El Joffrey Ballet en la primera escena de “Anna Karenina” de Yuri Possokhov en el Opera House del Kennedy Center. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Una trama donde se funden la pasión y el conflicto moral. Una historia que transita entre Eros y Tánatos, en la que sus personajes se debaten entre el deber y el ser. “Anna Karenina”, de León Tolstoi, publicada en forma de libro en 1878, no sólo es una obra insoslayable de la literatura universal, sino que trasciende su época y abre paso a una diversidad de interpretaciones.

El Joffrey Ballet llevó al Opera House del Kennedy Center, del 5 al 9 de abril, una nueva versión creada por el talentoso coreógrafo ucraniano Yuri Possokhov, premio Benois de la danza 2019. Ya en los años ’70 la inolvidable Maya Plisetskaya recreó para el Bolshoi Ballet y luego para el cine esta conmovedora obra con música compuesta por su esposo, Rodion Shchedrin. Tras su magnífica versión, siguieron varias propuestas tanto clásicas como contemporáneas a través de la mirada de coreógrafos como Boris Eifman, Jochen Ulrich, Alexei Ratmansky y Christian Spuck.

“Anna Karenina” es de esas obras que desnuda la condición humana y se instala en el alma para siempre. Y en esta puesta, el autor del libreto, Valeriy Pecheykin, muestra con claridad esos dos mundos de la vida y de la muerte, de la integración social y la marginalidad, del amor y el desamor. Aspectos que se plasman en la magnífica escenografía de Tom Pye, que también es responsable de un vestuario estupendo que a su vez refleja la dicotomía de la obra y de sus personajes.

Edson Barbosa, José Pablo Castro Cuevas y Amanda Assucena, del Joffrey Ballet, en “Anna Karenina”. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Anna Karenina, una mujer casada que despierta al amor y a la pasión a partir de su encuentro con el conde Alexey Vronsky, es capaz de romper con las convenciones morales y sociales de la época, y lo arriesga todo por un amor prohibido. Un amor que escandaliza a los círculos sociales de San Petersburgo y obliga a los amantes a huir a Italia en busca de una felicidad que nunca llega y se desmorona cada vez más hasta el final. Y en medio de ellos, los trenes que van y vienen transformando la vida de la sociedad. Un elemento clave tanto en la novela de Tolstoi como en esta versión estrenada por el Joffrey Ballet en 2019.

El compositor Ilya Demutsky logra capturar en su partitura las más delicadas, íntimas y desgarradoras situaciones, y a su vez, los magnificentes espacios de la corte imperial. Parecería, incluso, que su música se cuela por los espacios secretos de la conciencia de cada uno de los protagonistas. Excelente trabajo el de la orquesta dirigida por Scott Speck y de las cantantes Lindsay Metzger y Jennifer Kosharsky.

Como una filigrana, Possokhov ha delineado cada detalle de esta puesta y abrie paso a elementos de gran valor simbólico. La iluminación de David Finn va pintando con avezado pincel, escenas y situaciones. Los diferentes módulos de Pye para dividir escenas y lugares, no solo muestran ambientes, también sugieren estados de ánimo escondidos en el interior de los protagonistas. Y las proyecciones de Finn Ross permiten transitar tiempos y espacios diferentes, imaginar, recordar, sentir. Ross superpone con ingenio y delicadeza los múltiples planos de la historia.

Amanda Assucena como Anna Karenina logra momentos interesantes, especialmente en las devastadoras escenas finales. Edson Barbosa interpreta con acierto y sutileza a Alexey Karenin. Sus solos, sus dúos y tríos con Anna y con Vronsky son de gran intensidad. José Pablo Castro Cuevas compone un Vronsky frío y distante, como un león agazapado en busca de su presa. Yumi Kanazawa es una encantadora princesa Kitty, y encarna la contracara del dramatismo y la tragedia de Anna. Konstatin Levin, bailado por Xavier Núñez, puso la frescura del amor a su personaje.

En esta magnífica diversidad étnica de bailarines de distintos orígenes y formaciones, el Joffrey gana la partida. Una compañía sólida, compacta, sensible que, como siempre, apuntó a ensamblar técnica e interpretación. Y esta vez se lanzó con otra de sus consabidas audacias: una puesta deslumbrante y moderna por donde se la mire, y un clásico emblemático de la literatura universal.

José Pablo Castro Cuevas en el rol de Vronsky y Amanda Assucena como Anna Karenina. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

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Malpaso estrenó “Fielding Sixies”, de Merce Cunningham, pieza breve para ocho bailarines de ambos sexos, sobre música de John Cage. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Con un novedoso programa de estrenos y reposiciones, la joven compañía de danza Malpaso –asociada siempre a Joyce Theater Productions de la ciudad de Nueva York-, se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Merce Cunningham, con el estreno de una de sus primeras y sólidas coreografías, “Fielding Sixies”, durante tres jornadas en el habanero Teatro Martí.

Esa temporada primaveral, como lo destaca el programa de mano, es un merecido tributo a la memoria del icónico bailarín (discípulo de Martha Graham) y maestro cubano de danza moderna Ramiro Guerra, que falleció a los 97 años en abril de este año.

La comunidad cubana de danza nunca fue ajena al discurso ideoestético del estadounidense Cunningham en los finales de la década del 50 de la pasada centuria, y fue Ramiro Guerra -autor de más de una docena de libros- el pionero en la asimilación “por la naciente danza moderna” en la isla de la “onda expansiva” de sus búsquedas. Luego, vinieron otras personalidades foráneas con nutrientes que abonaron el terreno en este archipiélago, tales como las norteñas bailarinas Lorna Burdsall y Elfrida Mahler. Ambas fueron maestras de varias generaciones de bailarines cubanos y fundadoras de compañías, las cuales contribuyeron con un valioso legado a las artes escénicas de la Mayor de las Antillas.

Merced a la contribución de la Fundación Merce Cunningham Trust, se hizo realidad para Malpaso el estreno de esta breve pieza de solo 12 intensos minutos, creada para ocho bailarines de ambos sexos, sobre “improvisaciones” de John Cage, su fiel compositor y partenaire de toda una vida. Y gracias al esforzado trabajo de traslación y reposición realizado por Jamie Scott, los danzantes cubanos pudieron vencer en breve tiempo –un 90%-  las dificultades para asimilar las particularidades estilísticas de la escritura poética del gran coreógrafo, tales como los cambios de dirección, las rupturas en la gestualidad, la independencia entre música y movimientos, la abstracción emocional…Todo ello apoyado por las eficaces participaciones de Manuel Da Silva con su diseño de luces y el austero minimalismo de David Quinn en sus diseños de vestuario.

Otro estreno en Cuba, “Face the Torrent”, con coreografía para cuatro parejas concebida para Malpaso por Sonya Tayeh. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Mediante la observación de esta breve pieza, se pudo comprobar la justeza de la valoración expresada por su eminente compatriota, la coreógrafa Lucinda Childs: “La enseñanza de Merce (Cunningham) y su obra estaba en consonancia con el arte abstracto de esa época. Tal legado cambió completamente las estéticas y el gusto de la danza”.

En la danza moderna –y hasta en la mayoría de los géneros artísticos-, cada generación se ha rebelado contra la precedente. En los primeros años de la década del 60 del pasado siglo, una generación emergente encontró “una nueva y alternativa tradición”, y comenzó a crear lo que luego sería denominado el “postmodern”.

Tras una breve pausa, le sucedió otro estreno en Cuba, “Elemental”, pieza en memoria de Bob Williams, con coreografía de su joven y talentosa nieta Robyn Mineko Williams, para un conjunto mixto de nueve bailarines, quienes entregan un conmovedor discurso dramático coral, no lineal, donde se destacan las interpretaciones rotundas de Daile Carrazana, Fernando Benet y el carismático Abel Rojo (primer bailarín cubano nominado para los premios Benois 2019 en el Bolshoi). Williams contó con una soberbia producción concebida por Burke Brown y Branimira Ivanova (luces y vestuario, respectivamente), y un soporte musical diseñado por Robby Haynes, que incluyó en su “tape” un collage de piezas populares con dos relevantes números del cubano Ernesto Lecuona; de Tim Rutili (su “Zabriskie after Midnight”); de Arvo Part su “Hymn to a Great City” del álbum “Minimalist Dream House”; o el “Tropic of Cancer” por la banda Panda Bear, entre otros.

La presentación de Malpaso y el estreno absoluto de “Elemental” en el Chicago Auditorium se debió, en parte, por el apoyo del Joyce Theater, debido a una iniciativa de The Joyce Foundation y la Sunny Artist Management, que promueve proyectos específicos para su desarrollo, estreno y giras. Esta obra fue posible gracias a la generosidad de Pamela Cruchfield (con el apoyo adicional de otros donantes privados en los Estados Unidos).

“Elemental”, obra en memoria de Bob Williams, con coreografía de su nieta Robyn Mineko Williams.

Después de un largo intermedio llegó la segunda parte del programa, que comenzó con el estreno absoluto de “El otro”. Se trata de un trío concebido para dos bailarinas (María Karla Araújo y Dunia Acosta) y un solista masculino, interpretado por el multifacético Osnel Delgado, a la vez su coreógrafo, diseñador de vestuario y director artístico de la compañía de danza. Ha creado una pieza de 16 minutos estructurada en dos partes: una sonora y la otra muda; con soportes musicales variados, que incluyó grabaciones del “Claro de luna” para piano de Mozart; “El triángulo” de Ile y “Silence”, para piano y cuerdas de Beethoven.

Su escritura coreográfica es intrincada, aunque sin definiciones precisas, con empleo acertado de la técnica del contact,  en la explícita lucha de dos mujeres por ganar los favores de su héroe, que cae en un sendero trillado de tópicos. Delgado, esta vez, no mostró la misma creatividad de obras precedentes, en cambio no defraudó en tanto que bailarín de fuste, con su habitual demonstración de virtuosismo y calidad de movimientos, sin abandonar la expresividad de sus dinámicas.

El programa concluyó con “Face the Torrent”, otro estreno en Cuba (con título en inglés), coreografía coral para cuatro parejas concebida para esta compañía por la californiana Sonya Tayeh, que contó con una producción foránea: la música grabada fue interpretada por Collete Alexander y The Bengsons; las luces y el vestuario fueron diseñados por Nicole Pearce y Karen Young, respectivamente.

La entrega de los intérpretes, como siempre, fue inclusiva y espléndida, en consecuencia, resultó difícil destacar alguna labor en particular. Lo cual quedó validado con la ovación final del nutrido auditorio.

Viengsay Valdés, una de las tres bailarinas que interpretó “Carmen”, enfatizó los perfiles eróticos del personaje. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El ballet “Carmen” del malogrado coreógrafo cubano Alberto Alonso –que fue estrenado por la prima ballerina rusa Maya Plisétskaya en 1967 y al final de ese mismo año, en La Habana, por la eximia Alicia Alonso–, cuenta con dos versiones coreográficas, una para cada una de las mencionadas divas, por exigencia lógica de la segunda. Razonablemente, el personaje creado por el francés Próspero Merimée para su novela homónima, requiere ser encarnado por intérpretes poseedores de peculiares fenotipos y caracteres idiosincráticos acusados. Además, la transferencia de la literatura a la danza clásica –sin abandonar ciertos tópicos etno–folclóricos empero eludiendo caer en pintoresquismos–, exigía un serio estudio por el experimentado coreógrafo, con el objetivo de incorporarla a su escritura coréutica para tan diferentes artistas y escuelas de ballet: una eslava y la otra latino–caribeña.

Cada una supo marcar sus improntas, tan altas cimas que llegaron a polarizar a los públicos de las variadas regiones donde bailaron esta pieza en un acto. Plisétskaya cargaba su Carmen, según su particular punto de vista, en el aspecto histriónico punteado con un toque de rudeza gestual, matizándolo para no caer en la sobreactuación. En cambio, la Alonso desplegaba en su Carmen el virtuosismo técnico de sus inimitables puntas,  los giros veloces y los interminables equilibrios, acentuando sus evidentes dotes de sensualidad y seducción pasional, a la vez que eludía la vulgaridad.

Pasaron varios lustros para que la creadora del rol y directora general del Ballet Nacional de Cuba –a pesar que no lo volvió a bailar más–, para que designara a otra intérprete en el desempeño de este papel. Esto ocurrió localmente una sola vez, por dos de las calificadas como “cuatro joyas” del ballet cubano.

Ahora, en junio de 2015, después de un prolongado letargo de doce años, se pudo admirar esta “suite” resucitada por una nueva generación de talentosos bailarines. Los referentes icónicos se han ido desdibujando en la memoria de los asiduos aficionados al ballet que peinan canas. Otra generación intermedia, de excelentes bailarines de ambos sexos, nunca pudo confrontarse en esta obra, tal vez la más audaz, creativa y paradigmática, del exiliado hermano del maestro Fernando Alonso, Alberto Alonso. Al menos, ha quedado la memoria fílmica de la última memorable entrega de la Alonso, junto con un notable elenco entre los cuales Azari Plisétski, Jorge Esquivel y Josefina Méndez.

En 2015

La bailarina Sadaise Arencibia debutó en el protagónico de “Carmen”, obra creada por Alberto Alonso en 1967 para Maya Plisétskaya. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En el presente, sobre la escena temporal de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba y con música enlatada, los distintivos y esforzados desempeños de tres elencos debutantes revivieron esta “Carmen”. Tres primeras bailarinas alternaron el rol titular en la cinco funciones programadas para este desbordado coliseo habanero.

Los intérpretes de los otros cuatro personajes todavía están distantes de los perfiles definitorios de los mismos, así como del peculiar estilo expresado aquí por el coreógrafo. Solamente el joven Víctor Estévez (Don José) logró un mayor acercamiento estilístico-gestual, al parecer por la ayuda fortuita y desinteresada de Sonia Calero, viuda de Alberto Alonso, durante un festival foráneo. El debut de Alfredo Ibáñez, como Escamillo, sugiere prometedores futuros empeños en el mismo.

Hacer juicios de valor definitorios sobre las entregas realizadas por las tres primeras bailarinas, a partir de una función única, es un ejercicio profesional del crítico muy arriesgado, y este ha sido el caso. Admirable la interpretación singular de Viengsay Valdés, enfatizando los perfiles más eróticos de esta seductora arrabalera y siempre con su poderosa técnica. Luego, una sensual y apasionada Anette Delgado, que elude un tanto los ataques rudos de las gitanerías del personaje litigioso. Por último, el positivamente sorprendente debut de Sadaise Arencibia, quien bordó el personaje con su espléndida línea clásica, sin intimidarse por la gestualidad particular del papel, empero eludiendo caer en clisés baratos. Una próxima oportunidad en esta aventura entregará el resultado esperado por sus admiradores. ¿Por qué imponerles a todas las Cármenes el mismo modelo de peluca, que fue ajustada para su creadora, con  tipo de cabeza y óvalo facial diferente?

Indiscutiblemente, esta magistral creación de la coreografía neoclásica cubana muestra una puesta en escena minimalista como ámbito eficaz para el desarrollo dramático de este quinteto trágico, que cuenta con el beneficio de una suite musical tímbrica compuesta por el ruso Rodión Schedrín, a partir de las conocidas partituras originales de George Bizet para su ópera homónima y de L´Arlesienne.
Alicia Alonso y el equipo artístico–técnico que la apoya puede anotarse un tanto a favor al concebir este programa de concierto, al elegir las otras dos obras que acompañaron este plato fuerte de las cinco jornadas.

Versión cubana de “Las Sílfides”, conocida también como “Chopiniana”, de Michael Fokine, integró el rpograma de fin de temporada del BNC. Foto; Nancy Reyes. Gentileza NR.

Un clásico y un hit

Como apertura, “Las sílfides”, de Michel Fokine sobre la admirable música de Frederick Chopin, con los valses, preludios y mazurcas orquestados por Aleander Glazunov y los figurines de A. Benois para el vestuario y la escenografía. Esta versión cubana, conocida también como “Chopiniana”, hasta hoy está considerada la más próxima al original neoromántico de principios de la pasada centuria. Hay que tener en cuenta que Alicia y Fernando Alonso trabajaron “la obra directamente con Fokine”, de acuerdo con la versión definitiva revisada por el coreógrafo poco antes de su muerte.

En general, los bailables de los solistas, así como los del bisoño cuerpo de baile –que en ocasiones precedentes arrancó aplausos–, resultaron aceptables. Hubo revelaciones entre los jóvenes relevos (en estos últimos meses las varias deserciones sorprendieron a los regisseurs), igualmente hubo fuste, aplomo y estilo en Anette Delgado, Grettel Morejón, Sadaise Arencibia y Aymara Vasallo. El difícil único papel masculino, el poeta, cuyo desempeño va más allá del virtuosismo técnico, está centrado en el control muscular y la voluntad de estilo, cómo lograr el equilibrio entre lirismo y virilidad, esto se ve solamente en el primer bailarín Dani Hernández.

Dos reproches para la producción de esta joya de Fokine: la evidente usura del vestuario y la escenografía, que pide a gritos su renovación; el segundo, va a la pésima grabación empleada, por su ejecución y su pobre alta fidelidad sonora.

“Celeste”, de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López Ochoa, fue uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El divertisement de aires contemporáneos, ”Celeste”, de la joven coreógrafa colombo–belga Annabelle López Ochoa, es uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana y, en esta ocasión, siempre con los elencos elegidos por la autora, se colocó en sándwich con los otros dos títulos. Esta pieza, en poco más de media hora, deslumbra por la inteligente destreza de López Ochoa en el hilvanado estructural de los cuerpos, inspirada en la música del brillante y gustado “Concierto en re para violín y orquesta” de P.I. Tchaikovsky.

Los guiños a Fortsythe y Kilián se revelan como tributos gestuales a estos maestros, tanto en las cargadas como en los diseños espaciales.  Con el desempeño técnico de las tres dúctiles siluetas de las bailarinas solistas, arropadas por cinco parejas enfundadas en unitardos azul turquesa, según los figurines de la holandesa Dieweke van Reij, Valdés, Morejón, Jessie Domínguez, Estheysis Menéndez o Dayesi Torriente,  el éxito estaba asegurado.

El poco entusiasmo (o etamina) de los danzantes, apreciado en el resultado general de las tres funciones ha compulsado a transcribir aquí una cita medular de la gran Anna Pavlova, de la que se celebra el centenario de su debut en Cuba: “Nadie pudo llegar a la cima armado sólo de talento. Dios da el talento; el trabajo transforma el talento en genio”.