El Ballet Estable del Teatro Colón presenta “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Un ballet que marca un hito en la carrera de cualquier bailarín. Una prueba de bravura, técnica y destreza que se funde con la historia de amor entre Kitri, la hija del tabernero, y Basilio, un joven barbero con poco porvenir. Y en el medio, Don Quijote, un personaje entrañable de la literatura universal. Todo esto confluye para una celebración de la historia y de la tradición de los Cuerpos Estables del Teatro que, este año cumplen un siglo.

El Ballet Estable del Teatro Colón comienza una nueva etapa con la dirección artística de Julio Bocca, un bailarín que ha quedado en la memoria tanto de los argentinos como del público internacional. La decisión de presentar “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico, marca también un punto de inflexión.

Con coreografía de dos bailarines que hicieron historia en la compañía, Silvia Basilis y Raúl Candal, esta versión se estrenó por primera vez en el Ballet Nacional del SODRE de Montevideo, por entonces, dirigido por Bocca. Basada en la original de Marius Petipa (1869), revisada por Maximo Gorsky en 1900, “Don Quijote” llegó en 1980 al Ballet Estable del Teatro Colón, a través del coreógrafo yugoslavo Zarko Prebil. Esta puesta incorpora, a su vez, la “Variación de las copas”, creada por el inolvidable Mikhail Baryshnikov.

“Don Quijote”, obra basada en un capítulo del segundo libro de Miguel de Cervantes, “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, es una suerte de comedia en la que el humor y la picardía son protagonistas.

La música original de Ludwig Minkus, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves, mantuvo el espíritu de esta obra y se ajustó con precisión a la coreografía. La escenografía y el vestuario de Hugo Millán, son elementos de contraste interesantes, especialmente, el diseño escenográfico que, más allá de los trazos contemporáneos y minimalistas, se ajusta con perfección al entorno.

Entre los bailarines invitados para los roles de Kitri y Basilio figuran Celeste Losa y Nicola Di Freo (funciones del 30 de julio y 2 de agosto), y Marianela Nuñez junto con Patricio Revé, el 31 de julio y el 3 de agosto.

El viernes 25, un día después del estreno, los protagonistas fueron Camila Bocca como Kitri y Jiva Vélazquez en el rol de Basilio. Ambos, precisos en sus variaciones, fluidos y cuidados, no han logrado aún la fusión necesaria como partenaires que requiere este ballet. Si bien hubo momentos de ajustada técnica, tanto en el primero como en el segundo acto. Pero fue en el tercero, donde Bocca se lanzó con magnífica precisión en sus 32 fouettes, sin salir de su eje y con la gracia natural de una Kitri feliz por el triunfo del amor.El cuerpo de baile mostró un sólido trabajo, especialmente en la coordinación de las escenas grupales, tanto en las danzas de carácter como en el acto blanco de las Dríadas. El jefe los gitanos, en el segundo acto, Luciano García, hace un despliegue de energía impecable en sus saltos y pirouettes. Acompañado de Maricel De Mitri, intensa y estupenda en su rol de gitana. Los dos ponen un interesante toque de sensualidad a sus personajes.

Stephanie Kessel, en su Cupido, mostró a una bailarina digna de tenerse en cuenta. Delicada, con bellos brazos y musicalidad. Milagros Niveyro, como la reina de las Dríadas fue precisa y sirvió como un complemento interesante para esta Kitri convertida en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote.

En la escena de la taberna, Velázquez tuvo un buen desempeño en la Variación de las copas, coreografía de Baryshnikov. Un solo que requiere de un bailarín de enorme solidez técnica para atravesar las exigencias de virtuosismo de esta coreografía.

Cuando todo se arregla, y finalmente triunfa el amor y el padre de Kitri accede al casamiento con Basilio, llega el esperado tercer acto. Un desborde de alegría y celebración que culmina en el grand pas final. Velázquez sale airoso en los clásicos grands jetés y en los giros, si bien todavía necesita incursionar más en este rol para mostrar solvencia en su interpretación y en su técnica. Bocca, excelente, precisa y vibrante da cierre a esta historia con final feliz, castañuelas y festejos.

Danzar por la Paz presenta “Novena Sinfonía”, de Mauricio Wainrot, interpretada por el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Foto: Carlos Furman.

En el Día Internacional de los Derechos del Niño, que se celebra el 20 de noviembre, se realizará por primera vez en Uruguay la edición número 16 de Danzar por la Paz. Y esta vez será a beneficio de UNICEF Uruguay. De esta manera, Uruguay se convierte en el quinto país de América en recibir la gala, después de Chile, Brasil, Argentina y Estados Unidos.

Debido a la pandemia de COVID-19, la gala tendrá un formato televisivo con alcance nacional y mundial, se transmitirá al público uruguayo por canales nacionales y privados y al mundo por Canal de YouTube UNICEF Uruguay. Contará con la conducción de la actriz uruguaya Natalia Oreiro, la ex bailarina del American Ballet Theatre y ex primera bailarina del Ballet Nacional del Sodre, María Noel Riccetto, ambas embajadoras de UNICEF, y el homenajeado de esta edición será Julio Bocca,.

Participarán de este encuentro internacional Ludmila Pagliero, Etoile de la Opera de París, quien bailará un fragmento de “Dance at a Gathering”, la clásica coreografía de Jerome Robbins, acompañada por el francés Karl Paquette. Se suman al programa el Ballet de Santiago del Teatro Municipal, São Paulo Companhia de Dança, Ballet Nacional del Sodre y el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín con un fragmento de la “Novena Sinfonía” de Mauricio Wainrot en conmemoración de los 250 años del nacimiento de Ludwig Beethoven.

La gala benéfica Danzar por la Paz que, por iniciativa del coreógrafo y ex bailarín Leonardo Reale, se realiza junto con Unicef, tiene como propósito ayudar a los niños necesitados de diferentes países. Su primera función fue en 2014 en el Teatro Nacional Cervantes, donde asistieron las compañías mas importantes de la Argentina, y luego de esta primera experiencia el proyecto fue creciendo y se extendió a otros países.

Ludmila Pagliero, Etoile de la Opera de París, acompañada por el francés Karl Paquette bailará “Dance at a Gathering”, de Jerome Robbins. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza DplP.

La iniciativa de este año busca recaudar fondos para UNICEF Uruguay y “celebrar los derechos de los niños, niñas y adolescentes reimaginando el mundo que queremos para ellos y colaborando para lograrlo”, resumió la agencia dependiente de la ONU en un comunicado.

UNICEF comparte los valores que promueve la gala, los cuales se fundan en la no violencia y que, en este caso, se materializan a través de la danza y coinciden con la propuesta integradora de UNICEF.

A lo largo de estos seis años Danzar por la Paz es uno de los eventos culturales más importantes de las Américas, donde a través de la danza se logra concientizar y comunicar los ideales de la Paz y la no violencia. Por otra parte, esta gala contribuye a financiar programas locales comprometidos con estos valores indispensables en un mundo cada vez más global.

Será la primera vez que la gala tome un formato netamente televisivo, que tendrá alcance nacional en Uruguay con la emisión especial que llevarán a cabo Canal 10, Charrúa TV, Montecable, la Red Uruguaya de Televisión, Canal 12 Melo, Canal 3 Artigas y la Cámara Uruguaya de Televisión para abonados, entre otras emisoras. En el resto del mundo el espectáculo podrá seguirse desde las 22:45 hora del Este a través del canal oficial de YouTube de Unicef Uruguay.

El Ballet Nacional del Sodre, dirigido por Igor Yebra formará parte de este encuentro para recaudar fondos para UNICEF-Uruguay. Foto: Carlos Villamayor

Programación 
Gala Danzar por la Paz – Dirección artística Leonardo Reale

“Raymonda” (fragmento grand pas 3er acto) – Ballet de Santiago del Teatro Municipal, Dirección Marcia Haydée
Música: Aleksandr Glazunov - Coreografía: Luis Ortigoza sobre original M.Petipa

“Suite Encuentros” (fragmentos) - Nacional Sodre, Dirección Igor Yebra
Música: A. Piazzolla – Mariano Mores - Coreografía: Marina Sanchez

“Melhor Unico Dia” (extracto) - Sao Paulo Companhia de Dança, Dirección Inés Bogea
Música: Creación original de Pupillo con voz de Céu-Coreografía:Henrique Rodovalho

“Dance At A Gathering” (fragmento) -  Pagliero – Karl Paquette, Etoiles Opera de Paris
Música: Frédéric Chopin - Coreografía: Jerome Robbins

“Novena Sinfonía ” (fragmento del 4to movimiento) - Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Dirección Andrea Chinetti y Miguel Elías
Música: Ludwig Beethoven - Coreografía: Mauricio Wainrot

Andrea Chinetti, actual directora Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires fue la primera entrevistada de junio. Foto gentileza Danzar por la Paz.

Desde comienzos de abril de 2020, la gala benéfica Danzar por la Paz fundada por Leonardo Reale, viene realizando entrevistas a personalidades de la danza internacional. Las cuales son conducidas por el propio bailarín del Ballet del Teatro Colón, y cuentan con producción de Constanza Torres.

El ciclo denominado “Reportajes en Cuarentena” lleva realizadas un total de 24 entrevistas a diferentes bailarines, directores y coreógrafos referentes de la danza contemporánea, ballet clásico, folklore, tango, ballroom, street dance, de Argentina, Chile, Uruguay, Italia, Ucrania, Noruega, Cuba y Alemania.

Danzar por la Paz, es una Gala Benéfica internacional de Ballet y Danza, fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Leonardo Reale. Espectáculo con fines benéficos se realiza en la Argentina desde 2014. El propósito es reunir artistas de todo el país y del exterior para danzar por la Paz y No violencia. Desde el año 2015 lo recaudado se destina a los programas que realiza UNICEF Argentina por los niños, niñas y adolescentes.

A partir de 2018 Danzar por la Paz comenzó su proyección Internacional a través de sus galas benéficas en Chile, los Estados Unidos y Brasil, contabilizando hasta el momento 14 ediciones.

Durante junio, los reportajes tendrán un carácter federal, y los entrevistados serán los directores de las compañías de ballet y danza de la Argentina con la intención de acercar la realidad de cada una de estas provincias en tiempos de cuarentena.

El 17 de Junio Danzar por la Paz transmitirá la entrevista con Mariela Alarcón, directora Ballet Contemporáneo del Chaco. Foto gentileza Danzar por la Paz.

La primera entrevistada de este mes fue Andrea Chinetti, actual directora Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Y entre los nombres que hicieron punta en abril, figuran primeros bailarines, directores y coreógrafos de todas las disciplinas de la danza, como Osiel Gouneo (Primer bailarín Ballet Munich, Alemania), Nicolai Gorodiskii (Primer bailarín Ballet Nacional de Ucrania), Guido De Benedetti (director, coreógrafo) , Nadia Muzyca (Primera bailarina Ballet Estable del Teatro Colón) , , Ernesto “Tito” Diaz (Campeón nacional de malambo 2019) , María Noel Riccetto (Ex primera bailarina del Ballet Nacional del SODRE, Uruguay) y Ricky Pashkus (director, coreógrafo).

Las entrevistas se pueden ver en vivo a las 20hs desde la cuenta de Instagram @danzarporlapaz, donde también pueden ver mensajes de solidaridad y paz de coreógrafos y bailarines de todo el mundo.

En junio

3 de Junio: Ricardo Alfonso, Director Ballet del Sur – Bahía Blanca

5 de Junio: Juan Santiago Messad, Director Ballet Folklórico Latinoamericano, Santiago del Estero

8 de Junio: Patricia Sabbag, Directora Ballet Contemporáneo de Tucumán

10 de Junio: María Inés Riveros Hidalgo, Directora Ballet de la Provincia de Salta

12 de Junio: Luis Marinoni, Director Ballet Folklórico del Parque del Conocimiento – Misiones

15 de Junio: María Paz Meza, Directora Vendaval Compañía de Danza – Santa Fé

17 de Junio: Mariela Alarcón, Directora Ballet Contemporáneo del Chaco

22 de Junio: Cristina Gómez Comini, Directora Compañía Danza Viva, Córdoba

24 de Junio: Laura de Aira, Directora Ballet del Centro del Conocimiento, Misiones

26 de Junio: Rodolfo Uez, Director Ballet Municipal de la Ciudad de Córdoba

29 de Junio: Marisa Manyegüi, Directora Ballet de la UNcuyo – Mendoza

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El Ballet Nacional del SODRE de Uruguay, estuvo representado por a María Riccetto y a Ciro Tamayo en el XXIV Festival Internacional de La Habana Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

Finalmente, después de varios días de angustias por parte de los aficionados al ballet y de las autoridades culturales cubanas, debido a una fuerte congestión pulmonar de la gran dama del ballet, la prima ballerina Alicia Alonso, la incógnita se develó. A punto de cumplir sus 94 primaveras, la diva reapareció rutilante (sostenida por dos de sus bailarines principales) al concluir el gran desfile inaugural del XXIV Festival Internacional de Ballet de La Habana.

Allí participaron casi 300 bailarines en la vasta escena del más grande coliseo de la isla, el “Karl Marx”, que se espera que la restauración capital del Gran Teatro de La Habana esté concluida en la segunda mitad de 2015. El desfile tuvo como fondo de melódica marcha de Smétana ejecutada por la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la batuta del maestro Giovanni Duarte.

Seguidamente, hubo un breve discurso apologético donde se hacía referencia a las conmemoraciones de rigor en esta vigésimo cuarta edición, los 450 de William Shakespeare y el bicentenario de la excelsa poeta Gertrudis Gómez de Avellaneda. Igualmente hubo un somero recordatorio-homenaje “In Memoriam”, al cofundador del BNC y metodólogo de la reconocida escuela cubana de ballet, el gran maestro Fernando Alonso, al cumplirse su centenario el próximo 27 de diciembre. La asociación de artistas escénicos de la UNEAC (Unión de escritores y artistas de Cuba) realizará un evento teórico alrededor de su legado pedagógico, organizado por la ex primera bailarina y profesora de ballet Aurora Bosch (una de las llamadas “cuatro joyas” del ballet cubano).

Julio Bocca dictó clases magistrales durante la Jornada Fernando Alonso. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

Después de una breve pausa, comenzó la fiesta de la danza con el ballet en dos actos “Shakespeare y sus máscaras”, sobre el tema de “Romeo y Julieta”, con coreografía de Alicia Alonso, música de Charles Gounod con nueva orquestación del compositor cubano Juan Piñera y libreto de José Rodríguez Neyra. Esta vez contó con nuevo vestuario y renovaciones en la escenografía por su diseñador Ricardo Reymena.

Los protagónicos fueron desempeñados con pulcritud y pasión por los primeros bailarines Anette Delgado y Dani Hernández, arropados por un cuerpo de baile afiatado, y sorprendiendo positivamente con ajustado histrionismo en cada uno de los múltiples personajes. Se destacó Arián Molina, como el vendedor de máscaras. La coreografía sigue los dictados del gran acervo neoclásico de su autora, si bien la dramaturgia todavía admite una necesaria revisión.

Ballet de Sudafrica, compañía que envió bailarines a La Habana. Foto:Yailin Alfaro. Gentileza YA.

Una Jornada académica in memoriam de Fernando Alonso se ha celebrado en uno de los salones de la Escuela Nacional de Ballet, presidido por un inmenso retrato del maestro de maestros. Un numeroso público asistió reverente e interesado, que incluyó artistas y profesores invitados y locales, así como estudiantes y aficionados. Las clases magistrales fueron impartidas por Julio Bocca, Eric Vu An, Cyril Atanassoff, José Manuel Carreño y el dueto formado por Marta García y Orlando Salgado.

El máximo reconocimiento a un artista de la danza por toda la vida en su excelsa entrega a este arte, que otorga por riguroso escrutinio la UNEAC y su Asociación de Artes Escénicas, bajo el nombre de Premio Lorna Burdsall (eminente bailarina y coreógrafa estadounidense que echó raíces en Cuba), le fue entregado en sencilla y emotiva ceremonia a José Manuel Carreño.

Una pléyade de estrellas del firmamento de la danza internacional ha desfilado por los escenarios que ha programado desde el 28 de octubre hasta  el 7 de noviembre esta edición del Festival Internacional de Ballet de La Habana, provenientes de los Estados Unidos, Italia, China, Ucrania, Argentina, Chile, Noruega, Suiza, Suecia, España, Gran Bretaña, Portugal, entre otros.

"Un tranvía llamado deseo", de Mauricio Wainrot, interpretado por el Ballet Nacional del SODRE. Fotos: Fabián Centurión. Gentileza BNS.

La obra y su autor. Hacer click aquí…

“Un tranvía tranvía llamado deseo”, la obra del escritor norteamericano Tennessee Williams abrió la temporada 2011 del Ballet Nacional del SODRE bajo la dirección artística de Julio Bocca. Considerada el título mayor de la literatura teatral estadounidense de pos guerra, fue llevada al ballet en “versión libre” por el coreógrafo Mauricio Wainrot, con música de Bela Bartók, escenografía y vestuario de Carlos Gallardo e iluminación de José Luis Fioruccio. Las funciones comenzaron el 18 y terminan el 29 de marzo en el Auditorio Nacional Adela Reta.

La coreografía de Mauricio Wainrot para “Un tranvía llamado deseo”, muestra episodios de la obra en sucesivos flashback. El pormenorizado relato, se inicia con la llegada de Blanche al hospital para enfermos mentales. “Los acontecimientos más importantes en la vida de Blanche son recreados cuando, ya todo ocurrió, y solo quedan jirones deshilvanados de su memoria. Es una historia de retazos, como Blanche misma, presentada como una personalidad escindida a través de la multiplicación de varias Blanche que se mezclan y confunden.”

Son palabras del propio Wainrot, extraídas del programa de mano, que definen  conceptualmente su coreografía apoyada, sin adherirse, en tres composiciones de Bela Bartók: dos obras para orquesta intercaladas a “El Mandarín Maravilloso”. Las dos obras orquestales exhiben audaces climas obsesivos, que no siempre coinciden con la ambigüedad de algunas secuencias de la coreografía.

“El Mandarín Maravilloso”, en cambio, fue compuesto, especialmente, para otra escalofriante sordidez ajena al Tranvía. Esta densa y extensa versión tiene momentos de interés dramático; sumados a otros en los cuales el exceso de “flashbacks” y del lenguaje neoclásico danzado confunden la acción teatral. No obstante, el comienzo y las dos escenas finales de la obra son emotivos. Antes de bajar el telón, Blanche desvalida, ausente, cargando una valija, y una flor, marcha sin detenerse, bordeando el círculo de luz que la ilumina. Punto final para una obra desigual, pero de efectivos valores estéticos.

El espacio escenográfico diseñado por Carlos Gallardo es, ante todo, funcional; tiene como fondo una sucesión de celdas, tapiadas por puertas que al correrse permiten la aparición o mutis de los bailarines. La iluminación ideada por José Luis Fioruccio fue excelente: no solo subrayó momentos de la coreografía, también jerarquizó toda la producción; que en los demás rubros escénicos funcionó impecablemente.

Especial mención merece la actuación del Ballet Nacional. En todo momento funcionó como un equipo sólido y competente, dispuesto a resolver las inusitadas complejidades de esa realización coreográfica. No hubo desajustes en los movimientos, tampoco los hubo en la exigente expresividad de los bailarines que, sin duda, alcanzaron el nivel más alto de la ambiciosa producción. En cuanto a los solistas, requeridos al máximo en sus aptitudes técnicas e interpretativas, respondieron de manera admirable a los personajes que les tocó desentrañar.

En el elenco del día 19 de marzo, Sofía Sajac reeditó su reconocido histrionismo, sobresaliendo su sensibilidad y variados matices expresivos en la composición de Blanche DuBois. Grande fue el impacto que provocó la impresionante fuerza salvaje de Ismael Arias como Stanley Kowalski. Al tiempo que Vanessa Fleitas conmovió por la ternura fraternal y sensualidad que transmitió al rol de Stella. Sebastián Arias manifestó afecto y desengaño personificando a Mitch. Los otros personajes, como piezas de ajedrez, siguieron el juego dramático y respondieron totalmente a la propuesta del coreógrafo. El público, numeroso, aplaudió de forma inusual la actuación de nuestros bailarines y también la obra; indicio de que Julio Bocca nos lleva  por buen camino.   

Festejando el centenario del nacimiento de Tennessee Wiliams, la ciudad de Montevideo se hace presente con dos versiones de  ”Un tranvía llamado deseo”: una teatral, la otra coreográfica. El público de Montevideo tendrá oportunidad de enfrenarse a la contundencia irrebatible de la palabra, o al enigma de movimientos acompañados de música. En algunas ocasiones la expresión artística que llamamos danza, deslumbra por el modo de interpretar la palabra. Cuando ocurre ese fenómeno, el genio del coreógrafo está, indiscutiblemente, presente.

Nueva versión de "El Lago de los Cisnes", interpretada por el Ballet Nacional del SODRE. Foto: Fabián Centurión. Gentileza Archivo Nacional de la Imagen SODRE.

“El Lago…” a través de la historia. Hacer clic aquí

Éxito artístico y llenos totales alcanzaron las 14 funciones de “El Lago de los Cisnes”. Obra que cerró la temporada 2010 del Ballet Nacional del SODRE, que dirige Julio Bocca.

La coreografía de Raúl Candal para “El Lago de los Cisnes”, que presentó el Ballet Nacional del SODRE, respetó el guión original de Begitchev y Geltzer. Metáfora que relata el amor de la Doncella-Cisne, Odette y el Príncipe Sigfrido, enfrentado a la maldad del mago Von Rothbart y su hija Odille. En cambio, como es lógico suponer, conservó muy poco de las coreografías de Petipa-Ivanov.

Del primer acto de Petipa, el coreógrafo repositor, usó solo el Pas de Trois. Mientras que, en el tercero, reconstruyó todas las danzas de carácter. Además, introdujo cinco variaciones para las princesas invitadas, entre las cuales, Sigfrido debía escoger esposa. Pero, el Pas de Deux, las variaciones y la coda de El Cisne Negro, son fieles a la coreografía de Petipa.

En el segundo acto, Candal reestructuró las danzas del cuerpo de Baile. Pero, no hubo variantes sustanciales en la coreografía de Ivanov, para el primer Pas de Deux, o en el hermosísimo Adagio; como tampoco las hubo, en el famoso Pas de Quatre, en el Vals de las solistas, o en la variación y coda de Odette con el conjunto. En cambio, el cuarto acto, es completamente nuevo. Atractivos diseños y pasos, aligeraron la acción, sin apartarse del estilo de Ivanov.

Por otra parte, el coreógrafo acertó en la composición del Bufón. También lo hizo, al otorgar protagonismo al mago Von Rothbart, durante toda la obra; especialmente en la obertura orquestal del segundo acto. En cambio, Candal, no resolvió de manera efectiva, la muerte de los protagonistas: antes del grandioso despliegue orquestal que cierra el ballet.

Tres de nuestras bailarinas, enfrentaron airosas, y por primera vez, el difícil rol de Odette-Odile. Giovanna Martinatto, logró la morbidez del ave en los actos blancos, y a la vez, enlazó sinuosa malicia con alardes técnicos, en el tercero. En el rol de Sigfrido, la acompañó un bailarín excepcional; José Manuel Carreño, artista del American Ballet Theatre. Carreño tiene la condición nada común, de hacer ver como fácil, lo que no lo es. Saltó sin que se notara esfuerzo en el impulso. Hizo numerosas piruetas, que finalizaron con naturalidad, sin gestos enfáticos. Sus dobles giros en el aire, los terminó en perfecta posición de pies y con las rodillas flexionadas, como indican los textos. Pero, lo que más llamó la atención de él: fue el noble porte, los movimientos elegantes, y la exquisita manera de mover los brazos. Además, sobresalió como partenaire: acompañó a La Martinatto con amoroso cuidado, como solo sabe hacerlo, un Danseur Noble.

Rossina Gil bailó el doble rol de Odette-Odile, luciendo su bellísima figura. Proyectó en el Cisne Blanco, una visión romántica y apasionada; contrapuesta al hechizo engañoso que predominó en el Cisne Negro. Avetik Karapetian, bailarín del Royal Swedish Ballet, no fue el Sigfrido ideal para ella. En cambio, sí, un buen solista, en las variaciones de los actos primero y tercero. 

Vanessa Fleita, por su parte, encaró el personaje protagónico con adecuada personalidad, seguridad técnica, y, sobre todo, notable musicalidad. Bailó con lirismo los actos blancos, y, con perversidad, atrapó a Sigfrido en el tercer acto. Samuel Bianchi fue su correcto partenaire; discreto como bailarín y de relativa presencia escénica.

Francisco Carámbula, personificó al siniestro Von Rothbart. En la elaboración del personaje, dio rienda suelta a su poderosa fuerza interior, que tradujo con movimientos y gestos elocuentes. Ismael Arias, compuso el Bufón: lo resolvió con brillo en las dificultades técnicas, y lo actuó con maestría en las contra escenas.  Sebastián Arias, Romina Grecco y Marina Sánchez, bailaron con estilo el Pas de Trois del primer acto. En los dieciocho cisnes, las dos solistas, y el aclamado Pas de Quatre, que intervinieron en los actos blancos, hubo momentos notables y otros perfectibles. Las variaciones de las cinco princesas, alcanzaron buen nivel técnico. Energía y ritmo, tuvieron las briosas danzas de carácter: Czardas, Danza Española, Danza Napolitana y Mazurka.

En el transcurso de las 14 funciones de El Lago de los Cisnes, fueron superándose desajustes y desprolijidades. Los conjuntos y solistas, alcanzaron tal grado de corrección, como no se había visto antes en la Compañía. La complejidad del espectáculo que nos ocupa, fue un desafío. De él salió fortalecido nuestro Ballet Nacional. Es posible, que las grandes obras del repertorio clásico, no sean, por el momento, el perfil que nos identifique. Pero el hecho de abordarlas, y darlas a conocer al público, con la jerarquía alcanzada en esta producción, lo justifica. Por supuesto… ese resultado, tiene nombre y apellido: Julio Bocca.

El Ballet Nacional del SODRE dirigido por Julio Bocca, lanzó su segundo programa de la temporada. Foto: Fabian Centurion. Gentileza BNSODRE

Recién llegado de la exitosa gira, que lo llevó a actuar en diez departamentos del interior del país, el Ballet Nacional del SODRE con Dirección Artística de Julio Bocca, presentó el lunes 6 de Octubre en el Auditorio Nacional Adela Reta, el segundo programa de la temporada 2010.

El mismo comprendió el “Gran Pas de Raymonda”, música de Alexander Glazunov y coreografía de Marius Petipa. En él se hace referencia al último acto del ballet homónimo y al clásico Divertisement que celebra la boda de la protagonista con Jean de Brienne.

Inesperadamente, puesto que no figuraba en el programa de mano, se interpretó a continuación el “Pas de Deux de El Corsario”, música de Ricardo Drigo y coreografía también de Petipa.

Completando la primera parte, “Nuestros Valses”. Serie de pequeñas piezas de la compositora venezolana Teresa Carreño, donde parejas de bailarines recrean la gracia melódica de valses compuestos para el piano.

Por último se bailó “Doble Corchea”, obra basada en la música de Benjamín Britten (Guía Orquestal para la Juventud) que permite identificar los distintos instrumentos de la orquesta al tiempo que los bailarines los visualizan por medio de la danza. Las dos últimas obras pertenecen al venezolano Vicente Nebrada, uno de los más importantes coreógrafos latinoamericanos, fallecido en el 2002.

Estrenada en el Teatro Marynsky de San Petersburgo en 1898, el clasicismo de Petipa resplandece en Raymonda, repuesta en esta ocasión por María Inés Camou y Marlene Lago con singular esmero. La inconfundible musicalidad y las secuencias de pasos características del Maestro francés se ven reflejadas en las distintas variaciones, dúos y escenas de conjunto. La obra, fogueada en la reciente gira por el interior del país, fue bailada con disciplina, aunque todavía prevalece cierta desigualdad en la formación técnica del conjunto; lo que es normal en una compañía que recién comienza el proceso de integración. Clara Ayala y Carolina Maneiro lograron buenos trabajos en las variaciones V y VI, al tiempo que Vanessa Fleita, como protagonista, sobresalió en calidad, seguridad y elegancia. Pobre el vestuario, opaca la reproducción sonora e iluminación insuficiente restaron efectividad a la puesta en escena.

Inspirado en la obra de Lord Byron, “El pas de Deux de El Corsario” fue concebido originalmente como Pas de Trois en la última de las dos  versiones que Petipa coreografió para el Marynsky en 1899. Tal como se lo presenta en la actualidad constituye un despliegue de bravura técnica que requiere, ante todo, la avasallante presencia de dos intérpretes excepcionales. Lucía Sánchez e Ismael Arias asumieron esa responsabilidad dignamente y por momentos con singular brillo.

Nuestros Valses es una hermosa coreografía de Vicente Nebrada repuesta por Zane Wilson y Yanis Pikieris. Muy bailada, con desplazamientos que generan vitalidad en los conjuntos a los que se suceden solos o dúos, intercalando por breves momentos a otras parejas, enriqueciendo así el discurso y fluidez coreográfica. No todas las parejas acertaron con los matices de interpretación; sí lo hicieron Lucía Piccini y Diego Domínguez, Rossina Gil y Esteban Clavero y con cierta opacidad Giovanna Martinatto aunque bien acompañada por el brío de Sebastián Arias. La obra fue interpretada brillantemente por el pianista Martín Troche. Los agradables colores del vestuario crearon un clima regocijante que no siempre encontró apoyo en la iluminación.

Las tres obras antes citadas se ofrecieron sin interrupción, lo cual resultó extenso y de difícil concentración para el espectador. Después del oxigenante intervalo, se alzó el telón para disfrutar de “Doble Corchea”, otra brillante coreografía de Vicente Nebrada repuesta por Zane Wilson y Yanis Pikieris que mantiene la estructura de “Nuestros Valses”. Aquí jugaron elementos escénicos que cerraron con espectacularidad el programa. Cuando la luz reveló la escena fue impactante la blancura sin mácula del piso, pero aún lo fue más el estupendo vestuario de Jorge Lefebre. Diseñado en base a mallas que combinaban el blanco y el negro, contrastando con el fondo también negro del escenario del cual colgaban constelaciones de estrellas titilantes.

Los artistas del Ballet Nacional, bailando en un estilo que les va como anillo al dedo, ofrecieron una interpretación notable dentro del bellísimo marco escénico, esta vez acompañados por la impecable reproducción sonora de la partitura e iluminados con maestría. Cuando la obra terminó en pose genial de todo el conjunto, perfecta para ser fotografiada, la audiencia inició una atronadora salva de aplausos, que subió de voltaje cuando apareció Julio Bocca saludando junto a los bailarines del Ballet Nacional.

Fue estimulante leer en los programas de mano la futura programación del Ballet Nacional. En lo que resta del año 2010: el 23 de Noviembre Gala 75º Aniversario, del 3 al 14 de Diciembre El Lago de los Cisnes, el 17 de Diciembre Función extraordinaria en el Teatro de Verano. En la temporada 2011: Un Tranvía Llamado Deseo, los tres actos de El Corsario y una nueva versión de El Cascanueces, y en la Temporada 2012, La Bayadera. 

Enhorabuena; es indudable que el anuncio de Julio Bocca no conoce precedentes. Seguramente él y los dioses que lo protegen harán posible que la excelente programación sea realidad.