En los últimos 25 años la expresividad técnica y artística de Danza Contemporánea de Cuba se enriqueció por el intercambio con creadores y tendencias foráneas. Foto gentileza CHRP.

Sin dudas es en los salones de Danza Contemporánea de Cuba (DCC) donde se ha producido de manera sostenida y con sólidos resultados una evolución en la danza cubana desde 1959. Por ello y por tratarse esta de la Compañía más emblemática del país, Claudia Hilda Rodríguez Pozo y yo, Laura Domingo Agüero, la seleccionamos como eje de la siguiente reflexión a dos voces.

En los últimos veinticinco años la expresividad técnica y artística que caracteriza a DCC comenzó a enriquecerse gracias al intercambio con creadores y tendencias foráneas, en especial, europeas, lo cual tuvo un gran impacto en los bailarines, el público y la escena nacional. A partir de entonces, el repertorio de la Compañía alcanzó una variedad inédita que le permitió posicionarse como embajadora de la vanguardia interna y externa.

Hoy en día, entre los atributos de los integrantes de DCC sobresalen la musicalidad, la sensualidad y, sobre todo, la potencia de los colectivos que desatan una fuerza centrípeta, un magnetismo distante de la plasticidad ondeante y un poco ascética presente en bailarines de danza contemporánea en el orbe. Es algo que se gesta durante el período de formación, o sea, en la escuela cubana de danza, una mezcla de la técnica Graham y el folclor procedente de las culturas africanas que se asentaron en la Isla como resultado de la esclavitud colonial.

Durante más de seis años los alumnos reciben una exigente instrucción en estas dos materias, no así en ballet, lo que produce en algunos de ellos cierta desatención a la flexibilidad y expresividad de los extremos del cuerpo como los brazos y los pies, carencia que suelen suplir en su etapa profesional al enfrentarse a obras neoclásicas como “Compás” y “Folía”, de Jan Linkens, o “Demo-n/Crazy”, de Rafael Bonachela, (aunque desde hace cierto tiempo la Compañía no las remonta).

Así se ha gestado una forma de bailar entre los miembros de DCC devenida sello de cubanía. (LDA)

Punto de partida

Al asumir mi cuerpo como territorio debo hacer zoom en DCC, compañía que contribuyó y contribuye a la construcción de mi identidad corporal como mujer, artista y bailarina contemporánea cubana.

Desde el proceso de selección de los bailarines el director, Miguel Iglesias, se centra en algo más que la técnica: individualidades contrastantes, personalidades imponentes, así como en el cuerpo sensual y bien definido en las mujeres y el sentido de masculinidad y la elegancia en los hombres.

Además de lo anterior, un candidato a integrar las filas de DCC debe poseer una especial relación mirada-presencia-fiscalidad, una curiosidad insaciable y la capacidad de trabajar hasta el agotamiento.

Iglesias cree con vehemencia en “la danza contaminada”, concepto de Marianela Boán según el cual, disímiles signos y estilos convergen expandiéndose y contrayéndose a través del movimiento, el gesto y la imagen. Iglesias siempre reafirma su interés en desarrollar intérpretes con piel “camaleónica” y para lograrlo entiende que hay que desplegar no solo un pensamiento contemporáneo sino un entrenamiento específico. Por esta razón DCC abraza en su quehacer diario y en su repertorio la contracción-release grahamiana; lo afrocubano nacional; el sentido rítmico y la cadencia de los bailes populares; elementos teatrales de Pina, Brecht, Stanivlaski; sutiles vestigios de la danza posmoderna americana; técnicas de contact improvisation y flowing low, danza conceptual, estilos neoclásicos, entre otros… (CHRP)

Continúa: Parte II y Parte III

Sobre las autoras

Laura Domingo Agüero. Coreógrafa, escritora y realizadora audiovisual. Egresada de la Escuela Nacional de Ballet y del Instituto Superior de Arte de La Habana. Coreógrafa residente de Danza Contemporánea de Cuba, ha colaborado además con el Ballet Nacional de Cuba y con compañías de danza, ballet y teatro en Colombia, Nicaragua, México e Italia. Autora de los títulos, De invocaciones y otros límites (Colección Sur Editores de Poesía, Cuba, 2014, Proyecto Literal, México, 2014, y Editorial Guantanamera, España, 2017), País sobre las aguas (Ediciones Sed de Belleza, Cuba, 2019) y La distancia (Ediciones Áncoras, Cuba, 2020). Ha escrito artículos sobre danza y ballet para revistas y medios de prensa nacionales y extranjeros.

Claudia Hilda Rodríguez Pozo. Egresada del Instituto Superior de Arte de La Habana con premio de investigación en 2018. Primera bailarina de la Compañía Nacional Danza Contemporánea de Cuba (DCC). Ha trabajado con coreógrafos nacionales e internacionales actuando en los teatros principales de Europa y América. Durante más de dos años ha desarrollado proyectos artísticos interdisciplinarios de los cuales, 3WM recibió un Premio de Coreografía de la FAC (Fabrica de Arte Cubano) en 2019 y “Quarks” fue premiado por la Embajada de Noruega en Cuba en 2020. Actualmente se encuentra cursando una Maestría en el Conservatorio de Danza y Música Trinity Laban de Londres y está vinculada a la compañía de danza Transitions Dance Company (TDC). Además, es receptora de la Beca Chevening 2020-2021 otorgada por la Embajada Británica en La Habana.

El miércoles 21 de diciembre, en el Salón Dorado del Teatro Colón, Kive Staiff fue nombrado Personalidad Destacada de la ciudad de Buenos Aires. Foto gentileza MC.

Desde el inmenso ventanal por donde miro el pálido sol del invierno en Washington, DC, escucho el sonido de un ciber-mensaje que llega a mi teléfono. Remitente, viejo término aun irremplazable: María Comesaña, mi amiga del alma, actriz multi-premiada, con quien hemos pasado horas hablando de teatro, de la vida, del amor, del dolor y la miseria. El texto queda fijo en la pantalla. Lo leo. “A Kive lo nombran personalidad destacada de la ciudad de Buenos Aires este miércoles 21 de diciembre en el Teatro Colón”, decía.

De repente, y casi sin darme cuenta, se abalanzaron sobre mí esas vivencias que me acompañaron y me acompañan y que, de alguna manera, me permitieron ser lo que soy hoy. Kive Staiff es, quizás, el tercero en la lista de los responsables. Los primeros, fueron mis padres que, casi por ósmosis, me transmitieron esa pasión por el teatro, por la danza, por la música y por el arte, hasta que se convirtió en la esencia de mi vida.

Entre la dictadura y la democracia, entre la esperanza y la desesperanza, en un país que siempre estuvo dividido por antinomias y antagonismos, por el miedo y por los actos heroicos, Kive fue aquel Quijote que salió a pelear contra esos molinos de viento en medio de una sociedad siempre dividida.

Mauricio Wainrot (izq.) y Kive Staiff, luego de la ceremonia en el Teatro Colón de Buenos Aires. Foto gentileza MC.

Primero fue Caminito, y una década después, en 1971, el Teatro San Martín. En la primera temporada se lanzó con la versión de Arthur Miller de “Un Enemigo del Pueblo”, de Henrik Ibsen. Una osadía impensable en pleno gobierno militar. Después se animó con “Las Troyanas”, de Eurípides, en la versión de Jean Paul Sartre, y más tarde, con “El círculo de tiza caucasiano”, de Bertolt Brecht. Y de pronto, los clásicos argentinos: “Stefano”, de Armando Discépolo, “He visto a Dios”, de Defilipis Novoa, y más, mucho más… Imágenes y voces que me golpean el corazón y la memoria.

Crecí con ese teatro, con esos actores que solo Kive era capaz de convocar, y desde Santa Fe, ciudad en la que viví por casi 20 años, mis ojos adolescentes no sabían nada de ese señor Staiff que dirigía el teatro San Martín. Solo sabían de las nuevas puestas de ese teatro y de la ansiedad por tomar un autobús para llegar a Buenos Aires a ver, en un solo día, teatro, títeres, música y danza.

Era sentir que la vida era algo más que ir a la escuela y sacar buenas notas; era algo más que hacer planes para “cuando seas grande”; era meterse en ese mundo mágico en el que los hombres quedaban al desnudo, donde la justicia y la injusticia tenían recompensas diferentes.

Kive fue el único director que logró manejar con sutileza a los gremios incontrolables, el único que logró quebrar las huelgas recurrentes de un país que vive de la protesta. Fue también, el único director del Teatro San Martín que armó un elenco estable con los mejores, y lo hizo salir de gira por el mundo. Y así llevó la danza y el teatro de una Argentina de la que podíamos estar orgullosos, y de la que ahora, solo queda el recuerdo.

Kive refundó el Ballet Contemporáneo, en sus comienzos dirigido por Ana María Stekelman, luego por Oscar Araiz, y en los ’90, por Mauricio Wainrot. Bajo la mirada de Kive, la compañía, ahora en manos de Andrea Chinetti, se convirtió en una de las más importantes de América latina. Cuántas veces, ya en los Estados Unidos, he extrañado la calidad y el alma de aquellos bailarines, esas coreografías cargadas de creatividad como las que vi innumerables veces en ese teatro que era la cita obligada en la calle Corrientes de Buenos Aires.

“El Mesías”, obra de Mauricio Wainrot, interpretada por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Foto archivo Danzahoy.

Allí, al San Martín, de la mano de Kive, llegaron la coreógrafa Piña Bausch y el director polaco Tadeusz Kantor, el italiano Dario Fo y Vittorio Gassman. El mundo entero estaba convocado en ese espacio donde todo era posible. Fue el eje de la cultura de Buenos Aires, y un millón de espectadores llenaba las salas en la década del ’80. Con crisis y sin crisis, la gente iba al teatro como un rito. Casi 30 años, con interrupciones, transformaron la vida de varias generaciones.

Hoy, acosados por esta oscuridad mediática, por los brillos y la banalidad de la televisión que dictamina las leyes de la cultura, solo quedan los sobrevivientes de este “Farenhetih 451″ que Ray Bradbury describió en su novela en los años ’60 y que François Truffaut plasmó en su film de 1966. Aquellos años gloriosos en los que los actores eran actores solo cuando pasaban por el San Martín de Kive Staiff, aun persisten en la memoria de los que transitaron por ese embrujo…

En un aplauso interminable, en el Salón Dorado del Teatro Colón -donde Kive también dejó su marca-, aquellos que bebieron esa pasión que sembró este Quijote del siglo XX, estuvieron allí para poder escuchar su voz pausada diciendo: “Abracémonos todos y sigamos adelante”.