Los protagonistas, Cenicienta y el Príncipe, serán interpretados por Laura Rauber y Fabio Roblejo. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza GDBdanza.

La historia del príncipe que busca a la bella joven que ha perdido un zapato de cristal, tan pequeño que no cabe en ningún otro pie, ha quedado en la memoria de quien haya escuchado o leído esta historia durante su niñez. Una trama que, no solo ha servido para elaborar las más sofisticadas teorías psicológicas y sociológicas, sino que ha transitado por todos los géneros artísticos: el teatro, el cine, el musical, el ballet, la pintura.

El 21 y 22 de septiembre en el Teatro Avenida (Av. de Mayo al 1200, CABA), a las 20 horas, se estrenará “Cenicienta”, ballet tradicional en tres actos con coreografía de Guido De Benedetti y música de diferentes compositores. La obra será interpretada por el GDBdanza y contará con invitados especiales como Liliana Belfiore en el rol del Hada, Edgardo Trabalón como el Concellieur , Sol Infer y Aldana Jiménez las Hermanastras, Sofía Sciaratta en la Madrasta , Rodrigo Maplpezzi en el rol de Perro.

Los protagonistas, Cenicienta y el Príncipe, serán interpretados por Laura Rauber y Fabio Roblejo. Acompañados por un elenco de 26 bailarines dirigidos por De Benedetti.

Coreógrafo de 37 obras, entre ellas “Sueño de una Noche de Verano”, “Luz Cámara Baile!”, “Romeo y Julieta”, “Giselle”, “Spartacus”, “Ladislao y Camila”, “Otello”, “Dama de las Camelias”, De Benedetti recibió el premio Ruanova como Maestro de Danzas, y tres premios Konex. Fue bailarín principal y luego codirector del Ballet Estable del Teatro Colón entre 2000 y 2001 y, después de dirigir varias compañías, actualmente es presidente de la Asociación ArteXXI y codirector de la Escuela de Danza Contemporánea ArteXXI.

“El cuento de ‘Cenicienta’ es una historia antigua que se repite en diferentes culturas desde hace siglos -comentó De Benedetti-. A lo largo del tiempo, ha habido muchas versiones con variaciones en los personajes y en la resolución, pero todas comparten un subtexto importante. Este cuento, al igual que otros, través de sus enseñanzas sobre el amor, la superación y la justicia, sigue siendo relevante en la educación y en la formación psicológica y moral de los niños”.

La primera versión escrita y publicada de este cuento tradicional es la del italiano Giambattista Basile ”La Gatta Cenerentola”, escrita en napolitano. El relato, publicado en 1634 formó parte de la obra “Pentamerón”. Luego llegó una de las más conocidas, la del francés Charles Perrault con el título “Cendrillon ou La petite pantoufle de verre” (Cenicienta o El zapatito de cristal), que escribió en 1697 y que tenía grandes similitudes con la de Basile.

GDBdanza y sus 26 bailarines protagonizan “Cenicienta” en esta versión del director de la compañía, Guido De Benedetti. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza GDBdanza.

Casi dos siglos más tarde, en 1812, apareció la versión de los hermanos Grimm, que es parte de la colección de cuentos de hadas que se conocen como “Cuentos de la infancia y del hogar”. Si bien esta “Cenicienta” varía bastante de la italiana y de la francesa, tiene ciertos elementos que la acercan a las anteriores.

Aquí también juegan un rol importante la madrastra y las dos hermanastras, malvadas al fin, que ofician como oponentes del personaje principal. Y, sin duda, aparecen las transformaciones mágicas creadas, en este caso, por el hada buena y el príncipe infaltable.

“En el cuento encontramos enseñanzas sobre la importancia de discernir entre lo justo e injusto -agregó De Benedetti-, la valoración de las conductas, la importancia de la familia, la superación de la adversidad y la aceptación de uno mismo. Además, el cuento nos muestra que la magia transformadora y superadora es posible a través del amor”.

Ya en 1817 “la Cenicienta” tuvo su primera versión musical, un drama jocoso en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Jacopo Ferretti, basado en el cuento de Perrault. Y a mediados del siglo XX, a través de Jorge Peña Hen se presentó como ópera infantil hasta que llegó, en 1945 la versión musical para ballet de Serguéi Prokófiev, transitada por coreógrafos clásicos y contemporáneos.

“A pesar de las diferentes versiones, el cuento también denuncia la desigualdad de género y muestra cómo las mujeres eran limitadas en su educación y herencia. En resumen, el cuento de Cenicienta es una historia atemporal que nos enseña lecciones valiosas sobre la vida”, aseguró el director.

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Les Ballets de Monte-Carlo llevó al Kennedy Center una puesta de “Cenicienta” creada por Jean-Christophe Maillot. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Esta Cenicienta no es igual a todas. Ni siquiera a las más modernas. Tampoco pretende ser una adaptación de un cuento tradicional para niños en el siglo XXI. Esta Cenicienta no solo rompe con esos códigos, sino que también se anima a mirar el mundo desde otra perspectiva. Quizás rebelde. Quizás no convencional. Quizás desde una óptica más psicológica.

La nueva versión de “Cendrillon” (“Cenicienta”) que Les Ballets de Monte-Carlo presentó en el Kennedy Center de Washington DC del 17 al 20 de noviembre, transita por senderos diferentes el drama de la huérfana despreciada por su madrastra y sus hermanastras malditas y horribles. Con coreografía de su director, Jean-Christophe Maillot, la compañía trae una propuesta de alto nivel de sofisticación, cuyo estreno fue en 1999 en la Salle Garnier Opéra de Monte-Carlo. No obstante, y más allá del tiempo transcurrido, la obra no deja de ser absolutamente vanguardista.

Un vestuario imaginativo, exuberante desde su minimalismo, de Jérôme Kaplan, y una escenografía asombrosamente creativa y sencilla de Ernest Pignon-Ernest, se ensamblan con la puesta de luces, sutil y sugerente de Dominique Drillot. Tutús ocurrentes y disociados en partes, vestidos de seda, y graciosas pelucas ponen un toque de originalidad en una suerte de escenario móvil en el cual las escenas se determinan por el movimiento de paneles que se desplazan y van generando diferentes espacios.

Allí, el polvo de oro se convierte en el narrador silencioso que entreteje la trama a través de un hada que no es otra que el espíritu de la madre de Cenicienta. Ella es la que, como un extraño demiurgo va delineando el destino de la muchacha sumergida en el recuerdo de una felicidad perdida. Un cuestionamiento recurrente en la obra de Maillot, que apunta a las formas en las que los que se van de este mundo marcan el rumbo de la vida de quienes se quedan.

En esta “Cenicienta” no hay zapallos que se convierten en carrozas, ni lagartos que se transforman en lacayos. Ni tampoco zapatos de cristal. Aquí, otra magia es la que va envolviendo a los personajes a través de la música de Serge Prokofiev. Y aunque Maillot se ciñe a los fundamentos de la historia de “Cenicienta”, profundiza en las emociones y en las tribulaciones de los personajes desde una búsqueda interior. Su padre, Jaeyong An, un bailarín de gran musicalidad y precisión, se debate entre el deseo de protegerla y los deberes para con su nueva esposa, Anna Blackwell.

Cenicienta y sus hermanastras en una escena del primer acto de la obra de Jean-Christophe Maillot. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Cenicienta, interpretada por Ekaterina Petina, encarna una deliciosa y conmovedora joven que, sin exageraciones, compone un personaje especial. Quizás la Cenicienta que todos imaginaron en la realidad. Petina es una bailarina delicada y de excelente técnica.

Un detalle que Maillot se ocupó de destacar: su cenicienta baila descalza. Eso la vuelve más atractiva aún y carga de simbolismos al personaje. Sin embargo, la fuerza del relato y de la trama se centra en la madre de Cenicienta, Laura Tisserand, reencarnada, después de su muerte, en el Hada. Envuelta en su polvo dorado el hada brilla y resplandece dentro de un traje de una belleza deslumbrante, con un tutú plato transparente y rígido. Impecable en su técnica, bello port de bras y sólidas piernas.

En el segundo acto, cuando Cenicienta, guiada por su madre o por el hada, llega al palacio a encontrarse con el príncipe, tiene los pies cubiertos de polvo dorado, ese polvo mágico que provoca la transformación. Lleva el vestido de seda blanco de su madre y la ilusión de una adolescente. Maillot apela a momentos de humor, y hasta hace alguna crítica sutil a la banalidad de una sociedad superficial y ostentosa. La contrapone con esta Cenicienta sencilla y despojada de atavismos.

El cuerpo de baile y los personajes secundarios de esta compañía fundada en 1985 por iniciativa de la Princesa de Hannover, y que tuvo directores como Ghislaine Thesmar, Pierre Lacotte y Jean-Yves Esquerre, mostró no solo una excelente técnica sino también una enorme capacidad para abordar diferentes estilos. Capaces de transmitir el mensaje sugerido, el no evidente, los bailarines logran magníficas escenas de baile y de interpretación.

Una propuesta coreográfica ingeniosa y dinámica que muestra otros aspectos de un relato que permite una diversidad de interpretaciones. Pero por sobre todo, una mirada despojada de toda superficialidad con un acertado equilibrio entre lo neoclásico y lo contemporáneo.

“Cenicienta”, con vestuario original de Jérôme Kaplan y escenografía de Ernest Pignon-Ernest. Foto: Alice Blanguero. Gentileza JFKC.

Olga Ferri y Enrique Lommi, en “Giselle”, ambos formaron parte de una generación de notables intérpretes y destacados maestros. Foto: Miguel Micciche. Gentileza Patricia Casañas.

Enrique Lommi
Por Patricia Casañas

Nació el 1º de julio de 1922. Entre sus maestros cabe mencionar a José de Cherpino, Esmée Bulnes, Michel Borowski, Leonide Massine, Serge Lifar y Nicolai Zvereff.

Desde su ingreso al Ballet Estable del Teatro Colón en 1941, a instancias de Leónidas Barletta, fundador del Teatro del Pueblo, cumplió una extensa y prolongada actuación. Fue bailarín solista de la compañía en 1947 y Primer bailarín por concurso en 1949, siendo el primer argentino en alcanzar ese rango en el Ballet Estable.

Durante veinticuatro años Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del elenco. Bailó junto al Original Ballet Russe del Coronel de Basil en las tres temporadas que el conjunto extranjero realizó en la Argentina. Fue el protagonista del estreno mundial del ballet “Estancia” de Michel Borowski, con música de Alberto Ginastera, en el Teatro Colón en 1952. Entre sus papeles más logrados se encuentran los que exigen un fuerte carácter dramático, como el Predicador en “El niño brujo”, las hermanastras en “Cenicienta”, Coppelius en “Coppelia”, Teobaldo en “Romeo y Julieta”, Yago en “Otelo”, “Hamlet”, y muchos otros.

Su actividad en Europa se desarrolló en el marco del Ballet de Berlín (Berliner Ballet), oportunidad en la que también se desempeñó como maestro en la Escuela de la Ópera de esa ciudad.

Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Marilina Calós. . Gentileza Patricia Casañas

Su trayectoria docente incluye la Dirección de la Escuela Municipal de Danzas de San Nicolás, su participación como maestro de la Compañía de Joaquín Pérez Fernández, de la Gran Compañía Española de Antonio el Chavalillo y de la compañía Municipal de la ciudad de Rosario.

Impulsor del ballet en el interior del país, formó muchas compañías privadas. También es autor de numerosas coreografías para televisión y cine: “Romeo y Julita”, “La simuladora”, “Adiós, pampa mía”, entre otras películas.

Fue codirector del Ballet Estable del Teatro Colón y Director del Ballet Argentino de La Plata, y es coautor del libro “La Danza: su técnica y sus lesiones más frecuentes”.

Junto a su esposa, la recordada estrella de la danza argentina Olga Ferri, fundó en 1971 el Ballet Estudio, institución de gran prestigio en Buenos Aires, donde se formaron reconocidas figuras de la danza como Paloma Herrera, Ludmila Pagliero, Iñaki Urlezaga, Julio Bocca, Carolina Agüero, Raúl Candal, Alejandro Parente, y otros.

El 20 de septiembre de 2018, el maestro Enrique Lommi fue merecedor de la Mención de Honor Juan Bautista Alberdi otorgada por la Cámara de Diputados de la Nación por su extenso e invalorable compromiso con la cultura.

Gustavo Mollajoli
Danzahoy/Prensa Teatro Colón

El  maestro de ballet Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, quien fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980, y posteriormente, director de la compañía en dos oportunidades, murió en Buenos Aires debilitado por una enfermedad prolongada que provocó un paro cardíaco.

Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

Nació en 1935 en Entre Ríos, en la ciudad de Federación, estudió con Jorge Tomin, Wasil Tupin y María Ruanova, entre otros, y luego integró como solista el Ballet del Teatro Argentino de La Plata en 1957. Se unió al Ballet Estable del Teatro Colón donde fue primer bailarín entre 1966 y 1980 ejerciendo también el rol de Director del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1973 a 1974 y luego desde 1984 a 1989.

Dirigió el Ballet de Dallas en los Estados Unidos entre 1979 y 1982, y fue maestro del Ballet de Minas Gerais del Grupo Corpo (Brasil) entre 1989 y 1997 y maestro de ballet del Teatro Municipal de Rio de Janeiro entre 1999 y 2003 para luego regresar como Director Artístico de la Compañía de Ballet del Teatro Argentino de La Plata entre 2005 y 2006.

Su repertorio como intérprete se extiende desde “El Lago de los cisnes” a “La Consagración de la Primavera” de Oscar Araiz. Entre sus obras se destacan su versión de “Giselle” de 1984 –la versión más bailada en el Teatro Colón–, también el dúo “A Buenos Aires” estrenado en 1985 por Julio Bocca y Raquel Rosetti estrenada en Moscú y cabe señalar la pieza “Suite Porteña” en 1988.

En 1985, fue nombrado socio honorario del Consejo Argentino de la Danza dependiente del Consejo Internacional de la UNESCO con sede en París y miembro permanente de la Asociación Iberoamericana de Especialistas en Ballet.

Norma Fontenla y Gustavo Mollajoli compartieron escenario en el Teatro Colón. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

“Cenicienta”, de Matthew Bourne, y su compañía New Adventures, llegó al Kennedy Center con Andrew Monaghan y Ashley Shaw en los protagónicos. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Aquí no hay príncipes ni princesas, ni bailes en palacio, ni hadas buenas ni malas, ni varitas mágicas, ni maleficios. Tampoco hay calabazas convertidas en carrozas, ni ratones transformados en lacayos. Hay una ciudad desolada por la guerra, azotada por sucesivos bombardeos. Hay muertos, heridos de guerra y edificios desmoronados. Hay, sí, una madrastra alcohólica y malévola, hermanastras viciosas, hermanastros despiadados, y un padre semi-ausente, condenado en una silla de ruedas, que guarda sus condecoraciones de héroe de guerra. Y también hay una joven sobre la que caen todos los castigos, las humillaciones y las postergaciones. Una joven que, a pesar de todo el dolor y la injusticia, sigue creyendo en el amor.

En esta “Cenicienta” de Matthew Bourne que llegó al Opera House del Kennedy Center de Washington DC, y se instaló desde el 15 al 20 de enero, el estigma de la Segunda Guerra Mundial rompe con la estructura tradicional del cuento de hadas. Una producción de danza-teatro que pone en escena los más diversos recursos estéticos y el sello indiscutible del coreógrafo inglés. En este caso, “Cenicienta” rinde un homenaje a su padre, un héroe de esta guerra devastadora que transcurrió desde 1939 hasta 1945.

Londres, 1940. Bombardeos, refugios donde protegerse de los ataques y una Cenicienta cuya candidez contrasta con la realidad y la mezquindad de un mundo que parece sucumbir. Su “príncipe”, un piloto de la Fuerza Aérea herido en la cabeza, termina encontrándose con ella a través de los buenos oficios de un ángel de la guarda que los protege y los aísla, y va entretejiendo la trama como un demiurgo secreto e invisible. Sin varitas mágicas.

Liam Mower, el ángel, y Ashley Shaw, Cenicienta, en esta versión de “Cenicienta” de Matthew Bourne. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

No obstante, en esta obra creada en 1997, Bourne describe con sutileza los blancos, los grises y los negros por los que transitan la ciudad y sus personajes de este infierno en el que todo es desesperación y dolor. Con una puesta en escena deslumbrante de Lez Brotherston, en la que todo se transforma, se construye, se destruye y vuelve a construirse, Bourne apela a una diversidad de recursos escénicos. Con interesantes fragmentos de documentales en blanco y negro, diseñados por Duncan McLean, a través de los cuales se entremezcla la ficción y la realidad, la narrativa hace pie en esa guerra irreversible. Impecable, acertada y sutil, la iluminación de Neil Austin, va creando nuevos espacios, climas y texturas que van componiendo un todo impecable y hasta sublime.

New Adventures, la compañía creada por Bourne en 2002, es un crisol de bailarines con una sólida formación en danza contemporánea y clásica, que no necesitan de la palabra para transmitir con sus cuerpos ese texto implícito de la trama recreada por Bourne. Cenicienta, encarnada en la noche del estreno por Ashley Shaw, adquirió protagonismo indiscutible a medida que transcurría esta obra. Fue creciendo dramáticamente, y sus movimientos fueron desplegándose con suavidad y soltura en sus solos y en los pas de deux que fue alternando con su ángel guardián (Liam Mower) y con su “príncipe-aviador”, un tierno y conmovedor Andrew Monaghan.

Mower, una presencia enigmática en este entretejido de historias y sub-historias, supo insertar teatralidad a sus movimientos. Ajustado en sus giros, preciso, intenso.

Bourne desterró el palacio del príncipe y lo sustituyó por una impactante fiesta en el Café de París. El coreógrafo registra, a su manera y con sus matices simbólicos, aquel trágico momento en marzo de 1941, cuando el célebre café por donde desfilaron personajes como Dorothy Dandridge o Marlene Dietrich, fue bombardeado por las tropas alemanas, dejando 34 muertos y 80 heridos. Entre las llamas y la desolación, el ángel de la guarda fue reconstruyendo el espacio, resucitando esos cuerpos caídos. Una escena desgarradora reafirmada a través de la propuesta sonora de Paul Groothuis, donde se mezclan explosiones sucesivas, aviones rugientes y ensordecedores, y la música de Sergei Prokofiev creada para el ballet “Cenicienta”, compuesta en 1944.

Pero más allá del horror de una guerra que dejó al mundo partido en dos, más allá de las marcas del holocausto que aún perduran, más allá de los escombros y la muerte, Bourne, en su “Cenicienta” rescata el amor, la esperanza, la necesidad de creer en los mandatos del alma para sobrevivir una y mil veces. Sí, sobrevivir a través del amor.

La gala “Danzar por la Paz” fue dedicada a Oscar Araiz, actual coreógrafo del Ballet de la UNSAM, por su destacada carrera y trayectoria internacional. Foto gentileza Konex/UNICEF.

Cuerpos que cantan, la música que baila, colores de paz y alegría. Por cuarto año consecutivo tuvo lugar el evento de trayectoria internacional, “Danzar por la Paz” a beneficio de UNICEF, ideado y dirigido por el bailarín y coreógrafo argentino, Leonardo Reale. El objetivo es transmitir el mensaje de paz a través de la danza. Para ello, bailarines de toda América se dieron cita el 8 de septiembre en la Ciudad Cultural Konex de Buenos Aires para esta gala solidaria  internacional. Los fondos recaudados por la venta de entradas se destinan a los programas de fortalecimiento a favor de la niñez y de la adolescencia desarrollados por la organización no gubernamental en Argentina.

“La gala a beneficio de UNICEF es de trayectoria internacional, desde hace cuatro años que se realiza en Buenos Aires pero la idea es tener la posibilidad de realizarlo en otras ciudades de América”, explicó el director general e impulsor del evento.

Bailarines de primer nivel de la escena nacional e internacional dieron sus sentires y ritmos a esta causa, es así que sobre el escenario se pudo disfrutar y seguir piezas coreográficas de tango, folclore, bailecitos latinoamericanos, contemporáneas, neoclásicas y ballet; algunas de las coreografías fueron exclusivamente creadas para esta ocasión. Nadie se quiso perder el evento solidario: Entre el público presente estaban los más importantes representantes de la danza local, como Paloma Herrera, directora del Ballet Estable del Teatro Colón, realizadores de la Asociación Arte y Cultura como el productor y especialista de danza, Juan Lavanga; el presidente de la Fundación KONEX, Luis Ovsejevich; bailarines destacados del Teatro Colón, y todos los coreógrafos que participaron de la velada como Oscar Araiz, Mauricio Wainrot, Guido de Benedetti y Reale, entre otros.

Luciana Paris, solista del ABT, presentó un dúo de tango con Rodrigo Colomba, Ballet Folklórico Nacional, y el pas de deux de “Corsario” con Juan Pablo Ledo del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Konex/UNICEF

La Ciudad Cultural Konex brindó el espacio para el desarrollo del encuentro que fue dedicado en homenaje al maestro argentino Oscar Araiz, actual coreógrafo del Ballet de la UNSAM, por su destacada carrera y trayectoria internacional.

La bailarina argentina y actual solista del American Ballet Theatre, Luciana Paris, quien bailó dos piezas en esta gala solidaria, expresó: “Hace mucho que quiero participar en el ‘Danzar por la Paz’. Es muy gratificante para mí bailar en este tipo de galas. Siempre que existan estas posibilidades de dar, de aportar ese granito de arena son bienvenidas”.

A sala llena, la función abrió con el grupo de ARTE XXI y coreografía de Lucía García Puente con “Himno para danzar por la paz” interpretado por María Camila Cardona, Lucía Casali, Constanza Gimpel, Catalina Linguido, Florencia Mangiore, Mora Mariani, Lourdes Sansolini, Martina Simonettu, María José Sormani, Fiamma Topini y Pilar Villadangos.

Luego, Luciana Paris, realizó un dúo de tango junto a Rodrigo Colomba, bailarín principal del Ballet Folklórico Nacional con coreografía de Analía González y música de Astor Piazzolla. Esta pieza ya había sido presentada por primera vez por los mismos bailarines en el Lincoln Center de Nueva York para la gala homenaje que se le hiciera en abril de este año a Julio Bocca.

A continuación, hizo su presentación la compañía Calle 46, con la obra “APU”, danzada por Emiliana Echave y Agustín Hiriart con coreografía de Laura Cucchetti.

El primer bailarín del Teatro Colón, Federico Fernández se presentó junto al Buenos Aires Ballet del que es su director con “Cuerdas” coreografiada por Emanuel Abruzzo. Participaron de esta propuesta: Ayelén Sanchez, Eliana Figueroa, Emilia Peredo Aguirre, Emanuel Abruzzo y Jiva Velazquez.

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín ofreció “Estaciones Porteñas” de Mauricio Wainrot. Bailaron, Flavia Di Lorenzo, Sol Rourich, Benjamin Parada, Eva Prediger y Rubén Rodríguez. Finalizó la primera parte del espectáculo el Grupo de Danza UNSAM dirigido por Oscar Araiz, con una propuesta coreográfica colectiva cien por ciento masculina, con Nicolas Baroni, Oscar Farias, Germán Farias, Diego Machin, Matías Mansilla, Gerardo Merlo, Carlos Ojeda, Andrés Ormeño y Joaquín Toloza.

La Compañía Nacional de Danza de México bajo la dirección de Mario Galizzi presentó “La dama de las Camelias” interpretado por Agustina Galizzi y Sebastián Vinet. Foto gentileza Konex/UNISEF.

La segunda parte la abrió el grupo de Miami, Dimensions Dance Theatre con “Transparente” y coreografía de Roland Savkovic y cuyos interpretes fueron Jennifer Kronenberg y Carlos Guerra. Inmediatamente llegó el turno del Ballet Metropolitano de Buenos Aires con dirección de Reale, ideador del presente evento, que ofrecieron al público el dúo del segundo acto de “Cenicienta” coreografiado por Vicente Nebrada, con los bailarines, Yanina Toneatto y Rodrigo Villaverde.

La Compañía Nacional de Danza de México bajo la dirección de Mario Galizzi presentó “La dama de las Camelias” interpretado por Agustina Galizzi y Sebastián Vinet con reposición coreográfica de Martín Miranda.

Paris volvió a escena en el segundo acto junto al primer bailarín del Teatro Colón, Juan Pablo Ledo que brillaron con el pas de deux del dormitorio de “Corsario”.

La velada tuvo su gran cierre con el adagio del primer acto del “Lago de los Cisnes” interpretado por el Ballet Nacional de Danza dirigido por Iñaqui Urlezaga. Los papeles principales estuvieron a cargo del propio Urlezaga y Gabriela Alberti.

Una noche de encuentro y visualización de lo mejor de la danza argentina y americana. Excelente propuesta, que destacó la calidad escénica y técnica de los bailarines. Y a su vez, excelente iniciativa cuyo alto objetivo apuntó por y para la paz, a través de la danza.

Maria Kochetkova del San Francisco Ballet, en “Cenicienta” de Christopher Wheeldon. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Si la idea es encontrarse con un cuento de hadas tradicional, quizás habrá que buscarlo en otro teatro. Esta versión de “Cenicienta” creada por Christopher Wheeldon para el Dutch National Ballet en el Amsterdam Music Theatre en 2012, rescata algunos aspectos más sombríos de la versión de los hermanos Grimm, en contraposición con la de Jacques Perrault. Un año más tarde, el San Francisco Ballet también estrenaba en el Opera House de la ciudad esta magnífica coproducción entre ambas compañías que rompe con algunos clichés del género.

Sobre música de Sergei Prokofiev, una espectacular escenografía y un magnífico vestuario del diseñador británico, Julian Crouch, la compañía dirigida por Helgi Tomasson, llevó al escenario del Opera House del Kennedy Center esta “Cenicienta” deslumbrante, con toques de humor y dramatismo al mismo tiempo. En esta versión, Cenicienta planta una rama de avellana sobre la tumba de su madre, que luego crece y se convierte en un árbol mágico, que junto a cuatro espíritus reemplazan el rol del hada madrina del cuento tradicional.

Maria Kochetkova y Joseph Walsh, son los protagonistas de “Cenicienta” en la verión de Christopher Wheeldon para el San Francisco Ballet. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El libreto de Craig Lucas, que induce al análisis de estereotipos psicológicos y sociales, muestra en el principio, a modo de prologo, a Cenicienta jugando con su madre enferma, el vacío de su muerte, el entierro y una escena en el cementerio. Escenas breves a través de las cuales la niña va creciendo. Hasta que finalmente, llega la madrastra (Sara Van Patten) y las desagradables hermanastras (Sasha De Sola y Ellen Rose Hummel). Y el caos. Cenicienta, Maria Kochetkova, se convierte en una víctima de esas tres mujeres y de un padre pusilánime que ni siquiera atina a defenderla.

Pero en esta historia no hay un hada madrina que se disfraza de pordiosera para probar la bondad de Cenicienta, sino que es el mismo príncipe quien llega a la casa en busca de comida y amparo. Allí se produce el primer encuentro entre Cenicienta y su “salvador”. El príncipe Guillaume, interpretado por Joseph Walsh, mostró a un bailarín interesante, atractivo y preciso en sus saltos, “pirouettes” y repetidos giros. Descollante, Taras Domitro (Benjamín), el amigo del príncipe, que no sólo hace despliegue de su histrionismo, su humor y su gracia, sino que deslumbra con sus saltos precisos.

En esta “Cenicienta”, los elementos mágicos y los poderes sobrenaturales los posee el árbol de avellana que había plantado Cenicienta plantó a los pies de la tumba de su madre. Al llegar allí, guiada por los espíritus protectores, el espacio se transforma en un bosque encantado donde los gnomos y los duendes logran transformar a la joven en una bella mujer. Aquí no hay ratones convertidos en lacayos, no hay calabazas transformadas en carrozas, ni lagartos mutados en caballos. Son los duendes del bosque los que realizan ese cambio: la carroza se construye con las ramas del bosque, y el traje dorado de Cenicienta, con plumas de aves.

Kochetkova es una bailarina delicada, sutil, con unos maravillosos brazos y una exquisita fluidez en sus movimientos. No obstante, en su segundo encuentro con el príncipe, en el palacio, no alcanzó a transmitir la emoción y el encanto de una joven enamorada durante en el impecable “pas de deux” que bailaron juntos.

Y en esta sucesión de elementos simbólicos, bellos, sutiles y deslumbrantes, el coreógrafo dejó para el desenlace final una escena sorprendente: una larga fila de sillas donde las damas de la comarca se probaron infructuosamente el zapatito de cristal, comienzan a suspenderse en el aire. Finalmente, Cenicienta reaparece en la escena y demuestra que era ella la secreta dama que había llegado al palacio. Y nuevamente, triunfa el amor.

Cenicienta ante el árbol mágico que la transformará en princesa. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Jean-Christophe Maillot, director de Les Ballets de Monte-Carlo, presentó su versión de “Cenicienta” en el Teatro Nacional de Cuba. Foto: Abel Rojas Barallobre.

Invitados para clausurar el XVI Festival de Teatro de La Habana –donde participaron 74 agrupaciones artísticas provenientes de 22 países, de ellas 35 nacionales–, llegaron los Ballets de Monte–Carlo con “Cenicienta”, coreografía de Jean–Christophe Maillot, su director desde 1993. La troupe llegó acompañada por su presidenta desde 1985, S.A.R la princesa Carolina de Mónaco y Hanovre, junto con su hijo Pierre Casiraghi y su esposa, la condesa Beatrice Borromeo. Al arribar al balcón presidencial la noche del debut, la primogénita de los Grimaldi –Raniero y Grace (Kelly)–, fue ovacionada espontáneamente por el público que colmaba la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, antes de ocupar asiento a la derecha del Ministro cubano de cultura.

Las tres representaciones de esta innovadora, ecléctica y rompedora reformulación coreográfica de “Cenicienta” –siempre basada en el cuento original de los hermanos Grimm–, consiguieron la aprobación mayoritaria de los sectores menos tradicionalistas del público habanero amante del ballet. Era de suponer que un minoritario grupo del público más conservador reaccionara negativamente, como detractores de la versión monegasca. No obstante hubo unanimidad al apreciar la pieza y, en general, la impactante y refinada puesta en escena: los diseños minimalistas de escenografía y vestuario, el riguroso e inteligente trabajo de luces, así como la excelente grabación de la música original de Sergei Prokofiev.

Esta particular versión de “Cenicienta” por Maillot –subrayo ahora la usencia del artículo “la”–, está estructurada en prólogo, tres actos, un epílogo y nueve escenas. Fue estrenada en abril de 1999 en la Ópera de Monte–Carlo –condiciones técnicas y de facilidades para viaje tan largo y costoso desde el Principado de Mónaco, evitaron la elección del ballet “Romeo y Julieta”–, pero el ex bailarín francés y director creyó que era la producción más ajustada para esta primera presentación cubana: tan soñada y ahora realidad, dijo a la prensa.

Les Ballet de Monte Carlo ensaya la pieza “Cenicienta” que se estrenó por primera vez en ‪‎Cuba en el XVI Festival Internacional de Teatro de La Habana. Foto: Abel Rojas Barallobre.

El propio coreógrafo ha explicado que sus pretensiones primeras eran otorgarle a la danza “una realidad contemporánea, hacerla lo más humana posible”. Él está en las antípodas  de lo creado al respecto por Walt Disney –“lo odio”, declaró–, y ha querido evitar, en este caso, las “caricaturas” de Disney.

Por supuesto, Maillot está en la búsqueda de la persona más pura del mundo, en medio de una sociedad más preocupada por la apariencia, es decir “en busca de lo imposible”. De ahí que la pieza comienza con un hermoso y dramático pas de deux por los padres de Cenicienta, mostrándonos sin eufemismos el drama de la muerte de la madre.

Además, veamos las peculiaridades desconcertantes introducidas  de manera justificada en la dramaturgia –hay que decirlo, algo complicada que no aporta claridad a la narración–, como la presencia de la bailarina protagonista descalza (una exquisita y lírica Anja Ballesteros), con sus hermosos pies maquillados con polvo dorado, descartando la trillada argucia de la zapatilla de cristal.
Igualmente, nos presenta a un príncipe atípico, según los clisés de otras versiones, nada interesado en sus funciones reales.  Aquí admiramos a un joven (notable Stephan Bourgond), díscolo y de juergas con sus amigotes, en escenas sugerentes de imaginarios erotismos propios de adolescentes en medios de alto nivel social.

Cual un sociólogo, Maillot  se nos exhibe en su discurso ideo–estético, para enrumbar su escritura coreográfica, como intérprete de la sociedad europea contemporánea. Utiliza estos elementos como claves para demostrar que “este ballet  es un espectáculo festivo, alegre, donde también se dicen cosas serias”. Sin duda que desconcertó a no pocos entre una audiencia conocedora de esta historia desde la niñez.

No obstante, es el personaje del padre, magníficamente caracterizado por el sólido actor-bailarín Álvaro Prieto durante la hora y 40 minutos de este tránsito por un universo mágico, debido a los diseños escenográficos – pantallas en practicables móviles–, creados por el afamado artista Ernest Pignon-Ernest.

En esta compañía no encontramos una distribución del elenco del cuerpo de baile como en otras compañías clásicas. Todos los más de 50 miembros, de 22 nacionalidades diferentes, deben interpretar cualquier papel. Ellos deben ser capaces de una buena ejecución técnica por su formación, pero prima en Maillot  la expresividad dramática, antes que el virtuosismo técnico. Prefiere a los actores-bailarines  que logren delinear las caracterizaciones de cada personaje, algo imprescindible en este tipo de piezas narrativas.

Sin estas cualidades no hubiera sido posible lograr un espectáculo donde se conjugan lo sicológico, lo onírico con las gestualidades posmodernas, tal es el caso con la maravillosa presencia de Mimoza Koike, al interpretar al Hada, como un factótum de esta evocadora “Cenicienta”.

El ABT presenta en el Metropolitan de Nueva York, a partir del 23 de mayo, “La Bayadère”, con coreografía de Natalia Makarova. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy.

Como todos los años a mediados de mayo, el American Ballet Theatre (ABT) comienza su temporada en el Metropolitan Opera House de Nueva York. La noche de apertura será el lunes 12, y participarán 14 bailarines principales y el cuerpo de baile. La selección de obras que se presentan en esta primera noche está integrada por fragmentos de los ballets que se verán durante el resto de la temporada que cierra el 5 de julio con “Coppelia”, protagonizada por Paloma Herrera y Jared Matthews.

“Cenicienta”, con Hee Seo y Marcelo Gomes; “La Bayadère”, con Gillian Murphy e Ivan Vasiliev; “Manon”, con Julie Kent y Roberto Bolle, y fragmentos de “The Dream”, “Don Quijote” y “Coppélia”, formarán parte del caleidoscopio de obras que llegan en la primera noche, y que en su versión completa, formarán parte de cada una de las semanas de esta temporada.

También sube a escena, de Jirí Kylian, “Nuages”, con Diana Vishneva y Marcelo Gomes, con música de Claude Debussy. El programa de apertura concluye con una de las realizaciones más pintorescas de Leonid Massine, “Gaîté Parisienne”, con Herman Cornejo, Veronika Part y Jared Matthews.

Paloma Herrera abrirá con la entrada del Acto I de “Don Quijote”, seguida por el pas de deux del Acto II de “Cenicienta; luego, el solo y adagio del Acto II de “Manon”, con Polina Semionova. Esta obra volverá a escena con el pas de deux del Acto I, interpretado por Kent y Gomes. El pas d’ action de “La Bayadère”, con Gillian Murphy e Ivan Vasiliev, seguido por el scherzo de “The Dream”, con James Whiteside y Daniil Simkin, y un fragmento del Acto II de “Coppélia”, integrarán este programa que sólo es una muestra de esta larga e intensa temporada.

La primera semana, que va del miércoles 13 al lunes 19, comienza con “Don Quijote”, con música de Ludwig Minkus y coreografía de Alexander Gorsky y Marius Petipa. El martes 20, miércoles 21 y jueves 22 de mayo, se presentará un programa mixto bajo el nombre de “Classic Spectacular”, en el que se incluye “Gaîté Parisienne”, “Theme and Variations”, de George Balanchine, y ” Duo Concertant”, de Balanchine, con música de Igor Stravinsky.

A partir del 23 de mayo, “La Bayadère”, de Minkus, con coreografía de Natalia Makarova. El 30 de mayo comienza “Coppelia”, con música de Leo Delibes y coreografía del recordado Frederic Franklin. El 2 de junio, “Manon”, uno de los clásicos de Kenneth MacMillan, con música de Jules Massenet, inspirada en la novela “Manon Lescaut”.

Desde el 9 al 14 de junio, sube “Cenicienta”, con música de Sergei Prokofiev  y coreografía de Frederick Ashton, seguida por “Giselle”, que permanecerá en cartel hasta el 21 de junio. Y el lunes 23, abre la semana con “Lago de los cisnes”, hasta el 28.

El 30 de junio, y hasta el 2 de julio, “Shakespeare Celebration”. Con el fin de conmemorar los 450 años del nacimiento de William Shakespeare, el ABT presentará “The Dream”, de Ashton, inspirada en “Sueño de una noche de verano” y “The Tempest”, con coreografía de Alexei Ratmansky.

Con una interrupción el 4 de julio, día de la independencia de los Estados Unidos, la temporada del Met cierra con “Coppelia”, con funciones el 3 y el 5 de julio.

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El San Francisco Ballet estrenará en 2013 un clásico de Christopher Wheeldon (en la foto: "Number Nine", de Wheeldon en la Gala 2012 del SFB). Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Una Cenicienta diferente, con toques mágicos ajustados a la modernidad se aproxima como el nuevo gran estreno de la temporada 2013 del San Francisco Ballet (SFB). Esta nueva versión de uno de los clásicos ballets de repertorio, que está en manos del coreógrafo Christopher Wheeldon, es una producción conjunta entre la compañía de San Francisco y el Dutch National Ballet.

La obra será estrenada por el Dutch National Ballet en el Amsterdam Music Theatre, el 13 de diciembre de 2012, y la premiere en los Estados Unidos será durante la temporada del San Francisco Ballet de 2013 en el War Memorial Opera House.

“Estamos entusiasmados de presentar esta versión absolutamente ingeniosa y diferente de ‘Cenicienta’, creada por Christopher Wheeldon –dijo el director del SFB, Helgi Tomasson–. Nosotros valoramos nuestra excelente relación con Christopher y estamos muy contentos de colaborar con nuestros colegas del Dutch National Ballet como coproductores de este trabajo que, estoy seguro, la audiencia disfrutará enormemente”.

La interpretación que Wheeldon hace de “Cenicienta” está basada en la música de Sergei Prokofiev, y en el tradicional cuento de los hermanos Grimm. En esta versión, Cenicienta planta una rama de avellana sobre la tumba de su madre, la cual crece hasta convertirse en un árbol mágico, que junto a cuatro espíritus otorga a Cenicienta todos sus deseos.

Wheeldon le da mayor profundidad a los personajes, y muestra una Ceninienta que no es sólo una víctima de su destino, mientras el príncipe toma un papel más importante que en otras versiones. A esto se suma un enfoque cinematográfico moderno y diferente.

La escenografía y el vestuario son del diseñador británico Julian Crouch, reconocido por sus realizaciones para “Satyagraha”, de Philip Glass, que se estrenó en el Metropolitan Opera en Nueva York y en el musical de Broadway “La familia Adams”, entre otros trabajos.

El Ballet del Sur, de Bahía Blanca, Argentina, lleva medio siglo difundiendo los grandes clásicos. Foto gentileza de BdS.

“El Ballet del Sur tiene 50 años no por casualidad –afirmó Ricardo Alfonso, director titular Ballet del Sur, compañía con sede en Bahía Blanca, Argentina–. Es el fruto del trabajo constante y tesonero de muchas personas que han pasado por él y contribuido a que sea lo que es hoy: una compañía rica en historia, fuerte, con identidad propia y necesaria dentro del quehacer cultural de la Argentina”.

El ensamble comenzó su actividad en Bahía Blanca en 1956, con la voluntad y vocación de un grupo de jóvenes a cargo de Alba Lutecia Collo de Duyos y en 1961 el gobierno de la provincia de Buenos Aires lo oficializa.

El 29 y el 30 de abril, la compañía, como parte de las celebraciones de sus 50 años presentará “La Cenicienta” en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, bajo la dirección de Alfonso.

Actualmente realiza una labor de divulgación estética y cultural en continua relación con niños y jóvenes, a través de la inclusión dentro de su programación anual, de ciclos de funciones para estudiantes e infantes en general.

Cuenta en su vasto repertorio con las más elevadas expresiones del ballet universal, entre ellas “Coppelia”, “Giselle”, la versión integral del “Lago de los cisnes”, “Gayane”; entre otras. Y su versión de “La Silphide”, de Augusto Bournonville, es única en América latina.

La compañía incorpora también, la danza contemporánea y suma a su repertorio obras de los más importantes creadores argentinos. Entre ellas “Cantares”, “Concierto de ébano”, “Carnaval de los Animales”, “Preludios”, “Canto Jondo”, “Tangos en Gris”, de Oscar Araiz. Y también, “Contrapunto” de Ana María Stekelman, “Alicia en el País de las Maravillas”, “Azul Profundo”, “Circo Stravinsky”, “Tango Vitrola”, “Perfume de gardenia”, “Azul 20”, “Satie Satie”, de Alejandro Cervera; “Hilo Irreal” de Roxana Grinstein, entre otras. El Ballet del Sur es la primera compañía argentina que cuenta en su repertorio “Las Cuatro Estaciones” del rumano-francés Gigi Caciuleanu, director del Ballet Nacional Chileno.

Desarrolla su tarea a lo largo de gran parte del país, con presentaciones en Posadas, Corrientes, Córdoba, Mendoza, Neuquén, Capital Federal, Comodoro Rivadavia, Rawson, General Roca, Mar del Plata, La Plata, Bahía Blanca, entre otras localidades de la provincia de Buenos Aires.

“Estar dentro de su pasado como coreógrafo y actualmente como su director, me llena de orgullo y de una gran responsabilidad para construir, sobre la base su medio siglo de vida. Es una compañía abierta a las nuevas tendencias, sin abandonar la tradición fundamental del clásico, pero incorporando la modernidad, haciendo del Ballet del Sur un ballet vivo, actual, renovado, sin miedo a los desafíos que nos presenta el siglo XXI”, aseguró Alonso.

Dentro de la gira realizada por el estado de Florida, Estados Unidos, participó en el Festival de la Danza de Jacksonville (Jacksonville), en la ciudad de Orlando. Realizó además, presentaciones en el Centro de Experimentación de Opera y Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y en galas y encuentros internacionales organizados por la UNESCO, el Consejo Argentino de la Danza, entre otros.

En su vasta experiencia ha contado con la participación de los destacados bailarines argentinos Gustavo Mollajoli, Ricardo Rivas, Wasil Tupín, Cristina Delmagro, Iñaqui Urlezaga, Maximiliano Guerra, Julio Bocca, Cinthia Labaronne, Silvia Bazilis, Luis Ortigosa, Lila Flores, Karina Olmedo, Silvina Perillo, Raúl Candal y Alain Molina (Cuba), Igor Selensky (Rusia), Cecilia Kerche (Brasil). Entre los maestros y coreógrafos repositores que colaboraron se encuentran los argentinos Roberto Giachero, Tamara Grigorieva, Antonio Truyol, Andrea Chinetti, Silvia Kaehler, Rodolfo Lastra, Mario Galizzi, Héctor Zaraspe (Argentina – USA), Yellê Bittencourt (Brasil), Alexander Minz (Rusia – EE.UU.), Gigi Gh. Caciuleanu (Francia), Ricardo Alfonso (Uruguay), Miguel Gómez y Reinaldo Muñíz (Cuba), entre otros.

La Cenicienta

Organismos Artísticos del Sur (OAS), dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires presentará en el año de su 50 Aniversario, al Ballet del Sur de Bahía Blanca, en el Teatro Municipal con el estreno de la obra basada en el cuento de Perrault con elementos argumentales de los hermanos Grimm, “La Cenicienta”, bajo la dirección titular del Mtro Ricardo Alfonso.

“La Cenicienta”

Música: Sergéi Prokofiev

Coreografía: Rodolfo Lastra Belgrano

Escenografía: Víctor De Pilla

Vestuario: Alicia Gumá

Lugar: Teatro Municipal De Bahia Blanca         

Día y horario: 29 y 30 de abril, 21.00 hs.

El Ballet del Sur acompaña en estas funciones a la Asociación para la Prevención del Síndrome Urémico Hemolítico www.apresuh.org