“The Turntable”, una nueva obra de Osnel Delgado realizada para el Smuin Contemporary Ballet, dirigido por Celia Fushille. Foto gentileza Toba Singer.

La publicación de este artículo es una gentileza de culturevulture.net, cuya versión en inglés se puede encontrar en el siguiente enlace:
https://culturevulture.net/features/interview-with-osnel-delgado/

Smuin Contemporary Ballet está llevando Dance Series 1 a escenarios alrededor del Área de la Bahía de San Francisco, California. El programa cuenta con tres obras: “Take Five”, de Rex Wheeler, “Requiem for a Rose”, de Annabelle López Ochoa, y “The Turntable”, del coreógrafo cubano y codirector artístico de la compañía de danza Malpaso de La Habana Cuba, Osnel Delgado. Entrevista a Osnel Delgado por correo electrónico el 25 de septiembre de 2022.

Toba Singer: ¿Por qué el tocadiscos (“The Turntable”) en este momento?

Osnel Delgado: Algo de historia… Diez años atrás conocí a Celia (Fushille) en la Habana, en ese entonces trabajaba con mi padre tras haber dejado Danza Contemporánea de Cuba. Surgió la idea de que en algún momento yo conociera a Smuin y trabajara con sus bailarines. Uno conoce a tanta gente a través de los años que yo ni siquiera la recordaba cuando reapareció en la sala de conferencia del Teatro Joyce de NY donde Malpaso estaba haciendo su temporada en una de las tantas giras por los Estados Unidos. Ella no había olvidado su sueño y se propuso que de una vez me diera un salto a San Francisco. En 2019 los visité, y en 2020 empezaba el proceso que se interrumpió por la pandemia. Dos años después, todo el antiguo material y las conversaciones dieron forma a esta obra. Algo hecho en especial para la compañía y no sólo en la manera en la que yo trabajo sino también en la forma que los veo y lo que creo que necesitan para seguir creciendo. ”Turntable” es una obra en la que todos deben mirarse, en la que el espectador es parte como observador pero nosotros no bailamos para ellos, bailamos para nosotros mismos. Un personaje central y varias historia se entremezclan en el vórtice de la vida, de una canción a otra, se pierden y se encuentran.

TS:  Ya que es (literalmente) central en la pieza, ¿por qué lo usas tan selectivamente?

OD: Fue bien interesante trabajar con esta estructura circular, y no me refiero sólo al centro sino a la obra en sí, no hay frentes, solo puntos de entrada y salida. Como efecto es algo muy poderoso pero no podía ser abordado todo el tiempo, tratar de matizar para no aburrir, y aunque lo considero el motor impulsor de todo, bueno, a veces hay que salir de él para encontrarle sentido a las cosas. Como en la vida real, no todo se encuentra en nosotros mismos, ni en un sólo lugar…

TS: En los segmentos de palabra hablada y en la música, el tema de la espera de un amante adquiere una urgencia cada vez mayor, empezando al inicio de la pieza con una súplica para volver, y se vuelve más acentuado e insistente hasta que escuchamos “Si no vuelves, me muero”, donde el movimiento implora desgarradoramente. ¿Esa letra/historia impulsó la coreografía o es que los pasos inspiraron la palabra hablada?

OD: Siempre me gustó la canción, estaba dentro de la selección de músicas que decidí usar para confeccionar la pieza. Las reflexiones las escribí durante la pandemia. Nunca pensé usarlas, pero bueno, mis maestros dicen que todo sirve, grabarlas y utilizarlas creo que fue acertado pero todo un reto. Me costó acostumbrarme a escuchar mi propia voz, pero al final tomó forma dentro del proceso. Las cosas hay que tramarlas si no se traman a sí mismas. Texto, movimiento y canción hacen una combinación interesante que nunca había explorado antes y me ayudó a darle voz a la ausencia del otro, algo por lo que clama, no solo el personaje central. Todos necesitamos el afecto y la compañía de alguien.

Osnel Delgado ha trabajado con coreógrafos como Mats Ek, Rafael Bonachela, Kenneth Kvarnström, Ja Linkens e Itzik Galili, entre otros. Foto gentileza Toba Singer.

TS: ¿Qué temas coreográficos, de vida o deseos ocupan tus pensamientos que no hubo tiempo de continuar?

OD: Muchos, todos. Las cosas que quiero decir son diferentes e infinitas. Me interesan las vivencias y experiencias humanas, las historias, pero lo que más me gusta es conectar con gente diferente, construir un material a través del cual puedan expresar quiénes son y de dónde vienen. Al final no es tan importante lo que yo quiero sino lo que somos capaces de construir todos como parte de una experiencia colectiva, que es la manera en la que puedo definir mi proceso. Siempre cambia y siempre es este momento.

TS: ¿Qué has aprendido en el proceso de colaboración con otros coreógrafos, otras compañías y qué has aportado a sus vidas creativas?

OD: Mucho, e incluso puedo decir que tengo algo de cada uno de ellos. He aprendido de todos con los que he trabajado, soy el resultado de todas esas colaboraciones y también, de mis profesores y de mis compañeros. Pero luego hay que encontrar algo que decir más allá de todo eso, encontrar nuevas motivaciones. Para mí los más importantes son aquellos con los que convivo día a día, son mi fuente de inspiración y en quienes baso mis propias historias, de quienes aprendo más de lo que puedo entregar.

TS:  Este es el décimo aniversario de Malpaso. En alguna manera, es solo un número, pero en otras, es una década resonante de vivir su nombre como una compañía en rebelión contra una proscripción, una advertencia de que estabas comenzando con el pie izquierdo. ¿Qué quiere decirle ahora tu propio ser, como coreógrafo que ha absorbido tanta experiencia de esa década, a ese joven que recién comenzaba hace diez años?

OD: Es muy interesante poner las cosas en esa perspectiva. Estaría tentado de aconsejarlo sobre un par de cosas, pero de nuevo, cada uno debe cometer sus propios errores y aprender de ellos. Malpaso es lo contrario de lo que debe ser la danza, pero debes comprometerte para encontrar tu camino. Esa es la filosofía de nuestro grupo, así como las colaboraciones entre varios artistas para ayudar al crecimiento y desarrollo de cada uno de los integrantes. Sólo le diría que recuerde que, aunque la carrera se afronta individualmente, nada se consigue sin ayuda. Disfruta, comparte y sigue soñando.

Sobre la autora:
Toba Singer, autora de “Fernando Alonso, the Father of Cuban Ballet” (University Press of Florida 2013), y “First Position: a Century of Ballet Artists” (Praeger 2007), escribe para revistas y sitios web de danza internacionales, y se ha desempeñado como asesora del Museo de Performance y Diseño de San Francisco. Fue la autora representante de University Press of Florida en la Feria Internacional del Libro de Miami de 2013. “Fernando Alonso, el padre del ballet cubano” fue nominado para el premio Bryce de la Asociación de Estudiantes Latinoamericanos, el premio de la Torre Research and Dance Scholars y el Commonwealth Club California Book Award.

Erin Yarbrough-Stewart y Aaron Thayer en el estreno de Amy Seiwert’s, "Soon These Two Worlds", presentado por el Smuin Ballet en Nueva York. Foto: Scot Goodman. Gentileza SB.

Michael Smuin bailaba en el American Ballet Theatre (ABT) años ha, después de haber pertenecido al San Francisco Ballet, y aparecido también en Broadway y en shows de la televisión. Después de su retiro, estableció en 1994, en el área de San Francisco, su propio conjunto que llamó Smuin Ballet, dándole a la compañía su vasta experiencia en obras clásicas, así como en estilos modernos y populares.

Después de su inesperada muerte ocurrida en 2007, la compañía es dirigida desde entonces  por Celia Fushille, en su doble función de directora artística y ejecutiva, quien ha mantenido el estilo original del pequeño grupo –quince miembros de ambos sexos en total–, al igual que abriendo nuevos horizontes con obras de innovadores coreógrafos como Trey McIntyre, coreógrafo invitado, y Amy Seiwert, coréografo-en-residencia.

La programación neoyorquina, ofrecida en el íntimo Joyce Theatre del barrio Chelsea de Manhattan, fue variada e interesante. El primer ballet de la noche, “Oh, inverted world” se debe a McIntyre, con el acompañamiento musical del conjunto The Shins. Los bailarines (un total de cuatro parejas) igual caminan graciosamente que bailan, introduciendo de vez en cuando algunos pasos clásicos (muy pocos) y otros que llevan ímpetus modernos al estilo hip-hop. Por supuesto que los bailarines calzan zapatillas de media punta, y el vestuario de Sandra Woodall es totalmente casual o deportivo, especialmente para los hombres, que llevan simples “shorts”, con los torsos al aire. Las mujeres lucen trajes cortos y sencillos, de atractivos diseños.

Si hay historias, cada cual en el público puede formar la suya. Entradas, salidas y solos componen la coreografía. Dos bailarines se destacan especialmente en sus solos: Jane Rehm, intensa y ligera, y John Speed Orr, este último simplemente estupendo, en una variación que incluye alguna mímica. Hay momentos en que las parejas igual bailan por su lado, que se unen en momentos que sugieren románticos encuentros; todo cabe en la imaginación del coreógrafo y en la interpretación del conjunto, pero no obstante, la obra es entretenida, y la interpretación de los bailarines aquí es interesante. Un agradable momento de danza contemporánea, diseñada por McIntyre y realizada en todo su potencial, por este joven grupo.

La segunda obra de la noche fue la famosa tragedia mitológica de Medea, que ya ha sido llevada a las  tablas en distintas momentos de gran arte. Entre los más recientes intentos hay que recordar a la gran diva Maria Callas, quien dejando su maravillosa garganta en silencio, intentó el drama en cinta fílmica con gran éxito. En 1977, Smuin resucitó “Medea” para hacerla ballet, aunque ya muchos años antes, en 1946, la gran sacerdotisa de la danza moderna, Martha Graham, la había escenificado en su inigualable estilo propio (“Cave of the Heart”), utilizando la música de Samuel Barber, que Smuin también emplea en su obra, con  diseños de vestuario de Andy Kay.

En realidad, esta obra lleva muy poco vestuario: Medea, en un rol trágico que carga mucho veneno, estuvo magníficamente interpretado por Susan Roemer, luciendo un leotard rojo, con zapatillas de punta del mismo color. Cresusa, su rival, a cargo de Terez Dean, viste también leotard, pero éste en color blanco, igual que las zapatillas de punta. Su personificación es atractiva, con insinuaciones coquetas y seductoras hacia Jason.

En el vestuario de los tres hombres, Jason lleva manillas de clavos dorados, igual que un ancho cinturón al frente, mientras se convierte en una tonga entre la parte más baja de la anatomía trasera, dejando totalmente expuesta esas dos partes. Los hijos de él y Medea, lucen igualmente tongas y suspensores al frente, rematados también por un ancho cinturón.
La historia mitológica ha sido adaptada para esta obra como el coreógrafo mejor la necesitó. Esta Medea, que no pudo dejar de cargar la enorme capa que la envuelve al comienzo y al final de la obra, es un personaje que solo parece querer venganza, y para lograr su obsesionante deseo, inmiscuye a sus dos hijos en el delito de asesinar a su rival Cresusa, a quien los dos chicos amarran con sogas, hasta que su madre le quita la vida, propinándole fuertes tirones. Episodio trágico y muy bien actuado, tanto por parte de Medea como de Cresusa; no obstante, los dos hijos, a cargo de John Speed Orr y Christian Squires, son sobresalientes, tanto por su dramatismo, como por su técnica, esta última de superior ejecución. No sucedió lo mismo con el Jason de Jonathan Dummar, que lo único que sobresale en él es su alta estatura, ya que su baile deja bastante que desear.

Para cerrar la noche, subió a escena una agradable pieza bailable coreografiada por Amy Seiwert, que se titula “Soon these two worlds”, estrenada por la compañía en San Francisco, en 2009, sobre música seleccionada de los discos Nonesuch, titulado “Pieces of Africa”, que es interpretada por el Kronos Quartet. A decir verdad, salvo por el uso de algunos tambores, muy poco recuerda la música o los ritmos de ese continente, e igual sucede con la coreografía, totalmente neo-clásica, incluyendo el trabajo en punta de las mujeres.
Estas visten largas y ligeras túnicas de distintos colores, para interpretar solos o bailes acompañadas. ¿Son acaso los ritmos que se escuchan tonadillas de países específicos que no son precisamente africanos? Muchas veces recuerdan la música folclórica irlandesa, u otros folclores similares, pero nunca africanos, e igualmente sucede con la coreografía, totalmente académico-moderna. Por otra parte, Susan Roemer con Jonathan Dummar, Terez Dean y Jonathan Powell, Erin Yarbrough y Jared Hunt, así como Janica Smith y Shannon Hurlburt, acometen sus variaciones al frente de los grupos con total gracia y precisión. Sin embargo, en esta pieza, las mujeres ponen de manifiesto poseer mejores técnicas que los hombres.

Un final alegre que parece traer consigo rayos de sol que iluminaron la noche e hicieron que los espectadores se marcharan del teatro totalmente complacidos. No es vano desear que el Smuin Ballet pronto repita su visita.