Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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Gala Centenario Alicia Alonso recorre ocho ciudades de España para homenajear a la gran diva de la danza. Gentileza Arte y Cultura.

Hoy, 7 de mayo, comienza la gira por España de la Gala Centenario Alicia Alonso con una función en el Teatro Auditorio de San Cugat, Barcelona. Este tour que convoca una diversidad de artistas terminará el 6 de junio y abarcará, entre otras ciudades, Madrid, Alicante, Zaragoza, Valladolid, Cádiz, Córdoba y Málaga. Este homenaje, previsto y programado en 2020 en torno a la fecha del nacimiento de Alicia Alonso, el 21 de diciembre, debió cancelarse por la pandemia.

El elenco que participa está integrado por Anette Delgado y Dani Hernández, primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba y la bailarina Ginett Moncho, que actúa con Alexis Tutunnique, primer bailarín del Ballet de Kiev. Participa también Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires, junto a Javier Torres, actualmente primera figura del Northern Ballet (Gran Bretaña). Se suman a la gala la española Eva Nazaret y el cubano Javier Monier; y Oriana Plaza, primera bailarina del Ballet Municipal de Lima, Perú, que tiene como pareja a Maynard Miranda, también cubano, y primer bailarín del Ballet del Teatro de Sibiu, en Rumanía.

Anette Delgado, primera bailarina del BNC, en “Giselle”. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El programa comprende selecciones de varias obras emblemáticas de la carrera de Alicia Alonso, como “Giselle”, “Carmen”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, “Cascanueces”, “La fille mal gardée”, “Coppélia”, “Espartaco” y “La diva”, a lo que se suma un gran final con la participación de todos los artistas.

Pedro Simón, director del Museo Nacional de la Danza de Cuba, manifestó: “Que los jóvenes bailen en honor de Alicia Alonso es la acción más pura y justa que pueda concebirse ante el centenario de una figura que enalteció, como pocas, el arte del ballet clásico, y la danza toda, con su genio interpretativo personal y con las enseñanzas que legó a las generaciones de bailarines de su época y del futuro. Y es que Alicia Alonso no se limitó a recibir la herencia de los grandes maestros que le trasmitieron las tradiciones de siglos anteriores, sino que supo recrearlas, enriquecerlas y llevarlas a nuevos caminos, sin traicionar su esencia, pero haciendo de ellas una experiencia acorde y cercana a los tiempos modernos, a los públicos y artistas de nuestros días”.

Por su parte, el lunes 3, la vicealcaldesa y consejera municipal de Cultura y Proyección Exterior del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández, destacó que en esta gala intervendrán “estrellas” de la danza internacional como Lázaro Carreño, que hará de ‘maître’, ensayador y regidor de el programa pautado. La gala incluirá un audiovisual de Alicia Alonso y sus grandes hitos en su historia como bailarina.

Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires participa con Javier Torres, del Northern Ballet. Foto gentileza Arte y Cultura.

Itinerario

MAYO:

7: Estreno Barcelona San Cugat (teatro Auditorio)

8 y 9 Zaragoza (teatro Principal)

12 Murcia (Teatro Romea)

13: Alicante (teatro Principal)

14: Elche: Gran Teatro

15: IBI (teatro Río)

16: Torrejón de Ardoz (teatro José m Rodelo)

17: Madrid (Teatro Gran Vía)

20, 21, 22 y 23 Valladolid Teatro Calderón)

25: Cadiz (Teatro Falla)

26: Málaga

27: Córdoba (Gran Teatro)

29: Pozuelo de Alarcón (Teatro Mira)

30: Toledo (Auditorio El Greco)

JUNIO:

2: Zamora: (Teatro Principal)

3: Santander: (Palacio de los Festivales)

5: Terrassa (Centro Cultural Terrassa)

6: Manresa (Kursaal)

Elizabeth Powell interpreta a Clara y Damian Smith, Drosselmeyer, en “Cascanueces” del San Francisco Ballet en el War Memorial Opera House (2007). Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Casi a fines de noviembre el San Francisco Ballet sorprendió con el anuncio de su temporada virtual de “Cascanueces”. Meses antes, el director artístico de la compañía, Helgi Tomasson, había confirmado que este tradicional ballet de Navidad no se presentaría este año en el War Memorial Opera House debido a las restricciones por COVID-19. Sin embargo, y dadas las características de esta tortuosa pandemia, la compañía retoma -en línea- esta tradición que comenzó en 1944 con el estreno del primer “Cascanueces” de los Estados Unidos, piloteado por el San Francisco Ballet.

Esta vez, tiene el perfil de una experiencia virtual e interactiva que comenzó el 27 de noviembre y cerrará la temporada el 31 de diciembre. La propuesta es absolutamente conmovedora, y permite al espectador sumergirse en un mundo digital en el que se funden la historia, los juegos interactivos y el ballet completo. Una impecable realización de Blueprint Studios que refleja las características de una comunidad pionera en tecnología.

Realizada por Televisión Pública KQED en asociación con la coproducción de Thirteen / WNET New York, esta versión del “Cascanueces” de Tomasson, con música de Peter Ilyich Tchaikovsky, fue filmada en el War Memorial Opera House en diciembre de 2007. Tiene como protagonistas a Yuan Yuan Tan como la Reina de las Nieves, Pierre-François Vilanoba como el Rey de las Nieves, Vanessa Zahorian como el Hada de Azúcar y Elizabeth Powell como Clara. Y en el grand pas de deux: una magnífica Maria Kochetkova junto a Davit Karapetyan.

Estudiantes de SF Ballet School y el Cascanueces se preparan para atacar al Rey de los Ratones. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con atractivos decorados y un vestuario impecablemente diseñado, Tomasson imaginó su “Cascanueces” en la ciudad de San Francisco y evocó aquella memorable Exposición Panama-Pacific de 1915.

Este ballet que reemplazó en 2004 el original creado por Lew Christensen, primer director artístico de la compañía, transita por esta historia con un delicado equilibrio narrativo y estético. Al comienzo, Drosselmeyer, interpretado con encanto por Damian Smith, se prepara para ir a la fiesta de Navidad de los Stahlbaum. Al llegar, el gran mago y constructor de muñecos mecánicos hace un despliegue de sus creaciones ante la mirada azorada de los niños, y también de los mayores. Sin embargo, la verdadera historia recién comienza cuando Clara sueña con un príncipe Cascanueces. Deliciosa la interpretación de Elizabeth Powell, por entonces una jovencísima y promisoria bailarina cuya delicadeza y frescura logran captar la atención.

Los muebles de la casa se agigantan y allí empieza la inevitable lucha entre el Cacanueces y el rey de los ratones. Un cañón de juguete que explota, caballos aguerridos, valientes soldados, y ratones inmensos y musculosos dispuestos a dar batalla. Hasta que de pronto, Clara trae una enorme y desmesurada trampa para atrapar al monarca. Brillante y sincronizado desempeño de los niños, todos ellos estudiantes de SF Ballet School.

La escena de los copos de nieve, una de las más bellas de este ballet, puso la magia en esta versión virtual. Yuan Yuan Tan, como la Reina de las Nieves, y Pierre-François Vilanoba, como el Rey de las Nieves, con maestría absoluta interpretaron el bello pas de deux que cierra el primer acto de “Cascanueces”. El trabajo del cuerpo de baile, también cuidado y minucioso, se amalgamó con los protagonistas hasta el momento en el que un carruaje con bellísimos caballos transparentes llega en busca de Clara y su príncipe para llevarlos a otros mundos.

Finalmente, llegan al universo de los dulces donde un desfile de personajes se apodera de la escena con sutil delicadeza, con variaciones de danzas de carácter que recorren diferentes estilos. El Vals de las Flores, al igual que los insectos que aparecen en la historia, marca uno de los momentos donde se evoca al invernadero de flores de San Francisco. Excelente Vanesa Zahorian como el Hada de Azúcar, una bailarina que, a lo largo de los años ha reafirmado su estilo y sus sutilezas.

Con delicados brazos, giros veloces y a tempo, y ajustados fouettes, Kochetkova, una bailarina de sólida técnica y conmovedor encanto, hizo una sublime interpretación del Grand Pas de Deux con Karapetyan. Para el final, Clara volvió a su realidad, abrazada a su Cascanueces en el sofá de su casa que, ahora, volvía a ser de tamaño real.

Vals de las Flores en la versión de “Cascanueces” de Helgi Tomasson, evoca al invernadero de flores de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Información

La experiencia digital expansiva de 2020 está disponible hasta el 31 de diciembre de 2020.

La entrada a “Nutcracker Online” tiene acceso por 48 horas.

https://www.sfballet.org/productions/nutcracker-online/

https://www.sfballet.org/digital-viewing-tips/

Anette Delgado y Dani Hernández protagonizaron “Cascanueces” en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Foto gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, el orgullo indisputable de la Mayor de las Antillas, estrena nueva directora general desde el primer día del año 2020 y así da inicio una nueva era, cuando el nombramiento oficial de la primera bailarina Viengsay Valdés fue proclamado -antes de comenzar la representación de “Cascanueces”-, por el ministro cubano de cultura AlpidioAlonso, en el escenario de la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. La respuesta jubilatoria del auditorio no fue de sorpresa, sino de aprobación y reconocimiento. una confirmación de los aficionados al ballet ante la acertada elección artística y política.

Esta re-creación de Alicia Alonso del magistral clásico “Cascanueces”, planteada en dos actos y tres escenas, fue estrenada en noviembre de 1998, durante las celebraciones del aniversario 50 de la mayor compañía de ballet de la isla en el XVI Festival internacional de ballet de La Habana.

En aquel entonces hicimos referencia a las múltiples versiones existentes (más de 50), de este icónico título de los grandes clásicos decimonónicos del repertorio, el cual cuenta con un libreto de Marius Petipa y coreografia asumida “in extremis” por Lev Ivánov (mano derecha del maestro francés, quien se declaró “enfermo” poco antes del estreno fijado por el Mariinski). Petipa partió, para su guión, de una traducción francesa de Alexndre Dumas, cometiendo la “traición” (traduttore tradittore) de convertir a los enigmáticos y terroríficos personajes concebidos por el alemán E.T.A. Hoffmann (en su cuento de 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones), en inofensivos muñecos, en simpáticos ratoncitos, dulces y copos de nieve, sin olvidar la inclusión de hadas y caballeros, al uso en los exitosos ballets “fairy” de esas épocas, tanto en Francia como en Rusia.

La primera versión conocida en occidente data de 1934, llegada de la mano del maitre de ballet ruso Nicolás Sergéyev, debido al valioso rescate de sus cuadernos conteniendo las anotaciones a partir de la definitiva puesta en escena por Ivánov. Desde 1900, ha “sufrido” al cabo de un centenar de años revisiones que van desde las más convencionales hasta las más contemporáneas, pasando por otras que acentuaron los aspectos psicodramáticos de la trama narrativa hoffmaniana. Es indudable que la coreografía de este ballet sigue siendo un reto para los coreógrafos del siglo XXI.

El Ballet Nacional de Cuba empieza el 2020 con un cuerpo de baile juvenil interpretando personajes clave de este clásico del ballet. Foto gentileza BNC.

Para comentar sobre las bondades de la versión de Alicia Alonso en este ballet, me permito reproducir un pertinente párrafo que nos ofrece el abundante y lujoso programa de mano, correspondiente a este ciclo repositor, de varias semanas (diciembre-enero). La Alonso fue una intérprete brillante de los grandes pas de deux de este título: el de la Reina de las nieves y el Hada Garapiñada, que bailó por ves primera en 1945, en tanto que estrella del Ballet Theatre y, ulteriormente, los bailó en la versión de Alexandra Fedórova con el Ballet Ruso de Montecarlo, en 1957 (la bailarina cubana confesó que era “esencialmente” idéntico al de Sergéyev).

Según publicó en la revista Cuba en el Ballet (1999), el crítico y pedagogo Ismael Albelo Oti, la filosofía de la Alonso apela a un recurso moderno en la re-creación de los clásicos tradicionales, préstamo de ese gran clásico de la modernidad que fue Igor Stravinski: “la verdadera tradición es aquella que actúa como una fuerza viva que anima e informa el presente, y no la que llega a nosotros como testimonio de un pasado cumplido”.

En el libro “Diálogos con la danza”, la propia Alonso ha expresado: “Cada época produce formas artísticas peculiares, que responden a un modo de vida y a un momento determinado en la evolución del lenguaje artístico (…) determinado por el desarrollo histórico de la técnica y los modos expresivos. Cuando surge un creador verdadero, el ballet se enriquece; cada aportación artística genuina sobrevive a su autor y se proyecta al futuro, integrada a esa gran tradición”. Por ende, el “Cascanueces” de la Alonso desea, a toda costa, preservar la tradición, esa que Ivánov aprendió de Petipa (sic).

Aquí se restituye la magistral escena de los copos de nieve y su brillante pas de deux (actualmente no aparecen en las producciones más representadas). Los pasajes dominados por las pantomimas fueron aligerados, al remplazarlos con bailables de todo el cuerpo de baile y de los solistas. Por consiguiente, Alicia Alonso “pretende dar su visión estética del clasicismo ruso, dentro de los moldes conservadores y los respetados cánones de la escuela cubana de ballet”, apunta Albelo Oti.

Las nuevas directivas, acusan una sabia ejecutoria en el dominio artístico-técnico, si tenemos en cuenta el porcentaje mayoritariamente juvenil del cuerpo de baile actual de la compañía (edad promedio de 22 años), los cuales estrenan personajes claves de la narración. Valdés, quien posee sobrada experiencia con este título del repertorio, se ha rodeado de un equipo con reconocida veteranía para aportar sus saberes. Mas no bastó este esfuerzo local y decidió invitar al virtuoso bailarín argentino Julio Bocca (ex primera figura del ABT y exdirector de compañías suramericanas de ballet), para colaborar en la revisión de los ensayos del cuerpo de baile y en los ajustes estilísticos para la ejecución correcta de los fundamentales grands pas de deux con los primeros bailarines alternantes y los solistas, para clarificar los matices definitorios de los perfiles dramatúrgicos.

En general, la producción mostró una sensible mejoría en el diseño de luces, particularmente en las escenas del primer acto, como es el caso la escena de los copos de nieve que contó con la disciplinada participación de la escolanía del GTH, colocada a ambos lados de la escena de la Sala García Lorca. El vestuario del italiano Fiorato ha sido desempolvado en gran parte, recobrando lucimiento. En cambio, de la escenografía no podemos decir lo mismo. Sigue evidente su deterioro en el segundo acto, tampoco la iluminación pudo enmascararlo.

La Orquesta sinfónica del GTHAA, desde el foso, bajo la batuta del maestro Yhovani Duarte, su director titular, se desempeñó encomiásticamente en la entrega de esta esplendorosa y difícil partitura de Tchaikovski, una de las últimas que escribió para ballet. Las ejecuciones no olvidaron su papel de acompañante de bailarines en movimiento con especificidades dramáticas, sin embargo, algunas desafinaciones pasajeras fueron sutilmente presentes. Conocemos de la existencia de recién graduados juveniles como integrantes de los atriles del conjunto, que acometían por vez primera estas partituras.

Y en el cierre final del telón, estallaron las ovaciones en pie por varios minutos. Esto permitió observar que otra impronta de la Alonso, tiene su continuidad “ad honorem” de la nueva directora general: la primera bailarina Viengsay Valdés, que no bailó en esta temporada de “Cascanueces”, salió a saludar junto con el elenco que se desempeñó la última noche, segura del importante legado que debe defender en adelante.

En esta ocasión, se destacaron a lo largo del ciclo, los primeros bailarines Anette Delgado, Grettel Morejón, Dani Hernández y Rafael Quenedit; los bailarines principales Ginett Moncho, Chanell Cabrera y Yankiel Vázquez; entre los primeros solistas Daniela Gómez, Katherine Ochoa, Chavela Riera y Diego Tápanes, así como dos bisoños promisorios en Diana Menéndez y Alejandro Olivera, tanto por su desempeño técnico-estilístico como por el histrionismo revelado en sus respectivos roles. Haciendo un aparte, para hacer justicia, al señalar el trabajo integral escénico del primer bailarín de carácter Ernesto Díaz, interpretando con notable presencia y evidentes matices su desdoblamiento como el invitado Drosselmeyer.

Viengsay Valdes (ctro.) en su primer saludo como directora general del Ballet Nacional de Cuba junto a los intérpretes de “Cascanueces” en versión de Alicia Alonso. Foto gentileza BNC.

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Herr Drosselmeier lleva a Marie a un universo deslumbrante en “Cascanueces” de Yuri Possokhov, interpretado por el Atlanta ballet en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Cuando los engranajes de los relojes comienzan a multiplicarse como por arte de magia sobre la pantalla, estallan nuevas imágenes que permiten espiar un mundo diferente.

Como en un torbellino, el hechizo se apodera de los espectadores y los transporta, en una suerte de vértigo incontrolable hacia una ciudad alemana, maravillosa, bella, enternecedora, como en los libros de cuentos. La cámara recorre, en un vuelo incontenible, cada una de las calles de ese pueblo imaginario hasta que llega a captar a ese extraño personaje, constructor de sueños y de enigmas: el propio Herr Drosselmeier.

Así comienza este “Cascanueces” de Yuri Possokhov, coreógrafo residente y ex primer bailarín del San Francisco Ballet, que el Atlanta Ballet llevó al Opera House del Kennedy Center en el fin de semana del Día de Acción de Gracias. En esta fecha, que marca el comienzo de la temporada de Navidad en los Estados Unidos, el “Cascanueces” es un clásico. Pero éste, en particular, se instala sobre la historia tradicional con un concepto diferente que incorpora magníficos efectos visuales, de gran belleza y armonía.

Un gran libro en escena va contando en imágenes la trama del “Cascanueces” que el Atlanta Ballet estrenó en Washington en la semana del Día de Acción de Gracias. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Possokhov creó un Herr Drosselmeier, el relojero, fabricante de muñecos mecánicos, y padrino de los niños Stahlbaum, que rompe con el estereotipo. En este caso, es el que narra la historia y es, a su vez, hacedor y protagonista de esta trama visual y real, donde se mezclan proyecciones y acciones protagonizadas por los bailarines. Algunas escenas retrotraen a algunos filmes animados, otras rememoran a aquella bella película de Martin Scorsese, “Hugo”, y por momentos, también recuerdan el concepto creado por Robert Zemeckis en “Who Framed Roger Rabbit” donde la realidad y la animación se entrelazan.

Y si bien no se trata de la típica fiesta navideña de “Cascanueces”, plena de elegancia y formalidad, aquí el coreógrafo intenta despegarse del cliché y diseñar su propia fiesta. Sin muñecos mecánicos, pero con bellos títeres danzantes. Sin árbol de Navidad que crece durante el sueño de Marie, pero con muebles inmensos y un deslumbrante mapa de las constelaciones que incita a transitar por las estrellas.

Este “Cascanueces”, quizás uno de los más refinados y modernos en cuanto al concepto estético, permite sonreír, sorprenderse y sumergirse en su propia magia. De hecho, Possokhov hace que el espectador abra el libro de su propia imaginación y deja que las páginas vayan corriendo a medida que transcurre la historia, de la misma forma en la que un niño podría devorar ese inquietante libro de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones” escrito en 1816.

Una concepción inteligente, multimedia, donde prevalece el humor delicado y fino, contada con una mirada romántica que aparece desde el principio en una escena en la que una pareja de patinadores sobre hielo se besan mientras la gente que pasa los mira.

Todo es enternecedor en este “Cascanueces” en el que Possokhov reafirma su refinamiento como coreógrafo, una cualidad que viene demostrando desde hace más de 20 años cuando estrenó sus primeros trabajos con el San Francisco Ballet. Danza fluida, delicada, consistente, bien estructurada y asombrosamente musical.

Con bellísimos trajes realizados por de Sandra Woodall, ingeniosos trucos visuales en la escenografía de Tom Pye; proyecciones de Finn Ross y una estupenda iluminación de David Finn. Quizás esta es una de las pocas realizaciones en la que los efectos especiales no sirven de excusa para una narración coreográfica débil. Todo lo contrario.

Marie, la niña Stahlbaum, interpretada con sutil candidez por Remi Nakano, permite entrar en una trama en la que el espectador también es cómplice del sueño, de la aventura y del romance. La niña se enfrenta a los ratones que se deslizan sobre sus barrigas, que caminan por las cornisas de la casa, y pelean con crueldad. Las muñecas-bailarinas y los soldados de madera saltan de un gran armario para ayudar a Marie a luchar contra los ratones.

En su sueño como adulta, Marie (Airi Igarashi) baila con un apuesto príncipe Cascanueces (Vitor Luiz). Un gran trabajo de la pareja solista, cuya musicalidad se reafirmó en cada uno de los pas de deux creados por el coreógrafo. Apoyados por una compañía sólida y atractiva.

Desde ese inmenso libro de cuentos suspendido en escena, en el que las páginas fueron pasando una a una, este “Cascanueces”, aporta una nueva mirada que vuelve a iluminar la ilusión y el romanticismo, como también, la belleza de la danza en todo su esplendor.

Basado en el libro de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones” escrito en 1816, Yuri Possokhov recrea la historia desde una visión tecnológica y romántica. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Lourdes López a punto de lanzar la programación de la temporada 2019-2020 que comienza en Miami y luego sale de gira por el Este y el Oeste de los Estados Unidos. Foto gentileza MCB.

Ballerina y maestra, Lourdes López, por poco más de un lustro directora artística del Miami City Ballet (MCB), con sede en un icónico inmueble art déco de la ciudad de Miami Beach. Privilegiada discípula de Georges Balanchine, tenía apenas un año cuando llegó de Cuba a Miami con sus padres. Después de superar ciertas anomalías congénitas de sus pies logró ingresar –primero en la Joffrey School– y luego a los 14 años consiguió una beca en la afamada School of American Ballet. Por su esforzado rigor en su formación técnica, fue seleccionada para formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet.

Su distintiva musicalidad y su especial calidad de movimiento, combinadas con su personal glamur, fueron fundamentales para que el todopoderoso Mr B decidiera sus promociones sucesivas en los rangos del NYCB, hasta culminar en el anhelado puesto de “principal” en 1984, el cual desempeñó con éxitos de público y crítica, hasta decidir su retiro de la escena. El ejercicio de ballet mistress y el de directora, desde 2013, la han colmado de satisfacciones personales, mediante los logros artísticos alcanzados por el MCB.

Con una apretada agenda de clases, ensayos y montajes, y ante el comienzo de la temporada 2019-2020 el 18 de octubre con “Slaughter on Tenth Avenue” de Balanchine, la directora, optó por varias reposiciones y estrenos, así como dos grandes “war horses”: “Don Quijote” y “El cascanueces”.

Danzahoy: Para comenzar, ¿cuáles fueron tus criterios para la elección, estética y temática de las obras?
Lourdes López: En esta temporada solamente tenemos estrenos de dos creadores vivos, Justin Peck y Christopher Wheeldon, y la reposición de una pieza de Alexei Ratmansky. Ninguno de ellos pudo venir a Miami, pero los repositores autorizados han estado al frente de los montajes.
En cuanto a la primera cuestión, programo no por temáticas, doy prioridad a las piezas que resultan buenas para el enriquecimiento cultural y estético tanto del público como de los bailarines. Me importa mucho saber cómo se ha de sentir el público después de verlas. Es así como las combino, en busca de un equilibrio con lo clásico y lo contemporáneo. De las reposiciones, opino que mientras más las bailan mejor será la entrega. Deben bailarlas en ocasiones sucesivas cada dos o tres años, para que las incorporen mejor, particularmente en el plano de los estilos. Los grandes ballets del repertorio clásico, preferimos que los vean cada cuatro o cinco años. En esta ocasión, tenemos “Don Quijote”, en la versión que baila el American Ballet Theatre, y “El cascanueces”, por supuesto, hacemos la coreografía de Balanchine.

D: ¿Cómo se incorporan a la compañía los nuevos talentos surgidos recientemente?
LL: Ahora hemos llegado a contar con 53 bailarines, el número más grande que jamás hemos tenido. Esta vez tendremos al excelente bailarín cubano Carlos Quenedit, que interpretará Basilio en nuestro “Don Q” con la primera bailarina mexicana Katia Carranza. Por otra parte, la distinguida solista Nathalia Arjase estrena en el pas de deux “Pájaro de fuego” (Balanchine/Stravinsky). También cuento con dos chicos y dos chicas, muy jóvenes (de 19 ó 20 años) que, en dos semanas de ensayo conmigo han demostrado progresos evidentes y especial talento.

Una de las elegidas de George Balanchine en el NYCB, Lourdes López asumió la dirección del Miami City Ballet en 2013. Foto gentileza MCB.

D: ¿Y la selección de las obras que ya pueden considerarse clásicas?
LL: Consideramos mucho los permisos del Balanchine Trust, pues nos autorizan a bailar por primera vez piezas del repertorio del NYCB. Entre ellas el pas de deux “Pájaro de fuego” con nueva puesta en escena y vestuario, que solamente lo baila la agrupación neoyorkina. Igualmente, “I´m Old Fashioned”, un homenaje de Jerome Robbins a Fred Astaire, uno de los grandes bailarines de entonces. Nuestros solistas bailarán ante las estrellas del famoso filme de 1941, que se proyectarán en una gran pantalla a sus espaldas, Astaire y Rita Hayworth, con su glamur hollywoodense “irresistible y conmovedor”. El público tendrá reales motivos para salir eufórico del teatro.

D: ¿Cuáles son los estrenos elegidos?
LL: “Rodeo: Four Dances Episodes” es una recreación de Justin Peck que rinde homenaje a la coreógrafa norteamericana Agnes de Mille (con la que se hizo famosa), siempre con la música original de Aaron Copland, realizada para el NYCB será representada por vez primera fuera de su compañía de ballet. El pas de deux “This Bitter Earth” de Wheeldon sobre la música seductora de Max Richter con la voz en off de Dinah Washington, es un dúo muy hermoso pero muy triste, conmovedor.

D: Si bien no es un estreno, reponen “Symphonic Dances” (2012) de uno de los más afamados coreógrafos del momento, el ruso Ratmansky, que coincidentemente ofreció su obra “ConcertoDSCH” (de 2008) al Ballet Nacional de Cuba, obra que también bailó el Ballet del Teatro Mariinski en el Covent Garden de Londres en 2014.
LL: Me alegra mucho que el BNC tenga un ballet de Alexei (Ratmansky) en un futuro cercano. El que bailamos en nuestro conjunto siempre es muy bien recibido por el público, y aportó mucho a nuestro elenco.

D: ¿Cómo se manifiesta el público de Florida con relación al ballet, y particularmente en cuanto a los programas del MCB?
LL: Realmente la respuesta del público ha sido muy buena en los últimos años, buena venta de subscripciones y de taquilla. El nivel de asistencia ha sido alto, a Dios gracias. Hemos superado una precedente apatía.
D: ¿Cómo se desarrolla su relación profesional y personal con la nueva dupla que rige actualmente el NYCB?
LL: Puedo decirte que muy buena. Tanto con Jonathan (Stafford) que no conocía antes de mi retiro, como con Wendy (Whelan), pues fuimos amigas cuando bailamos juntas en el cuerpo de baile del NYCB. Ambos siguen siendo buenos colegas.

Lourdes López incluye en la programación del MCB clásicos de Balanchine, estrenos de Justin Peck y Christopher Wheeldon, y una reposición de Alexei Ratmansky. Foto gentileza MCB.

D: ¿Padece el MCB la carencia de nuevos talentos coreográficos, como se manifiesta en otras compañías de ballet? La programación de la nueva temporada está sostenida por nombres de gran reconocimiento…
LL: En cierta manera sí. Pero esto lo vamos paliando y superando con la participación de los estudiantes que participan en las escuelas de verano y de invierno. A la par, existe un taller coreográfico del cual han surgido dos jóvenes con promisores talentos coreográficos, que han creado piezas para los participantes de ambos cursos. Uno de ellos compone en la línea contemporánea y el otro (una chica) en la clásica… sin duda me parece muy clásica. En la temporada de 2020 le daremos oportunidad a un joven talento en lo contemporáneo, pues ha montado siete danzas muy creativas para los participantes.

D: ¿Cuál será su posición, en tanto que mentora de una institución estadounidense de ballet, con respecto a los cambios en la cúpula directriz del Ballet Nacional de Cuba?
LL: Me parece una elección positiva, es darle paso a generaciones más jóvenes. A Viengsay Valdés la he visto bailar de manera brillante, la he admirado por su baile. Estamos dispuestos a ayudarla en lo artístico y profesional. Para eso somos compañías homólogas como artistas de la danza y geográficamente vecinas.

D: ¿Cómo han programado las giras a corto plazo para 2019-2020, tanto locales como internacionales?
LL: Hasta ahora, nuestros planes de gira confirmados son los inmediatos: actuaremos en escenarios de varias ciudades del Sur de la Florida en 2019, aunque luego iremos a Washington DC, a California, y en 2020 a importantes ciudades de Canadá.

D: En 2020, en Cuba están preparando varias celebraciones para el centenario de Alicia Alonso, particularmente durante el bienal Festival Internacional de Ballet de La Habana, (octubre-noviembre). ¿Aceptaría una invitación para bailar en esas conmemoraciones?
LL: Espero que puedan celebrársele sus 100 años como ella se merece, y que esté mucho más tiempo entre nosotros. Y que sea posible estar presentes.

The Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, se presenta en el Warner Theater hasta el 24 de diciembre. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB.

A fines de noviembre, justo en la semana de Acción de Gracias, Lara Asch debutó como uno de los ratoncitos de “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC, y en otras funciones, también fue uno delos polichinelas escapados de la gran falda de Mother Ginger. Casi una semana después, Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio.

Lara y Sofía, compañeras de cuarto grado en la Escuela Argentina de Washington, durante varios meses dividieron su tiempo entre la danza, algo que las apasiona; la escuela “americana”, como suelen llamarla, y el aprendizaje del español durante cuatro horas los sábados por la mañana. Para las dos, al igual que para muchos otros niños que año tras año participan de esta obra tradicional de la Navidad, es una experiencia especial, y hasta inolvidable. Y quizás sea la semilla para una elección de vida en el mundo del arte.

Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio. Foto gentileza familia Bentolila.

Más de cien producciones invaden cada año los teatros más famosos y los más recónditos de los Estados Unidos. Las propuestas, que varían en estilos, formas y estéticas, no solo se limitan a contar una mágica historia para toda la familia, sino que también se convierten en un fenómeno singular que combina estrategias de marketing, calidad artística y participación comunitaria.

Noviembre es, por excelencia, el mes de lanzamiento en los Estados Unidos, y las funciones continúan hasta el 31 de diciembre, como ocurre, entre otros, con el New York City Ballet en el David H. Koch Theater en Nueva York. Algunas compañías hacen un par de funciones y otras, como el American Ballet Theatre, salen de gira.

Uno de los clásicos infaltables y, quizás, el más simbólico de la Capital del país, es el “Cascanueces” del Washington Ballet (TWB), con coreografía de su antiguo director, Septime Webre. Esta puesta narra la trama de Clara y el príncipe Cascanueces a partir de personajes de la historia fundacional de los Estados Unidos y elementos simbólicos de la lucha por la independencia. TWB hizo sus primeras presentaciones este año el 25 y 26 de noviembre en el Town Hall Education, Arts and Recreation Campus (THEARC), en el sudeste del Distrito de Columbia, para luego pasar, desde el 30 de noviembre al 24 de diciembre al Warner Theatre de DC, un lugar ya tradicional para la compañía dirigida por Julie Kent.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia. Y así como hay producciones netamente locales, hay otras itinerantes que reclutan niños de las escuelas de ballet del área. Lara, comenzó a hacer ballet porque muchas de sus amigas tomaban clases, y cuando llegó la convocatoria para formar parte del elenco del Kansas City Ballet en el Kennedy Center, quedó seleccionada. “Lo que más me gusta de ‘Cascanueces’ –dijo–, es que es difícil pero divertido a la vez”. Su primer debut en este clásico fue años atrás en el Warner Theater. Y aseguró que lo que más le gustaría, es personificar a Clara. “Los ensayos eran todos los fines de semana –relató la niña–, comenzaron en septiembre, pero al principio eran muy cortos, y cuando se acercaba la fecha del primer show, eran de ocho horas”.

En muchos casos, las recaudaciones totales, entre entradas y mercadotecnia, alcanzan a cubrir el 25 por ciento del presupuesto anual de una compañía de ballet. Y en los Estados Unidos, se ha convertido en furor desde hace más de 50 años.

Cuando Sofía tenía 4 años, sus padres la anotaron en ballet para ver si le interesaba, y no solo le gustó, sino que desde ese momento nunca dejó de ir a las clases, y a los 5 años empezó en el Ravel Dance Studio, “lugar que adora”, confirmó su mamá. “Lo que más me atrae de ‘Cascanueces’ es la música, en especial, la de la escena de la fiesta –comentó –. Y me gustaría mucho ser Clara”. Sofía debutó por primera vez en “Cascanueces” el 2 de diciembre de este año, y quedó fascinada. Y desde luego, toda la familia dio el “presente” en el teatro.

“Cascanueces”, es una de esas piezas donde se combinan varios elementos que la convierten en una especie de poción mágica: el cuento escrito por E. T. A. Hoffmann en 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones”; la fantástica música escrita por Piotr I. Tchaikovsky, y la coreografía, con versiones diversas, basada en la original de dos de los grandes genios del ballet clásico, Marius Petipa y Lev Ivanov. No obstante, la primera versión en los Estados Unidos fue creada por Willam Christensen en 1944 para el San Francisco Ballet (SFB), compañía que había fundado con sus hermanos Lew y Harold en 1933. Esa misma versión subió hace un par de años al escenario del Kennedy Center de Washington DC, a través de Ballet West.

Lara Asch debutó en noviembre como polichinela en “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC. Foto gentileza familia Asch.

Christensen se inspiró en el relato del entonces joven George Balanchine y de Alexandra Danilova. Y el estreno fue precisamente en la Nochebuena de 1944. Cuando en 1951 Willam se radicó en Salt Lake City, en Utah, para fundar Ballet West en 1963, montó su “Cascanueces”, y desde entonces, lleva más de 60 temporadas con la compañía dirigida por Adam Sklute, ex bailarín y director asistente del Joffrey Ballet.

Valentina Kozlova Dance Conservatory, presentó el 2 de diciembre “Nutcracker Winter Suite”, protagonizada por los medallistas del Valentina Kozlova International Ballet Competition 2016, Nikita Boris y Justin Valentine, y los becarios de Vaganova Ballet Academy en San Petersburgo, Russia, como una forma de incentivar a las jóvenes generaciones.

Desde el norte hacia el sur y desde el este hacia el oeste del país, “Cascanueces”, estrenada en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, tiene la particularidad de convocar a los estudiantes de ballet, y de convertirlos en protagonistas. Los primeros que la hicieron: Antonietta Dell’Era, como el Hada de azúcar, Pavel Gerdt, como el príncipe Coqueluche, Stanislava Belinskaya como Clara, Sergei legat como el Príncipe Cascanueces y Timofey Stukolkin como Drosselmeyer.

Más allá del virtuosismo de los bailarines principales, la obra adquiere un carácter integrador con la presencia de los niños del área, sea cual sea la ciudad, quienes descubren el encanto particular de este ballet, y empiezan a formar parte del grupo de “futuros espectadores”.

“El Cascanueces” del Royal Ballet of London protagonizado por Lamb, Alexander Campbell y Steve McRae. Foto gentileza Visión Digital.

El 5 de diciembre, a las 20.15h, desde el Royal Opera House se presenta en directo en cines de toda España el ballet de “El Cascanueces”. Esta gran producción del clásico navideño, dirigida por Peter Wright, llega a más de 147 salas en su primer día de puesta en escena en Londres, de la mano de Versión Digital, distribuidora líder de contenido alternativo.

Estructurado en dos actos, “El Cascanueces” fue encargado por el director de los Teatros Imperiales, Ivan Vsevolozhsky, en 1891 y se estrenó el 18 de diciembre de 1892 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo.En la producción original la coreografía fue creada por Marius Petipa y Lev Ivanov, y el libreto fue escrito por Ivan Vsevolozhsky y el propio Petipa. Antes de su estreno Pyotr Tchaikovski seleccionó ocho de los números del ballet formando la Suite “El cascanueces op. 71ª”, concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sección de la Sociedad Musical en San Petersburgo.

Duración: 135 min. Incluyendo un intermedio

Basado en la adaptación del relato “El cascanueces y el rey de los ratones” de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann, adaptado por Alejandro Dumas (padre), y con la popular música compuesta por Tchaikovsky entre 1891 y 1892, “El Cascanueces” recién adquirió popularidad en los años ’60,

La versión del Royal Ballet conserva fragmentos del material original del ballet, incluido el famoso pas de deux para el Hada del azúcar y su príncipe, y cuenta con un reparto encabezado por los bailarines principales de la compañía. En la noche del estreno, los protagonistas serán: Sara Lamb, Alexander Campbell y Steve McRae.

La magia escénica del ballet de Lev Ivanov junto a la escenografía de Julia Trevelyan Oman realizada para el Royal Ballet, y un vestuario de 600 piezas que datan del estreno mundial de la compañía en 1984, recrean la Noche de Navidad de la joven Clara. Una noche en la que los muñecos cobran vida y arrastran a la niña a vivir mágicas aventuras, convirtiendo a “El Cascanueces” en un imprescindible de la temporada navideña.

Reparto

Afiche de “El Cascanueces”.

El Hada de azúcar: Sarah Lamb

El príncipe: Steven McRae

Clara: Francesca Hayward

Hans-Peter/El Cascanueces:  Alexander Campbell

Herr Drosselmeyer:   Gary Avis

Director musical:   Barry Wordsworth

Coro:    London Oratory Junior Choir

Orquesta: Orchestra of the Royal Opera House

En cartelera

Las entradas para “El Cascanueces” el 5 de diciembre están a la venta en cines de toda España y en www.rohencines.es.

Gabriela Alberti e Iñaqui Urlezaga en “Lago de los cisnes”, obra que subirá a escena el Ballet Clásico Nacional en el Parque Centenario. Foto gentileza BCN.

Entrevista a Gabriela Alberti, primera bailarina del Ballet Clásico Nacional (BCN) dirigido por Iñaqui Urlezaga, maestra del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISA), teatro en el que desarrolló su carrera como bailarina realizando los principales roles del repertorio clásico. Sus próximas funciones son del 2 al 6 de diciembre en Parque Centenario, donde la compañía presentará “Lago de los cisnes”, con entrada gratuita y libre para todo público.

A los 16 ingresó al cuerpo de baile del Teatro Colón por concurso. Desde entonces, durante la carrera de Alberti la municipalidad no volvió a abrir otro, para así hacer posible la movilidad del ballet. Los bailarines no pudieron legitimar lamentablemente entonces los roles que iban ocupando; tal es así que a la bailarina argentina la elegían para bailar en los papeles principales, pero figuraba como cuerpo de baile.

De esta manera, a punto de jubilarse, luego de 30 años como bailarina del ballet del Teatro Colón, se le presenta el problema que no lo puede hacer, conforme a la carrera que realizó. “Ahora tengo que jubilarme y quisiera hacerlo acorde a la carrera que realmente hice:tengo los programas, los videos, las críticas que acreditan que yo realicé una carrera como primera bailarina, entonces no corresponde que me jubile como cuerpo de baile”, expone.

El teatro ofrece a los bailarines también un recurso que se llama “retiro voluntario” pero en una de las cláusulas figura que quienes tomen este retiro no podrán ser contratados por este teatro por cinco años. Alberti desde hace también cinco, trabaja como maestra del ISA, puesto que califica de una “gran responsabilidad porque enseño a las próximas generaciones de bailarines”, dice. Una colega tomó ese retiro voluntario y como resultado trabajó gratis por casi dos años ―lamenta― hasta que le resolvieron la situación. “Si no son los bailarines del Teatro Colón que forman y trasmiten la tradición del ballet¿quién lo va a hacer?”, se pregunta conmovida.

Estilizada, de piernas kilométricas, con un cuerpo muy al estilo Vaganova, ni bien entró al ballet del Teatro Colón, coreógrafos nacionales e internacionales comenzaron a designarle los papeles principales. Su primer protagónico fue con Julio Bocca en “Bayadera”, quien luego la invitó para bailar en su ballet. EldarAliev, director del Ballet de Indianápolis cuando vino a reponer junto a Irina Kolpakova “La Sílfide”, la convocó a formar parte de su ballet en Estados Unidos. Asimismo el English National Ballet le ofreció una beca para estudiar en Inglaterra entre otras varias oportunidades que la bailarina tuvo gracias a su calidad artística.

A pesar de estas ofertas de partir al exterior, en el Teatro Colón estaba haciendo la carrera que ella tanto había soñado y trabajado. Le ofrecían protagonizar roles y hacer obras completas, lo que la motivaba para seguir, sentía que podía desplegarse allí como bailarina y artista. Así que esto, más los años de dedicación y formación en ese teatro, además del amor por el primer coliseo, hicieron que la bailarina decida quedarse. “La cuestión de bailar en el escenario de ese teatro es impagable; por el placer de bailar en el teatro Colón en el que estudié desde los 11 años y que tanta historia y tradición tiene quizás uno soporta injusticias (de tipo administrativas)”, reflexiona.

Cuando vio por primera vez bailar a Maya Plisetskaya “La muerte del Cisne” en televisión supo que era eso lo que quería hacer en la vida: ¡bailar! Enseguida, le dijo a su abuela que quería ser como esa bailarina que veía por la tele. Ante el deseo de la niña, su abuela le regaló unas alpargatitas para que diera sus primeros pasos. A los 11 entró a la escuela de ballet del Teatro Colón a donde durante la mañana estudiaba la carrera de danza y por la tarde, en el instituto privado de Gloria Kazda. “Yo aspiraba a bailar en el escenario del Teatro Colón y llegar a primera bailarina, era un disfrute diario, el deseo que me miren, elijan y poder bailar; cada vez la motivación era mayor y la entrega, más fuerte”.

Como bailarina del Teatro Colón pudo trabajar con maestros, repositores y coreógrafos de la escuela rusa de la que aprendió y siguió, “absorbí como esponja cada indicación de los maestros rusos porque me encantaba la manera de bailar rusa que siempre me pareció muy elegante y refinada. Los port de bras y las cabezas de la escuela rusa son distintivos”. Desde hace diez años conoce a Tatiana Fesenko, actual directora del ISA y ex bailarina del Kirov a donde estudió con Elena Shiripina. “Con ella profundicé muchos los roles blancos y admiro mucho sus brazos, sus manos, para mí son únicos”, se explaya.

Con el Ballet Clásico Nacional

La bailarina se siente agradecida de haber sido llamada para bailar en el Ballet Clásico Nacional (BCN) con el que presenta piezas como “La Traviata” (bailaron en octubre y noviembre con seis funciones en el Teatro Coliseo). “Yo creo que este ballet es una genialidad, Iñaqui es muy talentoso y le gusta crear; tuvo el coraje de tomar clásicos como el “Lago de los cisnes” o el “Cascanueces” y hacer sus propias versiones. No hay muchos que se dediquen a hacer ese tipo de trabajo”, dice entusiasmada.

En estos momentos mantiene su cuerpo con pilates además de su clase diaria de ballet, “doy gracias de poder seguir estando a mi edad en el escenario y que el cuerpo me responda”, dice. Desde hace cuatro años es primera bailarina del flamante BCN, creado en 2013 por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y que a partir de este año pasó a formar parte del Ministerio de Cultura. “La interpretación arriba del escenario es un placer que me brota, yo lo vivo al personaje, es una metamorfosis que se produce y todo fluye”, señala. Prepara los roles con mucha profundidad y dedicación, “para este rol (el de Violeta, en “La Traviata”) me preparé reparando en la letra de la ópera de Verdi y leí el libro, luego fui buscando al personaje en mí y con el traje, la escenografía, los primeros compases ya estaba metida íntegramente en el personaje. Ese día soy Violeta y no Gabriela”.

En una gira por España con el BCN en 2015 le sucedió algo increíble: los medios dieron la triste noticia del fallecimiento de Plisetskaya (su faro y por quien comenzó a bailar) y como imagen pusieron a la bailarina argentina bailando “La muerte del Cisne”. “No te puedo explicar cuando me di cuenta de que era yo, las lágrimas que me salieron. Es fuertísimo y esa noche yo tenía que bailar ‘La muerte del Cisne’, fue algo muy especial bailar esa pieza cerca de la que fue mi inspiración”.

En “La Traviata”, con coreografía de Iñaqui Urlezaga, Gabriela Alberti encarna a Violeta, la heroína de esta obra. Foto gentileza BCN.

Con Urlezaga tienen mucha química y espera seguir teniendo la posibilidad de continuar interpretando las creaciones de este “genial coreógrafo y creativo, de bailar también otros estilos y expresar con el cuerpo nuevos desafíos artísticos”.

La bailarina desea poder seguir buceando en las profundidades de la danza, que muchas veces, como el bailarín convencionalmente tiene una vida útil de 40 años, muchos deciden cortar definitivamente con la profesión. ¿Qué pasaría si aprovechando la experiencia, la capacidad de movimiento, con la técnica ya inmersa en el cuerpo y la memoria y los conocimientos, se experimentara y desarrollara variedades de piezas artísticas a partir de esta edad?

El caso de Baryshnikov es ejemplificador, él ofrece al público historias y piezas de danza-teatro de calidad para y desde un cuerpo de más de 40.Se contarían otras historias más reales y más allá de las edades acostumbradas de niñas de 15 años o jóvenes casaderas; pero esto es ¡otra historia!

Y como afirma Alberti, a partir de cierta edad ya pesa ponerse una coronita o un tutú y contar una historia de una niña porque la vida pide y está dispuesta a contar otras realidades.“Espero poder seguir expresando la música e interpretando siempre (con y para la danza)”.

“Desde que estoy con Iñaqui es un disfrute tras otro. Lo admiro como coreógrafo”.  Interpretar el rol de Violeta fue todo un desafío ―comenta― porque en el Colón había tenido la posibilidad de realizar todos los roles blancos y menos los de carácter y con una exigencia interpretativa mayor como puede ser Manon por ejemplo. Pero el ballet también presenta los clásicos con coreografía de Urlezaga, este caso el ballet se presentará en diciembre con el Lago de los Cisnes en el Parque Centenario de Buenos Aires. Esta obra encuentra a una Alberti íntegra, con un cuerpo esbelto, una técnica perfecta y una madurez que permite a su arte fluir y brindarse profundamente al personaje.

El plato fuerte de esta obra llega al final del segundo acto con el Grand Pas de deux del Hada Garapiñada y su Caballero interpretado por tres parejas diferentes. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Ballet Nacional de Cuba no podía ser menos –pasamos revista a las programaciones de sus iguales en el planeta-, el primer mes de año 2017 sin rescatar de su repertorio activo su producción de “El cascanueces” , en versión de su directora general y prima ballerina assoluta Alicia Alonso, estrenada en el XVI Festival internacional de ballet de La Habana de 1998, uno de los grandes clásicos creado por Lev Ivánov, en colaboración con Marius Petipa y el genial soporte musical de P. I. Tchaikovski.

La reposición se realizó en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. La dirección del principal coliseo de la capital cubana se vio presionado por el entusiasmo manifestado por el público local y foráneo, tanto por chicos y grandes, aficionados a este género dancístico –que colmo el aforo de la mencionada sala los tres primeros fines de semana de enero-, y debió programar un día extra en la semana de cierre de la temporada “invernal”.

Esta afortunada decisión permitió, al público y crítica especializada, valorar las prestaciones de la pléyade de jóvenes talentos del BNC, bisoños o no, que asumirían los papeles protagonistas y a los solistas que defendían por vez primera los secundarios, así como los rangos sucesivos del cuerpo de baile, tan importantes en esta pieza decimonónica. Que fuera estrenada hace 125 años en el teatro Mariinsky de San Petesburgo, el 18 de diciembre de 1892.

Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación de un personaje clave en “Cascanueces”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Otras versiones
Como es sabido por los cubanos aficionados al ballet, y un amplio sector de los habitantes de la Mayor de las Antillas, Alicia Alonso concibió “su” Cascanueces, en dos actos y tres escenas, apegada a las más tradicionales existentes cuando enriqueció sus saberes al ocupar los primeros rangos de importantes compañías de ballet de Estados Unidos y de Europa. Por supuesto que está basada en la original de Ivánov, empero posteriormente adoptó las aportaciones de grandes maestros de la “antigua escuela rusa”, como es el caso de Nikoai Sergeiev, Alexandra Fedorova. Luego, aperecieron las versiones de Gorski y Vainonen, asi como la de Christensen (según la versión recortada presentada en NYC por los Ballets rusos de Montecarlo en 1940). Posteriormente, en 1954, George Balanchine produjo su versión para el New York City Ballet, mientras que Alicia Alonso era la intérprete, entonces, de los roles protagonistas en el American Ballet Theatre y en los Ballets russes de Monte-Carlo –allí, se puso en la piel de Clara (María o Masha) e igualmente bailó los célebres pas de deux de la Reina de las nieves y el Hada Garapiñada, acompañada por los más notables primeros bailarines durante sus temporadas en el país norteño.

Disímiles diccionarios o enciclopedias especializadas en las artes escénicas, y en particular la danza, han repertoriado, al menos, unas 50 versiones de Cascanueces, desde su creación en 1892 hasta nuestros días. Sin embargo, es conocido que la acción de este clásico ha sido tradicionalmente situada, geográficamente, en la ciudad alemana de Núremberg –en las primeras décadas del siglo XIX-. No obstante, cuando atravesó el Atlántico y llegó a los Estados Unidos de América (donde se muestra la mayoría de las producciones de este ballet que en ningún otro país), la acción del argumento es generalmente transpuesto a la ciudad en la cual está siendo representado; ya sean las versiones soviéticas de Grigorovich, Vainonen, Cranko, Nureyev, Flindt, Neumeier, Baryshnikov (en 1976, con acentos “freudianos”), Robert Joffrey (la tradicional de 1995, en NYC); o la de Christopher Wheeldon (para el Joffrey, en 2016, ahora con sede en Chicago, en el histórico momento de la Feria Universal de 1893); o la de Matthew Bourne (de 1992, situada en un orfelinato londinense); o a de Helgi Tomasson, de 2004, para el Ballet de San Francisco, que la sitúa en esa ciudad del oeste durante la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915.

El soporte musical es siempre la espléndidamente teatral partitura de Tchaikovski. Por supuesto, no se salva de ser intervenida con recortes y añadidos, o alteraciones en los tempos, según quien la baile  la conduzca en el foso; aunque muchos aprecian la calidad auspiciadora de la obertura (otros la refieren menos larga); igualmente, esto ocurre en los bailables del segundo acto, durante las escenas en la confitería, donde Clara y su príncipe-cascanueces han sido conducidos por su padrino el Dr. Drosselmeyer. Sin duda, sus orquestaciones mantienen el carácter de la festividad navideña e infantil, al apoyar las coreografías que, en algunos casos, evitan el clisé, pero otras no logran evadirse de los diseños escénicos naif.

“Cascanueces” del BNC se estrenó en 1998 con los figurines del diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Con toque cubano

En el primer acto, por ejemplo, las acciones dramáticas durante la fiesta navideña en los salones del palacete de la familia de Clara, aquí están bien definidas las pantomimas, aunque los bailarines, si  técnicamente exhiben sus destrezas, se nos antojan todavía desiguales histriónicamente. Debemos destacar las entregas de Ernesto Díaz, como Drosselmeyer; a Brian González, como Fritz el hermano de Clara; y a Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación.

Inteligentemente, Alicia Alonso ha transformado la tradicional presencia de los tres personajes de la Commedia del´Arte, para los bailes con títeres, en una apropiación válida de los protagonistas de Petrouchka, es decir el Moro y su adorada Muñeca, en esta ocasión ejecutados por poderosos intérpretes que alternaron en cada función. En el segundo acto, mencionaremos las meritorias ovaciones conseguidas por la bailarina Daniela Gómez, como la serpiente, en la Danza de los árabes; y los tres ejecutantes de la Danza rusa, en particular Omar Hernández, Daniel Rittoles y Dairon Darias.

En la tercera escena del primer acto tuvimos el grato disfrute de la exquisita presencia y la musicalidad en el baile de Sadaise Arencibia, con el soporte confiable del elegante Raúl Abreu, en el Cascanueces, aunque en tanto que debutante mostró todavía su vulnerabilidad. Esta parte de Reina de las Nieves, alternaron dos convincentes solistas: Claudia García y Ginett Moncho, ambas con eficaz y poderoso trabajo de las puntas.

El plato fuerte de esta obra llega en los minutos finales, el Grand Pas de deux que cierra el segundo acto: el Hada Garapiñada y su Caballero. Alternaron aquí tres parejas, ofreciendo un derroche de estilo y pirotecnias, sin embargo, no todos estuvieron musicalmente precisos. Eso sí, desencadenaron ovaciones de pie: Anette Delgado junto Dani Hernández; Viengsay Valdés y Patricio Revé, e igualmente los debutantes Ginett Moncho  y Ariel Martínez.

Como apuntábamos arriba, la producción actual fue estrenada en 1998 con los figurines debidos al diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Lamentablemente, debo reprochar la fatiga, por la lógica usura, que ya muestra la escenografía y, en menor medida, algunas piezas del elegante vestuario. Y no quiero soslayar el esforzado y eficiente trabajo del maestro Giovanni Duarte realizado con los jóvenes atriles de la Orquesta sinfónica del Gran Teatro, a juzgar por la calidad mejorada el soporte musical que emergía desde el foso.