Britney Coleman como Bobbie (Ctro.) y el elenco de “Company” en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Bobbie cumple 35 años, y sus amigos se preguntan, y le preguntan, algo que quizás ya no tenga importancia: ¿Por qué no se ha casado? Y tras ese cuestionamiento, llega la batería formal e inquisidora: ¿qué pasa que no encuentra al hombre adecuado? ¿Cómo no forma una familia? Planteos de rigor en todo entorno tradicional y conservador del siglo XX. Hoy, quizás estén fuera de lugar.

“Company” se estrenó en Broadway en 1970 y está considerado uno de los máximos exponentes del musical conceptual en el que la teatralidad y los diálogos cobran más importancia que lo habitual. La producción que llegó al Opera House del Kennedy Center y seguirá en cartel hasta el 31 de marzo, dirigida por Marianne Elliott, es una reposición de 2018 que reapareció en Broadway en 2021. Esta vez, la pieza cambió el género del protagonista. Ya no se trata de un solterón indomable, sino de una mujer independiente que se pregunta el sentido de estos obligatorios tabúes sociales.

Elliott, ganadora de tres premios Tony (War Horse, The Curious Incident of the Dog in the Night-Time, Angels in America), dirige esta nueva propuesta con acabado criterio estético y claridad estructural. Con la magnífica música de Stephen Sondheim y libro de George Furth, incluye memorables canciones premiadas como “You Could Drive a Person Crazy”, “The Ladies Who Lunch”, “Side by Side by Side” y “Being Alive”.

Un reparto de gran talento histriónico, voces excelentes y una exquisita puesta en escena componen esta trama ambientada en la ciudad de New York. La obra es una sucesión de viñetas que plantean situaciones cuya estructura se basa en la exploración de la protagonista, Bobbie (Britney Coleman), como testigo y observadora de la vida, las relaciones de pareja y los conflictos de sus amigos. Las escenas ponen al desnudo los temores, las incertidumbres y los comportamientos del ser humano, y las contradicciones que provocan el amor y el desamor.

(De Izq. a der.) Jacob Dickey, David Socolar y Tyler Hardwick junto a Britney Coleman en “Company”. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Todo se desarrolla en medio de una escenografía geométrica con marcos de neón diseñados por Bunny Christie, que encajonan a Bobbie en estrechos cubículos asfixiantes por momentos. Cada uno de ellos representa determinados espacios, o bien, permiten que la protagonista recorra los apartamentos de uno y otro amigo, vivencie los conflictos subyacentes y los expuestos, y reflexione sobre lo que gana o pierde en esta decisión de romper con las estructuras sociales ya caducas.

Sin embargo, en una época en la que las mujeres están cada vez menos limitadas por los estereotipos sociales, quizás estas reflexiones sean innecesarias. No obstante, el cambio en el género del protagonista suena casi reivindicatorio. Muestra a una mujer libre, independiente, sin prejuicios ni condicionamientos. En este contexto, tal vez la inquietud de sus amigos de verla casada y con hijos, suene fuera de lugar. Y si Elliott tuvo la intención de dejar en evidencia la necesidad del “clan” de incorporarla como un “miembro más”, de hacerla cómplice de sus decisiones, no lo deja explícito en la trama ni en los diálogos.

Pero sí deja en evidencia las contradicciones de la mujer moderna. Una mujer que ya no está sujeta a los mandatos impuestos por la sociedad y que, al mismo tiempo, sigue perseguida por tradiciones ancestrales como el matrimonio y la maternidad. De esta manera, “Company”, no es un musical a secas, sino que induce a pensar y a reflexionar sobre las decisiones que cada uno toma en la vida.

Neil Austin, diseñador de iluminación, logra generar espacios y climas interesantes, atractivos y bellos que incitan a reflexionar sobre la temática propuesta en este musical. La coreografía de Liam Steel eleva la apuesta visual a lo largo de todo el espectáculo, y permite que el elenco se deslice a través de cada uno de los cuadros y situaciones. El resultado: un musical fuera de lo común que deja una puerta abierta para preguntarse sobre el rol de cada uno en la sociedad actual.

(De Izq. A Der.) Harrell Holmes Jr., Jalen Harris, Elijah Ahmad Lewis, E. Clayton Cornelious, Michael Andreaus en “Ain’t Too Proud…”. Foto: © 2023 Emilio Madrid. Gentileza JFKC.

Un libro de memorias que recorre una época clave en la historia de Estados Unidos. Fueron las convulsionadas décadas del 60 y del 70. Y un testimonio que se vincula no solo con hechos coyunturales, sino también, con la música y con las contradicciones propias de la condición humana.

“Ain’t Too Proud: The Life and Times of The Temptations”, que subió al Opera House del Kennedy Center del 13 al 18 de febrero, se basa en las memorias de Williams de 1988, escritas con Patricia Romanowski. Este musical de Broadway estrenado en 2019 presenta una selección de los mejores temas del Rock y el Blues generados por este grupo que, más allá del insostenible potpurrí de egos y de adicciones, juntos eran arrolladores.

Cuando Otis Williams (interpretado por Michael Andreaus), luego de pasar seis meses en la cárcel, a sus 16 años, elige la música como camino de salvación ante un destino que parecía irreversible. Se une a su hermano Paul Williams (E. Clayton Cornelious), y comienzan una aventura que los llevó, después de pasar por varios grupos, a formar el célebre quinteto The Temptations.

Un musical con libro de Dominique Morisseau, dirigido por Des McAnuff, también director del musical “Jersey Boys” (2004) que toma la narración de Otis William como hilo conductor que va transitando por las diferentes etapas, los conflictos, las discusiones y las separaciones de un grupo que marcó un hito en la historia de la música.

Un espectáculo que convoca magníficos cantantes e intérpretes, con la coreografía de Sergio Trujillo, ganadora de un Tony, y una puesta en escena que, a través de proyecciones hace referencias a un momento histórico particular y específico en el que la segregación racial y la lucha por los derechos civiles dejaba su fuerte impronta.

No obstante, la dinámica de intercalar la narración con la acción y la teatralidad, por momentos interrumpe una secuencia que va in crescendo y de la cual el espectador no quiere escapar. El musical cuenta la historia The Temptations desde que se unieron en 1960 bajo el nombre de The Elgins. El grupo surgió partir de una mezcla de diferentes dúos y cuartetos vocales de Detroit, y poco a poco fueron creciendo hasta llegar al Salón de la Fama del Rock and Roll en 1989 como uno de los ensambles de R&B más exitosos de la historia de la música.

(De Izq. A Der.) El elenco de “Ain’t Too Proud…: Elijah Ahmad Lewis, Jalen Harris, Michael Andreaus, Harrell Holmes Jr. y E. Clayton Cornelious en el Kennedy Center. Foto: © 2023 Emilio Madrid. Gentileza JFKC.

Allí aparece también la lucha de cada uno de los miembros contra sus adicciones a las drogas y al alcohol, los problemas de salud mental, las vanidades. Y casi en forma paralela, la relación del grupo con el sello discográfico Motown.

Michael Andreaus encarna un Otis Williams reflexivo y en cierta forma, compasivo. La vibrante voz de Harrell Holmes Jr. como el bajo Melvin Franklin, se destaca en esta amalgama de estupendas voces. Lo mismo ocurre con el tenor Elijah Ahmad Lewis, un cantante y bailarín deslumbrante cuya sutileza da vida al tenor principal del grupo, David Ruffin. Jalen Harris hace vibrar la platea con su potente voz como el tenor Eddie Kendricks y el barítono E. Clayton Cornelious construye con acierto el personaje de Paul Williams.

Un total de 31 canciones que incluye los grandes éxitos de The Temptations y clásicos de la Motown cantados originalmente por otros grupos o solistas, construyen este musical -casi documental en blanco y negro-, con excelentes interpretaciones y una historia para recordar.

Brandon Uranowitz y el elenco de “Tick, Tick… Boom!” en el Eisenhower Theater. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Nueva York, 1990. Una historia de película. Un aspirante a compositor, Jon. Fracasos. Decepciones. La duda permanente de haber tomado la decisión equivocada al optar por las artes escénicas. Las contradicciones. Y un triunfo que no alcanza a disfrutarse.

“Tick, Tick… Boom!”, esta suerte de “monólogo reflexivo”, semi-autobiográfico, puso en la escena del Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC fragmentos de la vida del compositor Jonathan Larson, conocido por el exuberante éxito de “Rent”, la superproducción de Broadway ganadora del Premio Pulitzer. Aunque Larson no vivió para disfrutar de su éxito. El compositor murió en 1996 por un problema cardíaco no diagnosticado, el día antes de que “Rent” se estrenara en Broadway.

Larson interpretó “Tick, Tick… Boom!” en el Off-off Broadway en los ’90, y luego, en 2001 ganó la taquilla del West End en Nueva York. Giras y numerosas producciones terminaron en 2021 con una adaptación cinematográfica de Netflix dirigida por Lin-Manuel Miranda y protagonizada por Andrew Garfield.

En esta reposición “a gran escala” que presenta el Kennedy Center, la dirección está a cargo de Neil Patrick Harris, ganador de un premio Tony de canto y baile, quien también interpretó a Jon, en una producción realizada en 2005 en Londres.
Harris convocó a un reparto excelente y talentoso que tiene como protagonista a Brandon Uranowitz, ganador de un Tony en 2023 por “Leopoldstadt”, quien compone un personaje absolutamente creíble con sus contradicciones y su apuro por demostrar su talento como si desde lo más profundo de su ser hubiera sabido su próximo final.

Sumergido en el barrio del SoHo neoyorquino, sin recursos y ya a punto de cumplir 30 años, Jon se interna en sus planteos existenciales acerca de su elección de vida. El recurso escénico de Harris pone las reflexiones de Jon en una pantalla dentro del escenario, como si el inconsciente le hablara a su propio dueño.

Denée Benton y Brandon Uranowitz en “Tick, Tick… Boom!”. Foto: Teresa Castracane. Gentileza JFKC.

Junto a Uranowitz, Denée Benton como Susan, la novia de Jon y profesora de danza, y Grey Henson como Michael, su amigo de la infancia que optó por una empresa de estudios de mercado y dejó atrás sus aspiraciones como actor.

Sin duda, esta es una pieza de cámara, reflexiva, que quizás se aleja de la estructura de un musical tradicional. Cuenta una historia que podría ser esencialmente teatral, para tres personajes, pero la sucesión de canciones y su contenido, la proyectan de una manera diferente. Tal vez, difícil de encasillar en un género en particular.

Algunos temas conmovedores interpretados por Uranowitz o a dos voces con Henson son algunos de los aciertos de esta obra, de la que es necesario resaltar la calidad vocal de los tres intérpretes y, especialmente, la potencia de Benton en sus solos.

Los cuatro bailarines y cantantes que forman parte de esta producción y que cumplen diferentes roles, es otro de los aciertos de Harris. A ellos se suma la puesta de luces de Cory Patak y la coreografía, sencilla y apropiada de Paul McGill.

“Tick, Tick… Boom!”, permite revisar la vida de Larson desde una mirada más cercana a los conflictos humanos de todos los días. Permite a su vez, descubrir en uno mismo esas preguntas que a veces están prohibidas por el peso de la sociedad y la agobiante cotidianeidad.

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“Carmen”, del coreógrafo Alberto Alonso, fue estrenada en Cuba por Alicia Alonso, luego del estreno mundial en Rusia por Maia Plisetskaya. Foto gentileza del Museo Nacional de la Danza y BNC.

Desde la oficina de prensa del Ballet Nacional de Cuba llegó el comunicado de la muerte de Alicia Alonso (Alicia Ernestina de la Caridad del Cobre Martínez del Hoyo), la Prima Ballerina Assoluta que durante más de 80 años fue una figura indiscutible de la historia del ballet, nació en La Habana, el 21 de diciembre de 1920. Veinte años después irrumpió en el mundo artístico al unirse al Ballet Theatre of New York.

A partir de este momento, la recordada por sus legendarios desempeños en las obras “Giselle” y “Carmen”, comenzó una brillante carrera como intérprete suprema de las grandes obras del repertorio romántico y clásico.

Cientos de órdenes, condecoraciones, distinciones y títulos internacionales, ensanchan la impronta de Alicia en el mundo artístico, al punto que en el 2015 el Consejo de Estado de la República de Cuba acordó que el Gran Teatro de La Habana lleva su nombre, en reconocimiento de su aporte a la cultura cubana y universal.

La Embajadora Mundial de la Danza por la Unesco, con una extensa carrera como pedagoga, fue la primera bailarina de América en actuar en la entonces Unión Soviética.

Desde el Ballet Nacional de Cuba llegó el siguiente obituario:

Alicia Alonso conquistó al público de Nueva York con su inolvidable versión de “Giselle” en 1943, y se convirtió en una de las grandes estrellas de la danza. Foto gentileza del Museo Nacional de la Danza y BNC.

“Alicia en su eterna y universal cubanía

Nuestra Alicia Alonso, quien durante 88 años como bailarina, coreógrafa y pedagoga contribuyó con su arte genial a poner el prestigio de su Patria en el más alto sitial en las cuatro esquinas del mundo, falleció en el Hospital CIMEIQ, de La Habana, a las 11 de la mañana de este jueves 17 de octubre del 2019, a dos meses y tres días de cumplir 99 años de edad.

Nacida el 21 de diciembre de 1920, en el reparto Redención, popular barriada de Marianao, en un modesto hogar formado por Antonio Martínez Arredondo, teniente veterinario del ejército, y Ernestina del Hoyo y Lugo, refinada modista, nuestra ilustre compatriota encontró en la danza desde muy temprana edad la vocación que guiaría toda su vida. Su ruta estelar, iniciada en la Escuela de Ballet de la sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, en 1931, se vio obligada a tomar nuevos derroteros al tener que marchar al extranjero por el escaso nivel, los prejuicios y el carácter elitista que enfrentaba el ballet en la Cuba de entonces. Trazar su orbita artística profesional es tarea ciclópea, pues abarca desde las comedias musicales de Broadway, el Ballet Caravan, el Ballet Theatre de New York, el Ballet de Washington y el Ballet Ruso de Montecarlo, hasta sus colosales triunfos como estrella invitada de las más relevantes compañías, festivales y galas de ese género artístico en todo el mundo. Su excepcional categoría de prima ballerina assoluta no obedeció a una caprichosa reputación jerárquica, sino al dominio de un vasto repertorio de 134 títulos que abarcó las grandes obras de la tradición romántico-clásica y creaciones de coreógrafos contemporáneos.

Alicia Alonso como Kitri en su versión de “Don Quijote”. Foto gentileza del Museo Nacional de la Danza y BNC.

Cuando el 28 de noviembre 1995, en el Teatro Massini de la ciudad italiana de Faenza, hizo un alto en su trayectoria como intérprete, ya había logrado establecer un record difícil de igualar, no solo por el tiempo de vigencia sobre las puntas, sino por el nivel de excelencia con que lo hizo.

Pero la grandeza de la Alonso, para nosotros sus compatriotas, no radica solamente en habernos representado triunfalmente en 65 países, recibir las más atronadoras ovaciones, imposible de contabilizar, de Helsinki a Buenos Aires, de New York a Tokio o Melbourne, sino haber puesto al servicio de su Patria todos los honores recibidos, entre ellos los 266 premios y distinciones internacionales,225 de carácter nacional y las 69 creaciones coreográficas -románticas, clásicas y contemporáneas, que ha realizado, revertiéndolos como frutos del quehacer que ella ha visto siempre como modesta contribución no solo a su cultura, sino a la cultura danzaría mundial.

Hace más de medio siglo al regresar a nuestro país cargada de honores extranjeros, no vacilaba en declarar: “Toda mi esperanza y mis sueños consisten en no volver a salir al mundo en representación de otro país, sino llevando nuestra propia bandera y nuestro arte. Mi afán es que no quede nadie que no grite: ¡Bravo por Cuba!, cuando yo bailo. De no ser así, de no poder cumplir ese sueño, la tristeza sería la recompensa de mis esfuerzos”.

Esa patriótica postura la llevó a fundar, junto a Fernando y a Alberto Alonso el 28 de octubre de 1948, el hoy Ballet Nacional de Cuba (BNC), y en 1950 la Academia de Ballet que llevó su nombre y tuvo la tarea histórica de formar la primera generación de bailarines dentro de los principios técnicos, estéticos y éticos de la hoy mundialmente reconocida escuela cubana de ballet. Durante 71 años, especialmente a partir del triunfo de la Revolución, pudo, con mano firme situar al BNC entre las compañías de mayor prestigio a nivel mundial, fundamentar un sistema de enseñanza que hoy abarca la totalidad de la Isla y es la garantía del ballet cubano, así como estimular un movimiento de colaboración internacionalista que en el campo del ballet Cuba ha extendido a casi medio centenar de países de América, Europa, Asia y África. Es la Alicia guía y mentora, que con su don aglutinador pudo convocar en La Habana, en 26 Festivales Internacionales de Ballets, a las más célebres personalidades de la danza, en una fiesta de arte y amistad. Y es también la Alicia que hemos visto dar la mejor entrega de su magisterio, lo mismo en escenarios de la más alta prosapia que en rústicas tarimas, en plazas públicas, fábricas, escuelas y unidades militares, consciente de que al pueblo, cualquiera que éste sea, siempre se asciende y nunca se desciende.

Los que tuvimos el privilegio de estar a su lado, conocimos también el extraordinario ser humano que había en ella, que por coraje y férrea disciplina no se dejó derrotar nunca por quebrantos físicos, vicisitudes o incomprensiones.

Fue la Alicia nuestra que, aunque bañada de cosmopolitismo añoró oír los cantos de nuestros gallos, gustar del olor al salitre de su Malecón habanero, valorar la mariposa y el coralillo como las flores más exquisitas, o fascinarse con los adelantos científicos y los misterios del cosmos. “Un ímpetu tenaz, frenético, heroico -disparado contra la enfermedad y contra el tiempo- hacia la perfección incansable.”, como acertadamente la definió Juan Marinello”.

Alicia Alonso, en abril de 2019, cuando la primera bailarina del BNC, Viengsay Valdés, asumió la vice dirección de la compañía. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

Betty Buckley encarna a Dolly Gallagher Levi en la producción de “Hello Dolly” que se estrenó en el Kennedy Center de DC. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

Inevitable. Cómo no emocionarse, cómo no sentir que la vida se vuelve de colores cuando apenas empiezan a sonar los compases de “Hello Dolly”, ese musical que en 1964 se llevó casi todos los premios Tony y que cinco años después recorrió los cines del mundo con Barbra Streisand y Walter Matthau en los protagónicos.

Cómo no volver a emocionarse cuando Dolly llega nuevamente al restaurante a hacer su debut estelar con su vestido rojo y su deslumbrante tiara de plumas y brillantes, tratando de reencontrarse con el amor. Ella, que con su ojo clínico y su intuición, había logrado descubrir el amor escondido en otros, pero no dentro de sí misma. Un descubrimiento progresivo que va develándose a medida que se permite una mirada introspectiva.

En esta reposición que llegó a partir del 4 de junio al Opera House del Kennedy Center y que permanecerá en cartel hasta el 7 de julio, ese personaje entrañable, tramposo, sensible, pícaro y lleno de vitalidad está en manos de la célebre Betty Buckley. La misma que logró cautivar con su memorable versión de “Memory”, uno de los temas clave de “Cats”, rol con el que se llevó un premio Tony en 1983.

Buckley encarna a una Dolly Gallagher Levi cálida y simpática, perspicaz y disimuladamente atenta que logra conectarse con la audiencia de la misma manera que lo hace con los personajes que la rodean. Su emoción y su alegría son tan genuinas que no caben dudas de que el personaje es justo para ella. Tanto desde lo corporal, con sus bailes y desplazamientos como desde su gestualidad, sus guiños con el público y la composición del personaje.

En “Hello Dolly”, los camareros del Harmonia Gardens hacen un despliegue de talento y destreza basados en la coreografía de Warren Carlyle. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

“Hello Dolly”, basada en la obra “The Merchant of Yonkers”, de Thornton Wilder, que luego se tituló, en 1955, “The Matchmaker” (La casamentera), es una de las producciones musicales de Broadway más representadas. Su primera protagonista en 1964 fue Carol Channing, quien volvió a ser Dolly en la reposición de 1995. La actual producción, que se estrenó en Broadway en 2017, abrió con Bette Midler en el protagónico.

Con dirección de Jerry Zaks, coreografía de Warren Carlyle, y escenografía y vestuario de Santo Loquasto, la puesta apunta a una armonía de colores donde predominan los tonos pastel para el conjunto y los colores brillantes para la protagonista. El libro de Michael Stewart y la música de Jerry Herman son, sin discusión, un elemento clave en esta obra donde el texto, la música y las actuaciones son la clave del éxito y la vigencia de una propuesta que podría resultar riesgosa en estos tiempos de efectos especiales.

El reparto incluye a Lewis J. Stadlen como el gruñón maduro Horace Vandergelder que recurre a Dolly en busca de una esposa joven; Nic Rouleau como Cornelius; Analisa Leaming como Irene Molloy, Sean Burns como el atlético y prudente Barnaby, y Kristen Hahn como Minnie Fay. Cada uno de ellos, en una composición tierna y encantadora de sus personajes.

En ese Manhattan del siglo XIX Carlyle hace un derroche de talento a través de una coreografía desafiante, energética, estructurada, concisa y organizada, que permite descubrir los talentos individuales y los de conjunto. Magnífica y al mismo tiempo intrincada la escena en el restaurante Harmonia Gardens, donde los mozos hacen un despliegue asombroso, deslizándose con fuentes, mesas, copas, bandejas, en medio de acrobacias inimaginables.

Pero, sin duda, Dolly, a través de Buckley, hace más vívida la sensación de que siempre hay otra chance, una esperanza de reparación, o quizás, una nueva oportunidad para intentar, una nueva puerta que se abre para demostrar que la vida todavía tiene sentido.

Situada en Manhattan en el siglo XIX, “Hello Dolly” cuenta con escenografía y vestuario de Santo Loquasto, y una puesta colorida y ocurrente. Foto: Julieta Cervantes. Gentileza JFKC.

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“Rent” en el National Theater de Washington DC, celebra 20 años en escena. Foto: Carol Rosegg.

Nochebuena en Nueva York. Un loft industrial del Alphabet City. Un grupo de amigos, bohemios, idealistas, condenados por el pasado y por un futuro incierto, intentan sobrevivir en ese loft. Pero la suerte se da vuelta. Justo antes de la Navidad, reciben un llamado de un antiguo compañero de apartamento, devenido en propietario del edificio, y tras él, la amenaza de desalojo si no pagan el alquiler adeudado.

“Rent”, el musical rock llegó al National Theater de Washington DC por solo cinco días, desde el 20 al 25 de junio, como parte de la gira que comenzó en 2016 para celebrar sus 20 años. Con libreto, música y canciones de Jonathan Larson, el musical, basado en la ópera “La bohème, de Giacomo Puccini, se asoma a la década de los 90 y a la constante amenaza del SIDA y las adicciones. Una reflexión puramente existencialista sobre el sentido de la vida y de la muerte.

El espectáculo, que fue presentado por primera vez en 1994 como una experiencia teatral del New York Theatre Workshop, se estrenó dos años después en el mismo sitio, un mes después de la muerte de Larson. Con funciones a sala llena, “Rent” saltó en apenas dos meses al Nederlander Theatre de Broadway, donde debutó el 29 de abril de 1996 y permaneció en cartel durante doce años.

David Merino como Angel Schunard y Aaron Harrington en el rol de Tom Collins. Foto: Carol Rosegg.

Más allá del paso del tiempo, “Rent” sigue manteniendo su vigencia. Los conflictos que plantea siguen siendo comunes las nuevas generaciones, y las reflexiones sobre la vida, el amor, la muerte, el presente y el futuro, siguen siendo las mismas. Sus temas son universales, conmovedores y ricos en detalles de lo cotidiano. Los perfiles de sus personajes se debaten en sus propias contradicciones mientras la vida sigue su curso.

Allá por 1988 el dramaturgo Billy Aronson tuvo la idea de crear un musical con los lineamientos de la ópera de Puccini, pero sin el exquisito esplendor del mundo contado por el compositor italiano. Aronson buscó la sordidez y el torbellino de una ciudad como Nueva York de finales del siglo XX. La puesta en escena de este “Rent” dirigido por Evan Ensign, con coreografía de Michael Grief, encuentra la tecla justa para la emoción, el humor, y la intriga de saber qué sucederá con cada uno de sus personajes.

Kaleb Well, interpreta a Roger (der.) y Danny Harris Kornfeld, protagoniza a Mark Cohen en “Rent”. Foto: Carol Rosegg.

Grief, desarrolló una estructura coreográfica basada en el estilo del street dance, con una interesante dinámica corporal dirigida a la caracterización de cada uno de los personajes. Sensual, atractiva, intensa, la danza se integra de una manera imperceptible a la trama y se convierte también en protagonista, junto con la música y las letras de las canciones que van hilvanando el argumento.

Magníficos trabajos actorales. Kaleb Well, como Roger, un músico recién salido de una cura de desintoxicación, atormentado por la muerte de la mujer que amaba caracteriza con sutileza su personaje. Danny Harris Kornfeld, en el rol del cineasta dispuesto a filmar la vida de sus propios amigos en ese apartamento que deberán dejar, pone en escena su sensibilidad y su naturalidad en el decir, así como también en sus mínimos gestos. Skyler Volpe, como Mimi, la vecina del piso de abajo que coquetea con Roger, transita por diferentes estadios emocionales que hacen que su composición transite desde lo más superficial a lo más profundo con una gran intensidad.

David Merino protagoniza con sutileza y estereotipos a Angel Schunard, un percusionista callejero -transgénero- que muere de SIDA. Mientras Aaron Harrington, en el papel de Tom Collins, un profesor de filosofía que regresa a Nueva York y se enamora de Angel, convierte a su personaje en uno de los más conmovedores.

Con un elenco de excelentes cantantes, con voces estupendas, intérpretes y actores solventes, y buenos bailarines, “Rent”, después de 20 años, justifica su existencia y su permanencia, y sigue siendo una obra transgresora e intensa.

“The Sound of Music”, en el Opera House del Kennedy Center, protagonizada por Charlotte Maltby junto a la troupe von Trapp. Foto: Jeremy Daniel. Gentileza JFKC.

Salzburgo, Austria, 1938. Europa comenzaba a dar las primeras señales devastadoras del nazismo. María, una novicia de espíritu libre, que desentona con la conducta del resto de las monjas y las novicias de la Abadía de Nonnberg llega como institutriz a la casa de los von Trapp, a cuidar a siete niños de un capitán de la marina retirado. Una casa en la que no subsistía ninguna institutriz. El capitán, Georg von Trapp, viudo desde hacía algunos años, educaba a sus hijos como en un cuartel militar. La historia lleva nombre propio: “The Sound of Music”.

Desde el 13 de junio al 16 de julio el Opera House del Kennedy Center de Washington DC, trae este clásico de todos los tiempos en una producción de 2015, creada exclusivamente para gira, dirigida por Jack O’Brien. Protagonizada por Charlotte Maltby en el rol de María; por Nicholas Rodriguez como el capitán von Trapp, y Melody Betts en la interpretación de la superiora de la abadía, la obra, como siempre, llega a lo más profundo del corazón.

Charlotte Maltby, como María, en “The Sounf of Music”. Foto. Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

“The Sound of Music”, conocida en el medio hispano como “Sonrisas y lágrimas” o “La novicia rebelde”, originalmente fue un musical creado en 1959, y luego fue una de las películas musicales de mayor éxito de la historia, producida en 1965, con dirección de Robert Wise y protagonizada por Julie Andrews y Christopher Plummer. Basada en el musical de Broadway del mismo nombre, con canciones escritas por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II, sobre un guión de Ernest Lehman. Tanto el film como el musical son una adaptación de la novela “La historia de los cantantes de la familia Trapp”, escrita en 1949 por María von Trapp.

Estrenada en Broadway por Mary Martin y Theodore Bikel, en 1960, al año de su estreno, ganó cinco premios Tony, incluido el de Mejor Musical, y la producción se representó durante 1.443 funciones.

Con esa sucesión incomparable de canciones que resuenan en los oídos por siempre, “The Sound of Music”, permite rememorar temas como “My Favorite Things”, “Do-Re-Mi”, “Climb Every Mountain”, “Edelweiss” y la bella canción que da título a este musical. Con letras memorables, y una música pegadiza, el musical sigue siendo uno de los mejores de la historia. Y a su vez, es un testimonio de los acontecimientos que comenzaron a cambiar el mundo a partir de 1938: la aparición del nazismo, las persecuciones, la muerte.

Paige Silvester en el rol de Liesl y Austin Colby como su enamorado, Rolf Gruber. Foto:Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Maltby, como María, una cantante de magnífica voz, ductilidad física y encanto, logra atrapar y conmover con su personaje. Nicholas Rodriguez, en el papel del capitán Georg von Trapp, compone una estampa interesante que evoluciona a través del relato. Y Melody Betts, con una voz incomparable, hace un despliegue de técnica, ternura y picardía absolutamente deslumbrante.

Los niños de la familia von Trapp, estupendos. Con una naturalidad poco frecuente, se roban la obra con sus personajes cálidos, simpáticos, chistosos. Paige Silvester (Liesl). Elliot Weaver (Friedrich), Stephanie Di Fiore (Louisa), James Bernard (Kurt), Dakota Riley Quackenbush (Brigitta), Taylor Coleman (Marta) y Anika Lore Hatch (Gretl) componen un grupo compacto, con una interesante soltura corporal para abordar coreografías dinámicas y de precisión creadas por Danny Mefford con ajustado criterio y acertada dinámica.

Impactante el final donde se despliegan las banderas nazis cuando la familia von Trapp canta su última canción antes de abandonar Austria huyendo por las montañas hacia Suiza. Forzado por las nuevas autoridades invasoras von Trapp se niega a acatar las órdenes que llegan de Berlín, y la familia, integrada también por María que acaba de casarse con el capitán, opta por el exilio incierto.

Gustavo Wons llega al Dance Institute of Washington, con una propuesta de danza jazz para principiantes y avanzados. Foto gentileza Gustavo Wons.

Tenía 17 años cuando vio por primera vez la película “Chorus Line”, el musical dirigido por Richard Attenborough, protagonizado por Michael Douglas, y en ese momento se dijo a sí mismo: “Esto es lo que quiero hacer”. Deslumbrado por la pasión y la energía de esos bailarines que peleaban por quedar seleccionados en un elenco, el argentino Gustavo Wons empezó a tomar clases de danza a escondidas de sus padres. Ya no hubo vuelta atrás. Dejó su carrera de diseñador gráfico, trató de remar contra la corriente en su casa, donde las expectativas apuntaban a una profesión “seria”, y terminó como bailarín en “Yo y mi chica”, un musical protagonizado por el actor Víctor Laplace en 1989.

Después de ganar una beca Fullbright para estudiar comedia musical en los Estados Unidos, fue bailarín de varios musicales en Broadway, y volvió a la Argentina para reafirmarse no sólo como bailarín sino como coreógrafo. Este año, como todos los años, regresa a los Estados Unidos para dictar clases en Peridance, en Nueva York. Y el 2 de junio, dará una clase magistral en Washington, DC, en el Dance Institute of Washington. Este proyecto en la capital del país, que promete repetirse, cuenta con la colaboración de la actriz argentina Carla Peterson y con el apoyo de la Embajada Argentina en Washington.

En sus giras por los Estados Unidos Wons integró el elenco de musicales que hicieron historia en la Gran Manzana: “Cats”, “King and I”, “Man of La Mancha”, “Damn Yankees”, “West Side Story” y “Radio City Christmas Show”. En Argentina, trabajó en “Chicago”, “El Beso de la Mujer Araña”, “Cats”, “El Diluvio que Viene”, “Molly Brown”, “Calle 42″ y “Broadway”, entre otros. En 2015, escribió, dirigió y coreografió el show “El Gran Final, Tributo a Bob Fosse”, que ganó tres Premios Hugo en la Argentina, y desde hace cuatro años es el coreógrafo de “Susana Giménez”, uno de los programas de televisión de mayor rating en el país.

Formado en los Estados Unidos, Gustavo Wons bailó en Broadway y dicta clases en distintos países de América latina. Foto gentileza Gustavo Wons.

DANZAHOY: ¿Desde cuándo apareció la danza?

Gustavo Wons: Empecé tarde porque no estaba muy estimulado por el lado familiar. Recién me di cuenta a los 18 años. Desde chico tenía devoción por las películas de Gene Kelly y Fred Astaire, y a los 17 empecé a tomar clases en el Taller de Danza Contemporánea del San Martín, un poco a escondida de mis padres, pero sentí que no era por allí, que me atraía mucho más la comedia musical. Al poco tiempo sentí la necesidad de parar y dedicarme a estudiar, gané la beca Fullbright y me fui a los Estados Unidos pensando que no iba a durar más de seis meses. Terminé enamorándome de la ciudad y de lo que hacía, y me quedé dos años.

D: ¿Cómo, siendo argentino, programas tus clases de comedia musical en los Estados Unidos, un país que tiene una fuerte historia en este género?

GW: Me formé en los Estados Unidos, siempre fui amante de la danza-teatro, del jazz y, fundamentalmente, de Bob Fosse, y mis clases están inspiradas en el teatro musical americano pero con un toque argentino, tanto en la forma de encarar la clase como en parte de la música que utilizo. Mi intención es fusionar elementos coreográficos y culturales, con el trabajo básico de una clase de danza, con un calentamiento previo, y al final, una pieza de jazz.

D: ¿Qué diferencias presenta este género en los dos hemisferios?

GW: Por mi experiencia en los dos lugares y con los equipos creativos que venían a montar los musicales de Broadway a la Argentina, creo que desde lo técnico son indiscutibles. En nuestro país todavía estamos tratando de instalar un nivel más alto de profesionalismo en este género, y se ha progresado muchísimo. Lo que me parece remarcable, y que les impacta, es la pasión que ponemos en el trabajo. Se sorprenden de nuestra apertura, el tiempo extra que dedicamos en los ensayos, que allá no existe. Nadie se queda ni un minuto más de lo estipulado porque ese minuto cuesta dinero. Hay una cuestión cultural en nosotros, que es más relajada y apasionada. En Nueva York me decían que me movía diferente, y eso tiene que ver con lo cultural.

D: Si tuvieras que marcar los pros y contras de ser un latino en Broadway, ¿cuáles serían?

GW: A veces, como latino tenía muchos pros y contras, el acento, por ejemplo, algo que tuve que desarrollar mucho. Otra contra es que somos muy relajados, y perdemos disciplina, la gente habla en los ensayos, pero la combinación de esto con el talento da un aporte importante y positivo.

D: ¿Cuáles son los recuerdos de tu infancia relacionados con la danza?

GW: Mi familia es judía y cuando era chico hacía danzas folclóricas judías en la escuela. Era como la estrella y siempre me decían que bailaba bien. Así fue como empecé a bailar. Pero mi motivación era siempre el musical.

“El Gran Final, Tributo a Bob Fosse”, ganó tres Premios Hugo en la Argentina. Foto gentileza Gustavo Wons.

D: ¿Cómo es tu trabajo en el programa de Susana Giménez, y qué diferencias adviertes entre el teatro y la televisión?

GW: Me dediqué mucho al teatro y este programa es mi primera experiencia en TV. La gran diferencia entre lo uno y lo otro es que el trabajo en TV es efímero, porque el mismo día que se hizo, murió, si bien queda registrado en la filmación. En cambio el teatro, con los ensayos, te permite investigar y hacer cosas nuevas. En la TV hay una cuestión de tiempo y se tienen que resolver las cosas de otra manera, A mí me ayudó mucho para entrenarme y aprender a solucionar situaciones en el momento. Me gusta porque exige un nivel mayor de adrenalina, aunque disfruto más el teatro. Lo bueno es ver cómo hacer lucir a la persona para la que se está trabajando. De nada sirve hacer una coreografía maravillosa que no cuadre con el artista.

D: ¿Que extrañas de los Estados Unidos?

GW: Haber trabajado tanto tiempo en USA, donde todo es tan profesional, y las cosas funcionan perfectamente en cada área, es lo que más extraño. Acá, cuando se presentan dificultades, la actitud relajada de todos, afecta al trabajo. Pero se compensa con la disposición de la gente.

D: ¿Por qué Bob Fosse para tu primera producción de un  musical?

GW: Tenía en la cabeza hacer un homenaje a Bob Fosse, a quien admiro profundamente. Llamé a los bailarines, les conté mi idea y les advertí que no había dinero, que no les podía pagar. Y aun así, empezamos a trabajar los domingos. Arrancó siendo una cooperativa, algo que no existe en USA. Con todos esos inconvenientes, y con la incertidumbre de no saber cómo seguir, aun así, seguimos. Es maravilloso ver cómo la gente pone el hombro y se queda por el deseo de hacerlo, de dar rienda suelta a su pasión. Y así logramos que “El Gran Final, Tributo a Bob Fosse” fuera un éxito. Con pasión y trabajo.

Master Class
Jueves 2 de junio, 2016
De 6:30 a 8 PM
Refrigerio después de la clase
Dance Institute of Washington
3400 14th Street, NW
Washington, DC 20010
202-371-9656
Reservaciones
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O registrarse en:
https://gustavowons.eventbrite.com

Robert Fairchild y Tiler Peck del NYCB, en la obra de George Balanchine “Duo Concertant”, presentado en DEMO: Time. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

En la primera presentación de “DEMO: Time” del ex bailarín del New York City Ballet (NYCB), Damian Woetzel, el domingo 15 de noviembre en el Terrace Theater del Kennedy Center de DC, la propuesta fue una exploración sobre el tiempo. A través de distintas disciplinas como la danza, las artes plásticas, la música, la poesía, el teatro, y la ciencia, los artistas fueron construyendo una sólida estructura guiada por la memoria, la creatividad y el talento.

Woetzel uno de los bailarines más recordados en los últimos 20 años, y actualmente director artístico del Vail International Dance Festival y del programa de arte del Aspen Institute, ha logrado combinar una atractiva amalgama que desglosa los aportes de la filosofía de la ciencia y del arte en la vida cotidiana.

A sala llena, “DEMO…” abrió  con una dinámica propuesta coreográfica de Woetzel, Bill Irwin y Tiler Peck, “Time It Was/116”. Allí, una bailarina clásica, Peck (NYCB), que este año hizo su debut en “Little Dancer” en el Kennedy Center, y un magnífico mimo, clown y actor que marcó un hito en la historia del vodeville en los Estados Unidos, Irwin, hacen un contrapunto que desafía al tiempo.

Un toc toc marca el ritmo de un reloj y se intercala un violín disonante interpretado por Colin Jacobsen. Ambos, Peck, en ropa de ensayo y tutu, e Irwin, con sombrero de bombín, y amplios pantalones, van marcando secuencias acompasadas cada uno en su estilo.

Carmen de Lavallade en “As I Remmber It”, hizo un recorrido sobre su carrera en DEMO: Time. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

Woetzel convocó a su vez a la poeta y ensayista Elizabeth Alexander, que trajo a escena un bello poema costumbrista. Y la bella voz de la soprano Jacqueline Bolier aportó una secuencia conmovedora.

Muchos de estos artistas, como la flautista Claire Chase; el bailarín del NYCB y estrella de Broadway, Robert Fairchild; el violinista Jacobsen, el pianista y el cantante Gabriel Kahane, han trabajado con Woetzel an varios de sus proyectos anteriores.

Casi como una aparición mágica, la inolvidable Carmen de Lavallade, cuyo debut en Broadway fue de la mano de Alvin Ayle en el musical de Truman Capote, House of Flowers. En sus memorias, y a los 84, la bailarina hizo un recorrido por su carrera a través de videos de la época. Lavallade, primera bailarina afro-americana en la Metropolitan Opera, mostró un fragmento de “As I Remember It”, un unipersonal que presentó el año pasado en el Kennedy Center.

Para el final del programa Woetzel optó por rendir homenaje a George Balanchine con una de las obras más acabadas de los trabajos realizados por la dupla Balanchine-Igor Stravinsky, “Duo Concertante”. En el piano, Glenn Sales, y en el violin, Colin Jacobsen. Ambos en escena, tal como lo marca la pieza. Mientras Peck y Fair­child, se ocuparon de interpretar esta obra de 1932, coreografiada por Balanchine para un evento en honor del compositor en 1972.

Mientras en el primer movimiento ambos bailarines quedan al lado del piano escuchando la música, en el segundo hacen un despliegue de técnica, precisión, sutilezas, y muestran lo mejor de esta bella y particular obra que no pierde su encanto con el paso del tiempo.

El mismo tiempo del que habló Woetzel durante todo este show, y el mismo que habrá que esperar hasta que llegue abril para una nueva entrega de “DEMO: Time”.

Tiler Peck y Bill Irwin en “Time It Was/116″, abrieron el programa de DEMO:Time en el Terrace Theatre del Kennedy Center. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El estreno de “Rent” constituye un evento relevante en la historia reciente de la escena teatral del archipiélago cubano. Fotos: Buby. Gentileza Rent.

Nadie pone en duda que esta puesta en escena cubana (con la participación de un equipo mixto de estadounidenses y cubanos), del afamado musical “Rent” constituye un evento relevante en la historia reciente de la escena teatral del archipiélago cubano. Sube a un escenario habanero, por tres meses hasta el 30 de marzo, una de las más laureadas y auténticas de las comedias de Broadway. Pocos días después de otro hecho político trascendental: el anuncio por el Presidente de los Estados Unidos de América, Barack Obama (17 de diciembre), del restablecimiento de relaciones diplomáticas con Cuba; como consecuencia lógica y razonada de varias concesiones políticas por los jefes de Estado de las dos orillas.

Se trata aquí del resultado logrado, por un trabajo de varios meses por un equipo mixto con jóvenes actores y técnicos novatos en este género, de la primera coproducción entre la importante empresa norteamericana de espectáculos conocida por las siglas NWE (Netherlander World Wide Entertainment) y el CNAE (Consejo Nacional de las Artes Escénicas del Ministerio Cubano de Cultura).

El presidente de la NWE, Robert Nederlander, Jr., consideró -en una rueda de prensa la víspera del estreno-, un gran privilegio esta colaboración, alentada por el éxito precedente, en 2011, cuando viajó a la isla caribeña para mostrar la revista “Los embajadores de Broadway”, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, consiguiendo un rotundo éxito de público y crítica.

Los productores neoyorkinos llevaron a la capital cubana once expertos creativos y artísticos, así como varios kilos de material tecnológico necesarios -talón de Aquiles de las instalaciones teatrales locales-, y de vestuario. Además contaron con la codirección de directores artísticos asociados profesionales jóvenes, quienes quedaron al frente hasta la última función habanera.

Teniendo en cuenta que es una versión totalmente en español, la condición previa apuntó a un elenco de locales, con talentos para el género: cantar, bailar y actuar con pericia. Durante tres meses unos 300 candidatos pasaron por la selección, hasta que se eligieron 15 finalistas que ensayaron por más de un mes, antes de su estreno previsto para la noche de Navidad, el 24 de diciembre. Un tour de force para los actores, cuando se conoce que en Broadway se ensaya una obra por un año, antes de ser mostrada en teatros off-Broadway.

“Rent” es la primera coproducción entre la empresa norteamericana NWE y el CNAE de Cuba. Foto: Buby. Gentileza Rent.

Para las presentaciones aquí eligieron, después de visitar varios teatros de la capital, la sala polivalente Tito Junco, la mayor del complejo teatral de El Vedado Centro cultural Bertold Brecht. Ante las dudas por esta decisión, el director artístico, Andy Señor, jr, experimentado joven cubano-norteamericano, que formó parte del elenco original de “Rent” en 1997, las despejó cuando dijo: “cierto que es una sala limitada en espacio y sin foso para una orquesta, pero ella posibilita una versión más concentrada y, hasta cierto punto, más íntima, en cuanto a una positiva comunicación entre actores y público”.

La puesta en escena habanera no es idéntica a la de Broadway, aunque se trata más bien de un “reajuste” del montaje original, sin traicionar lo esencial del tema ni su dramaturgia. Su estética tiene un referente evidente en la ópera rock de los 90 de la pasada centuria, conocida por las grabaciones de populares bandas, como Queen, The Who o Pink Floyd, entre otras.

El autor de “Rent”, el malogrado escritor Jonathan Larson (1960-1996), por sugerencia de su amigo Billy Aronson, se remitió al núcleo central del argumento para “La Bohéme” de Puccini. Lo tomó como pretexto para modernizar la historia y re-ubicarla en un barrio pobre de la “gran manzana”, “en medio de los convulsos ecos finiseculares”, la multiculturalidad, las luchas por el reconocimiento de la diversidad sexual, el desenfreno social (aparición del VIH) y la rebelión ante “los tradicionales valores familiares.

La presidenta del CNAE, Gisela González, apuntó que “esta colaboración con el NWE es el comienzo de un camino promisorio”, teniendo en cuenta las posibilidades de retornar a unas relaciones más armónicas con el gobierno norteño.

La música
El excelente material sonoro, que incluye temas que fueron grandes éxitos, como “Si quieres tienes”, “La vie de boheme” (con guiños al original de Puccini), otros como “Tango Maureen” y “Te abrigaré”, o el estelar “Tiempos de amor”, grabado independientemente por Steve Wonder con el título de “Seasons for Love”. Con el acompañamiento musical de una pequeña banda formada por instrumentistas de muy buen nivel profesional -con la fortuna de tener el aporte de buenos instrumentos electrónicos por parte de la NWE-, particularmente impresionante fue la tecladista con su espectacular rojiza cabellera rizada.

Sin duda, la dirección artística -con merecida mención para la fundamental ejecutoria de Reynier Rodríguez, con abundante currículo teatral y documental-  trabajó con ahínco en pro de lograr un elenco cohesionado, sin desviarse hacia un posible divismo. Algunos actores con mayor entrega en sus papeles que otros, pero que no tienen la dicción pulida o cantan mejor, porque sus voces están mejor colocadas, timbradas o ajustadas en sus matices a las exigencias dramáticas de sus personajes. En cambio, el despliegue del diseño coreográfico se ve mermado o desestimado debido a las limitadas condiciones espaciales de esta sala, que no permite un desarrollo coreográfico propio del género, que es un elemento importante para el éxito pleno de los musicales.

El material escenográfico, así como el vestuario, dentro del llamado minimalismo, se ajusta bien a las intenciones de sus productores, es decir que se divorcian de las suntuosas producciones de moda en los teatros neoyorkinos de la “vía blanca”.

La trayectoria de “Rent” en América Latina comenzó en 1999, cuando se presentó en México, DF., ese mismo año viajó a Sao Paulo, Brasil. En 2005 llegó a la pantalla grande. Luego, en 2008 fue a los escenarios de Buenos Aires. En 2010, pasó por Lima, la capital peruana, y ahora en La Habana. La NWE anunció el retorno de “Rent” a la escena bonaerense en 2015.