Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

Los protagonistas, Kaenaonalani Kekoa y Clinton Greenspan, en “Aladino”, el musical de Disney que se presenta en el Kennedy Center de Washington, DC. Foto: Deen van Meer. Gentileza JFKC.

Inspirado en el cuento popular árabe “Aladino y su lámpara maravillosa”, de la colección de “Las mil y una noches”, y en la película de 1949 “El ladrón de Bagdad”, “Aladino”, que primero fue un filme animado y luego se convirtió en un musical de Broadway, se quedará hasta el 7 de septiembre en el Opera House del Kennedy Center con todos sus oropeles, su majestuosidad y sus efectos especiales. Y viene con su genio, las alfombras voladoras, su princesa, una cueva mágica en la que el oro resplandece, y su lámpara maravillosa. Esa lámpara que chicos y grandes quisieran tener para convertir los sueños en realidad.

“Aladino” cuenta la historia de un joven de la calle que un día encuentra una lámpara mágica con un genio en su interior. El genio, que solo puede conceder tres deseos, convierte al joven ladronzuelo en un bello príncipe capaz de enamorar a la rebelde princesa Jasmín encaprichada en desobedecer los mandatos de su padre. Revolucionaria al fin, sólo pretende casarse por amor, sin tener en cuenta las conveniencias del reino.

El director y coreógrafo Casey Nicholaw, con varias nominaciones a los premios Tony y con espectáculos en la cartelera de Broadway ha logrado un ensamble perfecto en esta pieza, en la que la danza tiene un papel preponderante. Mientras, la música de Alan Menken, logra un atractivo equilibrio de estilos y ritmos, y deja lucir los grandes hits de este musical como “A Whole New World” y “Friend Like Me”. Con bailarines capaces de hacer las más increíbles acrobacias, y con una interesante propuesta lumínica de Natasha Katz, unida a la imponente escenografía de Bob Crowley, la puesta recobra imágenes y colores del filme de Disney.

En la cueva del genio Aladino encuentra la lámpara maravillosa que cambiará su vida para siempre. Foto: Deen van Meer. Gentileza JFKC.

Si bien cada una de las escenas adquiere encanto propio, la cueva del genio, que parece un “reino” construido en oro, con joyas de oro desbordando los innumerables cofres, también de oro, es la que se lleva las palmas. Allí, ante un desfile alucinante de trajes diseñados por Greg Barnes y una diversidad coreográfica incomparables, el musical recobra el espíritu y el concepto de los años gloriosos de Broadway, con ingeniosos despliegues de trajes y movimientos.

Y es allí donde Aladino encuentra su lámpara y su genio, protagonizado por Major Attaway, quien logra seducir al público con su encanto, su humor y su picardía. No obstante, la narrativa de este musical aborda casi superficialmente los conflictos centrales del cuento y solo deja entrever la disputa entre el villano y los “buenos”; la autodeterminación de la princesa Jasmin, y la transformación de Aladino. Todo transcurre de una manera muy lineal. Quizás no hay tiempo para profundidades.

Kaenaonalani Kekoa, como Jasmin, aborda con acierto su personaje, y por momentos logra seducir a la audiencia con su personaje. Aladino, en cambio, interpretado por Clinton Greenspan, pone frescura y dinamismo a ese “chico de la calle” que se enamora perdidamente de la princesa al pundo que se anima a confesar su verdadera identidad aún a riesgo de perderlo todo.

Y para el final, el genio se libera de la lámpara en donde estuvo prisionero, y llega el amor. Y la esperada alfombra mágica que vuela con Aladino y Jasmin hacia una inmensa luna redonda plantada en un cielo azul, pleno estrellas.

Natalia Osipova es la protagonista de “Anastasia” en esta producción del Royal Ballet de Londres que se exhibe en cines de España. Foto gentileza ROH.

“Anastasia”, el ballet completo más irresistible de Kenneth MacMillian, basado en la historia verídica de la Gran Duquesa Rusa perdida, se presentará en las pantallas de los cines Village y Cinemark este 13 de febrero. Escenarios evocadores y vestuarios de Bob Crowley.

En su primera interpretación por el Royal Ballet en más de una década, la puesta en la pantalla de los cines despliega un elenco estelar de primeros bailarines. Natalia Osipova asume el rol de Anastasia, con Marianela Núñez como Kschessinksa, Federico Bonelli como “Su Pareja ”, Edward Watson como “El Marido” y Thiago Soares como el siniestro Rasputin.

El argumento creado en torno a una serie de incógnitas sitúan este ballet en varios escenario. A medida que la guerra y la revolución devastaban Rusia, los glamorosos excesos de la dinastía Romanov se tambaleaban alrededor de la joven Gran Duquesa Anastasia. Años después, una mujer llamada Anna Anderson, una paciente psiquiátrica perturbada y retraída encerrada en un asilo, se ve atrapada por las pesadillas de su pasado. Los hechos y la fantasía se hacen indistinguibles mientras su convicción sobre su verdadera identidad la ayudan a sobrevivir en su sombría realidad. Este desgarrador ballet en tres actos dejará a la audiencia con la tarea de decidir sobre la legitimidad del reclamo de Anna.

Este ballet es una imperiosa exploración de la identidad en la estela turbulenta de la revolución rusa, donde muestra una identidad en crisis y un país en revolución. “Anastasia” es una creación sobre uno de los grandes misterios históricos del siglo XX, resuelto recientemente. En el apogeo de la revolución rusa, la familia real fue ejecutada, pero después apareció una mujer joven, al parecer una princesa real sobreviviente. Muchos quisieron olvidar la matanza y la Revolución; muchos creían, o esperaban, que pudiese haber quedado algún vestigio del viejo mundo.

“Anastasia” es una de las primeras creaciones de Kenneth MacMillan al convertirse en director del Royal Ballet en 1970, una exploración dramática e inquietante de la pesadilla de la memoria y la identidad de Anna. Con música de Tchaikovsky y Martinů, el coreógrafo relata los acontecimientos que condujeron al asesinato de la familia real, y los sueños confusos de Anna.

Esta producción realizada en el Royal Opera House forma parte del proyecto ROH Live Cinema que convocó a más de 400.000 espectadores en el Reino Unido durante 2015/16, lo que significó un incremento del 8 por ciento respecto del año anterior, mientras la cantidad de lugares de proyección aumentó a más de 450 sitios. Internacionalmente, una nueva sociedad de distribución con Picturehouse Entertainment promueve este proyecto que involucra más de 1500 cines en 35 países. Otras plataformas digitales incluyen el canal de la Royal Opera House de YouTube, que cuenta con 190.000 suscriptores.

Jillian Vanstone y Naoya Ebe del National Ballet of Canada, en “The Winter’s Tale”, de Shakespeare. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

Algunos especialistas la clasificarían como una de las “obras de conflicto” de William Shakespeare. Otros, como una comedia, y muchos, como una tragicomedia. En “The Winter’s Tale”, o “Cuento de invierno”, presentada por primera vez en el Kennedy Center for the Performing Arts de DC por el National Ballet of Canada (NBC), el coreógrafo Christopher Wheeldon ha logrado hacer una interesante síntesis de una trama en la que, la primera parte, se sumerge en un drama psicológico, y en los dos últimos actos se convierte en una suerte de fábula pastoril.

La versión para ballet de esta obra escrita supuestamente en 1611 por el dramaturgo inglés, es una coproducción entre el BNC, dirigido por Karen Kain, y el Royal Ballet of London, bajo la batuta de Kevin O’Hare. Se estrenó en Londres en abril de 2014, y en Canadá, en noviembre de 2015. Esta es la segunda realización de Wheeldon en coproducción con ambas compañías.

“The Winter Tale” cuenta inicialmente una trama de celos entre Leontes, rey de Sicilia y Políxenes, rey de Bohemia, dos viejos amigos que se reencuentran después muchos años, y Hermione, mujer de Leontes. Cuando Políxenes desea volver a su reino, Leontes trata infructuosamente de impedirlo. Ante su fracaso, pide a su esposa que trate de convencerlo, y ella lo logra. No obstante, Leontes comienza a sospechar, y acusa de traición a Hermione, en ese momento embarazada. Luego, ordena que la niña que ha dado a luz la reina quede abandonada en algún lugar remoto, ya que supone que la recién nacida no es su hija. Y a su vez, intenta envenenar a Políxenes.

El NBC presentó en el Kennedy Center de DC a Hannah Fischer y Piotr Stanczyk en “The Winter’s Tale”. Foto: Daniel Neuhaus. Gentileza NBC.

Wheeldon encuentra un lenguaje coreográfico de cierta sofisticación, que funde clásico, contemporáneo y elementos de Contact que, en algunas secuencias resultan atractivos, y en otras, confunden el sentido del diálogo entre los personajes. Si el espectador no está muy al tanto de la trama, quizás resulte difícil comprender exactamente lo que se intenta contar.

Las escenas de conjunto rescatan danzas tradicionales con ciertos matices simbólicos que muestran la atractiva paleta de bailarines que posee esta compañía. En tanto los protagónicos, a cargo de Piotr Stanczyk, como Leontes; Hannah Fischer, en el rol de Hermione; Harrison James, encarnando a Polixenes, alcanzan buenos momentos de interpretación.

Jillian Vanstone, como Perdita, la hija de Hermione y Leontes, y Florizel, el hijo de Polixenes que se enamora de Perdita, hacen una enternecedora dupla en el fresco pas de deux diseñado para ellos.

Una puesta en escena con un exceso de efectos visuales, apuntalados por videos, imágenes en movimiento, proyecciones, paneles que suben y bajan, y una sucesión de pedestales con estatuas de “mármol”, va deshilando la historia en el primer acto. En el segundo, en la aldea donde se encuentran los enamorados, Perdita y Florizel, una escenografía casi naife pone el toque romántico de la historia. Tanto los diseños escenográficos como el vestuario, creados por Bob Crowley, en el segundo acto, distraen y hasta confunden.

La música apela al minimalismo dodecafónico y disonante para marcar una trama oscura e intrincada. El compositor Joby Talbot trata de describir la tragedia de los celos de manera punzante, pero sin embargo, no transmite las emociones profundas de la pieza.

Y en la segunda parte de la historia, apunta a la melodía para narrar el encuentro amoroso entre Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, y Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Interesante el trabajo de interpretación realizado por Stanczyk y Fischer, bailarines sólidos, intensos, capaces de afrontar los desafíos de una coreografía compleja, pero por momentos insustancial. Vanstone, y Naoya Ebe (Florizel), asumen un adorable pas de deux en el segundo acto, aunque en el comienzo no se alcanza a entender quiénes son esos dos enamorados.

Paulina, mujer del noble siciliano Antígono, que juega un papel importante en la trama, está interpretada por Xiao Nan Yu. La bailarina logra conmover con su actuación y en los escasos pasajes de danza, muestra su intensidad y delicadeza de brazos. La obra, llega a un final feliz en el que el amor de los jóvenes reúne a los dos amigos, reconcilia a la pareja de Leontes y Hermione, y deja que el amor y la alegría se conviertan en protagonistas.

Harrison James, Hannah Fischer y Piotr Stanczyk en “The Winter’s Tale”, con coreografía de Christopher Weeldon. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.