“Sombrerísimo”, obra de Annabelle López Ochoa, inspirado en el mundo surrealista del pintor belga René Magritte. Foto: Susan Bestul. Gentileza GMU.

En el Mes de la Herencia Hispana el Ballet Hispánico realizarán un programa en residencia George Mason University, que incluye una función en el ciclo Great Performances y una variedad de programas educativos e interactivos de danza.

La presentación de la compañía dirigida por Eduardo Vilaro será en el Center for the Arts el el 5 de octubre.

“Estamos emocionados de tener de vuelta al Ballet Hispánico en nuestra comunidad para celebrar la cultura latina a través de la danza y actividades de enriquecimiento cultural. Sin duda, sentiremos la presencia de este grupo dinámico y divertido en todo el campus, y estoy muy contento de que se involucren con la comunidad”, dijo Victor Adebusola, gerente de programación y participación del Center for the Arts.

Reconocido como uno de los tesoros culturales de Estados Unidos, el Ballet Hispánico celebra esa diáspora hispana polifacética, a través de creaciones de danza contemporánea involucradas con la cultura de América latina. La compañía fundada en la ciudad de Nueva York por Tina Ramírez en 1970 tuvo como objetivo no sólo una formación de alto nivel y calidad y propuestas innovadoras, sino también basó sus objetivos el acercamiento a una audiencia amplia y diversa.

Desde que Eduardo Vilaro asumió como director artístico y CEO de la compañía en 2009, ha enfatizado en su repertorio la intersección de las culturas hispanas, con el fin de romper fronteras y estereotipos. Con este objetivo se fueron incorporando al programa de la compañía coreógrafos que se identifican con sus raíces hispanas y las temáticas que subyacen en los diferentes países.

El programa del 5 de octubre estará integrado por “Sombrerísimo” de Annabelle López Ochoa, inspirado en el mundo surrealista del pintor belga René Magritte; “Buscando a Juan”, de Eduardo Vilaro, inspirado en la vida de Juan de Pareja, el pintor afro-hispánico que fue esclavizado en el estudio del pintor español Diego Velázquez durante más de dos décadas antes de convertirse en artista por derecho propio. Otra de las obras que forman parte del repertorio es “Club Havana”, de Pedro Ruiz, consiste en un recorrido a través de la cultura cubana clásica donde se mezclan ritmos de conga, rumba, mambo y cha-cha-chá.

Como compañía en residencia de George Mason University, el Ballet Hispánico se involucrará con los estudiantes de la universidad y de la comunidad local a través de una variedad de clases, charlas y talleres interactivos en los días previos a la actuación de la compañía.

Lanzado durante la temporada 2019-20 a través del George Mason College of Visual and Performing Arts, el programa de residencia promueve el contacto entre las comunidades dentro y fuera del campus con los artistas que se presentan en el Center for the Arts y su sede hermana, el Hylton Performing Arts Center.

Un recorrido a través de la cultura cubana clásica, llega al Center for the Arts de GMU, con “Club Havana”, de Pedro Ruiz. Foto: Erin Baiano. gentileza GMU.

Programas en residencia abiertos al público:

Excursión: Ballet Hispánico
Viernes 4 de octubre a las 11 a.m.
GMU Center for the Arts (4373 Mason Pond Drive, Fairfax, VA 22030) Gracits. Se requiere inscripción.
En forma conjunta con la serie de Great Performances at Mason, el Centro facilita a grupos escolares o comunitarios a una “excursión” presencial que cosiste en una introducción a la danza, al teatro y a la música de todo el mundo.
La fecha límite de inscripción es el viernes 27 de septiembre.

Artistas en conversación: Taller de Danza Social Latina con el Ballet Hispánico
Viernes, 4 de octubre a las 7 p.m.
Stacy C. Sherwood Community Center (3740 Blenheim Boulevard, Fairfax, VA 22030) Gratis. Se requiere registro.
Este evento del Mes de la Herencia Hispana celebra las crecientes y multifacéticas diásporas hispanas, presentando un taller de danza social interactivo dirigido por la compañía. Salsa, merengue, cha cha y más.
Presentado en conjunto entre la ciudad de Fairfax y el GMU Centre for the Arts.

Actividades exclusivas para la universidad:

Martes 1 de octubre a las 9 a.m.
El Ballet Hispánico y el director artístico Eduardo Vilaro visitarán virtualmente la clase “Introducción a la Historia de América Latina” impartida por la profesora asociada Joan Bristol del departamento de Estudios Latinoamericanos de George Mason. Vilaro presentará a los estudiantes temas que incluyen la historia del Ballet Hispánico y de qué manera la necesidad de visibilidad de la esta comunidad fomentó una rica innovación basada en la intersección de las diásporas latinas, el comercio transatlántico de esclavos, y el legado del movimiento a lo largo de la historia. A su vez, presentará la influencia de la danza latina en la cultura y en la danza moderna en Estados Unidos.

Miércoles 2 de octubre a las 10:30 a.m.
El Ballet Hispánico ofrecerá una clase magistral sobre repertorio moderno a estudiantes de la Escuela de Danza de la GMU.

Miércoles 2 de octubre a la 1 p.m.
La compañía dará una clase magistral sobre repertorio moderno a estudiantes de las escuelas secundarias locales en la Academia Fairfax.

Jueves 3 de octubre a la 1:30 p.m.

Eduardo Vilaro, se unirá a la clase virtual “Introducción a la Gestión de Artes” impartida por el profesor Sam Sinagra del programa de Gestión de Artes de la universidad. Vilaro hablará sobre la misión de la compañía al crear programas e iniciativas de divulgación.

Jueves 3 de octubre a las 6:30 p.m.
El Ballet Hispánico liderará un taller de danza social latina y una fiesta comunitaria, organizada por la Asociación de Estudiantes Latinos y Mason Dining en el Southside Dining Hall. Este evento está abierto a estudiantes, profesores y personal de George Mason.

Viernes 4 de octubre a la 1 p.m.
El Ballet Hispánico ofrecerá un taller de danza a participantes de la Academia de Artes Comunitarias de GMU.

Sábado 5 de octubre a las 8 p.m.
Habrá una charla previa a la actuación con el director artístico Eduardo Vilaro, moderada por el profesor de la Escuela de Danza de George Mason, Lawrence Jackson, que se realizará 45 minutos antes de la función en el Monson Grand Tie.

Este programa de residencia de GMU está apoyado en parte por el Fondo Wendy Frieman y David Johnson.

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Integrantes del Alvin Ailey American Dance Theater, dirigido por Robert Battle interpretarán “Dancing Spirit” de Ronald K. Brown. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Cinco de las compañías de danza más emblemáticas de Nueva York regresan para la tercera edición anual del BAAND Together Dance Festival, un encuentro gratuito con la danza y el arte al aire libre, que forma parte del Summer for the City del Lincoln Center.

Del 25 al 29 de julio, el Ballet Hispánico, Alvin Ailey American Dance Theater (AADT), American Ballet Theatre (ABT), New York City Ballet (NYCB) y Dance Theatre of Harlem presentarán una diversidad de propuestas en una programación que reúne la quintaesencia del estilo y la brillantez de cada compañía. A su vez, el Ballet Hispánico, dirigido por Eduardo Vilaro, propone para este encuentro un estreno mundial: “Pas de O’Farill” de Pedro Ruiz, un nuevo dúo con bailarines del Ballet Hispánico y el New York City Ballet, encargado por el Lincoln Center for the Performing Arts. Esta obra es un homenaje al creador del jazz latino, Arturo O’Farill. Con este objetivo el coreógrafo Pedro Ruiz retoma la forma clásica del ballet y la fusiona con el movimiento y las esencias del legado de la diáspora afrocubana. El dúo busca sumergir la técnica clásica con la voz “latinx” y ampliar la idea de lo que es y puede ser el ballet.

Cada tarde, una de las compañías llevará al campus su particular estilo de enseñanza con un taller educativo diario. La serie ofrecerá una variedad de estilos de enseñanza y formas de danza, apropiados para todas las edades y capacidades.

Desde 2021, año de lanzamiento del BAAND Together Dance Festival, Chanel es el principal patrocinador. Una organización que ha transitado un largo camino apoyando las artes escénicas, y sigue rindiendo homenaje al compromiso de su fundadora, Gabrielle Chanel. La casa de modas está también asociada con los Premios Nijinsky en Mónaco, y patrocina la gala de apertura de la Ópera de París y del Ballet de la Ópera de París. Este es el tercer año que el Festival cuenta con el apoyo de Chanel, colaboración que refleja su larga tradición de mecenazgo en el mundo de la danza, que se prolonga desde hace más de un siglo.

“El Festival de Danza BAAND Together es un testimonio de la vitalidad y diversidad de la comunidad de danza de la ciudad de Nueva York. Estamos encantados de volver con un programa espectacular que presenta a las compañías de repertorio de esta ciudad que son las más veneradas internacionalmente. El programa de este año pone de relieve las visiones innovadoras que han hecho de la ciudad de Nueva York la capital nacional de la danza”, declararon en forma unánime los directores de las compañías que participan de BAAND.

De esta forma, Robert Battle por AADT, Susan Jaffe por ABT, Vilaro por el Ballet Hispánico, Robert Garland por el Dance Theatre of Harlem y por el NYCB, su director artístico, Jonathan Stafford, y su directora artística asociada, Wendy Whelan, coincidieron en la importancia de llevar la danza a las calles.

Además de las representaciones y los talleres, el Lincoln Center for the Performing Arts habrá mesas redondas antes de la representación del 26 de julio, como parte del anunciado proceso de planificación participativa para ayudar a reimaginar la parte de su campus de Amsterdam Avenue con el fin de crear un mayor acceso. Se anima a todos los neoyorquinos a dar su opinión.

El Ballet Hispánico sube a escena “Línea Recta”, una obra de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Fechas y horarios

Martes, 25 de julio de 2023 a las 7:30 pm

Miércoles, 26 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Jueves, 27 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Viernes, 28 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Sábado, 29 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Programa

Ballet Hispánico – Línea Recta by Annabelle Lopez Ochoa

American Ballet Theatre – Other Dances by Jerome Robbins

Dance Theatre of Harlem – Nyman String Quartet No. 2 by Robert Garland

World Premiere of Pas de O’Farill by Pedro Ruiz, a collaboration between Ballet Hispánico & New York City Ballet

Alvin Ailey American Dance Theater – excerpt of Dancing Spirit by Ronald K. Brown

New York City Ballet – The Times Are Racing by Justin Peck

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Bailarines del Ballet Hispánico Antonio Cangiano y Leonardo Brito en un ensayo de “Buscando a Juan”. Foto: Paula Lobo. Gentileza BH.

El Ballet Hispánico, una de las compañías de danza más reconocidas del país cuyas raíces latinas marcaron un hito tanto en su repertorio como en su idiosincrasia, presentará “Buscando a Juan”, una obra de su director, Eduardo Vilaro con música de Osvaldo Golijov (“La Pasión según San Marcos”. Esta pieza forma parte de la temporada MetLiveArts de verano de 2023 y subió a escena el 13 y permanecerá hasta el 15 de julio con dos funciones diarias en The Robert Lehman Wing en The Metropolitan Museum of Art. El programa es gratuito con la entrada al museo.

En su obra más reciente Vilaro se inspira en la exposición “Juan de Pareja, pintor afrohispánico” que se exhibe en el museo hasta el 16 de julio. Este encargo de MetLiveArts explora el “sancocho”, o sopa mixta de culturas y diásporas, y tiene en cuenta los “supuestos” que se experimentan al advertir la presencia de las personas de color en espacios de predominio blanco. Una exploración en relación con el cuerpo, los gestos y la sensualidad.

Los bailarines de la compañía, Fátima Andere, Leonardo Brito, Antonio Cangiano, Amanda del Valle, Dylan Dias McIntyre, Omar Rivéra y Gabrielle Sprauve forman parte de una obra que se interna en las profundidades del arte y su trasfondo social.

Durante cincuenta años, el Ballet Hispánico ha llevado su liderazgo en la intersección de la excelencia artística y la defensa de los derechos, y en la actualidad es una de las organizaciones más importantes de la cultura latina de Estados Unidos. La compañía, fundada en 1970 por Tina Ramírez, reúne a las comunidades para celebrar y explorar la cultura hispana a través de producciones de danza innovadoras, formación en danza y de experiencias duraderas de compromiso con la comunidad.

La exposición en la que se inspira la obra ofrece una mirada sin precedentes en la vida y los logros artísticos del pintor afrohispánico del siglo XVII Juan de Pareja (1608–1670), quien nació en Antequera, España. El pintor estuvo esclavizado en el estudio de Velázquez durante más de dos décadas antes de convertirse en un artista por derecho propio. Esta muestra es la primera que cuenta su historia y examina las formas en que el trabajo artesanal esclavizado y una sociedad multirracial están inextricablemente vinculados con el arte y la cultura de la “Edad de Oro” de España.

Gabrielle Sprauve y Leonardo Brito con el director artístico y CEO, Eduardo Vilaro. Foto: Paula Lobo. Gentileza BH.

Las representaciones de las poblaciones negra y morisca de España en obras de Francisco de Zurbarán, Bartolomé Esteban Murillo y Velázquez se unen a obras que denotan el trabajo esclavizado en todos los medios, desde la escultura hasta la orfebrería. El retrato del Met, realizado por Velázquez en Roma en 1650, se contextualiza con otros de esta época y con el documento original por el que Pareja fue liberado a su regreso a Madrid. La exposición culmina con la primera colección de pinturas rara vez vistas del artista, algunas de enorme escala, que interactúan con los cánones del arte occidental mientras repercuten en toda la diáspora africana.

El coleccionista y erudito del Renacimiento de Harlem, Arturo Schomburg, fue vital para la recuperación de la obra de Pareja y sirve como hilo conductor que conecta la España del siglo XVII con la Nueva York del siglo XX, y proporciona una visión, a través de la cual se pueden ver las múltiples historias que se han escrito sobre Pareja.

De esta manera, el Ballet Hispánico, a través de Vilaro, se acerca a este mundo pictórico, donde la historia se funde con el arte. La compañía, que surgió en el apogeo de los movimientos de derechos civiles de la posguerra, se centró desde el principio en proporcionar un refugio para jóvenes y familias latinas negras y mestizas que buscaban un lugar artístico y un santuario cultural. Allí florecieron la danza y los bailarines latinos, así como también artistas emergentes de otras disciplinas. Ya en 2009, el Ballet Hispánico dio la bienvenida a Eduardo Vilaro como su director artístico, y comenzó lo que muchos llaman una nueva era con miras al futuro.

Inormes

Fechas y horarios de funciones

viernes, 14 de julio de 2023 a las 18:00

viernes, 14 de julio de 2023 a las 20:00

sábado, 15 de julio de 2023 a las 18:00

sábado, 15 de julio de 2023 a las 20:00

Para obtener más información, visite https://www.metmuseum.org/events/programs/met-live-arts/ballet-hispanico-buscando-a-juan.

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Dandara Veiga y Chris Bloom (Ctr.) y bailarines del Ballet Hispánico en una escena de “Doña Perón” de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

Para algunos fue la “Santa”, el hada que llegaba a repartir juguetes, comida e ilusiones. Para otros, fue una especie de “lacra” social cargada de ambiciones y resentimientos. Lo cierto es que Eva Perón, aún hoy, a 70 años de su muerte, sigue siendo venerada, recordada y adorada, y también, sigue siendo el disparador de piezas de literatura, comedias musicales, obras de teatro y de danza.

Annabelle López Ochoa, la coreógrafa belga-colombiana se dejó atrapar por la fascinante personalidad de esta mujer de origen humilde, hija ilegítima de un comerciante adinerado, que llegó a ser la primera dama de la Nación Argentina. Su obra, “Doña Perón”, que el Ballet Hispánico, dirigido Eduardo Vilaro, estrenó en Washington el 30 de noviembre y que seguirá en cartel hasta el 3 de diciembre, muestra la vida de esta mujer declarada oficialmente jefa spiritual de la Nación en 1952, poco después de su muerte.

Actriz de cine y radioteatro, Eva Perón, en su adolescencia, emigró de un pequeño pueblo hacia Buenos Aires, la capital del país. Pero fue a partir de su encuentro con Juan Domingo Perón, entonces secretario de Trabajo y Previsión de una de las tantas dictaduras que hubo en el país, cuando comenzó su militancia política. Desde esa trinchera luchó por el voto femenino y se convirtió en el adalid de la justicia social. Cada una de estas facetas cautivaron a López Ochoa para construir una obra que se mueve entre la danza contemporánea y la danza-teatro, donde confluyen influencias de escuelas europeas y una impronta latina insoslayable.

“Doña Perón” tuvo su estreno mundial los primeros días de abril en Nueva York, en el Festival de Danza del City Center, y luego en octubre, subió a escena en Ottowa, Canadá. Es la primera obra de larga duración que la coreógrafa crea para el Ballet Hispánico. Y en esta biografía coreográfica cargada de simbolismos, encuentra una particular poética. A partir de un lenguaje abstracto, logra establecer una secuencia que recorre el ascenso de Eva Perón hasta la cumbre del poder y su trágica muerte a los 33 años en 1952. López Ochoa muestra a esa Eva de las mil caras, sus contradicciones, sus fantasmas, sus vergüenzas y sus deseos de acceder a una clase social aristocrática que siempre la rechazó.

La coreógrafa transita por pas de deux absolutamente neoclásicos hasta escenas grupales donde lo contemporáneo se refuerza con acciones teatrales. En algunos cuadros, la incorporación de la voz y la percusión a través de golpes en el piso o del simple sonido de los cuerpos que se desplazan y se tocan, delimitan escenas y estructuran situaciones dramáticas.

“Doña Perón” interpretada por Dandara Veiga tuvo su estreno mundial en Nueva York, en el Festival de Danza del City Center. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

En sus dúos con la Eva niña, interpretada con excelencia por Nina Basu, la Eva ascendente o la Eva poderosa, establecen una suerte de duelo con su propia conciencia. Dandara Veiga, en su rol de Eva, compone un personaje que, si bien no tiene ningún parecido físico con Eva Perón, apuntala símbolos esenciales de la trama. Junto a ella, Chris Bloom, un bailarín sólido y de buena técnica, encarna a Juan Domingo Perón.

El Ballet Hispánico, que en estos 50 años se ha convertido en una de las compañías más reconocidas del país, posee un grupo de bailarines impecables, capaces de transitar las honduras de la danza teatro y sumergirse en las vetas contemporáneas y neoclásicas con absoluta plasticidad. La fuerza del grupo crece a medida que transcurre la obra, y la calidad de su danza es, en gran parte, uno de los mayores atractivos de la obra.

A ellos se suma la iluminación y diseño de video Christopher Ash que permite que la imaginación del espectador se dispare y haga su propio trabajo. De esta forma va recreando espacios que inducen a descubrir momentos históricos como el encarcelamiento y liberación de Perón el 17 de octubre o el día del renunciamiento de Eva. Imágenes proyectadas en movimiento y la voz en off de Eva Perón estremecen y ponen ese toque testimonial imprescindible en una obra de esta naturaleza.
Por su parte, el vestuario de Mark Eric tiene una notable cuota de osadía. No solo por el colorido y los contrastes que delimitan a su vez las clases sociales, sino también por un dinamismo que permite que los bailarines se cambien en escena como parte de la acción coreográfica.

En esta partidura de Peter Salem, la fusión entre el tango y algunos elementos del folclore argentino, también se acoplan a esta narrativa. Y ese sutil y a veces imperceptible bandoneón del reconocido Héctor Del Curto, convierte a la obra en un todo integrado como un delicado mecanismo de relojería.

Uno de los grandes aciertos de López Ochoa es no haber caído en el cliché. Si alguien pretende ver en la obra el retrato de Eva Perón tal como se la conoce en la historia, en el cine o en los musicales, no la encontrará. En “Doña Perón” Eva es una percepción, un concepto que se plasma en gestos y movimientos dentro de una trama que tiene mucho de surrealismo, como lo es la vida misma.

Bailarines del Ballet Hispánico en “Doña Perón”, de Annabelle Lopez Ochoa, obra estrenada en el Kennedy Center. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

Annabelle López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza y fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Fotos gentileza BH y JFKC.

“No es un personaje de cuento, no es un personaje literario. Es una mujer real”, dijo Annabelle López Ochoa sobre su nueva heroína, Eva Perón. Sin embargo, esta afirmación podría aplicarse también para ella misma. Una mujer nacida en Colombia, hija de padre colombiano y madre belga, que creció en Bruselas y que a los 11 años hizo su primera coreografía. Desde ese entonces supo cuál era su objetivo. Su historia podría convertirse en la de un personaje literario, con sus contradicciones, sus ideales y esa la fortaleza que le permitió ser en una de las coreógrafas más reconocidas en el mundo de la danza actual.

Esta vez, Annabelle López Ochoa llega al Kennedy Center de Washington DC con “Doña Perón”. La obra, que se presenta del 30 de noviembre al 3 de diciembre, forma parte de las celebraciones de los 50 años del Ballet Hispánico, dirigido desde 2009 por el cubano Eduardo Vilaro. Producto de una larga investigación, “Doña Perón”, es una suerte de retrato biográfico de la vida de Eva Perón: su labor como activista y como defensora de las mujeres y de la clase trabajadora de la Argentina.

López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza del mundo, en incursionó en el teatro, la ópera y el teatro musical, así como en piezas conceptuales cortas, largometrajes narrativos y películas de danza. Formada en la Royal Ballet School de Amberes, en 2003 fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Durante la pandemia de 2020, López Ochoa fue pionera en la coreografía a distancia y en las creaciones de películas de danza estrenadas en línea.

Hasta hoy, es una de las pocas coreógrafas que se ha destacado en el ballet narrativo con obras como “Botero” (2021- Ballet Metropolitano de Medellín, Colombia), “Frida” (2020 – Ballet Nacional de Holanda), “El Principito” (2019 – BalletX), “Caperucita Roja” (2017- Ballet Black) y “Un tranvía llamado deseo” (2012 – Scottish Ballet), entre otras. Esta vez, López Ochoa, hace su primera presentación con el Ballet Hispánico con esta obra que cuenta con música en vivo de Peter Salem.

Danzahoy: ¿Qué aspectos de Eva Perón fueron los que llamaron más su atención? 

Annabelle López Ochoa: Me atraen los personajes complejos. Acababa de hacer “Frida” y me interesaba hablar de una mujer real, de sus luchas y de aquello que no entendemos en relación con sus elecciones. Indagué en su vida como una investigadora en busca de las fuentes. Y encontré que hay muy poco sobre su pasado porque ella nunca estuvo orgullosa de él. Por el contrario, estaba avergonzada porque la gente en la Argentina la juzgaba por venir de clase baja. Por eso pensé que era un tema interesante. Por otra parte, “Evita” fue el primer musical que vi cuando tenía 20 años.

“Doña Perón”, una pieza sobre Eva Perón con coreografía de Annabelle López Ochoa y música de Peter Salem. Fotos gentileza BH y JFKC.

D: ¿Y después de esa investigación, desde qué perspectiva puede observar el musical?

ALO: Volví a ver el musical y, por supuesto, está lleno de inexactitudes, porque ella nunca se reunió con el Che Guevara, por ejemplo. Fue solo un recurso teatral. Pero lo que me interesó es que es una mujer, una latina en el mundo de las latinas, y quiero retratar y arrojar luz sobre estas personas. Ella fue la primera mujer que le dio voz a la gente que nunca tuvo voz en la política y por eso se hizo realmente famosa. Por otra parte, un sector de la población la rechazaba, aun siendo la primera dama, debido a su pasado oscuro. Y luego, la historia de amor: conoció al hombre de su vida y lo disfrutó durante siete años.

D: La historia de Eva Perón es apasionante y propone varias ópticas desde donde abordarla. ¿Cuál es la suya?

ALO: Tenemos tres o cuatro hilos en los que tratamos de construir un retrato de esta mujer para tratar de entender cómo su vida cambió desde el momento en que llegó al poder. Ella quería romper con esta brecha entre ricos y pobres que genera la política. Por eso intentamos buscar la poesía desde lo visual y el movimiento y utilizamos imágenes para simbolizar diferentes aspectos de su vida. Pero lo que no quisimos es hacer un documental.

D: ¿Cómo es el proceso de contar a través de la danza la vida real de estos personajes con los que ha estado trabajando a lo largo de estos años?

ALO: Siempre trato de encontrar la poesía para contar una historia o una situación sin que sea demasiado anecdótico. Busco descubrir la energía de esa sección de vida que vamos a contar. Y creo que el poder de las artes visuales es que no necesitas palabras. Es encontrar imágenes, situaciones y contarlas coreográficamente. Para mí, tomar estas mujeres es también saber que he crecido, porque para todos nosotros el mundo de la danza ha estado signado por las heroínas del “Lago de los cisnes” donde por excelencia muestran mujeres frágiles. Yo quería mostrar a las mujeres fuertes que lucharon y ganaron una posición en el mundo, por lo que creían y por cómo eran. La próxima obra que estoy trabajando es la vida de Coco Chanel que, si bien no es trágica, es una mujer muy fuerte que también tuvo que luchar para llegar. Y la próxima, que se estrenará en Chile es María Callas. Y me gustaría poder darles la perspectiva de una mujer sobre otra mujer. Porque no hay muchas coreógrafas que hagan ballets completos.

D: Siendo mitad colombiana y mitad belga, ¿cómo pesan en usted ambas culturas cuando tiene que crear estos personajes?

ALO: Lo interesante de esta fusión de dos culturas es que vi a mis padres chocar y discutir por esa diferencia cultural. Y cuando voy a otros países puedo reconocer y comprender las diferencias. Cuando era niña mis padres vivían en Colombia y luego, por trabajo, mi padre volvió a Bélgica. Mi hermano nació en Bogotá, y cuando mi madre estaba embarazada -que en esa época no se podía saber el sexo hasta que el bebé nacía-, y ella le dijo a mi padre que si era una niña nos quedábamos en Bélgica y si era un niño volvíamos a Colombia. Eso realmente definió lo que mi madre sentía sobre América Latina. Conocía exactamente la posición de las mujeres allí y lo que quería para su hija. Yo crecí sabiendo que ser una mujer en esos países significa que tienes que luchar contra un cierto machismo y eso hace que las mujeres sean muy fuertes. En mi caso, como crecí en Bélgica, no tuve que luchar así porque se me dieron oportunidades y no he tenido que estar peleando permanentemente para demostrar que lo que valgo y lo que me merezco.

D: ¿Y en el mundo de la danza se evidencian también esos prejuicios?

ALO: Si bien ahora las cosas están cambiando, también existen. Cuando en el mundo de la danza aparece un joven coreógrafo, ven el potencial y le dan la oportunidad de crecimiento. En cambio, para las coreógrafas, cuando empecé, la opción era: o fallabas o eras buena. Y las críticas, cuando eran negativas, eran siempre muy negativas. De alguna manera es eso lo que me hace experimentar lo que era para las mujeres en América Latina luchar por sus creencias y por lo que quieren dar al mundo.

D: ¿Por qué el encuentro con Eduardo Vilaro en 2009 marcó un antes y un después en su identidad como coreógrafa?

ALO: Estoy muy agradecida a Eduardo porque no solo me ayudó como coreógrafa sino también como ser humano. Me ayudó a aceptar quien soy. Es un punto de vista muy interesante. Creo que pasa con mucha gente que, después de un tiempo, cuando pueden reconocer alguna parte “negada” de su familia, como fue mi caso con mis raíces latinas, después se convierte en una especie de herramienta para ser más fuerte. Y siento que con esa aceptación he ganado. Y estoy muy orgullosa de mi lado latino. En los años ’70, en Bruselas, donde crecí, no había muchos niños mestizos, y cuando caminaba por la calle con mi madre, pensaban que era adoptada. En cambio, ahora, todos estamos mezclados, y esa es la belleza. Así es como la humanidad avanza y nos hacemos más fuertes. La naturaleza es muy inteligente.

Para el Ballet Hispánico, la incorporación de “Doña Perón” de Annabelle López Ochoa en su repertorio marca un nuevo desafío: se atreve a retratar a una de las mujeres más reconocidas y controvertidas de la historia argentina en un ballet de larga duración que a su vez marca el debut de la coreógrafa con esta compañía.

La coreógrafa Annabelle López Ochoa en un ensayo de “Doña Perón” con el Ballet Hispánico. Fotos gentileza BH y JFKC.

La troupe de Physical Momentum > scenic action llega al Palacio de Bellas Artes con una propuesta vanguardista sobre los desafíos del mundo actual. Foto: Lugo-©. Gentileza INBA.

“No estamos preparados para tener aquellas cosas que anhelamos. No estamos preparados para irnos tan lejos y no pensar en regresar. Ni estamos tan locos para admitir que sí lo estamos. Cuidado con respirar, pensar, amar y vivir, porque se nos puede cumplir”.

Esas y más tesis son las que dan vida a la pieza “Ten cuidado con lo que deseas”, un montaje de gran formato que se estrenará en el Palacio de Bellas Artes el jueves 19 de julio, a las 20:00 horas, en el marco de la Temporada de Danza 2018.

Se trata de una vanguardista coreografía creada por el bailarín, coreógrafo y maestro Francisco Córdova, quien está calificado en las escenas europea y mexicana como uno de los bailarines más representativos de la nueva danza contemporánea. Además, es uno de los pedagogos más solicitados, ya que ha compartido su experiencia en compañías, festivales y centros artísticos internacionales en Europa, Asia y América Latina. Y ha sido acreedor a diversos reconocimientos, residencias y subvenciones artísticas en países latinoaméricanos y en Europa.

La pieza, que será interpretada por su compañía Physical Momentum >scenic action, es una propuesta escénica que expresa y habita la arquitectura de un infierno contemporáneo. Córdova explicó que tomó como referencia diversos referentes del infierno y desde una mirada personal, en su montaje se germinan diversos paisajes fronterizos de un abismo acompañado.

“Tuve diversas y amplias referencias literarias que me ayudaron a focalizar y descubrir el infierno, desde una mirada arquitectónica.  Dante, William Blake, Otilio Flores, Hans Urs Von Balthasar, Italo Calvino, entre otros”, dijo el mexicano, quien tiene dos maestrías, una de Estudios Teatrales y Dirección Escénica por el Institut del Teatre (IT), y otra en Iluminación Escénica por Mater-D en Barcelona, España.

Al preguntarle cuál fue su primera referencia sobre el infierno y su postura frente a esa creencia, respondió:

“Primariamente conocí el infierno desde una idea religiosa, así como esa idea de tener un castigo eterno por lo que haces en vida y que todos lo crean.  Sin embargo, mi interés siempre fue descubrir y modificar el lugar que siempre ha sido dibujado de la misma forma. Después de leer sobre las imágenes sobre el infierno comencé a imaginar mi propio infierno y no era tan terrible. Me interesó germinar la idea desde una perspectiva arquitectónica de cómo es ese lugar. Un lugar que no es terrible por lo que uno ha hecho, si no por el dónde estamos y que habitamos”.

En la pieza “Ten cuidado con lo que deseas” el creador recurrió a una gran escenografía (de la autoría de Fernando Feres) que simula muros como metáforas de nuestro deseo, obstáculos continuos hacia ningún lugar en un terrible episodio de sinrazones y pérdidas infinitas: “Las fronteras son humanas y los muros nuestros miedos. Fronteras entre nosotros y nuestros deseos que nos permiten seguir fallando y esperando alguna eterna salida”, dijo el creador, quien realizó estudios en Montreal, Canadá con la Compañía Le Jeune Ballet du Québec (JBQ), y en New York, Estado Unidos, con el Ballet Hispánico (BH).

¿En qué momento pensaste que tu inquietud sobre este tema tenía que ser plasmada en tu danza? ¿Pasó algo en tu vida personal que detonara esa necesidad creativa? “Siempre he tenido la necesidad de encontrar las poéticas de lo amargo, lo crudo y lo terrible.  Hablar del infierno es hablar del día a día. No tuve ninguna experiencia concreta en mi vida que me llevara a decidir hablar de esto. Siempre busco exponer la belleza de lo obscuro, de lo cruel o de lo que nos parece desagradable”, señaló el también director del Festival Internacional ATLAS y director del programa-plataforma de entrenamiento Técnicas de Movimiento (TDM) en México y Barcelona.

Córdova no cree que el tema del infierno tenga que se analizado de cierta manera en nuestra actualidad. Más bien cree que todos tenemos la oportunidad de relacionarnos con las múltiples realidades y los infinitos imaginarios: “El hombre ha creado el infierno debido a sus anhelos. A partir de este concepto, el deseo es visto como síntoma humano, como una idea y un constante desplazamiento hacia la terrible nada. Somos seres que pretenden lo infinito, lo que es peor que cualquier castigo. En este sentido, no hay nada más humano que la condena a habitar nuestros pensamientos”.

¿Hasta dónde realmente le sugieres al espectador que tenga cuidado de lo que desea? “Hay una frase que abrevia un poderoso código y que fue medular y eje creativo en esta coreografía. Es una frase que está en el libro “Las ciudades invisibles” de Italo Calvino. La comparto: ’Uno, es aquel que existe ya aquí, el infierno que habitamos todos los días, que formamos estando juntos. Dos maneras hay de no sufrirlo. La primera es fácil para muchos: aceptar el infierno y volverse parte de él hasta el punto de no verlo más. La segunda es peligrosa y exige atención y aprendizajes continuos: buscar y saber reconocer quien y qué, en medio del infierno, no es infierno, y hacerlo durar y darle espacio’”.

En ese sentido, el coreógrafo finalizó diciendo que el consejo siempre será tan amplio y abierto a cualquier interpretación.

Dos presentaciones de la Compañía Tania Pérez-Salas con la premier de “Religare” en el Palacio de Bellas Artes. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

Festejar un aniversario, por más de dos décadas, no es un logro fácil ni un acontecimiento para brindar desde una frivolidad cultural, sino es la oportunidad de hacer una visita al pasado como agradecimiento, para entender el presente y poder vislumbrar el futuro.

Tal es el sentir que hay al interior de la Compañía Tania Pérez-Salas, que celebrará su 25 aniversario en el Palacio de Bellas Artes con un estreno y una obra de repertorio el sábado 16 de junio, 19:00 horas y domingo 17 junio, 17:00 horas. Con sus funciones se inicia la Temporada de Danza 2018 en el recinto de mármol.

El estreno lleva por título “Religare”, y es una pieza coreográfica que intenta indagar sobre el poder de la danza como ritual que propicia y reconcilia el vínculo de lo concreto con lo no concreto, del cuerpo con el espíritu. Para la creación de esta obra se tiene por objetivo conmemorar el origen y ciclo permanente del arte como abstracción y reconciliación con el misticismo: “Somos una especie anhelante de mundos utópicos que, en la religión, filosofía y arte, además de respuestas; buscamos experiencias esencialmente verdaderas”, comentó la directora del grupo, la destacada bailarina y coreógrafa Tania Pérez-Salas.

En la coreografía de “Religare” los movimientos se caracterizarán por la creatividad artística. El amor, la poesía y la esperanza trascienden su territorio e impactan en los lugares donde se ve, oye y siente. En el origen de la danza se reconoce esta trascendencia, el logro de expresiones estéticas y plásticas profundas, sensibles y trascendentes a pesar de que la danza es considerada un arte efímero, explicó su autora.

“Macho Man XXI”, pieza sobre violencia de género, que la Compañía Tania Pérez-Salas interpretará para festejar sus dos décadas y media de existencia. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

“Macho Man XXI” es la pieza de repertorio que la compañía también interpretará para esta celebración de dos décadas y media de existencia. Se trata de una obra con sentido del humor que toma como punto de partida la temática de violencia de género y de la violencia per se, vinculada a lo caótico, surrealista y exótica que puede ser nuestra cultura.

La Compañía Tania Pérez-Salas ha sido invitada a los festivales de más prestigio del mundo, como el Festival de Danza Latinoamericano en Montreal, la Biennale de la Danse de Lyon, el Festival de Oriente-Occidente de Italia, el Festival Internacional Cervantino, el Fall For Dance Festival del New York City Center y el Festival Internacional de Shanghái. Participó en la conmemoración del 50Aniversario de las Relaciones Diplomáticas entre México y Egipto presentándose en las Casas de la Ópera de El Cairo y de Alejandría. Fue convocada a participar en importantes giras por Estados Unidos de Norteamérica (entre 2006 y2015), presentándose en teatros como el Yerba Buena Theater de San Francisco, el Kennedy Center for the Prerforming Arts de Washington, D.C., y en el Music Center de Los Ángeles, entre otros. La compañía integra dentro de su propuesta coreográfica el talento creativo de reconocidos artistas escénicos provenientes de diversas partes del mundo.

Tania Pérez-Salas fue ganadora del primer lugar en el Premio Nacional de Danza, así como mejor ejecutante femenina, finalista como solista en el Concurso Internacional de Paris. Doblemente premiada como coreógrafa y bailarina en el concurso Virginia Fábregas. Ha sido becaria del Fonca como joven creador y como ejecutante. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Ha realizado montajes para su compañía y para la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Hispánico en Nueva York. Fue jurado del premio Ciencias y Artes, así como para otras becas del Fonca. También ha participado como Consejera Ciudadana en la CDMX. Ha sido portavoz de la danza contemporánea mexicana a través de tres diferentes series producidas por el Canal 22.

En el XXIV Festival Internacional de La Habana se presentó el Ballet Hispánico de Nueva York, con un elenco de más de 60 bailarines. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

El evento bienal más antiguo e importante de América latina clausuró su vigésimo cuarta edición el 7 de noviembre en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional con las sorprendentes reverencias de la gran dama de la danza cubana y cofundadora del Ballet de Cuba, Alicia Alonso, quien sonriente esbozó grands pliés hacia el público y luego hacia los bailarines de pie a sus espaldas.
El programa de clausura fue uno de los más equilibrados en su diversidad de estilos e interpretaciones, siempre de altos quilates tanto por los artistas invitados como por los cubanos, quienes entregaron lo mejor de sus talentos, si bien la pieza de cierre, Valsette, un pas de deux de “Nuestros Valses” del malogrado venezolano Vicente Nebrada, fue bien servida por Viengsay Valdés, en el baile y en el piano por el excelente Marcos Madrigal (de notable carrera en los circuitos internacionales), era preferible algo más cargado de virtuosismos técnicos.

Es ardua la tarea para resumir en pocas líneas un macroevento de dos semanas, que mantuvo una alta asistencia de público en cuatro salas de la capital cubana –dos de ellas con aforo para tres mil  y otra para cinco mil espectadores–, por lo tanto me obliga a descartar ciertos eventos históricos o artísticos meritorios, teniendo en cuenta las efemérides elegidas para definir el diseño general de la programación: los 450 de William Shakespeare, el bicentenario del nacimiento de la poeta y dramaturga Gertrudis Gómez de Avellaneda y el centenario del maestro de maestros fundador de la escuela cubana de ballet, Fernando Alonso Rayneri.
El festival habanero es uno de los más antiguos del mundo (está a punto de cumplir 55 años de historia –el primero ocurrió en la primavera de 1960–, y ha presentado artistas provenientes de más de 60 países de cinco continentes, ha estrenado más de 900 obras (absolutos 241 y en Cuba unas 690).
El acervo cultural se ha visto enriquecido en esta ocasión por la participación de nuevas compañías de corte contemporáneo, tales como LINGA, de Suiza, fundada por Katarzyna Gdaniec y Marco Cantalupo; de los Estados Unidos la del sueco Pontus Lidberg (su director–fundador saltó a la fama por su filme de ballet “La lluvia”, de 2007) con su hermoso “Faune” inspirado en el de Nijinsky. Ambas trajeron un repertorio afiliado al posmodernismo. Por otra parte, también estuvo el Ballet Hispánico de Nueva York, que,  con su director y coreógrafo Eduardo Vilaró, al frente de un afiatado elenco de poco más de 60 bailarines sobrepasó todas las expectativas de éxito popular, debido a las obras bailadas e interpretadas, como “Asuka” (una evocación patética de la cantante cubana Celia Cruz); “El beso”, por la audaz creatividad de los contacts en los dúos, especialmente el que ejecutan con ternura dos bailarines, sin sacrificar su masculinidad, sobre fragmentos musicales de conocidas zarzuelas hispanas.

Finalmente, de Annabelle López–Ochoa, “Sombrerisimo”  un sexteto masculino inspirado en los personajes icónicos del pintor surrealista belga René Magritte, que sedujo a todos con su humor inteligente. Previamente, ella montó “Celeste” para el BNC, y bailado en este evento, aunque con éxito menor.
Inolvidable la delirante acogida conseguida por el Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires con su “Tango”, con coreografía de su directora actual, Lidia Segni, con música de Astor Piazzolla y soberbios figurines para las chicas, así como el trabajo robusto e impecable de los chicos con sombreros milongueros.

Shakespeare en La Habana
Sin duda, hubo mucho de Shakespeare en los repertorios elegidos por los invitados extranjeros y por los nacionales, con abundancia de versiones del “Otello”. Un pas de deux con destacada interpretación dramática por parte del bailarín cubano Javier Torres, principal residente con el Northern Ballet, quien contó con una exquisita Desdémona en Carolina Agüero (del Ballet de Hamburgo). Entre los conjuntos, una histórica producción de “La Pavana del Moro” de José Limón, en una interpretación intensa y “stylish” del Ballet de la Ópera de Niza, con su director Eric Vu An, en el rol principal. Luego vino la reposición –después de dormir por varias décadas–, por el BNC del “Prólogo para una tragedia”,  del canadiense Brian McDonald, que todavía requiere de un ulterior trabajo dramático y estilístico; por último mencionaré otra reposición por el BNC, el neoclásico “Hamlet” de Iván Tenorio, quien falleció en los días previos al inicio de este festival.
Sin duda, los aficionados gozaron plenamente con las abundantes muestras de pirotecnias en las dobles funciones diarias. Allí aplaudieron demostraciones de excelencia conocidos caballos de batalla del repertorio, de “Corsarios”, “Diana y Acteón”, “Las llamas de París”, “Espartaco”, el “Tchaikovsky pas de deux”, “Esmeralda”,  según las ejecuciones con virtuosismo técnico por parte de consagrados y otros solistas en franco desarrollo ascendente.

Se pueden citar las de Viengsay Valdés, Amaya Rodríguez, Sadaise Arencibia, Annet Delgado, Yanela Pinera, en la primera línea y pisádole los talones Grettel Morejón, Estheysis Menéndez, Dayesi Lorente o Jessie Domínguez. Entre los chicos están Víctor Estévez, Dani Hernández, Arián Molina, Ernesto Díaz, José Losada, Camilo Ramos, y los promisorios Alejandro Silva, Camilo Ramos, Serafín Castro. Luis Valle, Alfredo Ibáñez, Ernesto Álvarez,  entre otros. En general, adolecen de una preparación dramática para cubrir esas necesidades escénicas: todo no es atletismo en el ballet, aunque esto seduzca a las masas y provoque ovaciones de pie.

Joyas y sorpresas

Viengsay Valdés, del Ballet Nacional de Cuba y Brooklyn Mack, del Washington Ballet, hicieron el pas de deux de “Don Quijote” en el XXIV Festival Internacional de Ballet de la Habana. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

Importancia excepcional le otorgó a esta edición festivalera las actuaciones de las estrellas del New York City Ballet y del American Ballet Theater que nos visitaron: Ashley Bouder y Joaquín de Luz con “Other Dances” de Robbins (felizmente la música de Chopin fue ejecutada al piano por Marcos Madrigal, quien reside en Italia y triunfa en los circuitos pianísticos internacionales).

Xiomara Reyes y Carlos López demostraron elegancia y lirismo glamuroso en “Great Galloping Gottschalk”, y Paloma Herrera con Juan Pablo Ledo (del Ballet del Teatro Colón) triunfaron con el dúo de “Variaciones Portenas” –Gonzalo García la acompañó para bailar el “Tchaikovsky pas de deux” de Balanchine–. Ambas anunciaron su retiro del ABT para la primavera del 2015, por lo tanto esta fue una brillante despedida cubana.
Dos sorpresas individuales concedió este festival: descubrir al joven bailarín Brooklyn Mack (junto a Viengsay Valdés), proveniente de las filas del Washington Ballet, con grandes potencialidades atléticas demostradas en “Diana y Acteón”, con saltos y giros inmensos, pero sin control para matizarlos.

La segunda sorpresa fue el solo “Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado de forma mercurial en espirales fluidas por el joven argentino Daniel Proietto, ataviado con un traje metalizado que solamente dejaba libre su cabeza, apoyado con un diseño de luces muy elaborado por Stine Sjogren, aunque los recursos de los teatros de acá no tienen aún la alta tecnología de los que cuenta en Oslo.
No faltaron las versiones de “Carmen” –pero la de Alberto Alonso nadie la bailó–, en cambio llegó el pas de deux de la versión de Marcia Haydée, interpretado con intensidad dramática y aplomo por las estrellas del Ballet de Santiago de Chile, Natalia Berrios y José Manuel Ghiso, ambos bailarines–actores sin duda.

Posteriormente, la versión de Roland Petit, con José Manuel Carreño y Alexhandra Meijer (primera bailarina del Ballet San José de California), él emotivo y elegante, ella con fuste y maravillosas piernas y puntas de acero, con referencias en momentos a Zizi Jenmaire, creadora del rol.

Igualmente, la danza española afirmó su presencia con la carismática bailaora Irene Rodríguez, creadora de la pieza “Ardabal” evocadora de las posibilidades de evasión hacia la libertad, que pueden brindar la apertura de las puertas cerradas que rodean al ser humano.

Los locales
Y por su fuera poco, el BNC ofreció varias de sus producciones para toda una noche, algunas de ellas renovadas en cuanto a los figurines de decorados y vestuario, tales como la afamada versión de “Giselle”´ de Alicia Alonso, con el regalo de la maravillosa entrega de Annette Delgado y Dani Hernández, y el fabuloso trabajo estilístico afiatado del cuerpo de baile de las willis. Un “Lago de los cisnes” que tenía dos estelares bailarines en los protagonistas, Viengsay Valdés, rutilante a pesar de su estado febril transitorio esa noche, apoyada por el notable bailarín ucraniano Iván Putrov, esta vez contrastante con su quehacer controlado “a la manera del Royal Ballet” y la exuberancia del virtuosismo de Valdés y los chicos del elenco cubano.

“La Bella Durmiente del bosque” trajo una protagonista superada en su técnica e interpretación estilística y dramática, pero su príncipe, Arián Molina, tuvo un loable desempeño en  la función de acompañamiento, pero su definición del personaje está todavía por conseguir.

Aniversarios

Para la celebración del bicentenario de Avellaneda, excelsa cubana de la literatura, Alicia Alonso decidió reponer su “Tula”, ballet en dos actos y varias escenas, con renovaciones positivas de todo tipo para una obra narrativa de muchos personajes participantes en casi dos horas de espectáculo.

“Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado por el argentino Daniel Proietto. Foto: YA. Gentileza YA.

Amaya Rodríguez, encarnando el protagónico, y los figurines de Salvador Rodríguez, así como las inteligentes iluminaciones en la Sala Avellaneda, dieron nuevo lustre a esta pieza con música original de Juan Piñera, que se sintió aburrida cuando fue su estreno. La Alonso asistió a esta representación, y participó en la cancelación de un sello postal conmemorativo previamente. Una de sus escasas apariciones en el evento.
Merece elogios la labor del joven director musical de la Orquesta del Gran Teatro de La Habana (esta vez con refuerzos de algunos solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional), maestro Giovanni Duarte, quien tuvo que sortear las escasas posibilidades para ensayar con los artistas, la presencia de jóvenes músicos que tocaban a primera lectura, la carencia de un real experto de sonido para ecualizar debidamente amplificación del sonido en los variados fosos, y otros obstáculos.

Las acciones colaterales fueron diversas y algunas muy atrayentes, tanto en las exhibiciones fotográficas: la de Nancy Reyes y Luis Alberto Alonso sobre las manos de Alicia Alonso, y la realizada por Pilar Rubí, fotógrafa hispano-boliviana que trabajó las piezas con collages de perlas, encajes y alambres para “La geometría de los cuerpos”; y el “Retrato de la escuela cubana de ballet”, de la artista norteamericana Rebekah Borman.

Las Jornadas In Memoriam Fernando Alonso para celebrar el centenario del nacimiento del maestro fundador de la metodología de la escuela cubana de ballet resultaron exitosas y muy concurridas. En cada sesión matinal de clases magistrales, impartidas sucesivamente por Julio Bocca, Eric Vu An, Cyril Atanassoff, José Manuel Carreño, Xiomara Reyes y en dúo Marta García con Orlando Salgado. Una gran experiencia brindada a los estudiantes de ballet de todos los niveles, críticos y profesores, y algunos balletómanos interesados.

Endedans presentó en Camagûey “Momentos en el viento”, de Pedro Ruiz, obra que recoge imágenes de las calles y las brisas de esta ciudad. Foto: Gabriel Dávalos. Gentileza Endedans.

Al coreógrafo norteamericano Pedro Ruiz se le dio bien lo de llevar ciertas cualidades de una ciudad a la danza, a juzgar por la efusividad con que el público en Camagüey acogió su más reciente estreno mundial “Momentos en el viento” en el Teatro Principal, los días 24, 25 y 26 de enero. Pero en aquella urbe cubana no solo aplaudían los moradores sino además un cúmulo de personas de otras provincias y de otros países que viajaron expresamente por el placer de ver la nueva obra de Ruiz, y a la fabulosa compañía de danza contemporánea Endedans.

“Estos increíbles bailarines han bailado esta noche con un corazón bien grande”, exclamó el coreógrafo nacido en Cuba y residente en los Estados Unidos desde hace tres décadas, tras concluir el primer día de función.

El público ovacionó varios minutos al creador, a los artistas, a la directora de Endedans, Tania Vergara, y a la asistente del coreógrafo, Maisnely Lavín, quien en la primera parte del espectáculo impactó por su trabajo de introspección en “Las Bernaldas; el entierro de la vida”. Esta obra, es una propuesta de Vergara para comprender a la severa Bernalda Alba de García Lorca.

Otras dos piezas muy poéticas de la coreógrafa camagüeyana completaron el programa: “La muerte del hombre” y “A los confines de la tierra”, ganadora del Premio Iberoamericano de Coreografía en 2008. Pero el suceso que convocó a tantas personas en aquella provincia de la región central de Cuba, ubicada a unos 500 kilómetros de La Habana, fue el estreno del exbailarín principal del Ballet Hispánico de los Estados Unidos.

Ruiz nunca había pisado Camagüey hasta que el crítico de arte Luciano Castillo lo instó a conocer a Endedans, durante una recepción de la Misión Permanente de Cuba ante Naciones Unidas. A su arribo a la ciudad, el viento abrazador lo llevó en direcciones inesperadas y esas sensaciones que experimentó por las calles demasiado estrechas y laberínticas dieron alas al creador.

“Momentos en el viento” recoge con exuberancia la perspectiva del profesor del colegio universitario Marymount y de la Ailey School, que dice no poder explicar por qué sentía tan mediterráneas las calles intrincadas y las brisas dulces, casi intoxicantes de Camagüey.

“Era como estar dentro de una exhibición con paredes móviles que iban cambiando de lugar en cuanto yo giraba mi cabeza. Los colores de los edificios, la sensación de los adoquines bajo mis pies, la cara expectante de un niño corriendo hacia su madre, las risas y miradas intensas de dos amantes sentados hambrientos en un café, una calle y tantos corazones latiendo y confundiéndose el uno con el otro, siempre descubriendo un nuevo momento en el viento”, apuntó y justo esto tradujo en gestos.

Ali Hamouni diseñó la escenografía ideal, cuatro piezas o fragmentos de paredes de distintos colores con pedazos de ventanas, mosaicos y el deterioro natural de las calles cubanas que en muchas casas deja entrever los ladrillos.  El desplazamiento de estos segmentos por los bailarines en el transcurso de la obra comunicó la dinámica exacta padecida por los caminantes en la ciudad.

El trío de Lisandra Gómez, Jesús Arias y Eliosmayquer Orozco reforzó la sensualidad presente con naturaleza en toda la obra sin pizca de vulgaridad o exceso. Mientras el dúo de Osmary Osipina y Zamyl Nápoles refirió intensidad y cierto soplo de rudeza en la relación íntima. Los artistas dieron vida a sensaciones. Vale destacar que en la cohesión lograda incidió la excelente labor de partenaires de los varones.

La compañía en pleno articuló ritmo, expresividad, virtuosismo técnico y un final eminentemente plástico, digno de esta ciudad que, a diferencia de otras del país, vive sin la presión de embates marítimos. La iluminación de Kyle Rosenberg y Duniesqui Eng ayudó a dar matices cálidos en adecuado contraste con la selección musical de composiciones de Kronos Quartet, Jammie Lamm, Boikutt (Ramallah Underground) y Federico Chopin.

En “Momentos en el viento” Pedro Ruiz lleva cualidades de una ciudad a la danza. Foto: Gabriel Dávalos. Gentileza Endedans.

Los bailarines de Endedans parecen emerger de las fisuras de las edificaciones y de entre los barrotes de las grandes ventanas enrejadas para regalar una noche tropical en la que daría gusto perderse. El entrenamiento clásico dio solidez al desempeño, tal y como le gusta al coreógrafo que valida al ballet como base más poderosa para el ulterior desdoblamiento de un danzante.

“Este trabajo tan intenso ha llevado magia a mi corazón”, confesó Ruiz satisfecho tras la primera puesta.
Este creador cuenta con obras montadas en el Joffrey Ballet, Luna Negra de Chicago, el New Jersey Ballet y Dance Theatre of Harlem, entre varias instituciones norteamericanas. En su país natal, hizo una coreografía en 2011 para Danza Contemporánea de Cuba y otra para la compañía Danza del Alma, de Santa Clara.

Tras su colaboración con Endedans, Ruiz espera la apertura de nuevas puertas en la isla para emprender una aventura coreográfica.

En “Danzón”, de Eduardo Vilaro, Paquito D’Rivera y Mario Ismael Espinoza hacen un dúo de música y danza en el Kennedy Center de DC. Foto: Christopher Duggan. Gentileza JFKC.

Silencio y movimiento. Tres parejas de bailarines generan ritmos y sonidos a través de sus propios cuerpos. Después, la música y la voz, incomparable, de María del Mar Bonet. Sumergidos en “Jardí Tancat”, una de las primeras obras del español Nacho Duato, los bailarines del Ballet Hispánico muestran una atractiva musicalidad y destreza que atrapan.

El jueves 5 de diciembre, la troupe dirigida por el cubano Eduardo Villaro, marcó su paso por el escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center de Washington, DC. El vienes 6 volvió a repetir un programa en el que predominaron obras de matiz contemporáneo, apoyadas en partituras más populares que clásicas.

La obra de Duato, estrenada en 1983 por el Nederland Dans Theater, pasó a formar parte del repertorio del Ballet Hispánico desde abril de este año. Cargada de melancolía, “Jardí Tancat” refleja las plegarias que los campesinos realizan esperando la lluvia.

Intensa y comprometida la interpretación de Alexander Duval, Min-Tzu Li, Joshua Winzeler, Kimberly Van Woesik, Marcos Rodríguez y Vanessa Valecillos, quienes, por momentos, parecían salidos de las filas de la Compañía Nacional de Danza de España, que durante más de 20 años dirigió Duato.

Es precisamente la convicción, el buen nivel técnico y la calidad en la interpretación lo que distingue al Ballet Hispánico. Estas características son las que precisamente sustentan obras que tal vez no sean extremadamente logradas desde la estructura coreográfica como “Sortijas”, de Cayetano Soto y el nuevo trabajo de Annabelle López Ochoa, “Sombrerísimo”.

“Sortijas”, un dúo, magníficamente realizado por Lauren Alzamora y Jamal Rashann Callender, es una obra que, apoyada en los efectos de luces y en un clima misterioso, muestra una sucesión de pasos, movimientos y desplazamientos que, sin la subyugante música de Lhasa de Sela, podría haber sido parte de una improvisación de gimnasia rítmica.

Por su parte, la pieza de López Ochoa recurre, en el comienzo, a sonidos de la calle y luego va mezclando ritmos de jazz latino y fusión. La coreógrafa se enfoca más en aspectos teatrales y expresivos, logrados maravillosamente por los bailarines a través de gestos y posturas corporales.

“Sombrerísimo”, más allá de ser conceptualmente una exploración al individualismo –tal como lo indica el programa de mano– podría considerarse una indagación a las posibilidades del movimiento y una búsqueda de formas en cuanto al trabajo con elementos. Los bailarines juegan con sus cuerpos y con los sombreros que llevan en sus cabezas, pero el mensaje se desvanece dentro de una búsqueda que no acaba de concretarse a nivel coreográfico.

El plato fuerte del programa vino con Eduardo Vilaro y su “Danzón”, cuyo protagonista principal fue Paquito D’Rivera y su ensamble que abrieron con un derroche de talento y ritmo. Apagón. Y en medio de la oscuridad y el silencio, los bailarines entran a escena para dejarse sorprender por la música desbordante y arrolladora.

D’Rivera juega, disfruta con esta combinación magnífica que mezcla los bailarines con los sonidos en vivo de su banda. Por momentos, el “gran Paquito”, se incorpora al espacio de la danza y hace un deslumbrante contrapunto solista con Mario Ismael Espinoza, un bailarín cuya flexibilidad y musicalidad le permiten encontrar, con éxito, los extremos. Un momento delicioso en el que la improvisación, la sutileza, el diálogo entre los sonidos y el movimiento se convierte en algo mágico. Ambos se inspiran y se potencian mutuamente hasta llegar a niveles absolutamente subyugantes.

Las secuencias de grupo, los dúos, tríos y solos se suceden en este “Danzón” que, con Paquito D’Rivera y la energía de los bailarines de la compañía fundada por Tina Ramírez se convierte en un cóctel molotov.