“Los miserables”, el musical dirigido por Laurence Conner y James Powell regresó a Washington DC. Fotos: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Desde los bajos fondos de la trama social parisina, en 1862 Victor Hugo escribió “Los miserables”, una de las obras maestras de la literatura universal. Una historia épica, ambientada en la Francia del siglo XIX, que reflexiona sobre las desigualdades sociales, la justicia, la redención, la moral, el amor. Desde entonces, y ya en los comienzos del siglo XX, se hizo la primera versión cinematográfica, dirigida por Richard Boleslawski en 1935. Y, después de más de cien años, en 1980, se produjo el musical con libro y letra de Alain Boublil y música de Claude-Michel Schönberg, una propuesta que ganó el premio al mejor musical en los premios Tony de 1987.

El 11 de junio, el musical regresó al Opera House del Kennedy Center de Washington D. C., luego de agotar localidades en 2023, y permanecerá en cartel hasta el 15 de julio. Esta incomparable producción de Cameron Mackintosh narra una historia apasionante de sueños rotos y amores no correspondidos, pasión, sacrificio y redención, que trasciende las épocas y las circunstancias.

El protagonista de esta intrincada trama es un exconvicto, Jean Valjean, una víctima de la sociedad, que estuvo 19 años en prisión por robar una hogaza de pan. Tras su liberación, Valjean se reformó y se convirtió en un exitoso industrial y alcalde de un pueblo del norte. Sin embargo, su pasado regresa de manera implacable a través de las persecuciones del inspector de policía Javert. Otros personajes se entrelazan y van construyendo esta obra monumental de casi tres horas.

Con dirección de Laurence Conner y James Powell, el musical sigue y entrelaza las historias de los personajes con claridad y sutileza simbólica, donde cada elemento de la puesta en escena contribuye a la narrativa. Valjean, redimido, promete a una mujer moribunda, Fantine, cuidar de su hija Cosette, a quien cría como suya. Cuando Cosette es adolescente, se enamora de un revolucionario, Marius. A partir de ese encuentro, cada uno de los personajes va develando sus propias verdades.

Actuaciones deslumbrantes, voces magníficas e interpretaciones cargadas de emoción permiten que el espectador sea partícipe de cada uno de estos momentos definitorios de la vida de los protagonistas. La actuación de los niños merece un capítulo aparte: bellas voces, acertadas interpretaciones y una fuerza emocional conmovedora.

Nick Cartell como Jean Valjean en la producción de “Los miserables” en el Kennedy Center. Fotos: Matthew Murphy y Evan Zimmerman. Gentileza JFKC.

Nick Cartell, como Jean Valjean, con su potente voz, transitó todos los tonos, las intensidades y los matices necesarios para el tránsito de su personaje. Por su parte, Lindsay Heather Pearce, en el rol de Fantine, conmovió a la audiencia con “I Dreamed a Dream”. El resto del elenco, tanto en las intervenciones corales como en los solos, mostró que la producción hizo una cuidada selección de voces. Impactante y emotiva la interpretación de Mya Rena Hunte (Éponine), con un solo que hizo estallar los aplausos. La Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Glenn Alexander II, acompaña con magnificencia estas estupendas voces, con una dirección musical precisa.

La escenografía de Matt Kinley, ajustada, simbólica y determinante, deja que los actores se desplacen con naturalidad y pinta esas calles, esos burdeles o tabernas, y esas barricadas, con un realismo y una belleza asombrosos. A eso se suma el gran acierto de incorporar proyecciones realizadas por Finn Ross, que le dan un toque realista y ayudan a describir de manera cinematográfica los desplazamientos y los espacios ocultos de París. Dentro de los elementos de la puesta, el diseño de luces de Paule Constable contribuye de una manera sutil a crear climas y emociones. La iluminación se cuela con sutileza por espacios impensados, da cuerpo a la escenografía, la viste, le da entidad.

“Los miserables” no es solo un musical, es una obra de arte sobre otra obra de arte. Pero, al mismo tiempo, es una pieza que incita a reflexionar sobre el mundo y su contexto, sobre el hombre y sus circunstancias, y sobre la capacidad desmedida del hombre para construir o destruir su propio entorno y su destino. Más allá de las épocas, y casi dos siglos después, la obra de Victor Hugo sigue viva.

(De Izq. a Der. ) Jake David Smith como Marius, Mya Rena Hunter es Éponine, Delaney Guyer en el rol de Cosette, Nick Cartell como Jean Valjean. Fotos: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Interpretado por Chris Mann y Kaitlyn Davis, “El fantasma de la ópera” cumple 30 años de su estreno en Londres. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Un clásico indiscutible. Un modelo perfecto que reúne una sutil historia de amor y misterio. Una música impactante con canciones conmovedoras que quedan en la memoria. A casi 30 años de su éxito arrollador en Broadway y en Londres, “El fantasma de la ópera”, se ha convertido en “el musical” de todos los tiempos, que ha recorrido el mundo como un suceso irrevocable. Creado por Andrew Lloyd Webber, llegó al Kennedy Center de Washington con una nueva y deslumbrante producción de Cameron Mackintosh.

Poco ha cambiado de la esencia de esta obra que marcó un antes y un después en la historia de los musicales desde su estreno el 9 de octubre de 1986 en Londres. Con una nueva escenografía de Paul Brown y una nueva puesta en escena de Laurence Connor, la producción conserva los bellos trajes de Maria Björnson, y presenta una coreografía diferente, a cargo de Scott Ambler.

Un despliegue técnico atractivo. Explosiones, fuego, objetos que se caen o se rompen, y lo que podría considerarse la marca registrada de este musical en este campo: la inmensa araña que cuelga del techo y que en un momento cae sobre el público sin alcanzar a estrellarse mientras, surgen destellos de explosiones en su interior. Escaleras que se despliegan a medida que los protagonistas descienden, y un desplazamiento asombroso de escenografía, convierten el escenario en una diversidad de ambientes y logran mantener la magia de principio a fin.

El musical se basa en la novela de Gaston Leroux, “Le Fantôme de l’Opéra”, publicada en abril de 1910 como producto de una serie de episodios que aparecieron en “Le Gaulois” desde septiembre de 1909 hasta enero de 1910. La novela, ambientada en París en el siglo XIX, en la Ópera Garnier, cuenta una historia de amor entre el fantasma que supuestamente habita ese teatro y una bella soprano de la Ópera de París que se convierte en la obsesión de ese misterioso personaje.

Scott Ambler es responsable de la coreografía interpretada por bailarinas de formación clásica. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

La joven, Christine Daaé, protagonizada por Kaitlyn Davis -en la noche del estreno de prensa-, que cree estar guiada por “el ángel de la música” enviado por su padre, llega a un éxito repentino, cuando debe reemplazar a la prima donna del momento. Con libreto de Richard Stilgoe y de Lloyd Webber, y canciones de Richard Hart y Stilgoe, la historia devela emociones y contradicciones de este fantasma-compositor, cuyo rostro desfigurado, está cubierto por una máscara.

En esta puesta, el cantante Chris Mann, quien surgió a la fama como finalista en la competencia The Voice 2012, encarna un fantasma conmovedor, cuya voz alcanza niveles de enorme profundidad, transmite sus emociones con total sutileza, y a su vez, muestra su capacidad actoral. Magnífico trabajo, intenso y refinado. Por su parte Davis, cuya bella voz logra momentos maravillosos, interpreta con calidad y frescura el rol de la hermosa soprano que queda atrapada en esos pasadizos ocultos donde el fantasma ha constituido su guarida.

Magnífica en su rol de diva, Jacquelynne Fotaine, poseedora de una voz potente y delicada. Anne Kanengeiser se luce en su papel de Madame Giry, la rígida y al mismo tiempo sensible maitre de ballet quien, es la que cuenta la verdadera historia de este fantasma. Las actuaciones del resto del elenco se ajustan a esta puesta como un impecable mecanismo de relojería.

De la misma forma, el cuerpo de baile, integrado por entrenadas bailarinas clásicas, hizo un muy buen trabajo para poner en escena la coreografía simple pero dinámica de Ambler. Las secuencias de ballet, que hacen un guiño humorístico a las grandes producciones de ballet para ópera del siglo XIX, son un gran acierto en esta puesta que refuerza el esquema tradicional de una ópera. Con la supervisión del icónico Matthew Burne, creador de la versión masculina de “El lago de los cisnes” y de otras renovadas puestas contemporáneas de ballet tradicional, esta nueva producción, una vez más, se caracteriza por la maestría de su estructura. Pero por sobre todo, “El fantasma…” sigue confirmando que es el clásico musical de todos los tiempos.

Masquerade, una de las escenas de conjuto de esta nueva puesta de “El fantasma de la ópera”. Foto: Alastair Muir. Gentileza JFKC.

Buffalo – Shea’s Performing Arts Center
Octubre 14 – 31

East Lansing – Wharton Center for Performing Arts
Noviembre 3 – 21

Des Moines – Civic Center of Greater Des Moines
Noviembre 26 – Diciembre 12

Detroit – Opera House
Diciembre 16– Enero 2, 2011

Pittsburgh – Benedum Center
Enero 5 – 23, 2011

Omaha – Orpheum Theatre
Enero 27 – Febrero 13, 2011

Boston – Opera House
Febrero 17 – Marzo 20, 2011

Philadelphia – Academy of Music
Marzo 23 – Abril 17, 2011

Columbus – Ohio Theatre
Abril 20 – Mayo 8, 2011

Seattle – Paramount Theatre
Mayo 12 – 29, 2011

Sacramento – Community Center Theatre
Junio 2 – 19, 2011

Portland – Keller Auditorium
Junio 22 – Julio 10, 2011

Costa Mesa – Orange County Performing Arts Center
Julio 14 – 31, 2011

Caroline Sheen, Mary Poppins, y Gavin Lee, Bert, con el elenco del musical “Mary Poppins”. Fotos: Joan Marcus. Gentileza de JFKC. -©Disney/CML

En Londres, en 1910, una familia rica aparentemente perfecta no encontraba la niñera que pudiera aguantar a sus hijos, malcriados y desobedientes. Sin embargo, y como por arte de magia, un día Mary Poppins llegó volando con su paraguas, su sombrero y su valija llena de objetos imaginarios y cambió la vida de la familia y la de esos niños.

La historia de Mary Poppins se hizo famosa cuando Disney la convirtió en película musical en 1964, y luego, en 2004 se estrenó como comedia musical en el Prince Edward Theatre, de Londres, producida por Disney y Cameron Mackintosh. Dos años más tarde llegó a Broadway.

Su puesta en escena es una de las más grandes que se hayan montado en los últimos años tanto en Londres como en Nueva York, y lleva recaudados cerca de $392 millones de dólares. La vieron más de 5,3 millones de espectadores durante las aproximadamente 1.400 funciones que se han realizado en todo el mundo desde su estreno. A principios de junio, el paraguas mágico de Mary Poppins llegó al Opera House del Kennedy Center y permanecerá en cartel hasta el 22 de agosto.

La novela de la australiana Pamela Lyndon Travers, publicada en 1934, fue convertida en una película musical en 1964 por Disney, y tuvo 13 nominaciones al Oscar, de las cuales ganó cinco. La película, catapultó a la fama a Julie Andrews, que ganó la estatuilla como mejor actriz.

El premio, vino como una “revancha”, ya que los productores de “My Fair Lady” –obra en la que Andrews era protagonista de la pieza teatral–, la habían desechado para el papel de Eliza Doolitle por ser poco conocida. Su lugar lo ocupó la famosa Audrey Hepburn, que ni siquiera fue considerada para las nominaciones a mejor actriz de ese año.

“Conocí por primera vez la historia de Mary Poppins hace más de 40 años, después de ver el musical de Walt Disney –dijo Mackintosh–. Yo recién salía de la escuela. Pero el personaje era tan extraordinario que nunca lo pude olvidar, ni tampoco las canciones de los hermanos Sherman”.  Luego Mackintosh, después de convencer a la autora, convirtió la historia en una comedia musical que hoy está de gira por Estados Unidos.

El elenco de la gira estadounidense de “Mary Poppins”, que después de las funciones en el Kennedy Center se presentará en Indianapolis en septiembre (ver recuadro), está integrado por Caroline Sheen, como Mary Poppins y por Gavin Lee, en el rol de Bert, el deshollinador amigo de aventuras de Mary Poppins.

“Formar parte del tour es una experiencia diferente a la de Broadway –comentó Nick Sánchez, hijo de puertorriqueños de Nueva York–. En los tours, cada ciudad es nueva y el show se refresca cada vez”. Sánchez, hace tres años que forma parte del elenco de bailarines y cantantes de “Mary Poppins”, y además, personifica a Valentine, uno de los muñecos de los niños.

El musical, dirigido por Richard Eyre, cuenta con la codirección y la coreografía de Matthew Bourne, creador reconocido por sus osadas versiones de “Cascanueces” y “El lago de los cisnes”, protagonizado por cisnes hombres.

El vestuario y el diseño escenográfico son de Bob Crowley, y la iluminación, de Howard Harrison. Cada uno de estos elementos se unen para contar una historia en la que una niñera vuela por los aires, y el deshollinador es capaz de caminar patas para arriba como sostenido por los hilos invisibles del cielo.

“En el musical, muchas de las cosas mágicas que tiene la película también se ven en escena –remarca Debra Cardona, actriz y cantante de origen puertorriqueño, que se incorporó al show hace cuatro meses–. Especialmente, cuando Mary Poppins vuela. Hay muchos números espectaculares y los niños se vuelven locos”. Cardona, integra el elenco de bailarines y cantantes, y protagoniza también a Miss Lark, una de las vecinas cuya particularidad es que siempre sale con su perrito.

“Mary Poppins”, predecesora de las niñeras “pseudo” mágicas que se ven en las series de televisión, muestra un tema que se ha convertido en una constante de la modernidad: padres demasiado ocupados como para ocuparse de sus hijos, y poco dispuestos a despertar el niño que llevan adentro.