinista Gidon Kremer. Tres parejas de las más brillantes y expresivas de Acosta Danza alternaron en cada una de las tres representaciones, las cuales defienden una intensa dramaturgia con destacado histrionismo y rotunda técnica, alrededor de una lámpara de pedestal y una butaca como únicos elementos escenográficos, en contraste con  la vacuidad coreográfica.

Después de una apetecible pausa, aconteció el más ansiado de los estrenos mundiales, “Cor”, con coreografía y concepto de Marianela Boán, con la ingente colaboración de los seis intérpretes y del autor de la música, el talentoso y polifacético joven compositor cubano Pepe Gavilondo (ya tiene en su haber otras exitosas piezas para esta compañía).

Marianela Boán es un nombre paradigmático en los anales de la coreografía cubana contemporánea. Ella inició su colaboración con Acosta Danza desde sus inicios en 2015, cuando el propio Acosta la invitó a reponer “El cruce sobre el Niágara”, una coreografía realizada por ella, en 1987, para dos bailarines masculinos de la compañía Danza Moderna de Cuba (hoy DCC). La posibilidad de crear una coreografía original siempre estuvo pendiente, y ahora logró hacerla, después de 16 años. Boán reside hace varios años en Santo Domingo, como directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura de República Dominicana.

En cuanto al título de “Cor”, nuestras inquietudes fueron despejadas cuando nos explicó que proviene de la raíz de varias palabras que están muy vinculadas con su obra: el coro (tema utilizado en otros trabajos suyos mas de formas diversas); es la raíz de corazón y de coral marino, también de coralidad (relacionada a la más reciente historia cubana), y por supuesto, está en “coreo”, que “define todo lo que hacemos en danza”.

Boán define su estreno como “una obra muy física”, sin duda es igualmente una de sus creaciones más contaminada, en el sentido del empleo de la voz por los propios bailarines, quienes cantan además de moverse intensamente (con predominio del terre á terre) y trabajar con la manipulación de algún objeto: es el caso al final con las tumbadoras (instrumento cordófono que otros países denominan “congas”). La coreuta usó como leit motiv la canción “Consuélate como yo”, una muy popular rumba cubana que sirve de enlace a todos los momentos de esta pieza de poco más de 30 minutos.

La música en “Cor” es protagonista, especialmente por el trabajo dialógico estupendo realizado con Pepe Gavilondo, tecladista, compositor, profesor y productor, así como con la diseñadora de vestuario Alise Pérez (aunque el resultado no fue muy feliz); con la maestra coral Alina Orraca (arduo ejercicio con las voces, que requerían más horas de ensayo), y lujo de contar con Lino Pedroso para impartirles las clases de percusión (de tanta participación en la coreografía). No puede obviarse el trabajo significativo y eficaz de la experimentada maestra Loti Peón, como ensayadora, para superar el reto de conseguir este estreno en tiempo y forma.

Sin embargo, si bien reconocemos lo ambicioso del discurso coreográfico, el resultado no colmó nuestras expectativas.

La temporada “Rituales” cerró con la inteligente reposición de “Paysage, Soudain, La Nuit”, del coreógrafo sueco Pontus Lidberg, quien utiliza con eficacia teatral dos temas musicales de notables factura, como “Paisaje cubano con rumba”, de multilaureado compositor cubano Leo Brouwer (festeja sus 80 este año), y Cuban Landscape, del escandinavo Stefan Levin. Esta obra ya fue comentada por este cronista en su estreno, de la cual destacamos siempre la solidez de la escritura coreográfica en Lidberg, y la sabia iluminación de Patrick Bogardh. Un acierto, sin duda, cerrar esta primera temporada de 2019 con esta estupenda obra.

Acosta Danza abrió el telón con el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del catalán Juanjo Arqués. Fotos: Buby. Gentileza AD.

José Rivera, director de La Cebra Danza Gay, homenajeado en el Festival Internacional de Cine Gay de la UNAM. Foto gentileza FICG de la UNAM.

El cinematógrafo del chopo se vistió cebra. José Rivera, fundador de La Cebra Danza Gay, agrupación creada en 1996, recibió junto con sus bailarines un merecido homenaje en el marco del Festival Internacional de Cine Gay de la Universidad Autónoma de México (UNAM) que se realizó del 6 al 15 de febrero. Este encuentro reúne 47 filmes de países como: México, Venezuela, República Checa, Argentina, Israel, Países Bajos, Cuba, España, Polonia  e Italia.

Bailarín, coreógrafo y maestro, defensor de los derechos de la comunidad LGBT y de la lucha contra el VIH. Nació el 9 de agosto de 1969 en San Luís Potosí. Inició su formación como bailarín en 1985 en el Instituto Potosino de Bellas Artes. Formó parte del Ballet Provincial de San Luis dirigido por la desaparecida Lila López, llegando a ser bailarín principal. En 1987, se incorporó como bailarín al Ballet Independiente, agrupación de la cual es director artístico desde 2012.

Visiblemente emocionado Rivera Moya expresó al subir al podio: “Me siento un poco raro porque si ya empiezan los homenajes a lo mejor ya no estoy tan chiquita… estoy grandecita. Estoy contento porque justo en este suelo que estoy pisando se encontraba el Foro del Dinosaurio de esta institución, y aquí fue la primer función de la compañía que dirijo y que ya va a cumplir 19 años en junio de 1996 en la semana cultural gay que llevaba José María Covarrubias”. 

Agradeció a quien nombró como su padrino/madrina Ignacio Toscano, que desde la fundación de la compañía lo apoyó. “Dijiste que vendrías vestido de Rosa Nacho”, comentó entre carcajadas. Lamentó que cinco ex bailarines de la compañía hubieran fallecido todos de SIDA. “Pero bueno, así es la vida, pero los que estamos aquí debemos seguir trabajando, porque la lucha continúa”.

La danza fue el medio que escogió para visibilizar la problemática estructural que atraviesa la comunidad gay en el país: la homofobia. Moya, sacó del closet a la homosexualidad de forma creativa, crítica y contestataria. Constructor de un discurso poderoso que explora una identidad marginada, sus bailarines ataviados con ropas femeninas, maquillados, con plumas, registran en su corporalidad las denuncias, las agresiones, los insultos, las vejaciones, el dolor… ese que solamente puede ser nombrado por quien lo ha sufrido. De esta forma, esos cuerpos masculinos se constituyen como mediación donde múltiples significados se inscriben.  Obligan a erosionar estereotipos, esos que pretenden condensar en una imagen, características sociales, culturales y anímicas de este grupo tan diverso. Rivera no acepta esta imposición. Con su propuesta resignifica, dignifica y empodera a la comunidad homosexual.

Su trabajo coreográfico se ha distinguido por la calidad técnica de sus ejecutantes. Sus temáticas recurrentes: el machismo, la prostitución, la violencia física, la discriminación y el SIDA.  

El documental “Animal de fantasía”, realización de la joven cineasta Olivia Portillo, egresada del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec), quien acompañó con su lente por dos años a Rivera y sus bailarines tras bambalinas en giras, presentaciones y camerinos, muestra en pantalla el trabajo que realiza esta agrupación.

En el film, el histrión rememora cómo dio nombre a la compañía. Relató que de niño, un pequeño circo llegó a su pueblo, entre los animales que formaban parte del espectáculo se encontraba una cebra. Él nunca había visto un animal así, quedó seducido. Su mejor amigo le llamaba cebra, así que cuando el proyecto comenzó a tomar forma debía llamarse así. 

Admirador de mujeres como Frida Kahlo, Guillermina Bravo y Chavela Vargas, declaró sentirse cómodo trabajando sólo con hombres. A las mujeres no las entiendo, acotó. Apasionado de la fantasía, los juguetes y los colores; su personalidad camaleónica le permite operar como coreógrafo, bailarín, maestro, representante y vestuarista de la compañía. 

Con fragmentos de obras coreográficas que el bailarín interpretó a lo largo de su carrera, “Animal de fantasía” es un relato íntimo que muestra otra cara del artista.

“Mientras esas rayas curtidas me lo permitan, la cebra seguirá haciendo de las suyas” apuntó.

Alfonso Loranca.Licenciado en Pedagogía egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la unam. Profesional en educación dancística con especialidad en danza folclórica egresado de la Escuela Nacional de Danza “Nellie y Gloria Campobello“, del INBAL.