El coreógrafo Oscar Araiz duante la filmación de la película “Escribir en el aire” de Paula de Luque. Foto gentileza TP.

Desde el 6 de noviembre hasta el 13 del mismo mes la película “Escribir en el aire” está disponible por la pantalla de Cine.Ar TV. Este es el sexto largometraje de la directora Paula de Luque, y la producción es de Barakacine.

Concebida como una experiencia sensorial y musical, “Escribir en el Aire” escapa a la simplificación de los rótulos y se interna de forma audaz en el proceso de elaboración y creación de un artista. De este modo, la directora reflexiona y construye una mirada sobre el mundo creativo del coreógrafo Oscar Araiz. De esta forma la película se convierte en una mirada dentro de otra mirada, en ese reflejar infinito de los espejos, y paulatinamente va organizando su propia trama.

“Me interesa especialmente el proceso de creación en Araiz —comentó Paula de Luque—, el de un universo deshilvanado que súbitamente asume la materialidad y solidez del cuerpo, revelando sus estructuras internas físicas y mentales. La teatralidad de las situaciones, la concentración, los interrogantes, el límite entre lo manifestado y el vacío, la acumulación y el derrumbe, conducen a una conclusión paradigmática. La obra se independiza, el autor se elimina, y de todo ello queda un residuo anímico intemporal. Como algo escrito en el aire”.

Afiche promocional de “Escribir en el aire”. Gentileza TP.

Con los testimonios de Oscar Araiz, de las escenógrafas y vestuaristas Renata Schussehim y María Julia Bertotto, de la coreógrafa Ana María Stekelman y del bailarín Miguel Angel Elías, el filme incluye también a las bailarinas Antonella Zanutto, Magali Brey y al cuerpo de bailarines y bailarinas de Araiz.

Araiz, uno de los más destacados coreógrafos argentinos, y uno de los pioneros de la danza contemporánea en su país, estudió danza moderna y composición con Dore Hoyer y Renate Schottelius. También estudió con María Ruanova y Tamara Grigorieva. Creó el Ballet del Teatro San Martín en 1968, compañía para que que creó obras como “Symphonia”,“Magnificat”, “Romeo y Julieta” y “La consagración de la primavera”, entre otras. y recibió el Konex de Brillantes en 2019.

Desde 1979 a 1980 fue director del Ballet Estable del Teatro Colón donde creó el ballet “Estancia”, con música de Alberto Ginastera, “El mandarín maravilloso” y “Sueño de una noche de Verano”. Estuvo a cargo las coreografías de las óperas“Bomarzo” y “Moisés y Aarón”. Y desde de 1980 hasta 1988, fue director de la Danse del Grand Théâtre de Genève, Suiza. Dos años después de su regreso a la Argentina, Araiz, dirigió el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín junto a Renate Schottelius y Doris Petroni.

Sus obras forman parte del repertorio de numerosas compañías internacionales como el Ballet Nacional Chileno (BANCH), el Royal Winnipeg Ballet de Canadá, el Ballet del Teatro Municipal (Río de Janeiro, Brasil), el Ballet del Teatro Municipal de Sao Paulo (Sao Paulo, Brasil), entre otros. Y fue coreógrafo y mentor del Grupo Corpo de Belo Horizonte, Brasil.

En Europa, su trabajo como coreógrafo llegó al Stockholm Opera Ballet (Suecia), al Finnish Ballet (Finlandia), al Ballet de la Opera de París (Francia), el Ballet du Grand Théâtre (Ginebra, Suiza), el Berlín Opera Ballet, así como al Het National Ballet (Ámsterdam, Holanda). Todos ellos forman parte de la larga lista de compañías que montaron sus obras.

En los Estados Unidos, sus coreografías integran los programas del Joffrey Ballet y del Group Motion Multimedia Dance Theater de Filadelfia, entre otros.

Paula de Luque es realizadora de cine y televisión, guionista, bailarina, coreógrafa y directora escénica. Obtuvo numerosos premios y distinciones nacionales e internacionales. Algunas de sus obras destacadas son “Juan y Eva”, la reciente “La forma de las horas” y la serie “La verdad”. Es directora del Festival FICSUR y de la plataforma de contenidos audiovisuales OCTUBRE TV.

“Escribir en el aire” cuenta con la participación de las bailarinas Antonella Zanutto, Magali Brey y al cuerpo de baile de Oscar Araiz. Foto gentileza TP.

Generación del Ayer llega al GAM, en Santiago de Chile, con “La pérdida de todos”, dirigida por Nicolás Fuentes. Foto gentileza GdelA.

“Tanto he soñado contigo que pierdes tu realidad”. Así comienza el poema “A la misteriosa”, del francés Robert Desnos. Estos versos que le hablan a la amada ausente son parte de “La pérdida de todos”, al obra más reciente de la compañía Generación del Ayer que se presenta en GAM en esta nueva temporada del 2 al 26 de agosto, de jueves a domingo, a las 20.00 horas.

Esta pieza de danza viaja por la memoria y el olvido, para explorar poéticamente la búsqueda de familiares de detenidos desaparecidos. La creación se inspira en las mujeres de detenidos desaparecidos que perdieron a sus seres queridos y aún no saben dónde están. La obra es un viaje por la memoria y el olvido, por el tiempo y la soledad, por la búsqueda, el miedo y la resistencia. En escena, se conjugan danza, sonido y audiovisual en una propuesta poética con coreografía y dirección del chilenoNicolás Fuentes. Sus intérpretes son tres experimentadas bailarinas mayores de 70 años: Carmen Aros, Mabel Diana y Sonia Uribe. Ellas integran junto a Fuentes la compañía Generación del Ayer, que tiene más de 20 años de trayectoria.

Generación del Ayer, en  “La pérdida de todos” aborda las persecuciones políticas de los años ‘70. Foto gentileza GdelA.

El grupo, fundado en 1996, reúne a artistas de la danza que decidieron crear una instancia cultural distinta. Si bien históricamente el quehacer de la vida útil de un bailarín en el escenario termina justamente en pleno desarrollo de su madurez artística, Generación del Ayer decide violar las reglas preestablecidas yprobar que aún tiene mucho que decir… bailando.

Este grupo, único en Latinoamérica, estuvo formado por cinco integrantes, todos adultos mayores, exbailarines del Ballet Nacional Chileno, del Ballet Municipal de Arte Moderno, y del Ballet Nacional delPerú, entre otros. Hoy, solo dos de ellas siguen activas con el grupo, y realizando sus propias creaciones junto a la colaboración de otros artistas invitados. Su trabajo artístico durante estos años se ha difundido tanto a nivel nacional, como a nivel internacional.

Carmen Aros, chilena y española, estudió danza durante varios años en forma amateur y, como profesional con diferentes maestros de danza académica, moderna, contemporánea y otras técnicas en Perú, Cuba, México,y Rusia. En Lima, Perú, inició su carrera de intérprete a una edad en que los profesionales de la danza están pensando en retirarse. En 1996, residiendo en Santiago, junto a cuatro bailarines chilenos con experiencia profesional en Francia, Checoslovaquia y en Chile, todos con una edad promedio de 50 años, forman junto a Rayén Méndez, gestora de la idea, la Compañía Generación del Ayer de dirección colectiva. Es ahí donde durante estos 20 años se desarrolla también como coreógrafa, creando una veintena de montajes de pequeño, mediano y gran formato, varios motivados por temas de género, por la poesía y acompañados, en muchos casos, con música de compositores chilenos.

Otra de las integrantes, la chilena Sonia Uribe, alumna del célebre Ernst Uthoff (1962 – 1963), integró diversas compañías, hasta que en 1995 se une a este proyecto junto a Rayén Méndez, Carmen Aros y Gastón Baltra e inician el camino de formación de Generación del Ayer que se concretó al año siguiente con el estreno de “Ayer es mañana”. A partir de ese momento ha realizado una diversidad de montajes para el grupo.

Integrantes de Generación de Ayer, Sonia Uribe, Carmen Aros y Mabel Diana. Foto gentileza GdelA.

Ya en 2006, la mexicana-argentina Mabel Diana se incorpora a Generación del Ayer, luego de una larga trayectoria como bailarina. En Argentina fue integrante del Laboratorio de Danza de Susana Zimmerman, y en México formó parte de diferentes agrupaciones, así como también se dedicó a la gestión cultural y a la crítica de danza y fue directora de la revista “Zona de Danza”, (1998-2000), entre otras actividades relacionadas con la danza y la cultura. Al trasladarse a Chile, en 2005 formó parte de la compañía Abundanza dirigida por Isabel Croxatto.

En el mismo año que Mabel Diana, Fuentes se integra al grupo con la obra “Sueños Quebrados”, con coreografía de Carmen Aros. Y a partir de ese año comenzó su colaboración activa en la creación de nuevos montajes.

Ballet Folklórico de Antoquia con el Grupo Tierra Adentro, de Colombia, pusieron en escena “Naciste Vos”, de María Rovira, un contundente homenaje a Carlos Gardel. Foto gentileza IBFM.

El XXI Festival Internacional de Ballet de Miami (IBFM), que se realizó en Miami, Florida, desde el 27 de agosto hasta el 11 de septiembre ofreció una excepcional gala inaugural en el Teatro Colony dedicada a variadas expresiones de lo que es hoy la danza contemporánea. Catalogado como uno de los pilares culturales de Miami, el Festival presentó una producción del Miami Hispanic Ballet, fundado y dirigido por Pedro Pablo Peña, director artístico del Festival y por el director asistente y coordinador Eriberto Jiménez.

El Ballet Nacional Chileno, dirigido por Mathieu Guilhaumon, interpretaron “Cuarteto” y “Tengo más de mil años de recuerdos”, obras técnicamente impecables. La compañía Dramo, de Venezuela, con dirección de Leyson Ponce, presentó “Traviata Plie” visualmente lograda. Dance Town bajo la dirección de Manny y Lory Castro presentaron “No good” y “Uncertain”, en el cual Easton Blake Payne impresionó por su personal calidad artística. El Ballet Folklórico de Antioquía con el Grupo Tierra Adentro, de Colombia, con la dirección ejecutiva de Zuleima Asprilla, la dirección de Juan Camilo Maldonado y la codirección de Mauricio Aristizábal, pusieron en escena “Naciste Vos” de María Rovira, ofreciendo una contundente remembranza de Carlos Gardel. Los de Antoquía lucieron extraordinarios con un programa folclórico en el Doral Lincoln Show.

Grandes promesas actuaron en el International Young Ballet Medal Winners Performance en el Lehman Theater Miami Dade College North Campus, ganándose los reflectores y el aplauso del público Brady Farrar y Rachel Leon (Stars Academy-Miami), Jolie Rose Lombardo (Orlando Ballet), Alexandra Hoffmann (Master Ballet Academy) y Avery Jarrard (Plantel Conservatory, Next generation Ballet).

Los bailarines de la Compañía Nacional de Danza de España, Álvaro Madrigal y María Muñoz protagonizaron “Scarlatti”. Foto gentileza IBFM.

Los lanzamientos de libros convocaron a un nutrido grupo de interesados y conocedores. Brillantemente conducidos por el crítico Orlando Taquechel, de “El Nuevo Herald”, de Miami, los autores: el crítico cubano y escritor Baltasar Martín Santiago, de “Visión 21/21”, edición de 2013 a 2016; la ex bailarina cubana María Cristina Álvarez, de “Apreciación y Técnica en Torno a la Escuela Cubana de Ballet”, y el periodista, crítico, diseñador y escritor Roger Salas de “El País”, de Madrid, España, de “Papelería Sobre la Danza y el Ballet III ¿Por Qué Bailamos?”, se explayaron en sus respectivos temas logrando que los asistentes participaran activamente.

Al inicio de las Galas, Pedro Pablo Peña otorgó el Premio Una Vida por la Danza al cubano Carlos Gacio y el Premio Crítica y Cultura del Ballet a Patricia Aulestia. Dos galardones anuales en los cuales se reconocen las trayectorias de renombrados profesionales internacionales de la especialidad.

En la Gran Gala Clásica de Estrellas en el Miami County Auditorium, Pedro Pablo Peña tuvo el gran acierto de programar un emocionante dueto interpretado y coreografiado por Isanusi García Rodríguez, quién recientemente superó una grave enfermedad, acompañado por su madre Perla Rodríguez, reconocida figura de la danza moderna en Cuba, y por el excelente pianista Daniel Daroca.

La ex bailarina e investigadora Patricia Aulestia, colaboradora permanente y asesora de Danzahoy.com, recibió el premio Crítica y Cultura del Ballet. Foto gentileza IBFM.

El afiche oficial del Festival este año fue creado por Isanusi y fue reproducido en la portada del colorido programa de mano. En esta Gala y en la clausura, en el Miramar Cultural Center, se impusieron las coreografías de ballet contemporáneo. Las de España, del Uniqarts Dance Company, con Marching Thoughts con los bailarines Iker Murillo y Vitali Safronkine y con Dans Le Même Souffle, bailada por Murillo con Marsha Rodríguez. Los de la Compañía Nacional de Danza, con el solo “El Cisne”, protagonizado por Álvaro Madrigal y con “Scarlatti” con María Muñoz y Madrigal. La de Italia del Corpo Di Ballo dil Teatro di San Carlo con “Black Stone”, con Anna Chiara Amirante y Alessandro Staiano. La de Chile, con el Ballet de Santiago, con la sensual “Carmen”, interpretada por Natalia Berrios y José Manuel Ghiso. Todas obras en las que se percibe una gran dirección artística, una admirable limpieza técnica y calidad artística.

El repertorio clásico mostrado por en esta edición por artistas de la Argentina, los Estados Unidos, México, Rumanía, no lograron la excelencia mostrada en otros Festivales. Sin embargo se destacaron bailarines como el sensacional italiano Staiano en “Diana y Acteón”; como los cubanos Estheysis Menéndez en “Don Quixote”, Mayrel Martinez en “Bayadere “, así como Gian Carlo Pérez en “Le Corsaire”. El joven mexicano Argenis Montalvo en “Cascanueces” y el argentino formado por Raquel Rossetti, Lucas Erni, en “Flames of Paris” y “Le Corsaire”.

Una vez más, Pedro Pablo Peña y Eriberto Jiménez, así como el pequeño grupo de colaboradores, Karen Eva Couty, Jesús Sanfiel y Patricio Riquelme, lograron multiplicarse para no defraudar a un público que cada año se suma con más entusiasmo a este festival único en los Estados Unidos.

La artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky. Foto gentileza Festival de coreógrafos.

Música, lenguajes y tradiciones diferentes se unirán en la misma compañía con el estreno mundial de las coreografías que dos grandes talentos, Isabel Croxatto y Demis Volpi, crearon para el Ballet de Santiago. El “Bolero” de Maurice Béjart, el estreno en Chile de la obra de John Neumeier –con un pas de deux de “Othello”–, la participación de Estrellas del Ballet de Stuttgart –Friedemann Vogel, Alicia Amatriain y Jason Reilly– y del Ballet Nacional Chileno (BANCH) serán otros de los hitos del Festival de coreógrafos que se realizará entre el miércoles 27 y el sábado 30 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago.“Ésta es una noche de riesgos y de sorpresas. Es una jornada de estrenos mundiales, de primeras veces en Chile, del debut de Estrellas y también de favoritos del público. Es un festival que celebra la creatividad del quehacer coreográfico de diferentes latitudes y es, ante todo, un viaje por la versatilidad y riqueza de la danza contemporánea”. Así describe Marcia Haydée, directora artística del Ballet de Santiago, lo que acontecerá en este Festival.

Fue una obra absolutamente rupturista, que a principios del siglo XX abrió las fronteras del lenguaje coreográfico y puso en el tapete temas como el individualismo y la sexualidad. Este 2014, la destacada artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva y seductora versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky, con música de Claude Debussy.

Asimismo, otro brillante coreógrafo, Demis Volpi –autor de la premiada “Spaceman”–, llegará con un innovador ballet contemporáneo que reflexiona en torno al significado del cabello. Será el Ballet de Santiago el encargado de estrenar mundialmente estas dos obras, propiciando así un encuentro entre las tradiciones coreografías de Chile y Europa.

Otras sorpresas completarán este inédito espectáculo: el estreno mundial del dúo “Ellphlox, espíritu del bosque”, de Eduardo Yedro. También se anuncia el debut de Alicia Amatriain y Jason Reilly –bailarines principales del Ballet de Stuttgart–, quienes presentarán un pas de deux de “Othello” del prolífico John Neumeier, cuya obra se presenta por primera vez en Chile. “Mono Lisa”, de Itzik Galili; el estreno en Chile de “Trazos” de Jaime Pinto, el regreso de “Bolero” de Béjart con música de Maurice Ravel –un favorito del público que será protagonizado por otro debutante, el gran bailarín de Stuttgart, Friedemann Vogel–, y de “Retrato de Yedro” integran este repertorio.

El coreógrafo francés Mathieu Guilhaumon también debutará en el Teatro Municipal de Santiago con “Añañucas” y extractos de “La hora azul”, obras que serán presentadas por la compañía que él dirige, el BANCH.

Ficha artística:

Trazos (estreno en Chile)
Música: Claude Debussy. Coreografía: Jaime Pinto
Intérpretes: Romina Contreras y Sebastián Vinet (Ballet de Santiago)

Creada para Romina Contreras y Sebastián Vinet –miembros del Ballet de Santiago–, esta coreografía traza la juventud de los cuerpos y la pureza interpretativa de ambos bailarines. Ella traza las notas del piano y él, las del cello de la Sonata n.° 1 en re menor para cello y violín de Claude Debussy.

Añañucas
Música: Antonio Vivaldi en la versión de Max Richter. Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Paola Moret y Valentín Keller (Ballet Nacional Chileno)

Con una versión que Max Richter hizo de Las cuatro estaciones de Vivaldi, esta obra (re)escribe la leyenda nortina de la Añañuca, que cuenta la historia de una muchacha que muere esperando a su amado, un minero que se pierde en la búsqueda de un tesoro perdido.

Ellphlox, espíritu del bosque (estreno mundial)
Música: Arturo Márquez . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Maite Ramírez y Rodrigo Guzmán (Ballet de Santiago)

Dos seres sobrenaturales, guardianes y símbolos de la naturaleza, protagonizan este pas de deux musicalizado con el Danzón n.° 2 de Arturo Márquez, una pieza sensual, rítmica y contagiosa.

Mono Lisa (estreno en Chile)
Música: Thomas Hofs e Itzik Galili. Coreografía, escenografía e iluminación: Itzik Galili
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Los sonidos de una máquina de escribir y un escenario prácticamente desnudo enmarcan a esta exigente coreografía que pone a prueba el virtuosismo de sus intérpretes.

La siesta de un Fauno (estreno mundial)
Música: Claude Debussy en una versión de Marcello Martínez . Concepto, coreografía y dirección: Isabel Croxatto
Intérpretes: Ballet de Santiago

Basada en la versión original de Nijinsky (1912), esta coreografía se plantea como una “puerta de entrada al laberinto de la modernidad y como un archivo y memoria de un cambio de paradigma en las artes”. Gira en torno a la figura del fauno y sus ninfas con diferentes dispositivos coreográficos: original-copia, codificación-decodificación, camuflaje, infiltración, activación-desactivación, control-descontrol.

La Hora Azul (extractos)
Música: Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin, Zoë Keating . Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Ballet Nacional Chileno.

Aquel momento en que ya no es de día, pero tampoco de noche es el espacio-tiempo que de esta obra. Con música de Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin y Zoë Keating, pequeñas historias aparecen y desaparecen a lo largo de La hora azul.

Retrato
Música: Patricio Meneses . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Natalia Berríos y José Manuel Ghiso (Ballet de Santiago)

El retrato de una mujer cobra vida y danza con su autor, un artista apasionado por la pintura y la belleza y enamorado de su propia creación.

Creación coreográfica (estreno mundial)
Música: Henryk Górecki . Coreografía: Demis Volpi
Intérpretes: Luis Ortigoza junto a otros artistas del Ballet de Santiago

El diseñador Thomas Lempertz quería trabajar en una propuesta en torno al cabello. Volpi acogió la idea y, a través del movimiento y el Cuarteto para cuerdas n.° 2 de Henryk Górecki, explora en esta obra los significados estéticos, expresivos, emocionales y culturales del pelo.

Pas de deux de Othello (estreno en Chile)
Música: Arvo Pärt . Coreografía, escenografía y vestuario: John Neumeier
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Escena de amor entre Othello y Desdémona, en que el gran John Neumeier logra retratar la profundidad de los sentimientos de los enamorados con un mínimo de movimientos. Musicaliza este pas de deux la obra Spiegel im Spiegel (Espejo en un espejo), del compositor estonio Arvo Pärt. 

Bolero
Música: Maurice Ravel . Coreografía: Maurice Béjart
Intérpretes: Friedemann Vogel (Ballet de Stuttgart) junto al Ballet de Santiago

La música de Ravel y la coreografía de Béjart son una perfecta simbiosis en esta obra seductora, violenta, original y versátil, en que la tensión entre ritmo y melodía crece y crece con el aumento de la intensidad de la música y la repetición.

Más información: municipal.cl / facebook.com/teatromunicipal / @TeatroMunicipal

Mauricio Vera, creador del Festival Re, se propuso reunir artistas de la danza, chilenos, que trabajan y viven en el exterior. Foto gentileza Festival Re.

Con la premisa “Queremos profetas en nuestra tierra”, Mauricio Vera, creador del festival, se propuso reunir artistas de la danza, chilenos, que trabajan y viven en el exterior.

El Festival Re fue un escaparate para estos jóvenes creadores quienes dieron a conocer sus creaciones y compartieron lo aprendido en el extranjero.

Después de una convocatoria abierta se seleccionaron doce bailarines, de muy buen nivel técnico, quienes tuvieron la misión de interpretar las nuevas obras. Junto a ellos, participaron tres bailarinas extranjeras invitadas.

El festival realizado por primera vez, estuvo muy bien organizado y difundido. Su creador puso singular empeño para que todo fluyera armoniosamente. Las obras presentadas fueron de pequeño formato.

El Manager Stage y Diseñador de Iluminación del Festival Re fue Alberto García.

Abrió el programa “Baza”, la propuesta del coreógrafo  Eduardo Zúñiga, ex bailarín del Ballet Nacional Chileno (BANCH), entrenado en el Ballet del Teatro Municipal de Santiago y en la Houston Ballet Academy. En la actualidad vive en Chicago donde fue parte de la Hubbard Street Dance Chicago. Desde 2010 integra el elenco de Luna Negra Dance Theater. Este año se incorporará a la compañía suiza Tanz Luzerner Theater.

Los intérpretes fueron Bruno Torres, Gabriel Nilo, Gema Contreras, Giselle Pezoa, Luis Leiva, Noelia Meilerman y  Paulina Rebolledo. Todos ellos precisos y comprometidos con el trabajo.

Alejandro Altamirano presentó “The End”, bailada por Karla Padilla Antezana y Pablo Ignacio Barckhahn Flores, con música de Max Richter. Un dúo exquisito, muy bien ejecutado, donde cada intérprete destaca como solista. El coreógrafo los lleva a mostrar toda su técnica y expresión.

Altamirano, vive actualmente en Barcelona. Fue parte del Ballet de Santiago y del BANCH, en Chile. Su carrera internacional en el Ballet del Teatro San Martín, Argentina, y en el Ballet de Víctor Ullate, en España. Ha participado en los espectáculos “A New Day”, de Celine Dion, y “La revé”, del Cirque du Soleil.

Alejandra Georgudis vive en Houston, Estados Unidos, se formó en Chile y bailó en la Compañía de Karen Conolly, en el Ballet de Santiago y el Ballet Contemporáneo de Santiago. Presentó como coreógrafa e intérprete “Otro Portal”, un trabajo de creación conjunta con Jeremy Choate, el diseñador de la iluminación.

Un atrayente y exquisito solo, iluminado principalmente con seguidor de luz desde arriba y atrás, va creando espacios de luz y de sombra. El juego de luz permitió no dejar de ver  ninguno de los movimientos y recorridos de esta excelente intérprete, quien enfundada en un etéreo vestido, diseñado por María Montes de Oca, hizo que no se perdiera un instante de sus evoluciones. La música de la creación es de Azam Ali.

“Back to me”, de Val Rey Suárez con música de Radiohead, fue interpretada por las bailarinas invitadas Amara Pérez, española y Marjorie Macia, francesa, radicadas en New York. Un dúo simple, ligero. Olvidable.

El coreógrafo español radicado en Chile, Esdras Hernández, presentó “Sesión 9”.

Tomando como tema una sesión de hipnosis, Esdras Hernández, también responsable de la banda sonora, dibuja un juego divertido con lo que le sucede al paciente en trance de ser hipnotizado. Interpretada en forma precisa y técnicamente disfrutable por el bailarín mexicano Gustavo Echevarría, en la actualidad en el Ballet de Santiago.

“El puente” fue hecha a partir de un poema escrito por el mismo coreógrafo: Felipe González. Quien intentó que los intérpretes traspasaran su lenguaje poético al movimiento. Después de un desarrollo difuso, logra en los últimos minutos dar coherencia a los movimientos y da con el elemento que los une, una hoja de papel con el poema que los atrae y los concentra. Con música de Konrad Bohley y Pablo Contreras.

Los intérpretes fueron Amara Pérez, Marjorie Macia, Asja Lorenčič, Carolina Calderón, Gema Contreras, Karla Padilla, Gustavo Ignacio Díaz, Flavio González, Luis Leiva, Noelia Meilerman, Daniela Murias, Gabriel Nilo, Giselle Pezoa, Paulina Rebolledo, Camilo Saavedra, Bruno Ignacio Torres.

Felipe González, reside en Colonia, Alemania. Fue parte de las compañías Abundanza de Isabel Croxatto, así como las de Hilda Rivero, Vicente Ruiz, Luis Eduardo Araneda, y Andrés Cárdenas antes de irse becado a Alemania. En 2012 estrenó su obra Primo en Berlín.

Después del intermedio se presentó la videodanza A Round de Florencia Martina, como directora y coreógrafa y Nagore Rementeria como responsable de la cámara.

Vimos filmadas imágenes de simples movimientos entre personajes en una azotea de un edificio. La cámara está siempre de frente, los personajes se quitan uno a otro del espacio principal. No hay sorpresa, ni accidente que atraiga. Termina sin que se vea un desarrollo de la idea. Los intérpretes son Anders Duckworth y Ajani Johnson-Goffe.

Florencia Martina se formó en el London Contemporary Dance School. Forma parte del colectivo de danza-teatro The House of Strays y una compañía interdisciplinaria dedicada al video danza.

Mauricio Vera coreografió Pal’after, divertida, fresca, bien pensada con guión de León Murillo, música de Andrés Abarzua, e iluminación de Alberto García. Un muy buen cierre, fin de fiesta para el Festival. Una muestra de coreografías e improvisaciones en tono de comedia que sirvieron para que los intérpretes con diversas técnicas (contemporáneos, clásicos, street dance, videos, DJs) mostraran sus habilidades.

Participaron Gabriel Nilo (excelente interpretación), Amara Baliñas, Flavio González, Deise Mendonça, Bruno Torres, Karla Padilla, Marjorie Macia, Luis Leiva, Gema Contreras, Pablo Barckhahn, Gizelle Pezoa, Daniela Calderón, Gustavo Díaz, Asja Lorenčič, Camilo Saavedra, Diana García.

Mauricio Vera, radicado en Estados Unidos, está participando en el programa “So you think you can dance”, del canal FOX.  Formó parte del Ballet de Santiago por seis años. En Estados Unidos se formó en School at Steps, Steps on Bradway y Broadway Dance Center. Actualmente es integrante del State Street Ballet.

“Babylon”, con música de Shostakovich formó parte de las obras de Alfredo Bravo estrenadas por el Ballet Nacional Chileno. Foto: Josefina Pérez. Gentileza BANCH.

Tras su montaje en España con la Compañía Nacional de Danza y el Ballet de Víctor Ullate de Madrid de las coreografías “Babylon”, con música de Shostakovich, y “Nexo”, el bailarín y coreógrafo chileno Alfredo Bravo estrenó sus obras en Chile con el Ballet Nacional Chileno (BANCH) en el Teatro Universidad de Chile. Las obras tuvieron como temas musicales “La Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky y la Octava Sinfonía de Dimitri Shostakovich.

El ahora coreógrafo regresó a Chile para montar sus obras en el último programa del año de la compañía con la que trabajó durante 14 años como bailarín. Luego, viajó a Europa donde integró diferentes ensambles, entre ellos, el Cirque du Soleil y la compañía española de danza contemporánea Plan B, de la cual es codirector y primer bailarín.

Baila desde los 8 años. Hizo su carrera en Chile, y en Francia becado por el Ministerio de Cultura Francés y participó en la compañía de Claude Brumachon.

DANZAHOY: Cuando recibiste la invitación del BANCH, ¿cual fue tu primera reacción?

Alfredo Bravo: Fue un momento de muchísima alegría, mira que siempre en estos 7 años en Europa he querido llevar el trabajo que hago junto a Arantxa Sagardoy a Chile.

D: ¿Siempre trabajas junto a  Arantxa Sagardoy  en la dirección y en la realización de las coreografías?

AB: Si, llevamos ya 6 años en este proceso y la verdad es que funciona muy bien.

D: ¿Por qué  elegiste las obras “Nexo” y “Babylon”  para montarlas aquí?

AB: Son piezas estrenadas en España por compañías nacionales, con muchos intérpretes, y nos  parecía natural desarrollarlas con el Ballet Nacional Chileno, que es una compañía que admiro. Estas piezas forman parte de un proceso creativo en desarrollo y fueron muy bien recibidas por el público en Europa y que han generado aperturas a nuestro trabajo. ¡¿Qué mejor que las bailara el BANCH con la intensidad de sus bailarines?!

D: ¿Por qué elegir Stravinsky y Shostakovich como temas musicales? ¿Prevalece el coreógrafo sobre el músico?

AB: El azar siempre está presente en nuestro camino, al momento de recibir la invitación de la Compañía Nacional de Danza CND acabábamos de estrenar el espectáculo “Oannes” con fragmentos de  música de Shostakovich y esa sonoridad nos rondaba. Me parece sublime la fuerza y la sutileza de la música de Shostakovich y es esa atmósfera la que generó las imágenes que dieron la base para “Babylon”, con lo que lo natural era utilizar música de  Shostakovich para desarrollar la pieza.

D: ¿Y con “Nexo”?

AB: “Nexo” fue a raíz de  la invitación que nos hizo Víctor Ullate para crear una pieza con su compañía (el Ballet de la Comunidad de Madrid ). Se celebraban 100 años del estreno en París de esta pieza fundamental en la danza,  la verdad es que no estaba en nuestra intención abordar un montaje como éste, pero se presentó la oportunidad y estamos felices de haber superado el miedo. Enfrentar una partitura tan compleja y emblemática nos exigió muchísimo, pero a la vez esta partitura que forma parte del Patrimonio cultural inmaterial de la Humanidad, nos ha permitido ponernos en un terreno incomodo, complejo e inseguro. Me siento satisfecho de haber abandonado el estado de bienestar y de habernos puesto en riesgo. El resultado, la acogida del público y la entrega de los bailarines son un regalo.

En Chile,el BANCH presentó “Nexo”, de Alfredo Bravo en el Teatro Universidad de Chile. Foto: Josefina Pérez. Gentileza BANCH.

D: ¿Y tu música?

AB: La música que compongo ha estado muy presente en el trabajo que hacemos con Arantxa,  pero nunca ha sido mi intención limitar nuestro trabajo coreográfico a las sonoridades de la música que hago. En estos últimos años la coreografía ha tomado mucho espacio en mi trabajo de una forma muy natural, es de lo que vivo y me gusta hacerlo, pero la música sigue siendo un amor en mi vida.

D:¿Cuánto tiempo tuvieron  para el montaje de las obras?

AB: Con Babylon tardamos tres meses de montaje y Nexo dos meses con los bailarines, son piezas muy exigentes interpretativamente, tomamos el desafío de trabajar con muchos interpretes lo cual es complejo y desgastador, la mayoría de los bailarines naturalmente esperan respuestas a sus preguntas y nosotros no siempre las tenemos (lo intelectual/verbal no siempre se traduce en el cuerpo de forma tan concreta), lo cual genera de forma obligada,  que el interprete busque dentro del material que le proponemos y eso toma tiempo, es un proceso que tenemos que hacer juntos.

D: ¿Que significó después de 7 años, encontrar a tus antiguos compañeros  entre los bailarines a dirigir?

AB: Es algo muy peculiar y conmovedor a la vez, estos bailarines han entregado todo y mas y eso me llena de emociones, están bailando las piezas de una forma sublime y no tengo más que gratitud,  uno  espera profesionalidad de los bailarines de una compañía tan importante como el Ballet Nacional Chileno, pero lo que ellos han entregado es muchísimo más que eso.

D:¿Qué fue lo más difícil a resolver en el montaje, y por qué?

AB: Lo más complejo fue poner en un mismo programa las dos piezas, puesto que fueron estrenadas por compañías distintas, esto ha requerido una logística especial que el Ballet Nacional ha llevado a cabo de gran manera, desde los bailarines hasta los técnicos, para presentar cada noche este programa tan exigente.

D: ¿Está entre tus planes regresar a montar otras obras  en Chile?

AB: La verdad es que por el momento no, es que no depende solo de mi. Lo que puedo decir es que a sido un verdadero placer desarrollar nuestras ideas en Chile, estar aquí donde hice gran parte de mi carrera, junto a mi familia, ha sido un gran momento.

Alfredo Bravo

Bailarín coreógrafo y compositor.

Titulado de la facultad de artes de la Universidad de Chile en interpretación superior en danza, Alfredo Bravo continuó sus estudios en Francia, con varias becas otorgadas por los Gobiernos Chileno y Francés, formándose y bailando junto a los coreógrafos Claude Brumachon, Benjamín Lamarche, Gigi Caciuleanu, Luis Eduardo Araneda, Gary Palmer, Patricio Bunster y Mauricio Wainrot.

A lo largo de su trayectoria, ha bailado como bailarín solista en distintas compañías de Chile, Francia, Estados Unidos y España.

A lo largo de su carrera ha sido premiado en cuatro ocasiones, como mejor intérprete, por su trabajo en el Ballet Nacional Chileno.

Ganador como mejor bailarín en Premio Altazor los años 2000 y 2005

Ganador de premio Apes como mejor bailarín  1997 y 2006

Como coreógrafo y compositor, ha estrenado las piezas El factor humano, Iris, Dinamo.

En 2009 Alfredo Bravo asume la codirección de la compañía Sagardoy / Bravo Plan B junto a Arantxa Sagardoy, con quien ha creado las piezas “Les criatures de Prometeu”, “Job, una reflexión sobre espiritualidad y fe”, “Iris, Arena”, “Oannes”, “Nexo”, “Babylon”, “El factor humano”.

De manera paralela a la danza, Alfredo Bravo ha desarrollado proyectos en el ámbito musical y de video creación con composiciones para danza y teatro.

Bailarines del BANCH en “Añañucas”, del nuevo director de la compañía, Mathieu Guilhaumon. Foto: Josefina Pérez. Gentileza BANCH:

Mathieu Guilhaumon, llega al Ballet Nacional Chileno (BANCH) a los 34 años, a reemplazar a uno de los directores que marcó un hito en la historia de la compañía: Gigi Caciuleanu, quien dirigió a la troupe durante 12 años.

Guilhaumon se formó en el Conservatorio Nacional de Danza de Perpignan, (Francia); en el Centro de Danza Alvin Ailey en Nueva York y en la Escuela Rudra Béjart en Lausanne. Su experiencia profesional en los últimos diez años fue como bailarín y coreógrafo en diferentes compañías europeas como Groupe 13 de Maurice Béjart, el Stadttheater Bern (Suiza), Theater Augsburg (Alemanía), Opera National du Rhin (Francia) y Opera National de Paris.

Fundado en 1945 por Ernst Uthoff, Lola Botka y Rudolf Pescht, exponentes del expresionismo alemán, el BANCH ha tenido a lo largo de estos años un rol destacado en el mundo de la danza  internacional. Elegir un sucesor fue una difícil tarea. Sin embargo, en agosto de este año, se oficializó el cambio de timonel.

DANZAHOY: ¿Mathieu como fue que llegaste a Chile?

Mathieu Guilhaumon: Me invitaron desde el CEAC (Centro de Extensión Cultural y Artística de la Universidad de Chile), a crear una nueva  obra para el Ballet Nacional Chileno. Como no conocía a la compañía vine a Chile en enero de este año de vacaciones, y así  conocer a la compañía y conocer el país. Hice un seminario para los bailarines. Esto fue muy importante ya que fue el primer encuentro con todos, y me dio tiempo para pensar, para conocerlos, ya que la invitación era para montarles una coreografía en agosto.

D: ¿Y allí te ofrecieron la dirección?

MG: En enero, Christian Contreras, el coordinador del ballet, me comentó que estaban buscando un nuevo director artístico para la compañía y me preguntó si me interesaría ese cargo. Entonces tuve tiempo para pensarlo y preparar un proyecto artístico para la compañía ya habiéndolos conocido. Envié el proyecto. Y luego hubo una selección y fui elegido Director. Ese fue el proceso para obtener el cargo. Llegué el 12 de agosto y empezamos a ensayar hasta ahora.

Mathieu Guilhaumon, actual director artístico del Ballet Nacional Chileno.Foto gentileza BANCH.

D: ¿Y cómo te has sentido con la compañía?

MG: Fue un encuentro muy interesante, porque es un momento de transición, muy delicado, de inseguridad, ya que estuvieron 12 años con Gigi (Caciuleanu), y ahora es claramente un cambio, un nuevo capítulo.

D: Es como cuando se corta el cordón con los padres…

MG: Sí, y muy necesario, y sucede en todas las compañías. Y yo lo conozco muy bien, porque como bailarín  me han tocado cambios de dirección y uno no sabe que va a suceder. Pero me  encontré en enero con un grupo de artistas muy motivados y con ganas de descubrir nuevas formas coreográficas, con mucha energía, y fue una gran sorpresa, una muy buena sorpresa ya que  no los conocía y no sabía nada de la compañía. Bailarines con ganas de aprender cosas nuevas. Y entonces fue muy estimulante para mí. Tenía dudas, pero después de conocerlos  estuve más tranquilo en relación a los  bailarines y la obra. Antes de regresar,  pensé mucho en la obra y en los bailarines que podía usar. Ahora estoy usando a toda la compañía. Tenemos dos repartos, el segundo grupo bailará en la segunda semana, ya que me parece muy importante que todo el grupo esté implicado en la obra, que estemos todos defendiendo el mismo proyecto.

D: ¿Cómo fue que elegiste el tema de Añañucas?

MG: Siempre cuando voy a crear una nueva obra para una compañía, me interesa el contexto donde se desarrolla el grupo, el país,  la cultura, la historia de la compañía.

Conocía poco del país, sí de la política y de los muy lindos paisajes, ya que tengo muchos amigos enamorados de los paisajes de Chile. Entonces hice una búsqueda, y encontré en el sitio web turístico del país, esa leyenda. Y me emocionó mucho. Y quería hacer una creación que perteneciera realmente al ballet Nacional Chileno. Y esa flor que sólo se encuentra en este rincón del mundo, pertenece a Chile y me pareció una buena relación entre la leyenda y la flor que pertenecen al país. Cuando leía la leyenda me vinieron a la mente “Las cuatro estaciones de Vivaldi”. ¡No sé porque! Lo que me inquietaba era que Las cuatro estaciones es una música muy conocida, que escuchamos mucho, hasta está relacionada con el universo  de la publicidad, pero encontré la versión  de Max Richter, que  se convirtió en la partitura  de la obra, y es como una nueva obra para mí,  con esa mezcla de sonidos electrónicos, esa sabia mezcla entre modernidad y esa partitura muy clásica de Vivaldi. La encontré preciosa.

D: ¿Que proyectas para la compañía?

MG: Tengo tres ejes principales, primero hacer un ballet con mucha creación y mucha difusión pero atravesado con formas coreográficas diversas. Voy a invitar a coreógrafos de afuera. Voy a hacer mis creaciones pero en cada temporada voy a invitar a alguien. Para el próximo año tenemos 6 creaciones. Me parece muy importante que la compañía sea una vitrina de la danza contemporánea de hoy. Que los bailarines se tengan que confrontar varias formas de trabajo. Una compañía abierta al mundo es mucho más rica. Y también para proponer al público cosas diferentes. Voy a invitar a coreógrafos chilenos, para que puedan trabajar con la compañía y exponer su trabajo. Además quiero empezar con una temporada para público joven. He hecho obras para público joven en Francia, porque es importante pensar en el público de mañana.

D: ¿Piensas en temporadas para niños o adolescentes?

MG: En temporadas amplias desde niños hasta  18 años.  Ya se hacen temporadas de funciones educativas, pero no son suficientes, hay que hacer temporadas para jóvenes.

Tengo un proyecto local que es abrir la compañía al público. Invitar al público  al estudio para ser parte del proceso, hacer puertas abiertas, ensayos abiertos, porque  tenemos la fortuna de tener el ballet en Santiago, en el lugar de la creación. Mostrar el proceso de creación. También vamos a trabajar con los colegios y los alumnos de la universidad.

El tercer eje  es la parte internacional de la compañía.  Encontré que  si pregunto  en Francia a bailarines por el Ballet Nacional Chileno nadie sabe nada. Sólo se conoce el Teatro Municipal de Santiago por Marcia(Haydee…). Es el momento de salir e invitar a coreógrafos internacionales, será una manera para que al regresar a sus lugares hablen de la compañía. Hacer una temporada con coreógrafos internacionales. Cuando vuelva a Europa voy a trabajar en eso, buscar  gente, hablar  y ver si podemos hacer giras al exterior. Y luego  comenzar con el  intercambio de la compañía y de los bailarines. Es un proyecto a largo plazo.

D: ¿Piensas residir aquí en Santiago?

MG: Mi proyecto como director artístico de la compañía es que voy a venir a Chile tres veces al año, serían 6 meses en Chile y 6 meses afuera. Ya que al mismo tiempo tengo otros proyectos en Europa y afuera. Entonces tengo la oportunidad de trabajar con la compañía y también trabajar para la compañía afuera, hacer la promoción de la compañía, ya que ese es un eje muy importante de mi proyecto, el que la compañía se proyecte internacionalmente. Eso me permite seguir mi trabajo como coreógrafo en otras compañías.

D: ¿Que coreógrafos te han marcado en tu carrera?

MG: Como bailarín claramente Forsythe, por la técnica especial que desarrolló. En término de movimientos en el cuerpo fue para mí un descubrimiento. Y Mats Ek  como coreógrafo, por su dramaturgia y lo que hizo con las grandes obras clásicas.

D: ¿Cuándo dejaste de bailar?

MG: Dejé de bailar con el Ballet de l’ Opéra National du Rhin hace casi dos años, porque estaba bailando y al mismo tiempo haciendo coreografías para la compañía. Llegó un momento en que tenía más proyectos coreográficos. También hubo un cambio de dirección y fue como natural pasar de ser bailarín a ser coreógrafo. Ser coreógrafo fue como realizar mi sueño de niño. Porque comencé a bailar porque quería hacer coreografías. Fue natural el paso, por los proyectos que tenía y no podía hacer las dos cosas al mismo tiempo. No bailar no es un problema para mí,  fue el momento para  transmitir, para crear. Y también sucedió con el cargo de director, no pensaba ser director tan pronto, pero tuve la oportunidad y creo que es el momento para hacerlo.

Hilda Riveros.

Hilda Riveros, una de las más destacadas coreógrafas de Hispanoamérica, murió en Santiago de Chile a consecuencia de una larga y penosa enfermedad. Luego de una exitosa carrera como bailarina, en calidad de primera figura del Ballet de Santiago de Chile, se radicó en Cuba entre 1978 y 1991, año en el que regresó a su Chile natal.

Realizó sus estudios en la Escuela de Danza de la Universidad de Chile, bajo la dirección de destacados profesores, entre ellos Rudolf Pesch, Sigurd Leeder, Ernst Uthoff, Lola Botka y Patricio Bunster.

Su carrera profesional, iniciada en 1955, la llevó a convertirse en primera bailarina del Ballet Nacional Chileno, donde trabajó bajo la dirección de eminentes coreógrafos y profesores. De forma paralela a su labor como bailarina desarrolló en Chile una importante actividad coreográfica para varios grupos de danza, entre ellos: Ballet Las Condes, el Ballet Nacional Chileno, el Teatro de la Universidad de Chile y el Taller de Coreografía de la Escuela de Danza. En 1972, tras el golpe fascista que derrocó el gobierno del presidente Allende, se vio obligada a abandonar su país.

Radicada en Perú, entre 1974 y 1978 fue allí directora, profesora, coreógrafa y primera figura del Ballet de Cámara, con sede en Lima; profesora de Expresión Corporal en la Escuela Nacional de Teatro y coreógrafa de diferentes compañías teatrales y Canales de Televisión.

Desde 1978 integró el elenco del Ballet Nacional de Cuba, en el que desplegó un valioso trabajo como creadora e intérprete. Para esta compañía, además de numerosas reposiciones, creó La tierra combatiente (1978); Obsesión, Fandango, Evasión, Pedestal para nadie (1980); En el sitio de tu sombra, Por vivir, El original pecado (1981); Gitana, Liquidación de sueños, El mandarín maravilloso (1982); Positrón Nn (1983); Enlace, Girasol, Do-Re-Mi, El reto, Sin embargo amanece, Novia fugitiva del océano (1984); Palomas (1985) y El camino recto (1986), entre otras. Especialmente para Alicia Alonso, creó en 1988, el ballet Jardín, inspirado en la novela homónima de Dulce María Loynaz.

Su labor pedagógica se extendió también a la Escuela Nacional de Arte de Cuba, a los Cursos de Verano de la Escuela Palucca, al Ballet de Dresde, en la República Democrática Alemana, Danza Contemporánea de Cámara de Nicaragua y al Ballet Ecuatoriano de Cámara. Fue directora del grupo de danza contemporánea Milenio 2000, de la Facultad de Arte de la Universidad de Chile.

El BANCH se prepara para una nueva temporada y para la partida de La partida de Gigi Caciuleanu. Foto: BANCH.

El Ballet Nacional Chileno (BANCH) iniciará la búsqueda de un nuevo director artístico durante 2013, un año en que tendrá una Temporada de nivel internacional con la visita de tres coreógrafos europeos: James Cousins (Inglaterra), Mathieu Guilhaumon (Francia), Stephan Thoss, Director Artístico del Ballet de Wiesbaden, (Alemania) y del creador nacional, José Vidal.

Luego de 12 fructíferos años bajo la dirección de Gigi Caciuleanu, el BANCH iniciará la búsqueda de su futuro director artístico durante 2013. “La partida de Gigi Caciuleanu obviamente significa un  gran vacío – afirma el director del CEAC, Ernesto Ottone – nuestro director artístico y principal coreógrafo del BANCH, hace más de doce años, deja un legado muy importante, no sólo para la compañía sino para el medio de la danza en nuestro país.

Es por ello que encontrar a su reemplazante no es tarea fácil, y por lo consiguiente hemos intentado estructurar una temporada de primerísimo nivel internacional invitando a tres coreógrafos europeos en plena proyección como son Mathieu Guillaumon, James Cousins y Stephan Thoss a desarrollar proyectos de creación-residencia. A su vez tendremos la primera colaboración con el coreógrafo nacional José Vidal”, manifiesta Ernesto Ottone.

El BANCH estrena una obra ecológica en el Teatro Universidad de Chile. Foto gentileza BANCH.

Basado en un tema ecológico, “La sangre de las estrellas”, obra que presenta el Ballet Nacional Chileno (BANCH) hasta el 25 de junio, fusiona música de Gustav Mahler, Johann Strauss, Emile Waldteufel y Ludwig Minkus con la mitología. El ballet que dirige Gigi Caciuleanu. hace su debut en el Teatro Universidad de Chile.

La obra es una creación del coreógrafo francés Thierry Malandain, director del Ballet de Biarritz,  que llega a Chile invitado por el Instituto Francés de Chile y el Centro de Extensión Artística y Cultural de la Universidad de Chile, CEAC.

La música de esta pieza coreográfica será interpretada en vivo por la Orquesta Sinfónica de Chile y la contralto Pilar Díaz, bajo la dirección del maestro Nicolás Rauss.

“La Sangre de las Estrellas”  fue estrenada el año 2004 por el Ballet de Biarritz con gran éxito y excelentes críticas. Luego se presentó en importantes escenarios internacionales.

Malandain viajó a Chile junto al equipo que trabaja con él en Francia: sus asistentes Giuseppe Chiavaro y Francoise Dubuc, quienes comenzaron a trabajar el montaje con los bailarines del Ballet Nacional Chileno a principios de mayo. El diseñador del vestuario es Jorge Gallardo, chileno que ha triunfado con sus trabajos en importantes teatros como el Metropolitan Opera House y el diseñador de iluminación Jean-Claude  Asquié.

Para el coreógrafo francés “La Sangre de las Estrellas” es “un baile cósmico realizado en honor a la naturaleza, pero también una plegaria que pretende que el hombre detenga la indiferencia para acoger a la naturaleza  como una madre, entre sus brazos”.

Malandain eligió La Marcha Egipcia de Johann Strauss para la apertura que “podría ser un baile”, dijo, para seguir con dos de los cuatro leaders del Ciclo Canciones de un Compañero Errante de Gustav Mahler que, junto a otras dos canciones y un movimiento de la Segunda Sinfonía del compositor, se  van alternando con marchas, polkas y valses de Strauss como el Danubio Azul.

“La música de Gustav Mahler me permite explicar el mito a la humanidad y  la de Strauss expresar cómo el hombre se evade de lo que pasa a su alrededor y de la naturaleza, porque cuando uno escucha la música de Strauss se olvida de lo malo que pasa afuera”, dice Malandain.

Para  el cierre escogió el tercer acto  de La Bayadera de Ludwig Minkus, “un muy buen final con una melodía simple, pero hermosa y muy sensible”, afirmó el director de orquesta Nicolás Rauss, quien agrega que  en general la música de esta obra refleja dos aspectos del alma austriaca: el brillo y la pomposidad vienesa  a través de Strauss y la sentimentalidad de la soledad y amores desdichados por medio de las creaciones de Gustav Mahler. .

“La sangre de las estrellas” tiene un sentido ecologista, al que el coreógrafo alude a través del relato de la creación mitológica de la Osa Mayor y la Osa Menor que narra Ovidio en La Metamorfosis donde relata que Zeus sedujo a la ninfa Calisto, la que nueve lunas después da a luz un hijo. Al enterarse de esto Hera, la celosa esposa del Señor del Olimpo, la convierte en osa y la condena a errar por el bosque. Es parte del mito grecolatino en que se basa Malandian para dar forma y sentido a su creación.

Pero lejos de la mitología, el coreógrafo francés hace referencia a la relación del hombre y el oso. “En la actualidad se sabe que en la blancura inmaculada del polo norte, situado en un extremo de la cadena alimentaria, este animal absorbe en su sangre los rechazos de nuestra despreocupación. Como ocurre con otras especies. Su supervivencia se ha convertido en la parábola  de nuestro futuro”, apuntó Malandain.

 Thierry  Malandain

Se ha destacado en la escena francesa como un coreógrafo capaz de poner en diálogo la tradición clásica y los lenguajes contemporáneos, fusión que está presente  en “La sangre de las estrellas”  a través de un tema cargado de simbolismo, que es a la vez un homenaje a la naturaleza y una oración del ser humano a ella.

Desde su estreno en 2004, la obra ha cosechado los mayores elogios de la prensa francesa e internacional por su vitalidad, su humor y emotividad. También impactó el uso de la música, que mezcla lo clásico y lo irónico con una fuerte carga de sensualidad.

Thierry Malandain (1959) bailó en el Ballet de l´Opéra de París y en el Ballet de Nancy del que se retiró en 1986, cuando tenía sólo 26 años porque ya a los 23 había iniciado su labor como coreógrafo y obtuvo  varios premios. Luego, fundó su propia compañía “Temps Present”. Su trabajo se destaca por inscribir la tradición clásica de la danza en un registro contemporáneo.