“Cats”, uno de los clásicos del género musical se presenta en el Kennedy Center de DC, Dan Hoy protagoniza a Munkustrap. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

En la oscuridad de la noche, bajo la luz de una inmensa luna llena, los jélicos se reúnen en su celebración nocturna con la convicción de renacer más allá del Edén sideral. Sus ojos se encienden, destellan, buscan, envuelven y explotan en una diversidad de colores y voces. Los gatos invaden la escena y los pasillos del Opera House del Kennedy Center de DC y con hechicero misterio “Cats” vuelve a renacer con la misma intensidad con la que conquistó el mundo hace más de 40 años, y seguirá su ritual, allí, frente al río Potomac, hasta el 6 de octubre.

Cuando se estrenó por primera vez, en 1981, era casi impensable que un musical sin argumento y basado en poemas pudiera tener éxito. Pero “Cats”, esa creación de Andrew Lloyd Webber, basada en los textos de “El libro del viejo Possum sobre los gatos prácticos” de Thomas Stern Eliot que tanto lo fascinaron en su infancia, rompió todas las predicciones posibles y se convirtió en un clásico insoslayable.

Más allá del paso del tiempo, “Cats” es un inimputable. Los poemas de T.S. Eliot son una recopilación de las cartas que el “viejo Possum -así llamaban a Eliot- enviaba a sus amigos y nietos. Cada poema hace referencia a un tipo de gato y es a su vez una sátira sobre los dueños de los gatos y de la sociedad en la que viven. No obstante, “Memory” y “The Moments of Happiness”, se insertaron en la trama a través de Trevor Nunn, director del musical. La primera, a partir de otro poema de Eliot, “Rhapsody on a Windy Night”, y la segunda, pertenece a un poema extraído del libro “Four Quartets”, también de Eliot.

Este musical, que dispara directamente al corazón, que conmueve, que trasciende lo convencional, fue el primero en el que Lloyd Webber compuso su música sobre un texto ya escrito. Por su parte, Nunn, debió encontrar una línea narrativa que convirtiera la obra en un entramado particular que gira en torno a la tribu de los gatos jélicos -nombre inventado por Eliot- que se reúnen y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Keri René Fuller interpreta el rol de Grizabella en esta reposición de 2016 de “Cats”. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Con una coreografía de alta exigencia técnica y una clara visión grupal, Andy Blankenbuehler, sobre la base de la coreografía original creada por Gillian Lynne, hizo un delicado trabajo con los bailarines-cantantes utilizando elementos de danza-jazz y contemporánea. Impecable despliegue corporal y gestual en el que cuesta mucho pensar que se trata de “humanos” y no de verdaderos gatos.

La gata blanca, Victoria, asumida por Caitlin Bond, muestra en sus solos un sobrado dominio clásico con sus giros y desplazamientos. Mientras, Dan Hoy aporta los matices de su voz al protagonizar al líder de los jélicos, Munkustrap. Pero sin duda, el personaje clave de este musical, Grizabella, compuesto de una manera conmovedora por Keri René Fuller, llega a su punto de mayor emoción en “Memory”. Casi de una manera indescriptible, su voz se interna en lo más profundo del alma y estalla.

“Cats” debutó en el West End en Londres, y un año después llegó a Broadway. La producción original se representó durante veintiún años seguidos, y la neoyorquina, permaneció en cartel dieciocho, un récord entre los musicales. Desde 2016, “Cats” volvió a Broadway, y salió de gira por distintas ciudades de los Estados Unidos, con algunas escenas reestructuradas y ligeros cambios de la puesta original.

El magnífico diseño escénico y de vestuario de John Napier, con una opuesta de luces espectacular, realizada por Natasha Katz, y una banda de sonido impecable, reafirman a este musical como uno de los mejores de todos los tiempos, por sus sutilezas, por su filosofía subyacente, y por su composición.

En esta fusión de géneros musicales, de actores, de bailarines, de cantantes, “Cats” se convierte en una suerte de obra maestra del musical donde converge la poesía, la pasión, la destreza y la enorme belleza de la puesta. Esos gatos vagabundos que aspiran a renacer, que se reúnen noche a noche en un basural lleno de chatarras, hacen un pacto secreto con la magia.

Elenco de gira de “Cats”, en la puesta que se presenta desde el 17 de septiembre al 6 de octubre en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Betty Buckley encarna a Dolly Gallagher Levi en la producción de “Hello Dolly” que se estrenó en el Kennedy Center de DC. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

Inevitable. Cómo no emocionarse, cómo no sentir que la vida se vuelve de colores cuando apenas empiezan a sonar los compases de “Hello Dolly”, ese musical que en 1964 se llevó casi todos los premios Tony y que cinco años después recorrió los cines del mundo con Barbra Streisand y Walter Matthau en los protagónicos.

Cómo no volver a emocionarse cuando Dolly llega nuevamente al restaurante a hacer su debut estelar con su vestido rojo y su deslumbrante tiara de plumas y brillantes, tratando de reencontrarse con el amor. Ella, que con su ojo clínico y su intuición, había logrado descubrir el amor escondido en otros, pero no dentro de sí misma. Un descubrimiento progresivo que va develándose a medida que se permite una mirada introspectiva.

En esta reposición que llegó a partir del 4 de junio al Opera House del Kennedy Center y que permanecerá en cartel hasta el 7 de julio, ese personaje entrañable, tramposo, sensible, pícaro y lleno de vitalidad está en manos de la célebre Betty Buckley. La misma que logró cautivar con su memorable versión de “Memory”, uno de los temas clave de “Cats”, rol con el que se llevó un premio Tony en 1983.

Buckley encarna a una Dolly Gallagher Levi cálida y simpática, perspicaz y disimuladamente atenta que logra conectarse con la audiencia de la misma manera que lo hace con los personajes que la rodean. Su emoción y su alegría son tan genuinas que no caben dudas de que el personaje es justo para ella. Tanto desde lo corporal, con sus bailes y desplazamientos como desde su gestualidad, sus guiños con el público y la composición del personaje.

En “Hello Dolly”, los camareros del Harmonia Gardens hacen un despliegue de talento y destreza basados en la coreografía de Warren Carlyle. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

“Hello Dolly”, basada en la obra “The Merchant of Yonkers”, de Thornton Wilder, que luego se tituló, en 1955, “The Matchmaker” (La casamentera), es una de las producciones musicales de Broadway más representadas. Su primera protagonista en 1964 fue Carol Channing, quien volvió a ser Dolly en la reposición de 1995. La actual producción, que se estrenó en Broadway en 2017, abrió con Bette Midler en el protagónico.

Con dirección de Jerry Zaks, coreografía de Warren Carlyle, y escenografía y vestuario de Santo Loquasto, la puesta apunta a una armonía de colores donde predominan los tonos pastel para el conjunto y los colores brillantes para la protagonista. El libro de Michael Stewart y la música de Jerry Herman son, sin discusión, un elemento clave en esta obra donde el texto, la música y las actuaciones son la clave del éxito y la vigencia de una propuesta que podría resultar riesgosa en estos tiempos de efectos especiales.

El reparto incluye a Lewis J. Stadlen como el gruñón maduro Horace Vandergelder que recurre a Dolly en busca de una esposa joven; Nic Rouleau como Cornelius; Analisa Leaming como Irene Molloy, Sean Burns como el atlético y prudente Barnaby, y Kristen Hahn como Minnie Fay. Cada uno de ellos, en una composición tierna y encantadora de sus personajes.

En ese Manhattan del siglo XIX Carlyle hace un derroche de talento a través de una coreografía desafiante, energética, estructurada, concisa y organizada, que permite descubrir los talentos individuales y los de conjunto. Magnífica y al mismo tiempo intrincada la escena en el restaurante Harmonia Gardens, donde los mozos hacen un despliegue asombroso, deslizándose con fuentes, mesas, copas, bandejas, en medio de acrobacias inimaginables.

Pero, sin duda, Dolly, a través de Buckley, hace más vívida la sensación de que siempre hay otra chance, una esperanza de reparación, o quizás, una nueva oportunidad para intentar, una nueva puerta que se abre para demostrar que la vida todavía tiene sentido.

Situada en Manhattan en el siglo XIX, “Hello Dolly” cuenta con escenografía y vestuario de Santo Loquasto, y una puesta colorida y ocurrente. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

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Jon Peterson como Emcee, maestro de ceremonias de Kit Kat Klub, y parte del elenco de bailarines y cantantes de “Cabaret”. Foto: Joan Marcus. Gentileza JFKC.

Mientras la República de Weimar iba camino a su fin, el nazismo comenzaba a clavar sus garras en una sociedad que aun cargaba con una bochornosa derrota en la Primera Guerra Mundial, y una economía que se desintegraba en pedazos. Allí, en esa Alemania, el Kit Kat Klub, se convertía en metáfora de esa decadencia, mientras sus personajes intentaban sobrevivir en medio de la desesperanza y la corrupción.

Con libreto de Joe Masteroff, música de John Kander y letras de Fred Ebb, “Cabaret”, uno de los musicales más importantes de la historia, celebra sus 50 años en el escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC. Producida por Roundabout Theatre Company, la obra estará en cartel hasta el 6 de agosto.

La historia, que se desarrolla en torno de un cabaret de Berlín, propone diferentes ángulos argumentales, determinados por la línea dramática los personajes. Cada uno de ellos genera elementos contrapuestos, muestra las dos caras de una misma moneda y dispara directamente al alma. Y no precisamente porque describa una bella historia, sino todo lo contrario. “Cabaret” muestra el drama de la sociedad contemporánea.

Ambientado a principios de la década del 30, el argumento gira en torno de la relación entre la estrella principal del cabaret, la cantante inglesa Sally Bowles (Leigh Ann Larkin), con el escritor estadounidense Cliff Bradshaw (Benjamin Eakeley), quien llega a la ciudad buscando inspiración para su nueva novela.

Leigh Ann Larkin en el rol de Sally Bowles, personaje a través del cual se desarrolla la trama de “Cabaret”. Foto: Joan Marcus. Gentileza JFKC.

Bajo la mirada de Emcee (Jon Peterson), el extravagante y lascivo maestro de ceremonias de Kit Kat Klub, se van hilvanando y deshilvanando historias paralelas que describen el entorno social y político de la época con una crudeza poco frecuente en un musical. Entre esas tramas que se entrecruzan, surge también el romance otoñal entre Fräulein Schneider (Mary Gordon Murray), una mujer alemana que regenta la pensión donde se alojan Cliff y Sally, y Herr Schultz (Scott Robertson), un viudo judío propietario de una frutería. Gordon Murray hace una interpretación descarnada y conmovedora de esa mujer que se anima por primera vez al amor, mientras Robertson, logra seducirla con su ternura y su inocencia. Sin embargo, no logra admitir, ni creer en la monstruosa crueldad de un régimen que reafirmó el odio y la muerte.

Brillante la actuación de Peterson. Cantante excelente, con una expresividad especial, potente, desenfadada, que aborda con naturalidad los perfiles ambiguos de su personaje, se lanza en escenas de fuerte contenido sexual hasta llegar a un final desgarrador donde el artista y el talento, le ganan al personaje. Sencillamente, magnífico.

Con la dirección de Sam Mendes, co-dirigido y coreografiado por Rob Marshall, este musical en gira cuenta con dirección de BT McNicholl, y coreografía recreada por Cynthia Onrubia. Cada uno de estos aportes hacen de “Cabaret” es un musical intenso, con actores, bailarines y músicos de enorme talento, y un despliegue escenográfico simple pero al mismo tiempo, inteligente y dinámico creado por Robert Brill.

“Cabaret”, como parte de su gira nacional 2017 se presenta en el Kennedy Center de DC con una producción de Roundabout Theatre Company. Foto: Joan Marcus. Gentileza JFKC.

Las coreografías de Marshall-Onrubia adquieren gran fuerza en cada una de las escenas y dejan ver bailarines con una sólida técnica, capaces de cantar, bailar, e interpretar complejos personajes, y todo con una ductilidad fuera de lo común. A su vez, el diseño de vestuario, agresivo y procaz de William Ivey Long se amalgama con la iluminación de Peggy Eisenhauer.

El espectáculo, que debutó con gran éxito en 1966 en el Broadhurst Theatre de Broadway, tuvo varias adaptaciones, y en 1972 llegó al cine con Liza Minelli, Michael York y Joel Grey en los protagónicos y la adaptación de Bob Fosse. Durante el tiempo que se mantuvo en cartel, la producción teatral llegó a hacer 1.165 funciones regulares y 21 previas. La actual, de Roundabout Theatre Company, se estrenó por primera vez en marzo de 1998 protagonizada por Alan Cumming y Natasha Richardson, y desde esa fecha hasta 2004 llegó a hacer 2.378 representaciones.

Memorables canciones como “Willkommen” y “Maybe This Time” desfilan por este musical imposible de olvidar, cuyo impactante final no solo hace reflexionar sobre los aspectos más oscuros y despiadados de la raza humana, sino que permite recordar la época más infame de la historia de la humanidad.

Gustavo Wons llega al Dance Institute of Washington, con una propuesta de danza jazz para principiantes y avanzados. Foto gentileza Gustavo Wons.

Tenía 17 años cuando vio por primera vez la película “Chorus Line”, el musical dirigido por Richard Attenborough, protagonizado por Michael Douglas, y en ese momento se dijo a sí mismo: “Esto es lo que quiero hacer”. Deslumbrado por la pasión y la energía de esos bailarines que peleaban por quedar seleccionados en un elenco, el argentino Gustavo Wons empezó a tomar clases de danza a escondidas de sus padres. Ya no hubo vuelta atrás. Dejó su carrera de diseñador gráfico, trató de remar contra la corriente en su casa, donde las expectativas apuntaban a una profesión “seria”, y terminó como bailarín en “Yo y mi chica”, un musical protagonizado por el actor Víctor Laplace en 1989.

Después de ganar una beca Fullbright para estudiar comedia musical en los Estados Unidos, fue bailarín de varios musicales en Broadway, y volvió a la Argentina para reafirmarse no sólo como bailarín sino como coreógrafo. Este año, como todos los años, regresa a los Estados Unidos para dictar clases en Peridance, en Nueva York. Y el 2 de junio, dará una clase magistral en Washington, DC, en el Dance Institute of Washington. Este proyecto en la capital del país, que promete repetirse, cuenta con la colaboración de la actriz argentina Carla Peterson y con el apoyo de la Embajada Argentina en Washington.

En sus giras por los Estados Unidos Wons integró el elenco de musicales que hicieron historia en la Gran Manzana: “Cats”, “King and I”, “Man of La Mancha”, “Damn Yankees”, “West Side Story” y “Radio City Christmas Show”. En Argentina, trabajó en “Chicago”, “El Beso de la Mujer Araña”, “Cats”, “El Diluvio que Viene”, “Molly Brown”, “Calle 42″ y “Broadway”, entre otros. En 2015, escribió, dirigió y coreografió el show “El Gran Final, Tributo a Bob Fosse”, que ganó tres Premios Hugo en la Argentina, y desde hace cuatro años es el coreógrafo de “Susana Giménez”, uno de los programas de televisión de mayor rating en el país.

Formado en los Estados Unidos, Gustavo Wons bailó en Broadway y dicta clases en distintos países de América latina. Foto gentileza Gustavo Wons.

DANZAHOY: ¿Desde cuándo apareció la danza?

Gustavo Wons: Empecé tarde porque no estaba muy estimulado por el lado familiar. Recién me di cuenta a los 18 años. Desde chico tenía devoción por las películas de Gene Kelly y Fred Astaire, y a los 17 empecé a tomar clases en el Taller de Danza Contemporánea del San Martín, un poco a escondida de mis padres, pero sentí que no era por allí, que me atraía mucho más la comedia musical. Al poco tiempo sentí la necesidad de parar y dedicarme a estudiar, gané la beca Fullbright y me fui a los Estados Unidos pensando que no iba a durar más de seis meses. Terminé enamorándome de la ciudad y de lo que hacía, y me quedé dos años.

D: ¿Cómo, siendo argentino, programas tus clases de comedia musical en los Estados Unidos, un país que tiene una fuerte historia en este género?

GW: Me formé en los Estados Unidos, siempre fui amante de la danza-teatro, del jazz y, fundamentalmente, de Bob Fosse, y mis clases están inspiradas en el teatro musical americano pero con un toque argentino, tanto en la forma de encarar la clase como en parte de la música que utilizo. Mi intención es fusionar elementos coreográficos y culturales, con el trabajo básico de una clase de danza, con un calentamiento previo, y al final, una pieza de jazz.

D: ¿Qué diferencias presenta este género en los dos hemisferios?

GW: Por mi experiencia en los dos lugares y con los equipos creativos que venían a montar los musicales de Broadway a la Argentina, creo que desde lo técnico son indiscutibles. En nuestro país todavía estamos tratando de instalar un nivel más alto de profesionalismo en este género, y se ha progresado muchísimo. Lo que me parece remarcable, y que les impacta, es la pasión que ponemos en el trabajo. Se sorprenden de nuestra apertura, el tiempo extra que dedicamos en los ensayos, que allá no existe. Nadie se queda ni un minuto más de lo estipulado porque ese minuto cuesta dinero. Hay una cuestión cultural en nosotros, que es más relajada y apasionada. En Nueva York me decían que me movía diferente, y eso tiene que ver con lo cultural.

D: Si tuvieras que marcar los pros y contras de ser un latino en Broadway, ¿cuáles serían?

GW: A veces, como latino tenía muchos pros y contras, el acento, por ejemplo, algo que tuve que desarrollar mucho. Otra contra es que somos muy relajados, y perdemos disciplina, la gente habla en los ensayos, pero la combinación de esto con el talento da un aporte importante y positivo.

D: ¿Cuáles son los recuerdos de tu infancia relacionados con la danza?

GW: Mi familia es judía y cuando era chico hacía danzas folclóricas judías en la escuela. Era como la estrella y siempre me decían que bailaba bien. Así fue como empecé a bailar. Pero mi motivación era siempre el musical.

“El Gran Final, Tributo a Bob Fosse”, ganó tres Premios Hugo en la Argentina. Foto gentileza Gustavo Wons.

D: ¿Cómo es tu trabajo en el programa de Susana Giménez, y qué diferencias adviertes entre el teatro y la televisión?

GW: Me dediqué mucho al teatro y este programa es mi primera experiencia en TV. La gran diferencia entre lo uno y lo otro es que el trabajo en TV es efímero, porque el mismo día que se hizo, murió, si bien queda registrado en la filmación. En cambio el teatro, con los ensayos, te permite investigar y hacer cosas nuevas. En la TV hay una cuestión de tiempo y se tienen que resolver las cosas de otra manera, A mí me ayudó mucho para entrenarme y aprender a solucionar situaciones en el momento. Me gusta porque exige un nivel mayor de adrenalina, aunque disfruto más el teatro. Lo bueno es ver cómo hacer lucir a la persona para la que se está trabajando. De nada sirve hacer una coreografía maravillosa que no cuadre con el artista.

D: ¿Que extrañas de los Estados Unidos?

GW: Haber trabajado tanto tiempo en USA, donde todo es tan profesional, y las cosas funcionan perfectamente en cada área, es lo que más extraño. Acá, cuando se presentan dificultades, la actitud relajada de todos, afecta al trabajo. Pero se compensa con la disposición de la gente.

D: ¿Por qué Bob Fosse para tu primera producción de un  musical?

GW: Tenía en la cabeza hacer un homenaje a Bob Fosse, a quien admiro profundamente. Llamé a los bailarines, les conté mi idea y les advertí que no había dinero, que no les podía pagar. Y aun así, empezamos a trabajar los domingos. Arrancó siendo una cooperativa, algo que no existe en USA. Con todos esos inconvenientes, y con la incertidumbre de no saber cómo seguir, aun así, seguimos. Es maravilloso ver cómo la gente pone el hombro y se queda por el deseo de hacerlo, de dar rienda suelta a su pasión. Y así logramos que “El Gran Final, Tributo a Bob Fosse” fuera un éxito. Con pasión y trabajo.

Master Class
Jueves 2 de junio, 2016
De 6:30 a 8 PM
Refrigerio después de la clase
Dance Institute of Washington
3400 14th Street, NW
Washington, DC 20010
202-371-9656
Reservaciones
Hacer clic aquí
O registrarse en:
https://gustavowons.eventbrite.com