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Una década con alto voltaje

mgueler — Mon, 13 Oct 2025 18:54:41 +0000

“De punta a cabo”, una icónica obra de Acosta Danza con coreografía de Alexis Fernández y Yaday Ponce. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Después de una larga ausencia de los escenarios de la capital cubana, retornó a su Habana natal el ennoblecido Sir Carlos Acosta, eximio ídolo de oro del ballet cubano, para recibir los merecidos reconocimientos por haber mantenido con “alto voltaje” la compañía Acosta Danza. Fundada hace ya una década, la agrupación siguió demostrando, con pasión y sólida formación técnica, su rigor y ductilidad en la ejecución de la diversidad de propuestas coreográficas, no exentas de dificultades. Sin embargo, Acosta Danza ha logrado sostener la madurez profesional del elenco y el interés del público en el repertorio.

Carlos Acosta sorprendió con su espíritu artístico perseverante, si tenemos en cuenta que hace algunos años era director artístico de una importante compañía inglesa, el Royal Birmingham Ballet. Superado todo encumbramiento, Acosta se comprometió en ofrecernos (solo tres funciones) un programa sugerente conformado por reposiciones y estrenos, de creadores locales y foráneos, necesariamente interpretados por 14 bailarines bisoños, nacionales, recién egresados de la academia de la propia compañía.

En septiembre, el Teatro Nacional de Cuba acogió las presentaciones de “Una década en movimiento” en su sala mayor, la Avellaneda, con un aforo para unos tres mil espectadores, que desbordaron las capacidades y respondieron con ovaciones en pie cada noche, curiosamente un público juvenil, más allá de los fans habituales del género.

Carlos Acosta en el saludo final de su compañía exhibe un cuadro simbólico de una de las deidades cubanas. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Sin embargo, hubo luces y sombras en las calificaciones del valor artístico y creativo de los títulos presentados, que se pudieron etiquetar de desiguales. Como dato curioso, se afirmaba en ellos el hecho del trabajo coreográfico coral, cuando en el programa de mano se omitió el apellido de los danzantes. ¿Acaso algunos de ellos serían los solistas del mañana?

La pieza de apertura, tal vez la de más altos quilates, “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes (también diseñador teatral), había sido estrenada previamente por miembros de Danza Contemporánea de Cuba. En ella, tres bailarinas y un bailarín demostraron con sólida técnica y precisión musical (música de X Alfonso) el apego del creador a los elementos matemáticos al elegir como base el cubo de Rudolf Laban, autor de la “Labanotation”, para transformarlo en la mente humana y, a partir de ahí, filosofar desde el movimiento: “sobre la existencia del ser humano y la eterna búsqueda de la verdad personal”. La iluminación, por el diseño de luces de Erik Grass, fue fundamental para su éxito.

A continuación, el público se enfrentó a otro discurso coreográfico minimalista, debido a un creador invitado de la península ibérica, el joven Javier de Frutos, en ascenso entre los talentos europeos del arte coreográfico de vanguardia, quien se mostró desafiante con su obra “98 días”, para conseguir una entrega lírica y conmovedora del poema “Son de negros en Cuba”, de Federico García Lorca, donde reflejó los momentos culminantes de sus 98 días en la mayor de las Antillas en 1920. La obra tuvo un acertado soporte musical donde intervino Estrella Morente, según versiones de Michael Nyman, sobre poemas de Juan de la Cruz: “El pregón de las moras” y “Calle del aire”. La iluminación diseñada por el propio Frutos y Pedro Benítez se transformó en protagonista. No obstante, su intención primaria de “imaginar” lo que había sucedido entonces, con total libertad, param entregarnos el “paisaje impresionista” de aquellos momentos, no fue conseguida.

Como segunda parte del programa, Acosta Danza ofreció la creación del español Goyo Montero, “Llamada”, con la cual retornó a la escena cubana con un discurso revelador de su fibra sensible, casi mágica, algo así como una segunda parte de su pieza precedente “Imponderable”, donde trajo a discusión el concepto de género, entonces “cada vez más diversificado”, donde se añadieron las múltiples maneras de vivir, al aceptar la diversidad sexual en todos sus matices. Su título mismo subrayaba “un término del baile flamenco que define el momento en el cual se producirá un cambio”. En la puesta en escena, con la manipulación eficaz del vestuario de Ángelo Alberto, se sugiere el interrogante: ¿por qué el mundo se sigue viendo masculino y femenino? ¿Hasta qué punto ser diferente es un ataque a las costumbres sociales?

Para el cierre, Carlos Acosta y su equipo de producción eligieron el título “De punta a cabo”, en versión de Yaday Ponce (bailarina y maestra principal) sobre la original de Alexis Fernández (Maca). Una suerte de movimientos vinculados a la fusión musical de la banda sonora, que fue desde lo más tradicional hasta lo actual (Kumer, Kike Wolf, a partir de “La Bella Cubana” de White, X Alfonso y Omar Sosa). Las realidades de lo cotidiano en la vida del cubano se vieron más sintetizadas, con su imbricación lograda con las proyecciones de imágenes en video de X Alfonso localizadas en el Malecón habanero, como contribución inteligente al ritmo dancístico urbano. Es decir, estuvimos en presencia de un coherente divertimento donde se reflejaron los conceptos fundamentales de esta agrupación, como la variedad de diferentes técnicas y estilos que dieron nacimiento a la compañía Acosta Danza. Su permanencia en la escena cubana e internacional depende de la vitalidad creativa de su fundador, Carlos Acosta, y de los futuros reconocimientos de sus coterráneos.

Acosta Danza abrió sus presentaciones con “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Con un ritmo electrizante

mgueler — Fri, 06 Jun 2025 00:33:29 +0000

El Birmingham Royal Ballet sube al escenario del Opera House “Black Sabbath – The Ballet”. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Dieciséis bailarines vestidos de negro abren el espectáculo. La voz en off de Ozzy Osbourne impregna la escena con “War Pigs”. A partir de ahí, danza y música alcanzan momentos electrizantes, clímax sucesivos, e intensa teatralidad. Una fusión explosiva sustentada por la coreografía de Raúl Reinoso. Casi sin aliento, el público del Opera House del Kennedy Center, asistió, como en misa a este encuentre entre la danza clásica y el heavy metal.

El Birmingham Royal Ballet, que se presenta en Washington DC desde el 4 al 7 de junio hizo su primer y gran debut en la capital de Estados Unidos con “Black Sabbath – The Ballet”. Esta obra en tres actos compuesta por tres coreógrafos distintos, Raúl Reinoso, Cassi Abranches y Pontus Lidberg, logra una amalgama perfecta y contundente. Con una deslumbrante puesta de luces y una escenografía minimalista, la compañía dirigida por el cubano Carlos Acosta, presenta un espectáculo audaz, innovador y transgresor.

Un pas de deux con un beso constante en el Acto I, creado por el cubano Raúl Reinoso. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Este ballet rinde homenaje a la icónica banda originaria de Birmingham, Black Sabbath, cuyos integrantes fundadores, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, revolucionaron la música.

El Acto I, “Heavy Metal Ballet”, de Reinoso, adquiere un tono sombrío y subyugante que, por momentos, evoca la atmósfera opresiva de las escenas de las brujas en “Macbeth”. En este acto aparecen fragmentos y símbolos de las primeras obras de Black Sabbath: “War Pigs”, “Iron Man”, “Paranoid”, Sabbath Bloody Sabbath”, por momentos encarnadas por dos bailarines unidos en un beso eterno, o un solo masculino sobre zapatillas de puntas. Todo un desafío que funciona a la perfección.

Con coreografía de la brasileña Cassi Abranches, el Acto II: “The Band”, reúne testimonios de los músicos de Black Sabbath. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Sobre la oscuridad del escenario: seis barras horizontales de luz de neón. Como si fueran las seis cuerdas de una guitarra. estrechas y de aspecto neón, iluminaban el escenario. Interpreté estas luces como una representación de las seis cuerdas de una guitarra. Voces en off. Los miembros de la banda relatan esos momentos que fueron hitos irrevocables del grupo, las crisis, los accidentes. Y un comienzo reflexivo, casi confesional, abre el Acto II: “The Band”, con coreografía de la brasileña Cassi Abranches. Vestidos con estilo casi urbano, los bailarines transitan por esos años ’70 en los que el mundo se sacudía por cambios radicales.

El Acto III, “Everybody is a Fan”, está marcado por la aparición de una niebla espesa que flota sobre el escenario mientras deja ver un demonio alado sobre un auto metálico volcado como si hubiese sufrido un accidente. La coreografía del sueco Pontus Lidberg integra a los bailarines con ese auto y ese demonio. Ellos son los encargados de desplazarlo. En una contraposición de climas, algunos callejeros y festivos y otros amenazantes, tanto, como la figura de ese horrible ser con alas metálicas en medio de un escenario desnudo, despojado de bambalinas, metido en el back stage. Y desde el techo, o quizás desde el cielo, fueron subiendo y bajando lunas circulares que podrían asociarse con discos de vinilo. Entre el ballet, la danza contemporánea y la danza callejera, los bailarines alternaron secuencias que tuvo como corolario la reaparición de la guitarra que había surgido en el primer acto.

“Black Sabbath – The Ballet” es una obra osada que no pretende ser una biografía de una banda, simplemente, un homenaje a la música, a sus creadores. Y como homenaje, es una obra que se toma todas las licencias poéticas posibles y todas las libertades que ofrece la creación. Pero especialmente, cuando esa creación rompe con lo predecible y da paso a la emoción y a la belleza.

El Acto III, “Everybody is a Fan”, del sueco Pontus Lidberg propone estilos de danza diferentes. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Con pura fibra cubana

mgueler — Sun, 04 May 2025 22:33:53 +0000

Bailarines de Acosta Danza en “Paysage, soudain, la nuit”, de Pontus Lidberg en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Finalmente, y después de largos años de espera, Acosta Danza llegó a Washington DC, y lo hizo con todo su esplendor. Una compañía profesional de alto nivel. Bailarines incomparables. Una propuesta estética de enorme belleza e intensidad. Y, por sobre todo, una compañía con el alma y el corazón puestos en una Cuba abierta al mundo.

Del 1 al 3 de mayo, el Eisenhower Theater del Kennedy Center recibió por primera vez a Acosta Danza, la compañía fundada por el inolvidable bailarín cubano Carlos Acosta. El programa, “Cuban Eclectico” estuvo integrado por cinco obras que entrelazan lo clásico, lo contemporáneo y lo tradicional. El espectáculo puso en escena un retrato de identidad cultural con ese talento escénico que siempre caracterizó a los bailarines de la escuela cubana de danza.

El camino que transitó desde 2015 la compañía creada por Acosta, se asemeja, en cierta forma, al que delineó el Grupo Corpo, de Brasil, dirigido y fundado por los hermanos Paulo y Rodrigo Pederneiras en 1976. De esta forma, Acosta Danza se convierte en una de las pocas compañías de clásico-contemporáneo que deja trascender la impronta de sus raíces.

Desde una enorme falda azul, que por momentos parecía el mar, comenzaron a surgir los torsos desnudos de bailarines y bailarinas en una danza subyugante y misteriosa. “Sartori” (2018), la obra que abrió el programa, realizada por el coreógrafo cubano Raúl Reinoso, es una suerte de metáfora del despertar de la iluminación espiritual. Con música original de Pepe Gavilondo y Reinoso, la coreografía fusiona ballet clásico y danza contemporánea, con una fuerza grupal impactante. Aunque es una pieza centrada en la búsqueda interior, “Satori” se sostiene como una obra de conjunto donde la armonía del grupo amplifica su carga emocional y estética.

Del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui se presentó “Faun” con fragmentos de Claude Debusy y Nitin Sawhney. Foto: Toti Ferrer. Gentileza JFKC.

De la mano del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui siguió “Faun”, una obra que retoma fragmentos de “Preludio de la siesta de un fauno” de Claude Debussy e intercala, con deliciosa efectividad, texturas sonoras contemporáneas de Nitin Sawhney. Un dúo desconcertante que explora al máximo las posibilidades del cuerpo e indaga en la fusión de lo humano y lo animal, de lo masculino y lo femenino. Con un refinamiento exquisito, la obra es una especie de poema sensorial de la dualidad interna del ser humano. Interpretado magníficamente por Alejandro Silva y Patricia Torres.

“Paysage, soudain, la nuit” (2018), con coreografía de sueco Pontus Lidberg, fue sin duda el momento más logrado del programa. Enmarcada por una escenografía naturalista de Elizabet Cerviño, esta obra para 11 bailarines recupera un espíritu lúdicro rebosante y fluido. La música del incomparable Leo Brouwer con aires rumba cubana, se mezcla con la partitura de Stefan Levin, e impulsa una coreografía que celebra el encuentro, el deseo y la juventud. Cambios sutiles de dinámica entre solos, dúos y grupos, mantienen un ritmo interno que no decae y que, inevitablemente, contagia al espectador con la frescura y el disfrute de la danza.

“De Punta a Cabo” con coreografía de Alexis Fernández interpretada por Acosta Dance. Foto: Hugo Glendinning. Gentileza JFKC.

En contraste con esa explosión grupal, llegó “Impronta”, creada por la coreógrafa española María Rovira. Una joya minimalista. Y no solo eso. Ofelia Rodríguez, la única intérprete, mostró también la impronta de la escuela cubana de danza. Con una elasticidad asombrosa y esos brazos magníficos de los bailarines cubanos, en apenas siete minutos, logró una conexión visceral entre la modernidad y lo ancestral.

El programa cerró con “De Punta a Cabo”, de Alexis Fernández, una obra que resume la propuesta estética de Acosta Danza, ese mestizaje cultural a través del lenguaje coreográfico. Imágenes vivas del malecón, de ese magnífico mar de La Habana, de sus luces diurnas y nocturnas y esa nostalgia de la distancia. Todo eso, plasmado en un telón de fondo en movimiento del cual el espectador no se puede distanciar. En esta obra se funde el ballet clásico, la salsa, los pies descalzos, la técnica, la danza callejera, los ritmos populares, el idioma yoruba y los instrumentos tradicionales. Aquí está el espíritu de Cuba, su sensualidad, su versatilidad, su intensidad y su resiliencia.

“Cuban Eclectico” no es solo un espectáculo de danza, es una minuciosa radiografía de la riqueza, la complejidad y la evolución de la cultura cubana. Bajo la dirección de Carlos Acosta, la compañía ha logrado consolidar un lenguaje moderno y contemporáneo que no renuncia a sus raíces, sino que las reinventa y las amplifica en un diálogo con el mundo.

La presencia de Acosta Danza en el Kennedy Center marca un hito significativo. Lo que subió a escena fue mucho más que virtuosismo, fue identidad, emoción y belleza. La compañía logró ese milagro que pocas veces sucede cuando el público y los intérpretes conectan sus almas y dejan que el duende de la danza se apodere de todo.

“Sartori, obra de 2018, del coreógrafo cubano Raúl Reinoso, abrió el programa “Cuban Eclectico”. Foto: Enrique Soldevilla y Estudio 50. Gentileza JFKC.

Una fiesta de cubanía

mgueler — Tue, 31 May 2022 00:27:53 +0000

Con “Híbrido”, Norge Cedeño presentó una creación que se refiere a la cultura cubana y a sus raíces. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

El estelar bailarín cubano Carlos Acosta, al frente de la dirección artística de dos compañías de danza, entre sí alejadas miles de millas, Acosta Danza en La Habana y el Birmingham Ballet en Gran Bretaña, se enorgullece de renovar sus vínculos presenciales con su numeroso y entusiasta público habanero. “La pandemia del Coronavirus Sars-2 postergó nuestro rencuentro. Finalmente podemos reunirnos y vamos a celebrar la vida; agradecer a todos los que han luchado directamente con la enfermedad y homenajear a aquellos que despedimos”, concluye así sus palabras en el programa de mano virtual como presentación de esta temporada bautizada por él, 100% cubano. El título hace referencia a todos los elementos temáticos de las obras que serán representadas por un elenco totalmente nacional. La compañía realizó con este cartel una extensa gira europea, que incluyó varios teatros de Gran Bretaña y Francia, hasta su retorno a la mayor de las Antillas en abril.

Según expresó Acosta, se ha concebido estas presentaciones como una fiesta de cubanía: “aquí están nuestras fiestas y valores, nuestras dudas y nuestras crisis, nuestro espíritu de nación joven, llena de vida, que tropieza y se levanta, con muchos deseo de dar”(sic)

En esta ocasión, sobre las tablas de la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, ofrecieron dos estrenos absolutos por jóvenes bailarines-coreógrafos: “Liberto”, de Raúl Reinoso -solista del conjunto desde su fundación- quien explora la necesidad de la libertad para todo ser humano mediante la figura simbólica del cimarrón, un esclavo de origen africano que se fuga de la dotación de su amo o propietario en tiempos del feroz régimen colonial español. El personaje principal es perseguido por una jauría sanguinaria -cual una cacería humana- que sirve al coreógrafo para desarrollar “sus ideas en torno al ser humano enfrentado consigo mismo, o hermanado con la naturaleza”.

El segundo estreno, “Híbrido”, de Norge Cedeño (antiguo solista de Danza Contemporánea de Cuba y fundador de su propia agrupación, “El otro lado”), ofrece una visión metafórica de “nuestra cultura” como el “gran asidero ante los conflictos”.

El propio Acosta ha profetizado, en el programa de mano digitalizado en QR (una novedad para los asistentes locales, pues deben escanearlo en el lobby del teatro), que “esta obra moverá fibras muy íntimas en las cubanas y los cubanos”.

Tres apreciadas reposiciones completaron la segunda parte del programa, tras una breve pausa. A pesar de las adaptaciones sufridas por el cambio de sede teatral, el público las aplaudió extensamente: “Paysage, soudain, la nuit” del sueco Pontus Lidberg, creada a partir de un dual soporte musical que magnifica la rumba cubana (patrimonio cultural de la nación), del consagrado maestro Leo Brouwer para Paysage, y el europeo Stefan Levin (para “la nuit”).

Le siguió el solo femenino “Impronta” de la española María Rovira, la cual logra trasladar con su vocabulario técnico “esa manera de bailar que es muy común en la mayor de las Antillas”, gracias a Zeleide Crespo, una bailarina de ébano fuera de serie. Y para cerrar en tono enfático, al elevar los acentos climáticos y atizar las efusivas respuestas de la heterogénea audiencia, Acosta y su directora artística Yaday Ponce, eligieron el original de Alexis Fernández (Maca), con cinta collage de Kumar, Kike Wolf -a partir de La Bella Cubana, de José White- y Omar Sosa, con imágenes en video del cantante y compositor X Alfonso. Toda la compañía se entrega de lleno, para regalar algo que “es como un espejo de lo que somos”.

Los estrenos absolutos

“Liberto”, de Raúl Reinoso, explora la necesidad de la libertad mediante la figura simbólica del cimarrón. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

Nos enfrentamos con “Liberto”, de Raúl Reinoso sobre música original de Pepe Gavilondo, a partir de una concepción musical de ambos, acentuada por el inteligente diseño de luces del israelita Yaron Abulaifa (dirigido mediante plataforma virtual en internet).

En síntesis, Reinoso ha transpuesto en danza contemporánea explosiva la historia de un cimarrón, es decir un esclavo de origen africano en fuga, con la explícita intención de provocar una profunda reflexión “sobre las caras del esclavismo” desde la antigüedad hasta nuestros días. En suma, a partir de una historia de amor, va más allá hasta encontrar el camino “hacia el reino utópico de la libertad total”.

Fue el mismo Acosta quien lo instigó al diseño y desarrollo de una coreografía a partir de una pequeña fábula de dos cimarrones, según comentarios de Reinoso: él está interesado en desvelar los componentes de la cultura africana “como un estilo vivo dentro del repertorio de (su) compañía, es decir, crear piezas que expongan la belleza negra” (otro ejemplo cercano está en este cartel, “Impronta”).

El cimarrón tiene una meta, la natural de todos ser humano, conseguir la libertad. Por ella, expresa el autor, es capaz de sacrificarse y, “sin no la encuentra físicamente, la halla en la imaginación, en su espiritualidad”. Sin duda, sin miedo a los esoterismos a ultranza, comunica su concepto de la libertad como tema trascendental para los seres humanos…y “cuando digo libertad me refiero más a un camino que a una meta” (sic)

Para desentrañar los simbolismos de esta dramática pieza, es necesario recurrir a dos obras paradigmáticas de la literatura cubana del siglo XX: “El Monte” de Lydia Cabrera, y “Biografía de un cimarrón”, novela testimonial del etnógrafo y poeta Miguel Barnet.

La primera fue “iluminadora” para elegir el tipo de sonoridades que debía tener el soporte musical la coreografía. En la segunda, se describen las semillas, los arroyuelos, cuevas, maderas, árboles, todo lo cual “evocó una atmósfera de sonidos y timbres que luego solicitó al compositor Gavilondo. El músico ha logrado varios éxitos componiendo para la danza, y está convencido que cada coreógrafo tiene una manera propia de entender su pieza, “con sus exigencias específicas”. Gavilondo es rotundo al revelar un requisito: que la música se integre tanto a la coreografía que una y otra parezcan la misma cosa. Así sucedió en “Liberto”, como lo fue su trabajo precedente “Satori”.

El vestuario y las luces constituyen dos de los elementos a favor de este estreno. En los diseños de Alicia Pérez se manifiesta el requerimiento de crear “una visualidad universal” (evitar el color local), bebiendo de la estética africana importada por la masa de los negros de nación convertida en mano de obra esclava, consiguiendo una imagen descontextualizada. El segundo elemento, la iluminación en manos de Abulafia, se convirtió en otro personaje después de elaborarla Internet mediante, con el objetivo de interpretar las ideas de Reinoso. De allí surgió una traducción lumínica del tema central, merced a este notable profesional en las artes escénicas, residente en los Países Bajos y colaborador regular de los grandes teatros de Europa y Australia. Abulafia es autor de un imprescindible libro, considerado el primero de este género, “The Art of Light on Stage: Lighting in Contemporary Theatre”, de 2016, “desde las perspectivas semióticas y fenomenológicas”.

El segundo título estrenado mundialmente es “Híbrido”, una creación de Norge Cedeño. El coreógrafo (asistido por miembros de su grupo) pretende mostrar un universo “donde lo real y lo irreal desdibujan sus límites para alcanzar nuestras quimeras”. Es decir, una aproximación “a las realidades e imaginarios” de los seres que habitan la nación que los vio nacer, mediante la fuerza de su cultura y su danza.

Cedeño expresa en el programa de mano el ¿por qué? “Híbrido”: Es el resultado de las necesidades de la dirección de la compañía en la búsqueda del sello de cubanía que comparte con los mercados internacionales en los que normalmente trabaja. En suma, la búsqueda de un equilibrio entre todos los elementos que le interesaba utilizar para llegar a eso que llama “cubanidad”.

Está estructurado a partir de las características que tiene el cubano en su forma de moverse, interactuar, su gestualidad, su forma de sentir la música, sus ritmos y los colores. “Ha sido un reto interesante para mí -desvela Cedeño-, fue un rescate de las formas de construcción que tengo en reposo y que al final es mucho de lo que me interesa defender. Una motivación fundamental para la dramaturgia surgió del conocido ‘mito de Sísifo’. Un sueño para viajar revisitado…porque los sueños no tienen límites”.

Los pilares fundamentales en “Híbrido”, de su equipo creativo, son dos elementos de la producción: la música y el vestuario (de originalidad elegante). Para el primero, contó con la colaboración buscada, una notable violinista dotada con talento para la composición y el compositor Randy Araujo, “el ideal híbrido”. Es decir: “logré tener en la misma obra un compositor de música electrónica-artista plástico de formación y con una compositora de música acústica”, comentó. Ambos consiguen la contemporaneidad con un lenguaje identificable, no sólo para los cubanos: la diversidad de ritmos es apabullante -a veces caótica, como lo reconoce también el coreógrafo.

Por otra parte, el vestuario de Celia Ledón (su muestra en el Kenndedy Center fue muy comentada), aporta efectismo al reto de la transformación, de las metamorfosis que se suceden en este “viaje”, como una “amplificación de la estructura dramatúrgica” de la coreografía. Algo parecido aconteció con el set escenográfico y el diseño de luces que tuvieron el crédito seguro con el mencionado Yaron Abulafia, con una estructura minimalista. Esto revela una influencia en la composición escénica del bailarín-coreógrafo contemporáneo del cine. Comentó que piensa sus piezas cinematográficamente, desde la luz y desde el cine, “desde una perspectiva audiovisual” que la traduce en un espectáculo de danza. A veces muestra guiños de imágenes presentes en Rembrandt, Dalí, Munch o Mondrian.

Primera promoción de la academia Acosta Danza

La última representación de esta temporada 100% cubano tuvo una característica inusitada. Todas las obras del repertorio, tanto los estrenos como las reposiciones fueron bailadas, en esta ocasión, por los bailarines formados en la academia de danza adjunta a la compañía, a cargo de la ex solista del Ballet Nacional de Cuba Aymara Vasallo. Por supuesto, estos bisoños intérpretes ganaron el reconocimiento del auditorio en buena lid, pues se entregaron a fondo en cada uno de los roles asignados, algunos de ellos con mayor realce que otros, en sendos géneros, al mostrar sus potencialidades para alcanzar una carrera profesional de éxito.

El cuerpo como herramienta

mgueler — Fri, 14 Feb 2020 05:40:59 +0000

Acosta Danza presentó en Cuba “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

De regreso de la exitosa primera gira por Suramérica, donde bailaron un variado repertorio en ciudades de Chile, y luego de asumir, en las gélidas islas británicas, la dirección del Birmingham Royal Ballet, Acosta Danza, la compañía fundada y dirigida por Carlos Acosta, sube al escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso su décimo cuarta temporada y la primera de 2020.

Esta serie que se presentó el 31 de enero, y el 1 y 2 de febrero, está caracterizada por el trabajo que realizan los bailarines con sus cuerpos, “la herramienta fundamental del que baila”, como ha expresado el propio Acosta: “para ellos es su pincel, su guitarra, su cincel y su piedra”. De acuerdo con los títulos elegidos para esta ocasión, tanto las reposiciones como el estreno mundial, son consecuentes con los objetivos del director artístico.

Las coreografías sucesivas de este cartel exhiben todo el atletismo conseguido por su cotidiana dedicación -en los salones de clases- al desarrollo de la técnica, así como al lirismo y expresividad corporal que brota “de la mente creadora”, como hábil respuesta de máxima capacidad. Son obras muy exigentes del virtuosismo, en las destrezas logradas por el músculo, trabajado éste con toda la prospectiva definida ante el desafío que exige cada una.

La vocación declarada por Carlos Acosta, desde el primer instante de la creación de esta agrupación, está claramente manifestada en esta temporada como “un acto da fe”: poseer un cuerpo de baile dúctil, integral, que pueda ejecutar e interpretar un amplio diapasón de formas y estilos: lo académico y lo contemporáneo en función de la comunicación interactiva de sendos lenguajes corporales.

“Cor”, de Marianela Boán, permite que los intérpretes trabajen de manera interactiva entre la coreografía y la música en vivo. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Todo ello se hizo evidente en “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes (1990) -producción realizada gracias a la ayuda desinteresada de la mecenas estadounidense Madeleine Plonsker, como “un regalo a la danza cubana” (en palabras de Acosta)-, que reconoció desde su primera visita la fortaleza física de los danzantes de este conjunto, capaz de crear “la imagen de un mundo irreverente”. Sumado a ello, la contribución artístico-conceptual de la reconocida artista visual Glenda León y el talento del joven compositor e instrumentista Pepe Gavilondo, valores fundamentales para conseguir “un universo donde lo onírico y lo real son la misma cosa”.

El lenguaje coreográfico de Nunes -como se manifestó aquí- se vio beneficiado por la empatía desarrollada entre las idiosincrasias latinas del brasileño y las caribeñas, desde el inicio del montaje de su pieza. Todo fue estructurado y ensayado en corto tiempo -el coreógrafo tuvo que cumplir otros compromisos artísticos en el exterior- y gracias a contar con la pericia de la maitre asistente Clotilde Peón se logró estrenar como estaba previsto.

Zeleidy Crespo en el solo “Impronta”, de María Rovira. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

A su retorno, pocas semanas antes de la fecha fijada para estrenar “echó pie en tierra” para revisar y pulir los complicados y fluidos entrelazados movimientos corporales, por las exigentes coordinaciones entre la cabeza y el cuerpo. Allí aparecen las referencias debidas a su formación europea, particularmente su cercanía a maestros tales como Williams Forsythe, Hans van Manen o Jirí Kylian, entre otros. Su obra fluye por la diversidad del diseño escénico: los formatos se suceden a partir de un “opening” con una música de ceremonial de alguna etnia foránea, como preludio; primero las tres parejas juntas se entrelazan, después vemos bailar espléndidos solos, un apasionado trio y, finalmente, un brillante dúo. Es de destacar el solo bailado por Raúl Reinoso, con un seductor soporte musical de flauta sinfónica traversa, y el mencionado dúo final, esta vez bailado intensamente por Gabriela Lugo (exquisita y segura sobre puntas), junto al versátil y atlético Alejandro Silva. Ellos desaparecen lentamente en el ciclorama negro, acto seguido el telón de boca se cierra. El público quedó sin aliento unos segundos, antes de romper en pie con nutridos aplausos.

Es una obra abstracta, cargada de ideas a partir de su concepto de la vida presente de los cubanos y, como si “a través de las dificultades, se encuentran con la felicidad. “Pensé en esa energía que tiene el cubano de encontrar caminos para vivir o sobrevivir”, apuntó Nunes en el programa de mano.

El éxito de “Mundo Interpretado” se consigue -en un elevado porcentaje- por la creación visual minimalista de Glenda León: nenúfares iluminados colgantes que ascienden y descienden conforme a los propósitos fijados por Nunes (previamente quedó impresionado por un cuadro floral de León), además el inteligente y logrado soporte musical aportado por Gavilondo (por momentos, con sonoridades referenciales, o guiños, al minimalismo de un Philip Glass o Arvo Part), del que transpiraba una originalidad, debida a su formación con eminentes maestros cubanos, para recrear la atmósfera onírica deseada por el coreógrafo.

También reposiciones

La pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán, “El Cruce sobre el Niágara”, una de las favoritas del público. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Algunas de las reposiciones fueron muy bien recibidas, otra no tanto. Entre las primeras, fue un goce superior la pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán (siempre residente en República Dominicana) “El Cruce sobre el Niágara”, un icono de la danza moderna cubana creada en 1987 e inspirada en la obra teatral homónima del dramaturgo peruano Alonso Alegría. Y que tiene como soporte musical una hermosa creación del francés Olivier Messiaen. Esta vez fue entregada de manera impecable e intensa por dos soberbios bailarines, Raúl Reinoso y Mario Sergio Elías, enaltecidos por el diseño de luces del laureado Carlos Repilado (fallecido recientemente).

De la misma creadora, Boán, su pieza “Cor” (sugiere sus derivaciones semánticas: coro, corazón, coraje, correo, coral), que incluye la definitiva participación de los intérpretes de manera interactiva en el material coreográfico y en la música en vivo ejecutada por su compositor y tecladista Gavilondo (la maestra coral Alina Orraca se empeñó en el trabajo vocal con los danzantes), así como la colaboración del eminente percusionista Lino Pedroso. El trabajo de luces de Bonnie Beecher ha beneficiado en gran medida esta producción de Acosta Danza. No obstante, el resultado final no llegó a buen puerto, a pesar de las intervenciones inclusivas de las congas; los boleros archiconocidos o las rumbas: los bailarines “cantaron a coro” el popular tema de Gonzalo Asencio “Consuélate como yo”, mientras se cambiaban de vestuario a la vista del auditorio, muy identificado con la música y la letra.

Le antecedió el solo femenino “Impronta”, realizado por otra mujer experimentada en este quehacer, la ibérica María Rovira, para una excepcional bailarina de la compañía, Zeleidy Crespo, una deslumbrante mulata cual una venus africana de garbo y estatura inhabituales salida de las cálidas aguas del mar Caribe, dotada de excepcional carisma y habilidades técnicas. El imprescindible compositor Pepe Gavilondo aseguró el éxito con el aporte de las sonoridades requeridas por Rovira para los siete minutos de este impresionante unipersonal.

Para el cierre de la primera parte, Acosta eligió el dúo “Soledad”, creado por el catalán, Rafael Bonachela, e interpretado por una pareja de fuste y dramáticamente vibrante, quienes desde la primera escena de las cuatro que lo integran lograron cautivar al auditorio, que contaron con variado soporte musical: entre las piezas, una de Astor Piazzolla interpretada por el afamado violinista Gidon Kremer, así como un popular tema de Agustín Lara cantado de manera sensacional por Chavela Vargas. El diseño de luces fue un protagonista más, debido al cubano Pedro Benítez sobre el original de Lee Curran. El poco feliz vestuario y escenografía estaban firmados por el propio Bonachela.

Luego de esta temporada en Cuba, la Acosta Danza, compañía se presenta con “Acosta Danza Up Close” desde el jueves 13 hasta el 24 de febrero en el Teatro Linbury, escenario perteneciente a la Royal Opera House de Londres, en el Reino Unido. El espectáculo, está compuesto por las obras “El cruce sobre el Niágara”, de la cubana Marianela Boán; ”Impronta”, de María Rovira; el dueto “Soledad”, de Rafael Bonachela; “Mundo Interpretado”, de Juliano Nunes y el solo “Two”, de Russell Maliphant, obra que bailará Carlos Acosta.

Jóvenes con pasión y disciplina

mgueler — Wed, 01 May 2019 22:17:00 +0000

La Academia Acosta Danza llevó al teatro Mella, “A Buenos Aires”, de Gustavo Mollajoli, con música de Astor Piazzola, interpretado por Brian Pérez y Amisaday Naara. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

Un promisorio espectáculo fue ofrecido, recientemente, por la Academia Acosta Danza –con un programa mixto- en el teatro Mella, elegante coliseo art déco en la barriada capitalina de El Vedado, considerado como espacio referente de los mejores eventos de danza.

Esta función de gala es la primera que propone el Grupo Artístico Docente (GAD) de la compañía Acosta Danza, fundado hace solo dos años por el afamado bailarín cubano Carlos Acosta.

Actualmente, la Academia Acosta Danza cuenta con 31 estudiantes, seis de ellos extranjeros, provenientes de Colombia, República Dominicana y Brasil, el resto lo completan los cubanos. Todos fueron elegidos en una rigurosa audición supervisada por un jurado independiente formado por reconocidas personalidades del mundo de la danza.

Los participantes de estas funciones cursan el 1ro y 2do año, y algunos de ellos fueron también los autores de sus propias coreografías.

Fundado en septiembre de 2017, el GAD es una academia avalada por el Ministerio cubano de Cultura y el Centro Nacional para la Enseñanza de las Artes (Ceneart). Su principal propósito es “completar” la formación media-superior de jóvenes bailarines (entre los 15 y 18 años) que provienen del nivel elemental de las escuelas de danza y ballet.

Según la propuesta de Acosta, la estética de este centro docente puede definirse como “danza de técnica mixta”, pues posee un fuerte basamento de “ballet clásico”, junto a técnicas de la “danza moderna”, la llamada “contemporánea” y de la danza folklórica cubana.

Apoyado por la Carlos Acosta International Dance Foundation, el GAD también otorga becas gratis a jóvenes de todas partes del mundo que poseen talentos para la danza; pero que “no cuentan con posibilidades económicas para costearse los estudios de arte”. El GAD se propone graduar “profesionales creativos y disciplinados, con un alto sentido de la responsabilidad, humanamente solidarios, con altos valores éticos y estéticos”. Al mismo tiempo, les ofrece una formación que les permite desarrollar la cultura y hacer de su labor artística “un medio de disfrute, en pos del mejoramiento humano”.

Transmisión de los saberes

“Avium”, con coreografía de Elys Regina, sobre música de Camille Saint-Saens y arreglos del compositor cubano José Víctor Gavilondo. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

El programa estructurado por el atinado equipo de apoyo técnico y académico de Acosta –en este loable empeño- con la ejecutoria fundamental de dos experimentadas ex-solistas del Ballet Nacional de Cuba, Rosa Elena Álvarez y Aymara Vasallo, poseedoras de un caudal de saberes tanto en la formación técnica como estilística –particularmente en el repertorio clásico- permite augurar un futuro promisorio, según lo observado en esta primera confrontación con la crítica especializada y el numeroso público que acudió expectante de los resultados artísticos, en tan breve tiempo.

Esta primera muestra de nueve coreografías pudiera, en su diversidad, considerarse estilísticamente como híbrida: los juveniles participantes demostraron su ductilidad y formación en obras contemporáneas, neoclásicas, en clásicos del canon (de Petipa, Gusev, Gorski o Vainonen), inclusive unos breves fragmentos corales de la pieza “Tocororo” del propio Carlos Acosta (con música original de Miguel Núñez).

De lo bailado, merece destacar la pieza en un acto “Avium” con una coreografía de Elys Regina, según la de Fokine para Anna Pavlova, “La muerte del cisne” sobre la música de Camille Saint-Saens con arreglos ad hoc para cello y piano del compositor cubano José Víctor Gavilondo, y un mimético vestuario emplumado con máscaras diseñado por Marta Gil y la propia coreógrafa.

Algunos dúos y solos, dejaron ver los incipientes talentos histriónicos de los bailarines. Tal fue el caso de “A Buenos Aires” un dúo del coreógrafo argentino Gustavo Mollajoli (fallecido recientemente) con el eficaz soporte musical de una brillante obra de Astor Piazzola, bailado con pasión por Brian Pérez y Amisaday Naara, quien reapareció posteriormente en un solo de su autoría, “Adiós”, sobre una inigualable interpretación por el chansonier Bola de Nieve.

Otro dúo contemporáneo, “Border”, incursionó sobre temas de la realidad latinoamericana, con apropiada música por Wardruna, contando con los talentos de Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez, también autor de esta miniatura coreográfica. Entre los solos masculinos que se destacaron: el neoclásico “Invierno”, bailado con poderío y musicalidad por su autor Jonatas Soares, con el seductor empleo de esta sección de la conocida suite “Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi.

Completaron el programa de 60 minutos con una breve pausa, la variación masculina del pas de deux “Don Quijote” de Marius Petipa en la versión de Alexander Gorski, con música de Ludwig Minkus bailada por el juvenil Daniel José Pérz; el solo de “Arlequinada” de Peter Gusev con música de Riccardo Drigo, ejecutado por Brandis Martínez, y el infaltable pas de deux “Las llamas de París”, de Vasily Vainonen con música de Boris Azafiev, en un verdadero tour de force realizado por Mariona Roger y Leandro Fernández.

El talento está allí. La madurez y el refinamiento técnico, así como mayor seguridad y confianza en el baile de parejas, se conseguirá con la constante dedicación en el trabajo cotidiano, en los salones de clase, bajo la rigurosa supervisión de los profesores. Tal vez, para algunos, esta fue una prematura presentación escénica, otros la valoran como un reto positivo.

Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez interpretaron un dúo contemporáneo, “Border”, sobre temas de la realidad latinoamericana. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

A sala llena y con estrenos

mgueler — Mon, 25 Mar 2019 20:46:52 +0000

“Cor”, de Marianela Boán, con seis intérpretes en escena y música del compositor cubano Pepe Gavilondo. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La más joven y reconocida compañía cubana de danza, fundada en 2015 por el laureado bailarín Carlos Acosta, retorna a su décima temporada y la primera de 2019, en su habitual escenario de la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –siempre sobrevendido-, con tres novedosas propuestas y la loable reposición de una exitosa obra, las cuales integran “Rituales”.

El propio Acosta, en tanto que director artístico, nos revela en el programa de mano sus objetivos a la hora de concebir este cartel, con dos términos claves: incertidumbre e indagación, en un párrafo que se explica por si solo: (estas piezas)… nos llegan en tiempos complejos para el mundo en los que la incertidumbre parece ser un sentimiento común… (y a pesar de ello) seguimos anteponiendo el arte y la belleza, sin dejar de asumir la época que nos ha tocado vivir como terreno de indagación. Para concluir: partimos de la idea de que el rito fue el inicio de toda representación escénica (…) a partir de allí, desarrollamos obras que nos muestran esencialmente (…) las preocupaciones, alegrías y deseos de los cubanos.

Al mismo tiempo, en esta introducción, Acosta se muestra solidario (acompañado por todo su conjunto) con las víctimas habaneras de un insólito evento meteorológico: la embestida de la naturaleza, por un fuerte tornado que causó enormes daños en tres populosos barrios de la capital el pasado 27 de enero. Y ante tal adversidad…”que sirva el arte de la danza como homenaje al alma cubana; que traiga alivios, alegría y esperanza, porque mientras que mantengamos nuestro espíritu limpio –ese que se trasluce en los momentos más difíciles- estaremos de alguna manera salvados”.

Para abrir cortinas fue elegido el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del joven catalán Juanjo Arqués, apoyado por un excepcional soporte musical –según los propósitos desvelados por el coreógrafo-, producido por el conjunto cubano Ariwo con la contribución del Dj Hammadi, que anteriormente había trabajado en otro proyecto con Acosta. El tema musical, “Pyramid”, interpretado por ellos entusiasmó a Arqués: por su innovadora mezcla de percusión cubana de raíz africana con sonoridades electrónicas.

Sin duda, la diversidad étnica de la sociedad cubana, sus contrastes, sus logros y “su melancolía por el pasado” lo fascinaron al estructurar una coreografía que “los”, mostrara como en el limbo, “parados ante una puerta y sin saber qué sucederá al traspasarla”. El tema de los rituales sincréticos de la santería local estuvo en su interés primario, empero luego fue hacia lo esencial de la ritualidad, para así conseguir encaminarse al concepto de ritual en el vocabulario, con uso de la simbología en movimientos reiterativos –y casi siempre elementales- que se original “de adentro hacia afuera”. Es una pieza coral y participativa del autor con siete excelentes bailarines del conjunto. Arqués, previamente, se defiende ante los posibles reproches de la crítica especializada: he tratado de transmitir –mediante los intérpretes- ese concepto de “liminalidad” de la pieza, así como “una Cuba que no es la más conocida”, la de la melancolía, la de rudeza de la vida y el trabajo (sic).

Estamos frente a una puesta en escena minimalista con una iluminación neutra diseñada por Bonnie Beecher y un vestuario intemporal de Natalie de Koening, que se aparta de todo posible pintoresquismo, siempre en presencia de una impositiva gran puerta colonial de madera, como practicable escenográfico giratorio que pende sobre la cabeza de los danzantes, sin que interactúen con ella: es un limbo a traspasar, como lo requiere la coreografía.

Acto seguido pasamos a un lenguaje, “otro”, donde prima el estilo neoclásico con influencias posmodernas, en el estreno cubano de “Soledad”, un dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella, de la compañía catalana Lanómina Imperial, que luego, en 1992, ingresó en la londinense Rambert Dance Co., hasta que, finalmente en 2006, funda la Bonachella Dance Co. Y en 2008, marchó a Australia como director artístico de la Sidney Dance Company.

Estilo neoclásico con influencias posmodernas en “Soledad”, dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Bonachella eligió un tema romántico recurrente, de amores y desamores entre dos seres humanos de distintos sexos, los cuales danzan con un lógico soporte musical -en un espacio limitado y minimalista- proporcionado por tangos y milongas de Astor Piazzola, así como boleros-rancheras en la icónica voz de la desaparecida Chavela Vargas (“Llorona” y “Noche de Ronda”), y un final interpretado por el célebre violinista Gidon Kremer. Tres parejas de las más brillantes y expresivas de Acosta Danza alternaron en cada una de las tres representaciones, las cuales defienden una intensa dramaturgia con destacado histrionismo y rotunda técnica, alrededor de una lámpara de pedestal y una butaca como únicos elementos escenográficos, en contraste con la vacuidad coreográfica.

Después de una apetecible pausa, aconteció el más ansiado de los estrenos mundiales, “Cor”, con coreografía y concepto de Marianela Boán, con la ingente colaboración de los seis intérpretes y del autor de la música, el talentoso y polifacético joven compositor cubano Pepe Gavilondo (ya tiene en su haber otras exitosas piezas para esta compañía).

Marianela Boán es un nombre paradigmático en los anales de la coreografía cubana contemporánea. Ella inició su colaboración con Acosta Danza desde sus inicios en 2015, cuando el propio Acosta la invitó a reponer “El cruce sobre el Niágara”, una coreografía realizada por ella, en 1987, para dos bailarines masculinos de la compañía Danza Moderna de Cuba (hoy DCC). La posibilidad de crear una coreografía original siempre estuvo pendiente, y ahora logró hacerla, después de 16 años. Boán reside hace varios años en Santo Domingo, como directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura de República Dominicana.

En cuanto al título de “Cor”, nuestras inquietudes fueron despejadas cuando nos explicó que proviene de la raíz de varias palabras que están muy vinculadas con su obra: el coro (tema utilizado en otros trabajos suyos mas de formas diversas); es la raíz de corazón y de coral marino, también de coralidad (relacionada a la más reciente historia cubana), y por supuesto, está en “coreo”, que “define todo lo que hacemos en danza”.

Boán define su estreno como “una obra muy física”, sin duda es igualmente una de sus creaciones más contaminada, en el sentido del empleo de la voz por los propios bailarines, quienes cantan además de moverse intensamente (con predominio del terre á terre) y trabajar con la manipulación de algún objeto: es el caso al final con las tumbadoras (instrumento cordófono que otros países denominan “congas”). La coreuta usó como leit motiv la canción “Consuélate como yo”, una muy popular rumba cubana que sirve de enlace a todos los momentos de esta pieza de poco más de 30 minutos.

La música en “Cor” es protagonista, especialmente por el trabajo dialógico estupendo realizado con Pepe Gavilondo, tecladista, compositor, profesor y productor, así como con la diseñadora de vestuario Alise Pérez (aunque el resultado no fue muy feliz); con la maestra coral Alina Orraca (arduo ejercicio con las voces, que requerían más horas de ensayo), y lujo de contar con Lino Pedroso para impartirles las clases de percusión (de tanta participación en la coreografía). No puede obviarse el trabajo significativo y eficaz de la experimentada maestra Loti Peón, como ensayadora, para superar el reto de conseguir este estreno en tiempo y forma.

Sin embargo, si bien reconocemos lo ambicioso del discurso coreográfico, el resultado no colmó nuestras expectativas.

La temporada “Rituales” cerró con la inteligente reposición de “Paysage, Soudain, La Nuit”, del coreógrafo sueco Pontus Lidberg, quien utiliza con eficacia teatral dos temas musicales de notables factura, como “Paisaje cubano con rumba”, de multilaureado compositor cubano Leo Brouwer (festeja sus 80 este año), y Cuban Landscape, del escandinavo Stefan Levin. Esta obra ya fue comentada por este cronista en su estreno, de la cual destacamos siempre la solidez de la escritura coreográfica en Lidberg, y la sabia iluminación de Patrick Bogardh. Un acierto, sin duda, cerrar esta primera temporada de 2019 con esta estupenda obra.

Acosta Danza abrió el telón con el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del catalán Juanjo Arqués. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Ovación para Carlos Acosta

mgueler — Fri, 28 Sep 2018 19:23:42 +0000

Afiche promocional de “Yuli”, film que marca la tercera participación de la directora catalana Icíar Bollaín y que compite por la Concha de Oro. Gentileza Acosta Danza.

Con ovaciones y lágrimas de los espectadores fue recibida, la película “Yuli”en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El filme, inspirado en la vida del bailarín cubano Carlos Acosta, fue dirigido por la cineasta catalana Icíar Bollaín, a partir de un guion de Paul Laverty; cuenta con la fotografía de Alex Catalán, la música de Alberto Iglesias y las actuaciones estelares de Carlos Acosta, Laura De la Uz, Santiago Alfonso, Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera, junto a la participación de la Compañía Acosta Danza. Esta presentación marca por tercera ocasión la participación de la directora en la competencia por la Concha de Oro. La película se estrenará comercialmente en España el 14 de diciembre.

La producción, que compite por la Concha de Oro, ha sido calificada por la prensa especializada como “luminosa”, “emotiva” y “deslumbrante”. El periodista Carlos Pumares del periódico ”La Razón” asegura que, de lo visto hasta ahora en el Festival, la película de Icíar Bollaín es ”Lo mejor, sin ninguna duda”. Para Pumares, la directora “intercala la infancia y el estrellato, yendo hacia adelante y hacia atrás con enorme sencillez”. El crítico concluye afirmando que “Si el festival terminase hoy, la Concha de Oro sería para esta sólida directora”.

Para Luis Martínez de “El Mundo”, la película de Iciar Bollaín que el domingo se llevó los focos del Festival de San Sebastián (…) tiene algo de espejo. A él se asoma el bailarín Carlos Acosta para contar su vida. Y lo hace sin precisar exactamente el lado, desde el que se mira. ¿Qué le empuja a contemplar su reflejo al protagonista: la certeza del éxito, la vanidad, o se trata sólo del simple pavor, o vértigo, de haber podido ser otro? En efecto, y para situarnos, Yuli es como de niño en las calles de La Habana llamaban a Acosta. Y Yuli es como se llama la película en la que Acosta narra y baila, en primera y dolorosa persona, su propia vida”.

Las periodistas Pepa Blanes y María Guerra en su reseña Icíar Bollaín y su retrato de Carlos Acosta, el bailarín negro que triunfó, para la Cadena SER, comentan que “En una mezcla de flashblack, Bollaín se apoya en tres edades de Acosta. De niño, cuando empieza a bailar. De joven, cuando sale de Cuba, primero a Suiza y luego a Inglaterra. Por último, en la actualidad, donde Carlos Acosta dirige una escuela de ballet en su país”.

Carlos Acosta llegó a San Sebastián para presentar la película que habla sobre su vida en cuba y de sus éxitos como bailarín internacional. Gentileza Acosta Danza.

Carlos Loureda de la revista Fotogramas considera que “‘Yuli’ contiene los ingredientes necesarios para triunfar en taquilla: el lado social de la escritura de Paul Laverty (guionista habitual de Ken Loach), mezcla de emoción y alguna carcajada, números de danza insertados en la narración y un ida y vuelta continuo (…) entre el pasado y presente”.

El comentario de Loureda, titulado “Yuli”, de Icíar Bollaín, deslumbra con la fotografía de Alex Catalán, analiza los valores contrastantes de los escenarios y las atmósferas en la visualidad de la película. Según el periodista «El sublime fotógrafo dota a cada espacio de una personalidad distinta. Cuba resulta luminosa, atractiva, acogedora y maternal. Europa es fría, sepulcral, hacia tonos azules o grises, casi al borde de la claustrofobia”.

El Diario de Sevilla también publicó una reseña de Magdalena Tsanis, periodista de la agencia informativa EFE. Tsanis comenta que el relato fílmico sobre Carlos Acosta transcurre “en paralelo entre el pasado y el presente, salta de su infancia y juventud ficcionada, con los actores Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera poniéndose en su piel, a su vida adulta, como bailarín y coreógrafo. Las coreografías, de María Rovira, sirven de enlace entre el pasado y el presente y traducen en movimiento y emoción los episodios más dramáticos de la vida de Acosta, escenas en las que Bollaín alcanza altas cotas estéticas”.»

Nacido en La Habana en 1973, Carlos Acosta bailó en compañías como el Houston Ballet, el Ballet Nacional de Cuba o Royal Ballet de Londres donde fue primer bailarín durante más de 15 años. En 2015 fundó en La Habana su compañía Acosta Danza.

El Festival de San Sebastián está catalogado como uno de los eventos culturales más prestigiosos de España y de los países de habla hispana. En su más de medio siglo de existencia, ha sido testigo de importantes acontecimientos en la historia del cine internacional como el estreno de “Vértigo” y de “Con la muerte en los talones”, ambas películas de Alfred Hitchcock.

Una troupe que apuesta al desafío

mgueler — Thu, 06 Sep 2018 17:08:10 +0000

Acosta Danza presentó “Satori”, creación de Raúl Reinoso para diez bailarines, protagonizado por Zeleidy Crespo. Foto: Yuri Nórido. Gentileza AD.

Como lo ha definido el propio astro de la danza cubana, Carlos Acosta, fundador y director general de Acosta Danza -la más joven y multifacética compañía de danza de la isla grande de las Antillas-, este programa está signado por el verano de este hemisferio, al desarrollarse bajo estas condiciones físicas, climatológicas y espirituales. Una estación que se ajusta a muchas características de las personalidades y el ritmo de los movimientos de los danzantes, que se enfrentaron al exigente público que colmó la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso durante tres jornadas, 17, 18 y 19 de agosto.

En esta ocasión, la novedad convocante fue el estreno mundial de “Satori”, la tercera obra coreográfica del joven bailarín del conjunto Raúl Reinoso, quien dio sus primeros pasos en este terreno en Acosta Danza. Ahora se arriesga ampliamente al asumir un reto mayor, cuando decide acometer un importante espectáculo inspirado en conceptos del budismo zen: “un viaje espiritual que trasciende las fronteras culturales y de épocas”.

Otras tres piezas, en reposición, conforman los programas de estas tres funciones estivales habaneras: “End of Time”, un dúo neoclásico elegíaco concebido y laureado en 1984 por el británico Ben Stevenson, con el edulcorado apoyo musical de una hiper-romántica partitura del ruso Serguei Rachmaninoff, inspirado en el filme “On the Beach” (1959), de Stanley Kramer, bailado aquí por Deborah Sánchez y Enrique Corrales (atenidos a los códigos clásicos, pero expresados con una febril convicción). Le siguió el breve solo “Impronta” de la española María Rovira, con música original de Pepe Gavilondo, notablemente interpretado por Zeleidy Crespo, una diosa de ébano dotada de recursos técnicos y carisma simpar, que regala una evocación de gran belleza de la herencia africana de estas tierras.

El cierre correspondió a la obra “De punta a cabo”, en versión original de Alexis Fernández (Maca), enriquecida por imágenes en video (back-projections) realizadas especialmente para esta compañía por XAlfonso, talentoso compositor de electro-rock, cantante y videasta. Una suerte de espejismo del sempiterno Malecón, también conocido como “el sofá de La Habana”, pretexto del autor para mostrar una deconstrucción de bailes populares de la pasada centuria. Apoyado igualmente por la música de Kike Wolf (a partir de la conocida pieza “La bella cubana”, de José White) y de Omar Sosa. Aunque no es lo mejor del repertorio, funciona como carta de presentación de una entidad local caribeña.

La importancia y complejidad del tema abordado por Raúl Reinoso amerita especial atención. Antes que todo por su título, “Satori”, un término japonés que, en el budismo zen, se refiere al despertar espiritual, al cual se llega mediante la reflexión introducida por un Koan -una técnica de meditación religiosa-, e igualmente designa al estado de iluminación de Buda Gautama y los patriarcas del budismo.

“De punta a cabo”, de Alexis Fernández (Maca), con imágenes en video realizadas para Acosta Danza por XAlfonso. Foto: Yuri Nórido. Gentileza AD.

Durante varios meses el coreógrafo estuvo obsesivamente trabajando con el objetivo de concretar una idea: tomar el concepto oriental y llevarlo hasta el contexto cultural cubano, hasta provocar con el encuentro de ambos un efecto sincrético. “Es muy complejo recrear lo que ocurre en la mente de una persona en su viaje espiritual”, confesó Reinoso.

En esta su tercera pieza para Acosta Danza, en el contacto con bailarines de ballet, se ha producido un cambio evidente en su poética, comparada con los postulados técnicos y estéticos de “Anadromous” y el dúo “Nosotros”. La formación de Reinoso, en tanto que bailarín, proviene de la danza contemporánea: estudió en la Escuela nacional de arte (2005), luego integró (en 2009) el cuerpo de baile de Danza Contemporánea de Cuba, bajo la dirección de Miguel Iglesias y los aportes del coreógrafo Jorge Abril. Actualmente, Reinoso muestra una clara inclinación por las líneas clásicas, por las posiciones académicas y ha sido un elemento positivo en el montaje la eficaz participación de la ballet mistress Clotilde Peón.

El elemento musical adquiere aquí suma importancia, en su objetivo por conseguir una coherencia necesaria en la producción de esta compleja puesta en escena. Diez bailarines en busca de una identidad cultural, a la vez dinámica, creativa y espiritual, a partir de “las dinámicas estructurales fragmentadas”. Esto se ha logrado merced al trabajo conjunto del compositor con el coreógrafo. Ciertamente, ambos han crecido artísticamente durante el proceso de composición de la obra.

Sin duda existe un gran componente de música electrónica, empero no es menos cierto que también aparece con fuerza la música acústica, folclórica.

Cuando se califica a un coreógrafo de musical, parece ser una obviedad o una redundancia. Pero no es así, resulta también –a veces- que la música tiene más que decir que la coreografía. Así surge una aparente contradicción. Entonces, el compositor despeja las incógnitas: la misma naturaleza de la coreografía, que posee varias partes con distintas dramaturgias y mensajes, ha hecho abordar el material compositivo como si fuera una pieza sinfónica.

Los conceptos humanistas que contiene “Satori” lo indujeron a acudir a la voz humana, para ello se ha valido del excelente coro Schola Cantorum Coralina. “El resultado final es como una sinfonía”, apuntó. La música que invadió la sala es muy dramática, imponente y sensible, en suma, la “comprensión” en el budismo zen.

Un notable trabajo coral por parte de diez afiatados bailarines seleccionados por el creador, aunque se destacan las prestaciones puntuales de algunos de ellos, tales como Zeleidy Crespo, Julio León o Jayron Pérez.

Imposible concluir sin mencionar los meritorios diseños de luces (a veces protagonista), de Pedro Benítez, los variados recursos escenográficos y los figurines de la italiana Fabiana Piccioli.

“Satori”, la tercera obra coreográfica de Raúl Reinoso creada especialmente para Acosta Danza. Foto: Yuri Nórido. Gentileza AD.

Cuando se dice adiós

mgueler — Wed, 08 Aug 2018 02:58:23 +0000

A sala llena, el sábado 4 de agosto Karina Olmedo bailó por última vez en el Teatro Colón. Flores, lágrimas y emoción. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Una historia de amor, de encuentros y desencuentros es el marco en el que Karina Olmedo y Alejandro Parente, cierran una etapa que formó parte de la historia de la danza en la Argentina. Con casi 30 años en la compañía, los dos bailarines dicen “adiós” al Ballet Estable del Teatro Colón (BETC) con “La viuda alegre”, obra que comenzó sus funciones el 2 de agosto y cierra el 8, con la despedida de Parente.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el BETC subió a escena este ballet con adaptación musical de John Lanchberry, coreografía de Ronald Hydn, reposición coreográfica de Steven John Woodgate y dirección musical de Manuel Coves al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

“La viuda alegre” (Die Lustige Witwe – The Merry Widow), opereta escrita en 1905 por el compositor austro-húngaro Franz Lèhar, con libreto de Victor Léon y Leo Stein, está basada en la comedia “L’attaché d’ambassade” de Henri Meilhac. Desde su estreno en Viena, en diciembre de 1905, fue considerada como una de las obras más importantes del género. Robert Helpmann, codirector del Australian Ballet, llegó a un acuerdo con los herederos de Lehár para crear un ballet con la música de la opereta. Se ocupó del libreto y propuso a Ronald Hynd que hiciera la coreografía y a John Lachbery la adaptación musical. Fue el primer ballet original de esta compañía, que se estrenó con gran éxito el 29 de noviembre de 1975.

La primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, Karina Olmedo, se retiró de los escenarios con el protagónico de “La viuda alegre”, con Juan Pablo Ledo como partenaire. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

El sábado 4, fue Olmedo quien bailó por última vez en el escenario que la vio crecer y a través del cual transitó alegrías y tristezas, y recorrió esas tablas junto a bailarines como Igor Zelensky, Faruk Ruzimatov, Yuri Klevtsov y Carlos Acosta, entre otros, interpretando los roles principales de los ballets más entrañables del repertorio clásico.

La primera bailarina del BETC asumió el rol principal en “La viuda alegre”, junto al primer bailarín Juan Pablo Ledo y a la compañía dirigida por Paloma Herrera. Al término de la función, cayeron flores sobre el escenario, y ante una sala llena ovacionándola, llegaron las lágrimas, la emoción, los afectos, los recuerdos… Y allí estaban también sus compañeros de ruta, la directora general del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz, su padre y sus hijas.

Luego de la función, el Teatro Colón homenajeó a su primera bailarina con una recepción en el Salón Dorado, y entre aplausos, besos y abrazos, logró decir, con emoción contenida: “Me retiro con una misión cumplida en esta casa. Les agradezco profundamente por todo el cariño que es lo que más me llena el alma y el amor con el que han compartido conmigo esta noche”.

Olmedo comenzó a los ocho años en la Escuela Nacional de Danzas y estudió en forma independiente con la profesora Gloria Kazda hasta que, a los 14 años entró al Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, y luego fue parte del BETC. En 1989 obtuvo la medalla de oro en el I Concurso Latinoamericano de Ballet de Buenos Aires y una beca para perfeccionarse en el centro de Rosella Hightower en Francia. A su regreso fue convocada por Julio Bocca para formar parte de su compañía, el Ballet Argentino, con el cual realizó una extensa gira internacional.

Como primera bailarina del BETC su repertorio incluyó grandes producciones como “La Fille Mal Gardée”, “La Bayadera”, “Don Quijote”, “El Cascanueces”, “Coppelia”, “La bella durmiente del bosque”, “Paquita”, “Raymonda”, “Suite en Blanc”, “Los cuatro temperamentos”, “Suite porteña”, “Estaciones porteñas”, “Romeo y Julieta”, “Giselle” y “Apollon Musagete”, sobre una innumerable lista de obras y roles protagónicos.

El miércoles 8 de agosto, cierra el telón de “La viuda alegre”, con la despedida del primer bailarín Alejandro Parente, interpretando su rol protagónico junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez, con quien ya ha bailado la función del domingo 5 de agosto. Esta función se podrá ver en vivo por www.teatrocolon.org.ar.

El miércoles 8 de agosto, cierra el ciclo de “La viuda alegre”, con el primer bailarín Alejandro Parente que bailará con Marianela Núñez. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Ver ensayos y testimonio de Alejandro Parente. Clic aquí.