“Wilma”, protagonizada por Itzhel Razo, se ha presentado en los recintos más importantes de la Ciudad de México. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

Al ser una obra que logra tocar heridas universales de cualquier ser humano más allá de su nacionalidad, la artista mexicana Itzhel Razo quiso llevar su monólogo “Wilma” a diferentes países, y no sólo para demostrar que las emociones y sentimientos humanos no tienen fronteras, sino para contribuir en la exaltación de la cultura maya en el extranjero.

Tras el rotundo éxito que tuvo esta propuesta escénica en México desde su estreno hace cuatro años -la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) le otorgó el premio en la categoría de Mejor Monólogo en 2023- ha protagonizado una gira internacional en diferentes países, entre ellos Alemania, Estados y Uruguay.

Sus próximas presentaciones serán del 28 al 30 de agosto en el Festival de artes escénicas de Medellín, Colombia. “Wilma” fue una de las diez mejores propuestas seleccionada entre 400 compañías de diferentes partes del mundo.

Después, se presentará del 26 al 29 de septiembre en RUTAS 2024, festival organizado en Aluna Theatre, de Toronto Canadá, en donde han participado artistas y grupos mexicanos de renombre como Teatro Línea de Sombra.

Razo, quien es egresada del Centro Nacional de Danza Contemporánea y realizó estudios de Literatura Dramática y Teatro en la UNAM, considera que la obra ha evolucionado con el paso de los años. “De la misma forma que un huracán, ‘Wilma’ ha crecido cada vez que ha tocado tierra -dijo-. Si como huracán arrancó siendo categoría 2, sin duda ahora se encuentra en categoría 5. Es una obra que me ha permitido profundizar en heridas personales para volverlas universales y crecer como directora y actriz. Además, ha tenido la oportunidad de probarse y comprobarse con muchos públicos diferentes”.

Cabe destacar que “Wilma” se ha presentado en los recintos más importantes de la Ciudad de México, como en los teatros del Centro Cultural del Bosque, el Centro Nacional de las Artes, el Centro Cultural Helénico y el Sistema de Teatros. Ha realizado gira nacional por diferentes estados de la República Mexicana, y el año pasado develó la placa por sus 100 representaciones (este 2024 llegarán a las 110).

Desde su estreno hace cuatro años “Wilma” ha protagonizado una gira internacional en diferentes países, entre ellos Alemania, Estados y Uruguay. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

Historia atemporal

“Wilma”, descrito por la artista como un biodrama, narra la historia de una menor que crece como una extranjera en la tierra que la vio nacer: Yucatán. La pequeña es aislada por el racismo impuesto por su abuela de origen irlandés, quien le prohibió tener amigos mayas, convivir con los indígenas de la zona y hablar la lengua originaria. Durante la escenificación, el espectador es testigo de algunos momentos simbólicos de la infancia de la protagonista a través de anécdotas, fotografías y material audiovisual.

Razo, quien también se formó en la Universidad de Dankook en Corea del Sur y en la Universidad Andalas de Sumatra Occidental en Indonesia, considera que su obra difícilmente pasará de moda por la temática que aborda.

“Creo que es una propuesta atemporal porque toca heridas profundas y universales que conectan con cualquier persona del mundo -afirmó-. La obra habla de la educación clasista que me impartió mi abuela y del clasismo particular de Mérida, Yucatán, una sociedad que desde sus cimientos se fundó con un inmenso culto a lo blanco y fue llamada la blanca Mérida. Compartir este microcosmos hace que el público se conecte con sus historias personales, con sus vivencias, sus heridas y su memoria inquieta”.

Empatía internacional

Al preguntar a la artista yucateca, qué busca compartir con el público extranjero a través de su propuesta, respondió: “Dar valor a la cultura y a la lengua maya. Además de una crítica al culto a lo blanco y al clasismo insertado en las sociedades, al mismo tiempo que pone foco en las heridas familiares y la educación clasista de una abuela a su nieta”.

En cuanto a las expectativas sobre la respuesta del público internacional, Razo comentó que su objetivo es que logren conectar con la obra y pasar por diferentes estados. “Que atraviesen sus propias tormentas y huracanes”.

“Wilma” es un biodrama que narra la historia de una menor que crece como una extranjera en la tierra que la vio nacer: Yucatán. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

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“Cielos”, de María Brezzo, un solo interpretado por la bailarina Flor Bucio que marca una nueva etapa en la trayectoria de la coreógrafa. Foto: Gloria Minauro.

Su misma experiencia como migrante ya había sensibilizado a la maestra María Brezzo en torno a este fenómeno social. Tras varios años de vivirlo en carne propia (es originaria de Uruguay) la artista consideró que ya era tiempo de plasmar en el lenguaje escénico sus inquietudes en torno a la situación de las mujeres migrantes en México.

“Cielos” es el título de la obra donde su compañía Camerino 4 aborda el tema de la migración femenina. Se estrenará mundialmente en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, donde ofrecerá cuatro funciones: jueves 30 y viernes 31 de marzo, 20:00 horas; así como el sábado 1 de abril, 19:00 horas y domingo 2 de abril, 18:00 horas.

Nueva etapa creativa

Brezzo, quien salió de Montevideo décadas atrás, llegó a México y contribuyó en el movimiento escénico con propuestas innovadoras que combinan la danza con otras disciplinas artísticas, comentó que el estreno de su pieza “Cielos” marca el inicio de una etapa de migración personal y profesional. Y es que, para obtener la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, propuso un proyecto que consistirá en la creación de un tríptico coreográfico sobre la migración, siendo “Cielos” la primera obra.

Sobre este proceso de cambio explica: “Parte de mi proyecto de migración es justamente hacer varias migraciones performativas y autobiográficas. De hecho, mi primera migración fue dejar atrás mi nombre, Magdalena, y usar el segundo que es María. Durante tres años seré María Brezzo”.

Quien es fundadora, directora y coreógrafa de la compañía Camerino 4 se muestra agradecida de contar con el estímulo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, ya que sólo de esta manera podrá investigar a fondo los temas que le preocupan, como el de la migración.

La obra

“Cielos” es un solo dancístico interpretado por la bailarina Flor Bucio a través del cual Brezzo busca hacer un homenaje a las mujeres que migran y a su acto de resistencia. Partió de la experiencia personal de la coreógrafa y de una investigación alrededor de este fenómeno en México. La coreógrafa explicó los aspectos que detonaron esta creación:

“Pensar una comunidad y pensar en comunidad, pensar al cuerpo como espacio lingüístico, pensar lo escénico y pensar el movimiento desde una mirada migratoria. Es una reflexión e investigación que me acerca a la filosofía política y al feminismo, ya que le da un marco teórico a la investigación de mi trabajo”, dijo la ganadora de cuatro ediciones del Premio Nacional de Danza INBAL-UAM.

Si bien la propuesta tiene una sola intérprete, está cobijada por el talento de varios artistas que colaboraron desde distintas disciplinas, por lo que “Cielos” es un trabajo transdisciplinario. Acerca de esta fusión de talentos Brezzo comentó: “En la actualidad me resulta fundamental buscar nuevas herramientas para la composición coreográfica, así como investigar en otras estéticas del pensamiento”.

El título, una metáfora

Sobre la idea de nombrar “Cielos” a su reciente trabajo coreográfico, quien egresó de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, explicó que habla de lo que sucede en las migraciones que se dan por tierra comparándolas con las constelaciones del cielo: “Se intenta hacer un paralelismo y una metáfora entre lo que pasa en el país a nivel geográfico y político para colocarlo en el cielo, en sus constelaciones. La vía láctea planteada como una cartografía feminista que visibiliza las migraciones de mujeres en México”.

El mensaje

Brezzo señaló que “Cielos” es una obra que pretende influir para transitar hacia otro tipo de representaciones escénicas: más sutiles y empáticas con la realidad de muchas mujeres migrantes y familiares. También propone nuevas narrativas coreográficas que cuestionen el relato de la realidad que viven las mujeres en México:

“Se trata de un espacio escénico para una comunidad de mujeres migrantes en estado de ilegalidad. Es una pieza que propone una mirada luminosa frente al tema de la migración de mujeres en México”.

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MUNUS convoca artistas nacionales e internacionales a través de talleres, residencias y muestras escénicas. Foto gentileza INBAL.

Un grupo de jóvenes creadores se unió para mostrar el diálogo que puede existir entre la danza y otras disciplinas artísticas, dando como resultado a MUNUS Encuentro Danza + Video, proyecto donde convergen propuestas interdisciplinarias que buscan despertar la curiosidad de los espectadores.

Las propuestas que surgieron de esta experiencia estética -un performance, una videodanza y un unipersonal contemporáneo-, se presentarán en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el sábado 4 de junio y domingo 5 de junio, a las 19:00 y 18:00 horas, respectivamente.

Roberta Grijalva, directora de MUNUS, comparte en entrevista su emoción de llegar a este recinto, al considerarlo una puerta simbólica para dar a conocer los resultados de su encuentro, así como la oportunidad de brindar mayor proyección a los artistas invitados y participantes, buscando llegar a diferentes públicos en pro de contribuir a la descentralización de la danza.

La bailarina y coreógrafa explicó que MUNUS surgió a partir de una búsqueda por impulsar ideas en común que propusieran iniciativas a proyectos interdisciplinarios, integrando a artistas nacionales e internacionales a través de talleres, residencias y muestras escénicas: “MUNUS son experiencias interdisciplinarias que, a la vez de mostrar, también enseñen y propongan a un sector diverso las posibilidades entre la danza y distintas ramas artísticas”.

Sobre el aporte que los involucrados pretenden ofrecer con este proyecto expuso: “Buscamos promover la visión de las mujeres en el sector artístico, con el firme propósito de materializar la danza más allá. MUNUS como lo es su definición, ‘es un regalo que se genera al interior de grupo de personas y tiene como fin el intercambio, fomentando la reciprocidad’; con el acercamiento entre un público que tiene mucho para motivarse, y los artistas que tienen tanto que dar a través de su propuesta artística”.
Grijalva, quien realizó sus estudios en el Sistema Inglés ISTD y posteriormente en la Ciudad de Nueva York en Alvin Ailey Dance School, explicó que el programa que presentarán en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo está integrado por tres propuestas interdisciplinarias, cuyo común denominador es el vínculo que hacen con los paisajes: desde los paisajes visuales, hasta los paisajes corporales que cada uno de los artistas propone desde su visión particular.

La bailarina del extinto Ballet Teatro del Espacio (dirigido por los maestros Michel Descombey y Gladiola Orozco) comentó que a través de este programa provocarán y detonarán la curiosidad en los espectadores para que se cuestionen ¿qué es la danza? ¿qué es un performance? ¿qué es una Video danza? A partir de esto, compartir experiencias, ideas y todo aquello que surja de su propia percepción, no de una idea que obliga a la objetividad colectiva.

Una de las propuestas que se presentarán es ATARAXIA [ A (Ausencia) + Taraxia (Perturbación)], una instalación escénica dirigida por Ilianna Bautista y Ángel Ruiz donde un cuerpo transita, desde el encierro y la soledad, hacia un estado de serenidad e imperturbabilidad por medio de una atmósfera cálida creada por la iluminación, el sonido y un espacio natural buscando que el espectador viva, desde la contemplación, una experiencia momentánea de tranquilidad.

También se proyectará la videodanza l Fronteras invisibles, resultado una investigación creativa que se basó en paisajes corporales, a los que se les dio un significado mediante pensamientos, ideas y emociones al crear un discurso bajo un entramado de permanencias, huellas y memorias; estuvo dirigida por Penélope Morout y Ángel Ruiz.

Finalmente se mostrará el work in progress de Nadezhda Meaning (Hope), creado e interpretado por Penélope Morout, con la supervisión artística de Linda Kapetana.

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INBAL invitó a intérpretes del folklor mexicano a filmarse bailando una pieza emblemática del género.

La celebración dancística por el mes patrio ha sido una tradición de muchos años en el Centro Cultural del Bosque a través de la Temporada Patria Grande. Por ello, como una forma de darle continuidad en medio de la contingencia sanitaria que impide se realice de manera presencial, la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) convocó a intérpretes del folklor mexicano de todo el país a grabarse bailando una pieza emblemática de este género para ser parte de un video collage.

El “Son de la Negra” es la danza que ha unido a más de 120 bailarinas y bailarines originarios de diferentes estados de la República mexicana quienes, desde sus propios lugares de confinamiento, aceptaron gustosos la invitación de bailar un fragmento de esta pieza que sigue siendo un referente dentro del folclor nacional.

Semanas previas, las autoridades culturales hicieron una invitación abierta a la comunidad dancística especializada para participar en la creación de una coreografía especial para mantener viva la tradición de Patria Grande frente a la emergencia sanitaria que se vive a nivel mundial. Este video podrá verse a partir del 15 de septiembre, a las 18:00 horas, a través del portal “Contigo en la distancia” de la Secretaría de Cultura y en las redes del INBAL.

La respuesta fue entusiasta y nutrida. La fusión de fragmentos de las interpretaciones de los participantes generó un entrañable video de alrededor de tres minutos donde se observa a mujeres y hombres orgullosamente ataviados con las indumentarias tradicionales propias de su entidad, desde los amplios vestidos de colores hasta los trajes de charros, incluidos los grandes moños sobre el cabello de ellas y los elegantes sombreros sobre la cabeza de ellos.

Esta vez, las tarimas tradicionales donde suelen zapatear el “Son de La Negra” fueron sustituidas por una sala o un comedor, por la azotea, el patio y la banqueta de sus hogares. Hubo quienes eligieron algún camellón de su ciudad o escenarios naturales como una laguna o parques. Incluso un estacionamiento sirvió de plataforma.

Algunos de los estados representados en este video son Veracruz, Jalisco, Guerrero, Estado de México, Coahuila, Chihuahua, San Luis Potosí, Michoacán, Hidalgo, Puebla, Quintana Roo y Ciudad de México.

Ya sea en solos, en parejas o en grupos, los participantes proyectan en este video su amor por México, logrando traspasar las barreras del confinamiento y fusionando su talento de manera virtual para conformar una coreografía colectiva para enaltecer a su Patria.

Con este material, algunos de los protagonistas del movimiento folclórico nacional demuestran que la danza es un arte fuerte y necesario no sólo para expresar las emociones y sentimientos humanos, sino para demostrar el orgullo de ser mexicano. Cada uno comparte su corazón desde sus lugares de confinamiento y reafirman la unión del gremio ante la adversidad.

Redes sociales
Se pueden seguir las redes sociales del INBAL en Instagram (@INBAMX), Facebook (/INBAmx), y Twitter (@bellasartesinba). Sigue las redes sociales de la Secretaría de Cultura en Twitter (@cultura_mx), Facebook (/SecretariaCulturaMX) e Instagram (@culturamx).

El viernes 31 de mayo la Compañía Marién Luévano llegará al Encuentro Internacional Al Ándalus con su espectáculo “Alma”. Foto: Joseì Elíìas. Gentileza INBAL.

Reunir en un mismo espacio aquello que una vez coexistió en Al-Ándalus —reino que fundaron los musulmanes en la península Ibérica— ha sido la razón que da origen al Encuentro Internacional Al Ándalus en México, Supervivencias e Imaginarios, actividades artísticas que llegarán al Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el jueves 30 y viernes 31 de mayo, así como el sábado 1 y 2 de junio.

Lila Zellet-elías, creadora y directora de este encuentro, explicó que la danza es capaz de inducir a una profunda reflexión que, en esta ocasión, conduce hacia la recuperación del legado árabo-andalusí, a través de un proyecto interdisciplinario que invita a conocer, reconocer, recuperar, documentar y compartir la herencia de Al-Ándalus en México, mediante un espacio de diálogo entre artistas, intelectuales, estudiantes y público en general.

“Al Ándalus fue una civilización que irradió una personalidad propia, tanto para Occidente como para Oriente. Durante sus ocho siglos de existencia fue un Estado islámico, califato, emirato, reino de taifas, reino cristiano. Su historia de combinaciones y contrastes es, de algún modo, la antigua historia del México de hoy. Este proyecto sustenta que aún hay tesoros históricos y culturales por descubrir”, comentó.

El encuentro contará con tres ejes de acción: académico, artístico y formativo; el primero estará conformado por cuatro espectáculos que tendrán como sede el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL).

El encargado de abrir esta fiesta dancística será el Grupo Sefarad, el jueves 30 de mayo a las 20:00. La agrupación, integrada desde 1985 por músicos y actores mexicanos, interpretará “Si me olvidare mi lingua”, pieza que recurre a textos de diversos autores y transita desde el dolor del destierro y la persecución judía a la alegría de las andanzas del día a día a través de melodías sefaraditas antiguas y canciones nuevas.

A las 20:00, el viernes 31 de mayo, llegará la Compañía Marién Luévano con su espectáculo “Alma”, propuesta que habla, a partir de los siete puntos en el espacio, en un eje central donde reside el alma o movimiento. Esta pieza lleva al espectador por un pasaje de distintos colores, sonidos y emociones. Música y danza se entrelazan para contar el camino de una búsqueda en el flamenco mexicano.

El sábado 1 de junio, a las 19:00, se presentará el Ensamble Egiptanos, bajo la dirección musical de David Tobin, agrupación que vincula las audiencias con la interpretación de melodías atrapadas en el tiempo, rehilando sonidos y cadencias que parecen provenir de muy lejos y que en realidad resuenan en la profundidad de la urdimbre cultural mexicana como una convivencia de Oriente y Occidente.

Egiptanos ofrecerá el programa titulado “Morisma: Espejismo mexicano”, en el que manifestará las sonoridades que habitaban la península Ibérica antes del descubrimiento del Nuevo Mundo: la raíz árabe, la sefardí, la gitana y la española. La propuesta reúne la herencia cultural que conformó Al Ándalus y que se tradujo en el legado árabo-andalusí de nuestro país, abordada desde una perspectiva contemporánea y singular.

Para cerrar, llegará un proyecto que reunirá a más de 100 artistas en escena: un colectivo de danza, bajo la dirección de Lila Zellet-elías, integrado por miembros de diferentes compañías y escuelas que harán posible el programa “Camino Al Ándalus”, el domingo 2 de junio, a las 18:00. Esta propuesta abre un espacio de diálogo entre bailarines étnicos y el público mexicano para reflexionar sobre la raíz árabo-andalusí en nuestro país.

Algunos de los participantes de esta verbena son la Academia Mexicana de la Danza del INBAL, Al Mosharabía / Escuela de Danza Morisca de México, Anajnu Veatem, Compañía de Danza Judía en México, Caminos y Andanzas, Dansãria da Lûa; las solistas Elsa Coyotzi y Ana Rosa Jaime de la Serna, Ensamble Khamsa, Estampas de México, Hanin Colectivo Escénico, Adi Shakti, Matices y Nour al Riyad.

“Lobo estás ahí” es una adaptación libre del cuento “Caperucita Roja”, que aborda el tema de la soledad y el deseo de ser parte de una familia. Foto gentileza INBA.

Y al final, el lobo no es tan malo como se piensa. Simplemente desea ser parte de un núcleo familiar para sentirse querido después de vivir inmerso en una profunda soledad.

Tal es la esencia del montaje infantil “Lobo estás ahí”, una creación del maestro Jesús Laredo que estrenó su compañía Athosdc el sábado 27 y domingo 28 de octubre, se repetirá los sábados 10 y 17 y los domingos 11 y 18 de noviembre, a las 13:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque.

El maestro Laredo, quien posee una maestría en Investigación de la Danza por el CENIDI, explicó que sintió el deseo de hacer una adaptación libre del cuento “Caperucita Roja” de los hermanos Grimm pata abordar el tema de la soledad y el deseo de ser parte de una familia.

“Lobo estás ahí” obra que presenta Athosdc en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo

Para ello, narra en escena la historia de una niña, un lobo y un abuelo, quienes vivirán experiencias que los harán descubrir la importancia de estar juntos y de recibir cariño de los seres queridos. Su encuentro es detonado por el gusto de probar unas galletas, las cuales son cocinadas por el hombre para la pequeña, quien descubrirá al hambriento lobo que no tiene quien lo consienta y cuide.

La pieza es un reto para el destacado coreógrafo. Si bien ha realizado cerca de 40 obras escénicas que se han presentado en los foros y festivales más importantes de México, y ya había realizado dos adaptaciones de dos cuentos clásicos (“El Principito” y “Alicia en el país de las maravillas”), tenía que ser muy cuidadoso para producir un montaje de calidad para un público tan especial como lo es el infantil.

Athosdc es una compañía de arte escénico para público infantil fundada en 1995 bajo la dirección del maestro Laredo. Se ha caracterizado por fusionar danza, teatro, música, video, títeres y muñecos, con la interacción activa del público. “Contamos historias…bailando. Creamos un mundo imaginario en escena…”, expresó su fundador.

Sobre el mensaje que quiere compartir con la obra “Lobo estás ahí”, explicó: “La historia muestra a un lobo que no es malo y a una caperucita que no es tan buena, así que la lectura que tendrá el público es la de una historia de malentendidos donde, al final, todos se sentarán a disfrutar de unas ricas galletas. El lobo es un ser solitario que no desea hacer daño a Caperucita o a su abuelo; simplemente desea comer galletas de las que cocina el abuelo de caperucita roja y sentir un poco del cariño de este”.

Al preguntarle cuál será la innovación escénica en esta ocasión, el maestro Laredo, quien posee una licenciatura en Coreografía por el INBA y es docente en diversas instituciones públicas y privadas desde 1995, aclaró que su compañía siempre se ha caracterizado por propuestas escénicas donde la coreografía convive con muchos elementos escénicos, pero en esta ocasión privará la ausencia de una gran producción y se utilizará un gis para dibujar en el piso parte de la escenografía.

La bailarina y coreógrafa ecuatoriana Talía Falconi estrena “Frágil”, una obra coreográfica experimental que explora gesto y movimiento. Foto: Lord Comepiña. Gentileza INBA.

Hay aspectos intrínsecos de la condición humana, y la fragilidad es uno de ellos. Ciertas situaciones pueden generar en nosotros sensaciones de vacío, de resistencia, de fractura, que revelan la vulnerabilidad de la existencia.

Tal es la esencia que envuelve el montaje “Frágil”, una propuesta de la compañía Talía Falconi-Federico Valdez/ escena contemporánea que se estrenará en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el miércoles 1, jueves 2 y viernes 3 de agosto, a las 20:00 horas.

Talía Falconi, reconocida bailarina, coreógrafa y artista escénica ecuatoriana, explicó que “Frágil” es una obra coreográfica que explora la fragilidad de la existencia desde una mirada poética.

Al preguntarle sobre el detonador de esta pieza, la coreógrafa, formada en la Escuela de Martha Graham en Nueva York, la Escuela Nacional de Circo Annie Fratellini y la Escuela de Teatro de Movimiento Jaques Lecoq en París, dijo que fue su necesidad de seguir explorando desde el movimiento situaciones y personajes que interpelen y abran posibilidades de construir y desarrollar universos estéticos propios. Se trata de una artista que apuesta a la experimentación para transmitir una visión personal en relación con el movimiento, el gesto y la acción coreográfica.

Para Falconi es de suma importancia destacar la atmósfera sonora de “Frágil”, ya que cuenta con música original en vivo de Federico Valdez, alternando a su vez fuentes acústicas y electroacústicas. Cabe señalar que no es la primera vez que estos dos artistas trabajan de manera conjunta. Desde el año 2010 desarrollan proyectos de colaboración artística en México. Su fusión les ha permitido establecer nuevas relaciones entre movimiento y sonido, en la búsqueda de un universo poético propio.

“Frágil” propone un diálogo interior en un tiempo suspendido. Foto: Lord Comepiña. Gentileza INBA.

¿Cuáles serían esos temas y lecturas que propone al espectador a través de su propuesta? Falconi respondió: “Frágil es una obra íntima en la que se exploran múltiples posibilidades escénicas que ponen en juego el conflicto entre resistencia y punto de fractura, visualizándose tenuemente en una mujer que habla consigo misma en un tiempo suspendido o en una acción insistente, deliberada e instintiva a la vez. La obra busca sensibilizar al espectador a través de un montaje escénico generado desde el cuerpo y el espacio, que trata sobre aspectos intrínsecos de la condición humana”.

Sobre el proceso creativo, la creadora, quien desarrolló gran parte de su trabajo artístico como coreógrafa y bailarina en Venezuela, país donde obtuvo el Premio Nacional de Danza, apuntó que en “Frágil” exploró el movimiento generado a partir de las acciones físicas y cómo éstas conducen hacia una teatralidad concreta.

La compañía Talía Falconi-Federico Valdez/ escena contemporánea se formó en México en el año 2010 con la idea de generar proyectos de creación escénica desde una perspectiva heterodoxa, contemporánea y transdisciplinar, con el respaldo de las experiencias artísticas y de las trayectorias individuales de más de 20 años de sus directores en los ámbitos de la danza, la música, el teatro y los lenguajes audiovisuales. Desde su conformación han realizado residencias de creación y presentaron sus obras en diferentes foros a nivel internacional. Han desarrollado hasta el momento tres ejes principales de trabajo: composición escénica, medios audiovisuales e improvisación escénica.

El Ballet Folklórico Telpochcayotl® se presenta en el Centro Cultural del Bosque con danzas que representan la riqueza cultural de México.

Hace casi tres décadas surgió una agrupación que ha buscado contribuir con un granito de arena en la difusión de las tradiciones folklóricas mexicanas: el Ballet Folklórico Telpochcayotl®, que llegará con todo su ímpetu a la Plaza Ángel Salas para compartir una parte de su amplio repertorio.

“Sentimiento mexicano” es el título del programa que la agrupación presentará el sábado 30 de junio, a las 17:00 horas, en la plaza ubicada en el Centro Cultural del Bosque con entrada será gratuita.

La fundadora del ballet, la maestra Sandra Gabriela Martínez Suárez, explicó que, a través de este espectáculo, busca enaltecer la riqueza de México y mostrar sus distintas tradiciones, ceremonias y bailes, a través del movimiento de los cuerpos y el colorido de los vestuarios. El programa incluye danzas de Chihuahua, Veracruz (Ranchero y Sotavento), Yucatán, Guerrero y Sinaloa.

Desde 1990 el Ballet Folklórico Telpochcayotl® ha expresado esa sensibilidad innata de ser mexicanos, creando con ello un sentimiento artístico hacia nuestro folclor nacional mostrando a la gente nuestras raíces.

Bajo la coordinación de Jorge Antonio Román Acevedo, el ballet ha participado en el Festival Cultural Zacatecas, AIGP The World Cup of Motorsport, Festival Regional “Yucatán” en la CDMX, Feria Nacional de la Plata y Jornadas Alarconianas, Taxco, Guerrero, en el museo de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado en el programa “La danza en el tiempo”, en la Expofonaes, Festival Internacional Quimera, Festival Internacional del Caribe en Cuba, Festival Cultural del Caribe Maya en Q. Roo, Día Internacional de la Danza para el INBA y la UNAM, Festival Patria Grande.

La Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello participa con el montaje “OMEGA”, interpretada por alumnos de la Licenciatura de educación para la danza. Foto gentileza Mujeres en el Arte.

Nuevamente un grupo de apasionadas artistas se han unido para invitar al público a reflexionar sobre la importancia de la lucha contra la violencia de género a través de la danza. Y esta vez lo harán con una función especial el miércoles 22 de noviembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque.

El Colectivo de Mujeres en la Música A C. y la Coordinadora Internacional de Mujeres en el Arte, ComuArte son las responsables de la organización de esta función para conmemorar el Día Internacional de la erradicación de la violencia hacia las mujeres.

La función estará protagonizada por tres destacadas agrupaciones y dos instituciones educativas: la Compañía Nacional de Danza, el grupo Danza Capital y la Compañía “Koko, Ku’e Dança, así como la Escuela Nacional de Danza Folklórica y la Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello.

Para las organizadoras, se trata de un evento simbólico que refuerza su quehacer; desde hace más de dos décadas han enaltecido la labor artística del sector femenino y sus contribuciones en el quehacer social. Esta función se realizará en el marco del XXI Encuentro Internacional XVII Iberoamericano de Mujeres en el Arte México-Chile, bajo la dirección de Socorro Bastida, la coordinación general de la doctora Leticia Armijo y la coordinación de Rocío Gutiérrez.

“Nos manifestamos en contra de la normalización de toda expresión de violencia que, en el caso de las mujeres, se manifiesta en la violencia de género expresada poliédricamente en el seno familiar, así como en otros ámbitos –apuntó Armijo, Armijo, directora del Colectivo de Mujeres en la Música-. Violencia física, psicológica, marginación social, migración, trata, violaciones, desapariciones forzadas, feminicidios, así como prácticas policiales y judiciales que implican la culpabilización de las víctimas”.

La Compañía Koko, Ku’e Dança interpretará la pieza “Etreum”, bajo la dirección y coreografía de Lucelina Núñez. Foto: Gentileza Mujeres en el Arte

Por lo que se refiere al programa, la Compañía Nacional de Danza presentará el pas de deux del segundo acto de “El Cascanueces”, con la interpretación de Fernanda Cervantes y Julio Morel. En tanto que la Compañía Koko, Ku’e Dança interpretará la pieza “Etreum”, bajo la dirección y coreografía de Lucelina Núñez.

Danza Capital, agrupación dirigida por la maestra Cecilia Lugo, bailará “Oasis”, una coreografía de Silvia Unzueta y que es un rito de purificación medio del agua, como un elemento de la naturaleza puro, que refresca y renueva el alma, aliviando el dolor y el sufrimiento inevitables en la naturaleza humana.

La Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello participará con el montaje “OMEGA” (Poema dancístico para los muertos). La pieza musical de esta coreografía fue una de las obras cumbre del genio granadino Enrique Morente, quien a través de este legado sonoro rinde tributo a Federico García Lorca. Será interpretada por alumnos del segundo, cuarto, sexto y octavo semestre de la Licenciatura en educación para la danza con orientación en Danza Española.

Finalmente se presentará “La mata del 20”, a cargo de la Compañía Nacional de Danza Folklórica. Se trata de una propuesta basada en memorias de los integrantes de la danza del ejido 20. A más de dos décadas de su creación, esta pieza ha devenido en un fenómeno expansivo de reapropiación de la memoria, resistencia social y expresión escénica en la que el retorno al cuerpo se vuelve vía primordial para la reconstrucción de la comunidad en un territorio dominado por fuerzas que niegan la libre manifestación del cuerpo público.

“¡Mi abuela flamenca!”, obra de la compañía Caña y Candela Pura , se presenta en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque. Foto gentileza Caña y Candela Pura.

La agrupación Caña y Candela Pura continuará presentando su espectáculo infantil “¡Mi abuela flamenca!” en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque. Las próximas funciones serán el sábado 4 y domingo 5 de noviembre a las 13:00 horas.

El montaje gira en torno de las vivencias de una niña que reside en una provincia de España, absorbida por los medios tecnológicos. Su familia, en especial su abuela, harán todos los esfuerzos necesarios para que la pequeña piense en asuntos trasversales relacionados con los valores humanos.

Sobre el detonador de esta pieza que se estrenó en abril de este año, Lourdes Lecona, bailarina, coreógrafa, docente, investigadora y promotora, explicó que como artista sentía la responsabilidad y compromiso de hacer una obra que exaltara valores sociales, como respeto, tolerancia e inclusión, por medio de una propuesta que les genere a los niños un gozo espiritual.

Desde el punto de vista de quien es becaria del FONCA en la categoría de Creadores Escénicos con Trayectoria, el público infantil es un sector poco atendido, de ahí su interés de hacer un montaje de flamenco dirigido especialmente a los chicos:

“La niñez es un tema que de manera personal me preocupa y ocupa –aseguró Lecona-, no sólo como docente, madre o abuela, sino como artista y como parte de la sociedad civil que se cuestiona sobre ese mundo que estamos heredando a las próximas generaciones y a lo cual por supuesto tenemos que responder. De ahí mi deseo poder compartir con los niños y niñas de nuestro país mi afición y amor por la danza -la cual inicié desde niña-, así como mis otras grandes pasiones como son la música y la literatura”.

La intención de la obra es sensibilizar y acercar a los niños y niñas al mundo de la danza y de la música como binomio esencial, así como la motivación para el disfrute y gozo del teatro y todos los elementos que involucra. El mensaje implícito se encuentra en el rescate de los valores y de los elementos esenciales de la convivencia social. Por otra parte, la obra apunta a rescatar el respeto a la diversidad cultural y la valoración de las tradiciones de los pueblos del mundo, con el fin de fomentar una cultura para la paz. “Se suma a esto –agregó Lecona- la re-significación del valor de respeto a los abuelos y a personas de la tercera edad, como generadores de amor y aprendizajes, que debemos considerar también como un capital cultural valioso para los nuevos tiempos”.

La obra de la creadora Lourdes Lecona se estrenó en abril de este año con la intención de acercar a los niños al mundo de la danza. Foto gentileza Caña y Candela Pura.

Lecona, satisfecha por los resultados alcanzados con “¡Mi abuela flamenca!”, enfatizó que para su diseño se tomó en consideración el eje de la educación y su vinculación con el arte, en donde, a su parecer, se requiere haber sido docente durante muchos años en escuelas para niños, además de adentrarse al mundo infantil desde otras dimensiones, como lo hizo justamente ella, quien a su vez posee 60 años de vida artística.

Otro aspecto que la hace sentirse orgullosa de su propuesta es que, durante el espectáculo, se promueve la comunicación y convivencia de los menores con los personajes de la obra para que, de manera paralela, los niños puedan descubrir ese mundo mágico que es el espacio teatral. Un lugar donde entran en juego otros lenguajes de la representación escénica, como iluminación, escenografía y utilería, además del uso de textos y elementos audiovisuales y sonoros: “De esta forma se incentiva la creatividad y la imaginación de forma amena y divertida, con apoyo de recursos didácticos y un tinte humorístico”, dijo la creadora.

Finalmente, Lecona -miembro de la Sociedad Mexicana de Coreógrafos-, afirmó: “Si logramos provocar que algunos de estos niños y niñas se acerquen al mundo de las artes y que se promueva la convivencia sana, armónica y gozosa en familia, habremos puesto un granito de arena en este proceso de fomentar o generar valores con aquellos que algún día tomarán el timón de la vida”.