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El primer paso

mgueler — Wed, 12 Aug 2026 14:05:53 +0000

El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera se presenta en el Teatro Varsovia. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

En medio de un infinito mar de propuestas contemporáneas, ha nacido en México una compañía independiente que busca alejarse de ideas abstractas para hacer una danza contemplativa que pueda mover las emociones y sensaciones de un público no docto en esta disciplina artística.

Se trata de El Lirio Danza Escénica, agrupación fundada y dirigida por el bailarín y coreógrafo Luis Tavera, quien actualmente forma parte de la prestigiada compañía La Cebra Danza Gay, y en el pasado formó parte del Ballet Independiente; dos grupos icónicos dentro de la historia de la danza nacional.

La compañía de Tavera ya ha emprendido proyectos y ha realizado algunas presentaciones tiempo atrás; sin embargo, será el sábado 15 de agosto cuando haga su presentación oficial ante el público y los medios de comunicación a través de una función especial en el Teatro Varsovia, espacio que ha abierto sus puertas tanto a compañías de renombre como de reciente creación.

Sus raíces

Tavera guarda gratos recuerdos de su infancia vinculados totalmente a la danza. De hecho, podría asegurar que empezó a bailar al mismo tiempo que dio sus primeros pasos. Y es que su madre era bailarina de folclor, por lo que sus primeros años de vida estuvo entre telones, escenarios y salones de ensayos: “Recuerdo que solía dormirme entre las faldas que las bailarinas dejaban en el piso. Bailé durante toda mi niñez y sigo hasta la fecha”, confesó.

El joven bailarín -egresado en la Licenciatura en Danza por la Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo- cuenta que durante su adolescencia llegó a pensar en estudiar otra carrera, como ingeniería; pero el rumbo de su vida volvió a tomar cauce en la danza cuando, después de ver una función profesional de danza, decidió dedicarse a este arte.

Dentro de la universidad hidalguense Tavera se especializó en ballet; sin embargo, dos momentos fueron determinantes para que el joven coreógrafo optara por el género contemporáneo. Uno, fueron las historias que sus maestros le contaron sobre el extinto Ballet Teatro del Espacio, una de las compañías más importantes que ha tenido nuestro país y que fue dirigida por los maestros Gladiola Orozco y Michel Descombey. Otro, fue la visita que hizo a las instalaciones de Ballet Independiente en la Ciudad de México, donde pudo conocer a la maestra Magnolia Flores y al maestro José Rivera Moya.

“Mis maestros bailaron en Ballet Teatro del espacio y me cautivaron las historias que me contaban del grupo. Me parecía algo mágico y místico y eso me motivo a seguir en el género de contemporáneo. Un día también me invitaron a la capital mexicana a conocer la escuela de Ballet Independiente y después de asistir a varios de sus ensayos me fui involucrando con su trabajo”.

Al preguntarle cuáles ha sido las enseñanzas que le ha dejado ser parte de estos dos grupos y de estar cerca del maestro José Rivera Moya, el director de El Lirio Danza Escénica respondió: “Estar en estos dos grupos es realizar un sueño que jamás pensé que iba a ocurrir. Cuando estudiaba sólo escuchaba historias, pero cuando llegué a estas dos compañías dirigidas por José me encontré con rigor, disciplina y respeto por la danza. Me di cuenta de que su trabajo es un oasis en la danza mexicana. Es de los pocos artistas que tiene un fuerte compromiso con la danza”.

Nueva ventana

Tavera, quien fue acreedor de la beca “Elisa Carrillo” en 2012, explicó que la idea de crear una nueva compañía es porque busca desarrollar sus propias inquietudes artísticas. Si bien se encuentra satisfecho siendo parte de La Cebra Danza Gay y de lo aprendido con el maestro José Rivera Moya, considera que era necesario emprender su proyecto personal:

“Quiero darle salida a mi propia voz y acoger a artistas que tengan mis mismas inquietudes, para desarrollarlas con el compromiso y profesionalismo que he aprendido a lo largo de mi carrera”.

El bailarín está consciente de que son muchas las propuestas de danza contemporánea que existen en México, y por supuesto a nivel internacional. Sin embargo, eso no lo detiene porque considera que hay lugar para todos, además de que su propuesta busca ser lo más empática posible con el público. Confiesa que él como espectador se ha enfrentado a funciones de danza muy conceptuales que lo han hecho cuestionarse qué arte tiene cabida en la actualidad.

Sobre el sello que tiene su compañía El Lirio Danza Escénica explicó: “Hago danza accesible al público. Creo que en la actualidad la danza contemporánea se ha vuelto bastante conceptual, por eso mi danza busca ser más empática y cercana. Me interesa buscar la belleza de las cosas mundanas, hacer una narrativa simple y una estética fácil de apreciar. Afortunadamente he encontrado gente que siente conexión con mi discurso y es justamente la gente que no suele asistir a este tipo de funciones. Y eso es importante porque un gran reto en la danza es atraer a públicos nuevos”.

En cuanto al significado del nombre de la compañía, su joven director explica que busca hacer una analogía, ya que mantener un proyecto dancístico en México no es sencillo debido a la precariedad en la que viven los artistas: “Los lirios son flores que crecen en condiciones naturales adversas y así es en el mundo de la danza, los buenos proyectos pueden salir adelante”.

Por lo que respecta a los integrantes del grupo, para los proyectos que emprendieron previamente hizo una convocatoria vía redes sociales, la cual tuvo gran recepción. Para la etapa actual, El Lirio Danza Escénica está conformada por ocho bailarines procedentes de diferentes entidades del país: Ixchel Rivera (Durango), Laura Valenzuela (Tamaulipas), Abraham Bailón (CDMX), René Mendoza (Veracruz), Orlando Ceballos, Rolando Guevara y Luis Tavira (Estado de México).

“Entelequia”, “Tarde de cigarras”, “Procesión” y “Sones y Claveles” son las cuatro obras que presenta la nueva compañía. Foto: Daniel Ochoa. Gentileza El Lirio Danza Escénica.

Mantener un sueño

Tanto Tavira como los bailarines del grupo están conscientes de que mantener una compañía de danza en México no es tarea fácil. Sin embargo, eso no los va a detener porque hacer arte es su prioridad.

Cada uno de los integrantes tiene un trabajo externo que les permite solventar los gastos de su proyecto, además de algunos apoyos que han conseguido, como el que les dio en su momento el programa Escenarios IMSS Cultura, el Sistema Colectivo Metro y la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

“Económicamente nos mantenemos nosotros, pero ha valido la pena seguir con este sueño. Cierto que es difícil continuar frente al panorama de la danza mexicana, pero no nos abruma que hay menos apoyo a la cultura. Claro que no estamos peleados con la idea de hacer dinero, pero lo que nosotros queremos es darle sentido a nuestra vida y ese sentido es hacer danza”, enfatizó Tavira.

Finalmente, el director de la compañía hizo un llamado para que los gestores trabajen más de cerca con los grupos independientes, de tal manera que contribuyan a su existencia

La función

Para su presentación oficial, El Lirio Danza Escénica ha preparado un programa especial integrado por cuatro coreografías que representan el sello de la compañía. Una de ella es “Entelequia”, una mirada contemplativa de momentos íntimos de personas. Otra es “Tarde de cigarras” que retrata la parte autodestructiva de los seres humanos. También está contemplada “Procesión”, que es un llamado a la resiliencia y con la cual el grupo participó dentro del Concurso de Creación Coreográfica Contemporánea Inbal-UNAM en 2024; así como “Sones y Claveles” inspirada en los sones veracruzanos donde los elementos tradicionales se mezclan con la danza moderna mexicana.

El Teatro Varsovia se encuentra en la calle de Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia.

Medio siglo en movimiento

mgueler — Wed, 18 Sep 2019 13:58:01 +0000

El arquitecto Ramiro González Delsordo realizó el proyecto del Teatro de la Danza dentro de la Unidad Artística y Cultural del Bosque, hoy Centro Cultural del Bosque. Foto: danzaINBAL.

Hace medio siglo la escena nacional fue testigo del nacimiento de un espacio invaluable para el quehacer dancístico: el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del INBAL, en el Centro Cultural del Bosque.

Durante 50 años, ha sido un recinto bastión para los mejores exponentes de la danza nacional e internacional. Durante 50 años, ha sido el escenario obligado a pisar por todos aquellos artistas que han hecho del arte del cuerpo en movimiento su forma de vida y de expresión. Durante 50 años, ha sido el espacio que ha abierto sus puertas a esos fervientes amantes de la danza y a aquellos nuevos espectadores que han buscado dejarse sublimar por la poesía hecha movimiento.

Durante 50 años, ha sido un referente dentro del movimiento escénico en México.

Para celebrar tan simbólico hecho, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Coordinación Nacional de Teatro ha preparado una serie de actividades cuyo propósito es recordar y exaltar momentos clave de su historia, como parte de una recuperación de su memoria dancística.

Se presentará la exposición fotográfica “Bitácora de viaje. 50 años del Teatro de la Danza”, alusiva a aquellos artistas del cuerpo que le han dado vida a este espacio. Se inaugurará el jueves 19 de septiembre, a las 19:00 horas. Asimismo, se creará el álbum fotográfico “Efímero y Eterno. El Teatro de la Danza en Imágenes”, donde tendrán cabida algunos de los protagonistas de este arte. Dicho proyecto tomará vida en un número especial de la Revista Interdanza.

Para que estudiantes de danza de las diversas escuelas de Iniciación Artística y Centros de Educación Artísticas del INBAL conozcan el teatro tras bambalinas, se llevará a cabo “Geografía de un Teatro”, que consiste en un recorrido para alrededor de 30 jóvenes por los rincones de este recinto, para acercarlos a los aspectos importantes de su funcionamiento. Se realizará el lunes 9 de septiembre, a las 10:00 horas.

El 13 de junio de 2018 este espacio se renombró como Teatro de la Danza Guillermina Bravo como tributo a “la Bruja de la Danza. Foto: danzaINBAL.

Por otro lado, se le dará voz a quienes han sido parte de la historia del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga. Bajo el nombre de “Anuario Coreográfico. Ganadores del Premio INBAL-UAM”, se llevarán a cabo entrevistas en video que se transmitirán vía streaming a través del canal Youtube de la Coordinación Nacional de Danza, los viernes 13, 20 y 27 de septiembre, a las 10:00 horas.

En la actividad “Travesías en el Teatro de la Danza” algunos de los bailarines que han pisado el escenario de este recinto compartirán sus experiencias en un conversatorio colectivo. Tendrá lugar el martes 24 de septiembre, a las 18:00 horas.

Todo es historia

La afluencia de artistas y público obligó a realizar modificaciones edilicias, y una de las relevantes fue en 1994. Foto: danzaINBAL.

Fue al arquitecto Ramiro González Delsordo a quien se le encomendó la tarea de hacer el proyecto del Teatro de la Danza dentro de la Unidad Artística y Cultural del Bosque (hoy Centro Cultural del Bosque). Su equipo de construcción visitó varios teatros en países como Inglaterra, Estados Unidos y la antigua Unión Soviética para conocer la técnica más avanzada que se requería para esta clase de edificios.

Por fin el sueño se convirtió una realidad: el 19 de septiembre de 1969 se inauguró el Teatro de la Danza con una función del Ballet Clásico de México. Desde entonces, se ha posicionado como uno de los recintos más importantes de los exponentes de este arte.

Durante sus primeros años de vida, el Teatro de la Danza sirvió como una plataforma para los alumnos que estaban recibiendo formación dancística, especialmente los de la Academia de la Danza Mexicana. Más tarde, la maestra Clementina Otero -en ese entonces jefa del Departamento de Danza del INBA- se dio cuenta del potencial de este recinto y de la necesidad de ampliar su campo de acción, así que abrió sus puertas a grupos de danza experimental para que mostraran sus propuestas.

Entre los proyectos que activaron los primeros años del Teatro de la Danza se encuentran las famosas Temporadas (I Temporada, II Temporada y III Temporada) donde se programaban a grupos de diferentes géneros que ofrecían un caleidoscopio de lo que se estaba creando en ese momento. Algunos de los grupos que participaron fueron la Compañía de Danza Moderna, el Ballet Nacional, Ballet Independiente y la maestra Pilar Rioja, entre muchos otros. Otra actividad fue el Ciclo Danza, que ofrecía funciones todos los fines de semana a precios populares. Fue muy exitosa en 1979 y 1980, y se presentaron grupos como Ballet Nacional de México, Ballet Independiente, Compañía Nacional de Danza, Compañía de Danza Contemporánea de la UV, Danza Libre Universitaria y Ballet Teatro del Espacio.

La afluencia de artistas y público iba en ascenso, así que fueron necesarias algunas remodelaciones. Una de las más relevantes ocurrió en 1994 cuando el maestro Jorge Domínguez era Coordinador Nacional de Danza; se cambió todo el techo y las butacas, se diseñó el lobby, se bajaron los sanitarios a la planta baja, se puso un telar, la tramoya fue colocada en la parte superior del foro, se creó una oficina y la dulcería. El teatro estuvo cerrado cerca de 9 meses; durante ese tiempo las funciones se llevaron a cabo en otras sedes, como la Sala Miguel Covarrubias y el Teatro Arq. Carlos Lazo de la UNAM y hasta el Museo Nacional de Antropología.

Grande es la lista de figuras que han pisado el escenario del Teatro de la Danza. Todas las agrupaciones de México se han presentado aquí, tanto las de larga trayectoria como las nuevas propuestas, entre ellas la Compañía Nacional de Danza, Barro Rojo Arte Escénico, Delfos, Contempodanza, Antares, Compañía Tania Pérez-Salas, Nemian, La Cebra Danza Gay, la Compañía Nacional de Danza Folklórica, Tándem y Contradanza.

Del extranjero se ha tenido la presencia de reconocidos artistas como Quasar (Brasil), Entorse (Francia), Compagnie Marie Chouinard (Canadá), EIRA (Portugal), Sebastián García Ferro (España), Rubberban Dance Company (Canadá), Taketeru Kudo, Tadashi Endo y Ko Murobushi (Japón), Compañía Flamenco Rosario (España), Halcón de Oro (Perú), Didier Theron (Francia), Álvaro Restrepo (Colombia), Lanónima Imperial (España) y Colectivo Clá (Costa Rica).

Estos y muchos más, son los artistas que durante medio siglo le han dado movimiento y vida al Teatro de la Danza Guillermina Bravo, un recinto que fue pionero en su tipo. No fue sino hasta once años después que se inauguraría un nuevo recinto dedicado también a la danza: la Sala Miguel Covarrubias en el Centro Cultural Universitario de la UNAM. De ahí la relevancia de su creación como un precursor en la escena nacional.

Cabe recordar, que este teatro inició un nuevo ciclo dentro de su historia cuando se decidió que llevara el nombre de una de las máximas figuras de la danza nacional: la maestra Guillermina Bravo (1920-2013).

Con un acto protocolario protagonizado por autoridades del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y por amigos y colegas de la bailarina, coreógrafa y maestra veracruzana, este espacio se renombró como Teatro de la Danza Guillermina Bravo el 13 de junio de 2018, rindiendo así un tributo permanente a quien se ganó a pulso el sobrenombre de “la Bruja de la Danza” por todo el legado que dejó a este arte en México.

La voz de una comunidad postergada

mgueler — Fri, 07 Jun 2019 16:09:55 +0000

El Teatro de la Danza Guillermina Bravo es el escenario del Primer Festival de Danza Gay donde se reúnen algunos de los mejores exponentes de la danza gay de México. Foto gentileza INBA.

México vive un momento cultural y social idóneo para recordar a su gente que debe existir respeto a la diversidad, asegura el bailarín y coreógrafo potosino José Rivera Moya. Por ello, creó el Primer Festival de Danza Gay de la Ciudad de México, “Teoría del Arcoíris” para incentivar este derecho humano.

Rivera Moya, director de la compañía La Cebra Danza Gay y quien desde hace más de dos décadas ha encabezado un movimiento de danza único que ha dado voz a la comunidad LGBTTTI, comentó que sentía a necesidad de establecer un festival oficial que, además de posicionarse como un proyecto en favor de los derechos por la diversidad sexual, fuera una ventana de acercamiento a las propuestas artísticas de diversas generaciones que dan cuenta del devenir de la danza gay en México.

Del 7 al 9 de junio, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo será el escenario donde algunos de los mejores exponentes de la danza gay del país muestren sus propuestas: las compañías La Cebra Danza Gay y México de Colores, así como los artistas Arturo Lugo “El Chino”, Carlos Martínez, Edgar Pol-Toto, Tomás Gabriel Larraguivel Ornelas, Bryan Cárdenas, Carlos Blanco y Rey Flores.

El Festival, dirigido a todo público, es un proyecto en favor de los derechos por la diversidad sexual. Foto gentileza INBA.

Para quien fuera integrante de Ballet Independiente y después director artístico del mismo entre 2012 y 2015, es importante recordar que hace 20 años eran escasos los artistas que portaban con orgullo la bandera del arcoíris: “Éramos muy pocos los que hablábamos de este tema. Éramos como un oasis en el desierto. En ese entonces éramos La Cebra, Horacio Francio, Tito Vasconcelos, Las Reinas Chulas, Julián Hernández, entre otros. Desde nuestras trincheras hacíamos lo que podíamos”.

Si bien Rivera Moya considera que la homofobia difícilmente se va a acabar porque “se trata de un problema social y cultural muy fuerte”, reconoce que ha habido grandes logros en cuanto al respeto a la diversidad, y no sólo en la capital mexicana sino en los estados, donde ya se está pugnando, por ejemplo, por el matrimonio entre parejas del mismo sexo, la adopción, mejores servicios de salud para los enfermos de VIH, etcétera.

Por todo este contexto es que el coreógrafo potosino considera que el Primer Festival de Danza Gay de la Ciudad de México, “Teoría del Arcoíris” es más que oportuno y pertinente en este momento de transformación que está experimentando nuestro país en todos los sentidos: “necesitamos hacernos más visibles de lo que ya somos y este festival contribuirá en mucho para ello”.

El ganador de varios reconocimientos y premios como el INBA-UAM se dice satisfecho de la curaduría de su festival, ya que después de que su compañía La Cebra hizo escuela en el tema gay, fueron surgiendo grandes propuestas dancísticas que hoy abordan con mayor libertad esta temática, y no sólo en contemporáneo, sino en otros géneros como el ballet, folclor, flamenco y tango: “Este festival mostrará que hay mayor creatividad; aunque debo reconocer que no tenemos propuestas lésbicas. Por desgracia las mujeres lésbicas aún no se hacen tan visibles”.

Para finalizar, el coreógrafo aclaró que este festival está dirigido a todo público: “Este proyecto es para todos y todas. La diversidad es un tema que nos atañe a todos como mexicanos. La diversidad no sólo existe en los roles sociales sino en toda nuestra vida, en toda nuestra cotidianeidad, en todo lo que vemos, tocamos, sentimos, hablamos. En todo hay diversidad y por este pequeñísimo detalle es que este festival es para todos”, finalizó.

Las funciones del Primer Festival de Danza Gay de la Ciudad de México, “Teoría del Arcoíris” serán el viernes 7, a las 20 horas; sábado 8, a las 19 horas; y domingo 9, a las 18 horas en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque.

La filosofía llega a la danza

mgueler — Mon, 27 May 2019 21:34:33 +0000

“Tratados de Lumínica”, de Óscar Ruvalcaba Pérez, ofrece una visión holística del ser humano. Foto: Lugo. Gentileza INBA.

¿En este momento histórico de revaloración general es posible seguir refiriéndonos a “mi cuerpo”, “mi mente”, “mi espíritu”, como entidades divorciadas?

Tal es la reflexión personal que llevó al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear la pieza “Tratados de Lumínica”, que busca reflejar lo absurdo de la tricotomía “mente-cuerpo-espíritu” y la necesidad de entender que no existe una mente o un espíritu divorciados de un cuerpo.

La propuesta del bailarín, coreógrafo y maestro se estrenó en La Caja de la Ex Esmeralda (San Fernando 14, colonia Guerrero) el 23 de mayo y continuará del 30 de mayo al domingo 2 de junio, a las 18:00 horas.

Ruvalcaba Pérez, quien fuera miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2006 y 2015, comparte que el detonador de su pieza es la imagen errónea que se tiene de cuerpo, mente y espíritu como entidades divorciadas. Al respecto, explicó: “Prevalece la idea de que el cuerpo es mecánico, perecedero, pero que la mente y el espíritu son eternos. La danza nos ha hecho evidente que no es así. Creo que una visión holística parecería más adecuada, pues cuerpo y persona, hoy día, son una sola entidad”.

Así que, en “Tratados de Lumínica”intenta recuperar la dimensión metafórica y poética del cuerpo, a través de la evocación, soñándolo y ensoñándolo: “Tal vez podamos regresar a la inocencia primera, esa inocencia donde cuerpo, alma y espíritu aún no se dividían. Creemos que es en este estado de gracia, de beatitud, donde encontramos que somos polvo y sueño de estrellas. ‘Tratados de Lumínica’nos susurra que el cosmos está aquí, en nuestro cuerpo ensoñado”, dijo el artista.

En cuanto a la lectura particular que busca generar en el espectador, Ruvalcaba Pérez afirmó: “Quiero que amplíe su sentido de respeto y entendimiento hacia el cuerpo, que ya no se vea al cuerpo como una entidad inferior a la mente o al espíritu. Mente, cuerpo y espíritu son una entidad, es como el viejo adagio de: ¿Qué fue primero, la gallina o el huevo? Imposible de responder, absurdo pretender responderlo. Creo que el cuerpo es el gran campo de batalla del mundo contemporáneo: nos define, nos acota, nos da identidad, nos singulariza y nos hace reconocibles. Y la batalla ya no es por las almas de los individuos, es por sus cuerpos”.

Sobre el proceso creativo el maestro, quien ha presentado sus creaciones en foros internacionales y en los principales recintos culturales de México -entre ellos el Palacio de Bellas Artes-, comentó que los temas que aborda su compañía son cada vez más de corte filosófico mayor, casi religioso, y la madurez de los intérpretes es más evidente, lo que le ha permitido hacer de la danza una metáfora que busque la evocación poética.

Oscar Ruvalcaba, Cía., Danza Contemporánea, fue fundada en 1991 por el maestro, quien es su director general y artístico. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, Teatro de las Artes, Sala Miguel Covarrubias, Teatro de la Danza Guillermina Bravo, y ha sido invitada a varios de los principales festivales de danza de México. En 2011 recibió el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM por “Himnos de Ciudad” y en 2012 el EPRO Danza 2012 por “Los Reinos de Este Mundo”. En 2013 fue beneficiada por el FONCA en su programa “Rutas Escénicas” para apoyar su gira por España en el 2014. Entre sus obras, muchas ya desde su fundación, figuran “Himno”, “Carlota, la del jardín de Bélgica”, “Tres árboles altos contra un paisaje rojo”, “Personas desaparecidas”, “Héroes de guerra” y “Crónica desde mi cuerpo mutilado”. Se ha presentado en Europa, Centroamérica y EUA.

El maestro Óscar Ruvalcaba ha realizado obras para la Compañía Nacional de Danza del INBA, el CEPRODAC, Contempodanza, el Ballet Independiente, Nemian, Opus Nigrum, el Ballet del Nuevo Siglo, la ENDNyGC, entre otras. Ha colaborado con algunos de los coreógrafos más importantes de su generación y recibió la beca del FONCA en el rubro de ejecutante en el 2005 y la del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2006 y 2015. Igualmente, ha recibido numerosos premios y reconocimientos: del INBA por su trayectoria como Coreógrafo en 2010, el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM, 2011, el EPRO Danza 2012, etc. Ha sido invitado como jurado en diversos concursos de danza, de coreografía y de intérpretes, nacionales y estatales o locales, y ha sido miembro de las Comisiones de Dictaminación del FONCA en varios de sus programas. Actualmente es miembro del Consejo Artístico del CEPRODAC.

El camino lo marca el corazón

mgueler — Tue, 27 Nov 2018 14:44:34 +0000

“Aliento de Viento y Agua”, espectáculo que presenta la compañía Eterno Caracol bajo la dirección de Ester Lopezllera Lavalle. Foto: Emilio Illescas. Gentileza INBA.

Crear poesía con su danza. Esa siempre ha sido la filosofía de la compañía Eterno Caracol. Por ello, ha reunido algunas piezas de su repertorio para crear un programa introspectivo donde las características de dos elementos de la naturaleza crearán atmósferas contrastantes, los cuales ayudarán a reflexionar ante la pérdida, el cambio y la transformación.

“Aliento de Viento y Agua” es el nombre del programa que interpretará en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el miércoles 28 y jueves 29 de noviembre, 20:00 horas, así como domingo 2 de diciembre, 18:00 horas.

La maestra Ester Lopezllera Lavalle, directora de la agrupación, explicó que esta recopilación escénica es un reconocimiento a que todo termina y que constantemente se vive en un duelo: “Quien toma consciencia de esto vive más en paz; como en la profundidad del mar o en el inmenso desierto de dunas que se transmuta por el viento. Es conectarse con el aire que se exhala e inhala, recobrando el aliento, recobrando la esperanza”.

Lopezllera -quien estudió en la Escuela Nacional de Danza Contemporánea, de Sistema Nacional para la Enseñanza Profesional de la Danza y formó parte de Ballet Independiente y del grupo Delfos-, comentó que las metáforas que surgen de estos elementos de la naturaleza siempre han estado muy presentes en su quehacer artístico y representan atmósferas antagónicas, pero que en la magia donde los opuestos se atraen es imprescindible que exista esta dualidad para que se genere el movimiento y el desarrollo.

Ester Lopezllera Lavalle propone obras que invitan a la introspección y a conectarse con las emociones. Foto: Emilio Illescas. Gentileza INBA.

“Presentamos pues, un programa intimista con obras de repertorio que hablan de una intensa búsqueda, teniendo como elemento de unión la dualidad aire-agua que sirve como pretexto sensorial, memorioso y emotivo perfecto para ir encontrando las posibilidades expresivas dadas por y en nuestro cuerpo para crear un lenguaje poético, con la magia de la verdad del artista que se descubre humano en el viaje introspectivo con el uno y el todo”.

Las piezas que integran este programa son: “El Sonido del Polvo” (La Nostalgia del Adiós), “A Profundidad” (Fragmento), “La Tierra: Lo Receptivo”, “Para una Oración” e “Invierno”.

Sobre la reacción que busca en el público, Lopezllera simplemente reiteró que busca conectar al espectador con sus sentires y sus emociones: “Quiero que la gente se conmueva y reflexione en un ambiente de introspección”.

La coreógrafa -que ha bailado la obra de grandes coreógrafos como Anna Sokolow y Raúl Flores Canelo y ha recibido diferentes estímulos, reconocimientos y becas de varias instituciones- se dice satisfecha con el diseño de este programa, ya que su danza siempre ha sido honesta: “Hay una búsqueda que viene desde el corazón, hacer sentir y lograr tener un fuerte vínculo con las emociones a través de la magia de la danza. Las piezas que reúno en este programa son piezas muy hermosas estéticamente hablando, son obras muy plásticas, con un gran juego de composición, pero también son piezas muy profundas que invitan a la introspección y a la fuerte conexión con las emociones”.

Un hombre que rompe con los prejuicios

mgueler — Sat, 28 Feb 2015 01:25:10 +0000

José Rivera, director de La Cebra Danza Gay, homenajeado en el Festival Internacional de Cine Gay de la UNAM. Foto gentileza FICG de la UNAM.

El cinematógrafo del chopo se vistió cebra. José Rivera, fundador de La Cebra Danza Gay, agrupación creada en 1996, recibió junto con sus bailarines un merecido homenaje en el marco del Festival Internacional de Cine Gay de la Universidad Autónoma de México (UNAM) que se realizó del 6 al 15 de febrero. Este encuentro reúne 47 filmes de países como: México, Venezuela, República Checa, Argentina, Israel, Países Bajos, Cuba, España, Polonia e Italia.

Bailarín, coreógrafo y maestro, defensor de los derechos de la comunidad LGBT y de la lucha contra el VIH. Nació el 9 de agosto de 1969 en San Luís Potosí. Inició su formación como bailarín en 1985 en el Instituto Potosino de Bellas Artes. Formó parte del Ballet Provincial de San Luis dirigido por la desaparecida Lila López, llegando a ser bailarín principal. En 1987, se incorporó como bailarín al Ballet Independiente, agrupación de la cual es director artístico desde 2012.

Visiblemente emocionado Rivera Moya expresó al subir al podio: “Me siento un poco raro porque si ya empiezan los homenajes a lo mejor ya no estoy tan chiquita… estoy grandecita. Estoy contento porque justo en este suelo que estoy pisando se encontraba el Foro del Dinosaurio de esta institución, y aquí fue la primer función de la compañía que dirijo y que ya va a cumplir 19 años en junio de 1996 en la semana cultural gay que llevaba José María Covarrubias”.

Agradeció a quien nombró como su padrino/madrina Ignacio Toscano, que desde la fundación de la compañía lo apoyó. “Dijiste que vendrías vestido de Rosa Nacho”, comentó entre carcajadas. Lamentó que cinco ex bailarines de la compañía hubieran fallecido todos de SIDA. “Pero bueno, así es la vida, pero los que estamos aquí debemos seguir trabajando, porque la lucha continúa”.

La danza fue el medio que escogió para visibilizar la problemática estructural que atraviesa la comunidad gay en el país: la homofobia. Moya, sacó del closet a la homosexualidad de forma creativa, crítica y contestataria. Constructor de un discurso poderoso que explora una identidad marginada, sus bailarines ataviados con ropas femeninas, maquillados, con plumas, registran en su corporalidad las denuncias, las agresiones, los insultos, las vejaciones, el dolor… ese que solamente puede ser nombrado por quien lo ha sufrido. De esta forma, esos cuerpos masculinos se constituyen como mediación donde múltiples significados se inscriben. Obligan a erosionar estereotipos, esos que pretenden condensar en una imagen, características sociales, culturales y anímicas de este grupo tan diverso. Rivera no acepta esta imposición. Con su propuesta resignifica, dignifica y empodera a la comunidad homosexual.

Su trabajo coreográfico se ha distinguido por la calidad técnica de sus ejecutantes. Sus temáticas recurrentes: el machismo, la prostitución, la violencia física, la discriminación y el SIDA.

El documental “Animal de fantasía”, realización de la joven cineasta Olivia Portillo, egresada del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec), quien acompañó con su lente por dos años a Rivera y sus bailarines tras bambalinas en giras, presentaciones y camerinos, muestra en pantalla el trabajo que realiza esta agrupación.

En el film, el histrión rememora cómo dio nombre a la compañía. Relató que de niño, un pequeño circo llegó a su pueblo, entre los animales que formaban parte del espectáculo se encontraba una cebra. Él nunca había visto un animal así, quedó seducido. Su mejor amigo le llamaba cebra, así que cuando el proyecto comenzó a tomar forma debía llamarse así.

Admirador de mujeres como Frida Kahlo, Guillermina Bravo y Chavela Vargas, declaró sentirse cómodo trabajando sólo con hombres. A las mujeres no las entiendo, acotó. Apasionado de la fantasía, los juguetes y los colores; su personalidad camaleónica le permite operar como coreógrafo, bailarín, maestro, representante y vestuarista de la compañía.

Con fragmentos de obras coreográficas que el bailarín interpretó a lo largo de su carrera, “Animal de fantasía” es un relato íntimo que muestra otra cara del artista.

“Mientras esas rayas curtidas me lo permitan, la cebra seguirá haciendo de las suyas” apuntó.

Alfonso Loranca.Licenciado en Pedagogía egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la unam. Profesional en educación dancística con especialidad en danza folclórica egresado de la Escuela Nacional de Danza “Nellie y Gloria Campobello“, del INBAL.

Unidas por la danza

mgueler — Tue, 15 May 2012 19:50:20 +0000

Ballet Independiente con la dirección general de Magnolia Flores presentarán “Arrieros somos”. Fotos gentileza ¡Viva Flamenco!

Una mezcla de estilos y tendencias, una fusión de lo que parecería imposible de unificar en un solo día, una búsqueda de elementos y consignas permiten sumar elementos de la danza. Los martes 15, 22 y 29 de mayo se presentan tres compañías juntas con el espectáculo “Expresiones de un arte, un espectáculo en tres movimientos”.

La cita es en el Teatro Wilberto Cantón de Colonia San José Insurgentes, en México.

ÍO Tango Artes Escénicas presentará la obra: “Tango, óleo sobre tela”. Foto gentileza de ¡Viva Flamenco!

La idea surgió de tres artistas compañeras de trabajo, dedicadas al arte de la danza: Leticia Cosío, Eliza Rodríguez y Magnolia Flores. La intención fue brindar al público, tres diferentes expresiones de un mismo lenguaje que es la danza.

Leticia Cosío directora de la compañía ¡Viva Flamenco!, ganadora del “Reconocimiento a la Mejor Compañía de Danza Flamenca en México” (2010) otorgado por la Asociación Nacional de Locutores de México, A.C. presenta un momento de su programa Pasiones en Rojo.

Un exhorto a la mujer; a que cada una se atreva a ser ella misma, en todas y cada una de sus dimensiones.

La maestra Elisa Rodríguez con la compañía ÍO Tango Artes Escénicas presentará la obra: “Tango, óleo sobre tela”, coreografía sobre el proceso que vive un pintor para concluir uno de sus cuadros; la necesidad de hablar sobre la complejidad de la mente de un artista y su sentir.

Ballet Independiente con la dirección general de Magnolia Flores y dirección artística de Edgar Robles presentarán “Arrieros somos” en la primera función.

¡Viva Flamenco! hará un fragmento de su programa "Pasiones en Rojo". Foto gentileza ¡Viva Flamenco!

En la segunda y tercera funciones presentarán obras del Concurso Interior de Coreografía 2011 y “Tabú”.

Informes y compra de boletos vía correo electrónico o en taquilla

www.vivaflamenco.com.mx

balletindependiente2003@yahoo.com.mx

elisaostuni@hotmail.com