El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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Integrantes del Alvin Ailey American Dance Theater, dirigido por Robert Battle interpretarán “Dancing Spirit” de Ronald K. Brown. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Cinco de las compañías de danza más emblemáticas de Nueva York regresan para la tercera edición anual del BAAND Together Dance Festival, un encuentro gratuito con la danza y el arte al aire libre, que forma parte del Summer for the City del Lincoln Center.

Del 25 al 29 de julio, el Ballet Hispánico, Alvin Ailey American Dance Theater (AADT), American Ballet Theatre (ABT), New York City Ballet (NYCB) y Dance Theatre of Harlem presentarán una diversidad de propuestas en una programación que reúne la quintaesencia del estilo y la brillantez de cada compañía. A su vez, el Ballet Hispánico, dirigido por Eduardo Vilaro, propone para este encuentro un estreno mundial: “Pas de O’Farill” de Pedro Ruiz, un nuevo dúo con bailarines del Ballet Hispánico y el New York City Ballet, encargado por el Lincoln Center for the Performing Arts. Esta obra es un homenaje al creador del jazz latino, Arturo O’Farill. Con este objetivo el coreógrafo Pedro Ruiz retoma la forma clásica del ballet y la fusiona con el movimiento y las esencias del legado de la diáspora afrocubana. El dúo busca sumergir la técnica clásica con la voz “latinx” y ampliar la idea de lo que es y puede ser el ballet.

Cada tarde, una de las compañías llevará al campus su particular estilo de enseñanza con un taller educativo diario. La serie ofrecerá una variedad de estilos de enseñanza y formas de danza, apropiados para todas las edades y capacidades.

Desde 2021, año de lanzamiento del BAAND Together Dance Festival, Chanel es el principal patrocinador. Una organización que ha transitado un largo camino apoyando las artes escénicas, y sigue rindiendo homenaje al compromiso de su fundadora, Gabrielle Chanel. La casa de modas está también asociada con los Premios Nijinsky en Mónaco, y patrocina la gala de apertura de la Ópera de París y del Ballet de la Ópera de París. Este es el tercer año que el Festival cuenta con el apoyo de Chanel, colaboración que refleja su larga tradición de mecenazgo en el mundo de la danza, que se prolonga desde hace más de un siglo.

“El Festival de Danza BAAND Together es un testimonio de la vitalidad y diversidad de la comunidad de danza de la ciudad de Nueva York. Estamos encantados de volver con un programa espectacular que presenta a las compañías de repertorio de esta ciudad que son las más veneradas internacionalmente. El programa de este año pone de relieve las visiones innovadoras que han hecho de la ciudad de Nueva York la capital nacional de la danza”, declararon en forma unánime los directores de las compañías que participan de BAAND.

De esta forma, Robert Battle por AADT, Susan Jaffe por ABT, Vilaro por el Ballet Hispánico, Robert Garland por el Dance Theatre of Harlem y por el NYCB, su director artístico, Jonathan Stafford, y su directora artística asociada, Wendy Whelan, coincidieron en la importancia de llevar la danza a las calles.

Además de las representaciones y los talleres, el Lincoln Center for the Performing Arts habrá mesas redondas antes de la representación del 26 de julio, como parte del anunciado proceso de planificación participativa para ayudar a reimaginar la parte de su campus de Amsterdam Avenue con el fin de crear un mayor acceso. Se anima a todos los neoyorquinos a dar su opinión.

El Ballet Hispánico sube a escena “Línea Recta”, una obra de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Fechas y horarios

Martes, 25 de julio de 2023 a las 7:30 pm

Miércoles, 26 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Jueves, 27 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Viernes, 28 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Sábado, 29 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Programa

Ballet Hispánico – Línea Recta by Annabelle Lopez Ochoa

American Ballet Theatre – Other Dances by Jerome Robbins

Dance Theatre of Harlem – Nyman String Quartet No. 2 by Robert Garland

World Premiere of Pas de O’Farill by Pedro Ruiz, a collaboration between Ballet Hispánico & New York City Ballet

Alvin Ailey American Dance Theater – excerpt of Dancing Spirit by Ronald K. Brown

New York City Ballet – The Times Are Racing by Justin Peck

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Viengsay Valdés (en “Carmen”), ganó el Premio Positano de la Danza Léonide Massine por su técnica virtuosa e intensa presencia escénica. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El sábado 5 de septiembre a las 8 pm hora de Italia, el Premio Positano de la Danza Léonide Massine tuvo una nueva edición en medio de una pandemia mundial que quebró tradiciones, festejos en vivo y expectativas. No obstante, y más allá de COVID-19, en la Iglesia de Santa Maria Assunta se celebraron algunos actos en directo y otros virtuales.

En esta edición 2020, la tradicional gala en la gran playa con vistas a la isla de Li Galli, amada por Léonide Massine y Rudolf Nureyev, no encontró su espacio, pero de igual manera la danza siguió en pie en una suerte de abrazo virtual desde Nueva York a Moscú, desde Cuba a Londres. Los organizadores recopilaron mensajes en videos de cada ganador y un clip con algunos momentos de actuaciones relevantes.

Los premios principales de la danza fueron para el inolvidable Anthony Dowell y para la cubana Viengsay Valdes, sucesora de Alicia Alonso en la dirección del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

Al anunciar la decisión, el jurado de este galardón -uno de los más antiguos y prestigiosos del mundo- consideró a Valdés heredera artística de la prima ballerina asssoluta Alicia Alonso.

Bailarina de alto nivel académico, de técnica virtuosa e intensa presencia escénica, intérprete de los grandes roles del repertorio clásico, fueron las razones argumentadas por el tribunal presidido por el director de la revista internacional BALLET2000, Alfio Agostini.

También el jurado reconoció que durante un tiempo Valdés se unió a Alicia Alonso en la dirección del BNC y, a partir de 2019, asumió el cargo de directora artística. Este galardón es también un homenaje a la memoria de Alicia Alonso, leyenda del ballet mundial hasta su muerte en octubre del año pasado, a los 99 años, apuntó el texto oficial.

Entre los bailarines hispanos que recibieron este premio en la edición 2020 figuran el cubano Alejandro Virelles, actualmente primer bailarín del Staatsoper de Berlín, Alemania, y el español Roger Cuadrado, solista del Ballet Nacional Checo.

El Premio Positano de la Danza “Léonide Massine” es uno de los máximos reconocimientos a los que puede aspirar un bailarín y se originó en la costa de la ciudad italiana de Positano por ser un destino que cautivó a muchas celebridades del ballet del siglo XX.

Figuras excepcionales fueron distinguidas con este premio, entre ellas, Carla Fracci, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Maurice Béjart, Vladimir Vasiliev, Natalia Makarova, Alessandra Ferri, Mats Ek y Ana Laguna. Igualmente lo obtuvieron Eleonora Abbagnato, Manuel Legris, Roberto Bolle, Uliana Lopatkina, Tamara Rojo, Ivan Vassiliev, Natalia Osipova, Yuri Grigorovich, Vladimir Vassiliev y Alicia Alonso.

Este año, el jurado decidió conceder el premio especial por trayectoria a Sir. Anthony Dowell, a quien describen como “danseur” noble por excelencia y el más grande bailarín clásico inglés de su generación. Dowell fue director artístico del Royal Ballet de Londres durante 15 años hasta 2001 y se mantiene activo como maestro y asesor artístico.

El jurado estuvo integrado por Nina Loory (directora artística del Premio Benois de la Danse, Moscú), Brigitte Lefèvre (ex directora del Ballet de la Ópera de París y directora artística del Festival de Danza de Cannes), Laura Valente (directora general del  Premio Positano de la Danza). Lo completaron los críticos de danza Roger Salas, de El País, España; y Valeria Crippa, del diario Il corriere della Sera, editado en Milán, Italia.

Viengsay Valdés y los bailarines del Ballet Nacional de Cuba acompañan a líder y mentora considerada una de las grandes bailarinas del siglo XX. Foto gentileza BNC.

Con honras fúnebres nacionales y manifestación popular de duelo en las principales arterias de La Habana, los cubanos dieron el último adiós, con lágrimas y vivas a su admirada, inconmensurable e irrepetible prima ballerina assoluta, Alicia Alonso (née, Alicia de la Caridad Martínez del Hoyo -21 de diciembre de 1920-19 de octubre de 2019), considerada como la última diva de la danza del siglo XX.

Una extraordinaria capilla ardiente, presidida por la enseña en nacional, fue instalada en medio de hermosas y espléndidas decoraciones florales con predominio de sus rosas favoritas, al pie de la importante escalinata de mármol del gran vestíbulo de la Sala Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana, que hace pocos años fue bautizado pertinentemente “Alicia Alonso”. Allí estaba la diosa de la danza “dormida” en su magnífico ataúd plateado, ataviada con un soberbio vestido y bandeau de su color favorito, el azul del cielo de su amantísima patria. (Viene a colación, un apotegma que utilizó en varias entrevistas: “el arte no tiene patria pero el artista sí”).

Con emoción visible -durante ocho horas-, un desfile de admiradores y personalidades formaron largas filas en las calles aledañas al coliseo habanero para ingresar al recinto y ofrecerle su silencioso tributo con flores y un beso al vuelo. Apreciamos entonces la diversidad e inclusión de estos, desde diplomáticos, miembros del clero secular, militares, amas de casa con sus niños, funcionarios, obreros, ancianos hasta con discapacidades motoras, y esa diversidad que tiene nuestro pueblo. Seguramente algunos no vieron bailar a la Alonso, mas era su icono o paradigma nacional.

La salida del cortejo fúnebre estaba fijada a las cuatro de la tarde, para dirigirse al Cementerio Colón donde sus restos mortales reposarían finalmente en humilde panteón de granito, junto a los restos de sus progenitores. Seis elegantes jóvenes solistas del BNC tuvieron el privilegio de llevarla en andas con sutil marcialidad hasta las grandes puertas principales del imponente coliseo del antiguo Paseo del Prado, arropados con la música de Adam correspondiente a la escena final de su antológica versión de “Giselle”. Momento indescriptible cuando la multitud que esperaba en las aceras del parque Central estalló al unísono con aplausos y ovaciones de viva Giselle-Alicia. Luego, conmovedoras escenas se repitieron a lo largo de los varios kilómetros del trayecto de los coches fúnebres, previamente elegido para llegar hasta su última morada.

Otra multitud de pueblo esperaba su arribo en el principal campo santo habanero; rompiendo a su entrada el ominoso silencio reinante con aplausos y vivas -esta vez no hubo ingreso en la Capilla central para efectuar el acostumbrado responso en el rito católico, siempre que los familiares lo soliciten previamente-, hasta llegar a la tumba familiar. La ceremonia dio inicio con las notas del Himno Nacional, cantada por todos los presentes, acto seguido la brillante facundia oratoria del Dr. Eusebio Leal, Historiador de la Ciudad de La Habana, nos embargó en la tristeza pero nos despertó la contradictoria sensación que produce la despedida de los que alcanzan por sus méritos la inmortalidad: la diva con su gloriosa y triunfal trayectoria artística entre los vivos, “ahora ya marcha hacia el olimpo” dijo Leal. Presentes estaban su esposo, el Dr. Pedro Simón, director del Museo nacional de la Danza, su nieto Iván Monreal, bailarín y profesor de ballet y una de las hijas de éste, así como el actual Ministro cubano de cultura.

No debo olvidar un bien pensado detalle previsto para estas Honras Fúnebres, al tratarse de la despedida física de una excelsa bailarina: la presencia constante -en el velatorio- de la música a través de la Orquesta sinfónica del GTHAA, con su director titular Giovanni Duarte, y el apoyo exquisito de algunos de los primeros solistas del Teatro Lírico Nacional, nos entregaron escogidos temas de las óperas favoritas de la Alonso, así como archiconocidos fragmentos de los grandes ballets clásicos que siempre llevarán la indeleble impronta de cubanía de esta excepcional intérprete.

Mito y leyenda 

Toda esta conmoción cultural acontecida en el archipiélago cubano, con la desaparición física de una personalidad de la luz, que no deja de irradiar como ha sido Alicia Alonso, ha sido bien sustentada por el aluvión justificado de obituarios y artículos en los medios de comunicación del orbe, tanto los especializados como la gran prensa y las agencias informativas globales. Pudiera objetarse el tono apostrófico y reiterativo, y hasta pifias históricas, de algunos de éstos, con tópicos trillados al intentar desentrañar la magnitud de este “fenómeno” que emergió y se desarrolló en una pequeña isla del Caribe, por los años 20 de la pasada centuria, hasta convertirse -tras un largo recorrido de 98 años-, en la última diva de la danza del siglo XX (cubana y universal).

Fue el resultado del consiguiente y consecuente rigor y disciplina del trabajo cotidiano en los salones de clases y ensayos, al recibir los legados técnico-estilísticos de los entonces grandes maestros del género, tales como Michel Fokine, Anton Dolin, Antony Tudor, George Balanchine, por  solo mencionar los más próximos, además los iniciáticos como Yavorsky o Fedorova. De ellos aprendió cómo interpretar los diferentes estilos; cómo administrar adecuadamente las energías; cómo oxigenar óptimamente el cuerpo y los músculos con métodos probados de manera empírica; la atención precisa para respetar la musicalidad según los tempos de una masa orquestal bien dirigida. Todo ello fue transmitido por la Alonso a las generaciones sucesivas de bailarinas y bailarines, con la contribución fundamental de los hermanos Fernando y Alberto Alonso, dando por creación conjunta el “milagro” de una nueva escuela de danza clásica en este lado de la luna: la Escuela Cubana de Ballet. Logros probatorios de su eficacia formativa fueron certificados con la lluvia de medallas de oro, plata o bronce ganadas en buena lid por los danzantes cubanos en los más importantes concursos de ballet de Europa o Estados Unidos. La cumbre de su reconocimiento mundial ocurrió con el otorgamiento del Grand Prix de la Ville de Paris a Alicia Alonso por su interpretación y puesta en escena integral del ballet “Giselle”. El Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio la versión cubana de esta icónica pieza -que tuvo su premier mundial en 1841 por Carlota Grisi y el corps de ballet del teatro principal de la Ciudad Luz-, que la mantuvo en cartel durante una década.

Recordemos, por supuesto, los avatares personales para conducir y desarrollar su carrera en los Estados Unidos junto con Fernando Alonso en la School of American Ballet y luego su paso al cuerpo de baile del Ballet Theatre, con Lucia Chase al frente; el nacimiento prematuro de su hija Laura y, cuando comenzaba su ascenso a los primeros rangos del que luego fue ABT, sucede el lamentable accidente ocular del desprendimiento de retina en su período veinteañero. Recuperada, tras un reposo absoluto de poco más de un año, Alicia Markova enferma la eligió como la única solista capaz de remplazarla en “Giselle” junto a su primer partenaire:  Anton Dolin.

Fue su primer gran triunfo en la escena del viejo Metropolitan Opera House , si tenemos en cuenta los elogios de los más importantes críticos de danza de aquel momento. Sobresaliente fue su memoria, como es reconocido públicamente por sus colegas estelares en el conjunto neoyorquino: era posible que Alonso bailara hasta tres diferentes obras coreográficas en un mismo programa para cada función según comentara su entonces colega Agnés de Mille.

La ceguera progresiva nunca la arredró ante la ejecución de nuevas obras o experimentar con nuevos compañeros de baile y coreógrafos. Siempre se las arregló para solucionar los posibles obstáculos en un nuevo baile o escenario. Cuando se aproximaba a la ceguera casi total, jamás aceptó se cambiara una producción o puesta en escena para evitarle un posible accidente en público: ella se reajustaba con nuevos movimientos, giros o saltos con ayuda de su compañero de baile al uso. Para los montajes de sus coreografías concibió un ingenioso sistema a base de cerillos y sus cajitas de cartón, y sus diseños eran asumidos por los respectivos asistentes.

Más allá de detalles acumulados a través de varias décadas, deseo plasmar su espíritu arriesgado para incursionar en otras manifestaciones ajenas a la danza clásica, era  un afán de conocimientos sin límites, que muchas veces incorporaba a su labor creativa: por ejemplo, participar en expediciones espeleológicas, tratar de conocer los avances en los viajes al cosmos; los éxitos olímpicos de los atletas cubanos; las búsquedas creativas por los más destacados artistas de las artes visuales del país, entre otras
Además de sus incursiones en temas insospechados por el público balletómano: su amor a los animales domésticos particularmente los perros ( su padre fue médico en veterinaria, particularmente de la rama equina militar).

Alicia Alonso, según sus discípulos

Durante las penosas horas del adiós, tres destacadas figuras del ballet cubano confiesan su fidelidad y reconocimiento a la gran maestra. Viengsay Valdés, hace unos meses nombrada subdirectora artística y a la aurora de tomar las riendas de la compañía, nos desvela con franqueza sus sentimientos: “Hoy siento el deber y el compromiso aun más fuerte con su legado artístico. Sus consejos tan acertados en cada momento… Los que conocimos su obra y su pensamiento, nos sentimos en el deber de transmitirlo para que se mantenga vivo su ideario… La constancia, la exigencia, la calidad interpretativa y técnica, la pasión por la danza –contagiosa- y la determinación de Alicia, son cualidades que pocas personas reúnen… Todavía con 74 años su agilidad del movimiento de sus pies era asombrosa, cuando la vi haciendo sola la barra y un pianista tocando algunas melodías”.

Por su parte, la primera bailarina Anette Delgado comentó: “…Es difícil decirle adiós a esta gran mujer que junto a Fernando y Alberto Alonso crearon algo tan grande como la Escuela cubana de ballet, que gracias a su empeño por llevar la danza a todos los rincones de esta Isla me permitió llegar a ser la artista que soy hoy en día… Doy gracias a la vida por permitirme y permitirle a tantas generaciones de bailarines llegar a estar a su lado, escucharla, aprender y adquirir sus conocimientos, entender la razón del por qué y para qué danzamos…seguirá siendo nuestro faro… su lucha incansable y su perseverancia ante cualquier  dificultad, su afán por poner en lo más alto el nombre del BNC y la danza a nivel mundial”, concluyó.

El reconocido bailarín Carlos Acosta, estaba con su compañía Acosta Danza en gira por Asia cuando recibió la infausta noticia, y envió este mensaje, del cual damos a conocer algunas líneas.

“No puedo dejar de pensar en todo lo que le debemos, en el extraordinario legado que Alicia nos ha dejado. Siendo hija de una pequeña isla del Caribe, Alonso se impuso a todas las barreras de los que decían que el ballet era un arte de países desarrollados, que el físico y el temperamento latino no se ajustaba a los requisitos de la danza clásica. Todos estos prejuicios fueron demolidos cuando Alicia Alonso entró en escena.

…Tuve la dicha de bailar con ella. En otro momento tuve el privilegio de que me tomara ensayos en “El espectro de la rosa”, de Michel Fokine. Fue una experiencia inolvidable… Ese día quedé deslumbrado por sus conocimientos y su memoria (como lo estuvo Agnes de Mille), y por el recuerdo de esas historias lejanas que al ella contarlas se hacían tan cercanas… Junto a los artistas de Cuba seguiré trabajando para que nuestro país siga creciendo. Creo que esa es la mejor manera de honrar su nombre”, sentenció Acosta al finalizar su mensaje.

Nunca será ocioso retornar al magisterio martiano, para ello lo cito: “la muerte no es verdad cuando bien se ha cumplido la obra de la vida”.

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“La Sylphide”, en versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller, tendrá a Ludmila Pagliero y a Gregoire Lansier en los roles protagónicos. Foto gentileza Ballet del Sur.

La joven bailarina que en 2005 se convirtió en la primera argentina en unirse al Ballet de la Opéra de París y en 2012 fue consagrada étoile de la legendaria compañía francesa, se presentará el sábado 22 de julio en Bahía Blanca; el 28 y el 29 de julio en dos únicas funciones en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, y el 4 y 5 de agosto, en El Frutillar, Chile.

Con la participación del Ballet del Sur dirigido por Ricardo Alfonso, Pagliero bailará “La Sylphide”, en versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller sobre la original de August Bournonville. El resto de los roles principales lo cubrirán Gregoire Lansier (James), Carolina Basualdo ( Effie, sobrina de Anne y prometida de James), Magda, la hechicera (Ricardo Alfonso) y Gorky Flores, como Gurn.

Esta pieza, una de las más representativas del ballet romántico, tiene libreto original de Adolphe Nourrit, inspirado en “Trilby”, un cuento de Charles Nodier. La primera versión, con coreografía de Filippo Taglioni, fue estrenada en la Ópera de París en 1832, con Marie Taglioni en el rol principal, junto a Joseph Mazilier y Lisa Noblet en los co-protagónicos. Esta fue la primera vez que Taglioni empleó la técnica de puntas.

“La Silphide” cuenta la historia de James, un joven escocés ya comprometido para casarse con Effie, que es amado por una sílfide a la que sólo él puede ver. El día de su boda, ella se apodera de la alianza de la novia y corre a esconderse en el bosque. James la persigue y deja a su prometida esperándolo. Ya en el bosque se encuentra con la hechicera a la que había rechazado, dispuesta a vengarse del joven.

Ludmila Pagliero, galardonada con el grado de Chevalier des Arts et des Lettres, fue la primera argentina en unirse al Ballet de la Opéra de París. Foto gentileza Ballet del Sur.

La versión de Bournoville, estrenada en 1836, para el Royal Danish Ballet, es la única que aun permanece, ya que ha quedado como parte del repertorio permanente de la compañía danesa. La de Taglioni, en cambio, dejó de representarse hasta que Pierre Lacotte pudo recomponerla a través de documentos, dibujos y material de archivo de la época, y se volvió a estrenar en 1972 en la Ópera Nacional de París.

Recién galardonada en Rusia con el máximo premio a la danza, el Benois de la Danse, Pagliero se presentó recientemente en Japón, y en abril, estrenó un programa contemporáneo junto al ballet de la Opera de Paris que estuvo dedicado a creaciones de Merce Cunningham y William Forsythe. Cabe recordar su trabajo junto al coreógrafo norteamericano en la temporada 2016 cuando formó parte de su última obra, “Blake Works I”, estrenada en julio.

La última presentación de Pagliero en la Argentina fue en noviembre de 2016, cuando bailó “La Bayadera”, en el Teatro Colón. Ha sido galardonada con el grado de Chevalier des Arts et des Lettres, además de ser bailarina invitada en el Teatro Bolshoi de Moscú, el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, el Ballet Nacional de Kazakhstan y la Ópera Nacional de Lituania, entre otros

Información

“La Sylphide”

Ballet Romántico en dos actos
(Copenhagen, 20 de noviembre de 1836)

Versión coreográfica de Bernard Courtot de Bouteiller sobre original de A. Bournonville
Musica: H. Løvenskiold
La Sylphide: Ludmila Pagliero
James: Gregoire Lansier
Effie, sobrina de Anne y prometida de James: Carolina Basualdo
Magda, la hechicera: Ricardo Alfonso
Gurn: Gorky Flores
Anna, madre de James: Nataliya Gamon

El director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, junto a Aurélie Dupont y a Benjamín Millepie, en la conferencia de prensa del 4 de febrero en París. Foto: Christian Leiber. Gentileza de ONP:

A partir del 1 de agosto, una de las grandes “etoiles” del Ballet de L’Opera de París, Aurélie Dupont, será la nueva directora de la tradicional compañía francesa creada por el rey Luis XIV a mediados del siglo XVII. La decisión fue tomada por el director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, tras la renuncia del actual director, Benjamin Millepied. Lissner aseguró estar convencido de que Dupont, de 43 años, “va a aportar muchas cosas” cuando asuma el cargo.

El 4 de febrero el director del Ballet de la Ópera de París, Benjamin Millepied, presentó su renuncia al cargo de director de la compañía. Según trascendidos, la decisión surgió a raíz de una serie de desavenencias con la institución. Millepied, formado en el Conservatoire National en Lyon, hizo su carrera en los Estados Unidos, en el New York City Ballet, donde fue bailarín principal durante largos años.

Luego de su éxito como coreógrafo en la taquillera película “Black Swan”, y de su casamiento con la protagonista del film, Natalie Porter, Millepied fue nombrado para este cargo en enero de 2013, y asumió en noviembre de 2014. La elección de Millepied, en su momento, no dejó de causar cierta inquietud en el medio, ya que la orientación neoclásica del coreógrafo, no coincidía plenamente con el estilo tradicional de una de las pocas instituciones que ha podido conservar la tradición original. Pero al mismo tiempo, fue recibido con buenos ojos por las jóvenes generaciones de bailarines de la institución.

Millepied, nacido en Bordeaux, Francia, asistirá este miércoles 10 a la presentación de la nueva temporada 2016/2017, cuyo diseño y programación lleva su firma. El coreógrafo confirmó que su renuncia se debió a “razones personales” y reafirmó su necesidad de dedicarse a la creación. Todo indica que pondrá su energía en continuar trabajando con L.A. Dance Project, compañía que fundó en 2011 en Los Ángeles, Estados Unidos.

Dupont, que se despidió de la escena el 18 de mayo de 2015 con una última función de “Manón”, de Kenneth MacMillan junto al italiano Roberto Bolle, fue una de las figuras clave de la compañía. Pasó 32 años en la institución, y cuando apenas tenía 9 años ingresó a la escuela de la Ópera de París. La bailarina prometió en conferencia de prensa, entregarse a fondo en la tarea, de la misma manera que lo hizo cuando era bailarina.

La nueva directora entró a la compañía en 1989. Fue “premiers danseurs” en diciembre de 1996, y ascendió a “etoile” en 1998, luego de interpretar el personaje de Kitri en la producción de Rudolf Nuréyev de “Don Quijote”. Recibió el Benois de la Danse en 2001 por su rol de Nikiya en “La Bayadere”, de Nuréyev, y por e Titania en “Sueño de una noche de verano, de John Neumeier.

El Festival Internacional de Ballet de La Habana, fue bautizado con e nombre Alicia Alonso, directora del Ballet Nacional de Cuba (foto). Foto: Nancy Reyes.

La edición vigesimoquinta de la cita bienal de la danza mundial en la capital cubana, del 28 de octubre al 6 de noviembre próximos, anuncia desde ahora varias novedades y sorpresas en su programación. Antes que todo, el Festival Internacional de Ballet de La Habana, por decisión de su Comité Organizador ha sido bautizado con el nombre de Alicia Alonso, su presidenta e inspiradora fundacional. Como informaciones sustanciales de su probable variada cartelera llegan los avances de la presencia de una profusión de invitados del más alto nivel artístico, tanto nacionales como internacionales.

El historiador del Ballet Nacional de Cuba, profesor Miguel Cabrera, informó a los medios oficiales cubanos que “una de las coreografías que mayor expectativa pudiera suscitar es la que montará el bailarín y coreógrafo francés Benjamin Millepied, para el BNC”.

Benjamin Millepied y su esposa, la actriz Natalie Porter, con Alicia Alonso en La Habana. Foto gentileza BNC.

Millepied, el actual director de danza del Ballet de L´Opéra de Paris, visitó a fines de enero los salones de la Escuela Nacional de Ballet y la sede del BNC, donde asistió a un ensayo del segundo acto del ballet “Giselle”. Allí bailaron los primeros bailarines Anette Delgado y Dani Hernández, arropados por el cuerpo de baile femenino. Posteriormente, sostuvo un fructífero encuentro con Alicia Alonso, directora general del BNC, acompañado por su esposa, la laureada actriz Natalie Portman. Muy admirada por los cinéfilos de la isla por sus filmes “Closer”, “V de Vendetta” y su premiado “Cisne Negro”, en el cual Millepied fue asesor y coreógrafo de la mencionada película norteamericana.

El joven director de danza del Ballet de L´Opéra, cuyas funciones ejercerá hasta el 15 de julio, ya que acaba de renunciar, ha desarrollado una meritoria y meteórica carrera como coreógrafo. También tuvo un notable desempeño como “principal dancer” en el balanchiniano New York City Ballet, bajo la dirección de Peter Martins. Ante una inquisidora pregunta de la prima ballerina assoluta cubana al visitante francés: ¿cuándo tendremos un ballet suyo en el BNC? Siempre según Cabrera, prometió enviar a un ensayador y después vendría él, a pesar de su muy apretada agenda de trabajo en París.

También comentó el historiador que, con este fugaz viaje de ocio de Millepied a la capital de la isla mayor de las Antillas, se logró una conexión directa con Alonso: “el nombre de Alicia (Alonso) es muy respetado en la Ópera de París, y durante el encuentro, él confesó personalmente que tiene mucho interés en restaurar la versión de Alicia de “Giselle” en el repertorio activo del Ballet de L´Opéra”. Alonso, por invitación del entonces director del Ballet de L´Opéra, Raymond Franchetti, montó en los 70 del pasado siglo su laureada versión, asistida por la primera bailarina Josefina Méndez.

Igual que en otras ediciones precedentes de estos festivales, se ofrecerá como opción especial un curso de técnica de ballet para profesionales y estudiantes de nivel avanzado. Y como eventos paralelos, se realizarán exposiciones afines en galerías de la capital, y se brindarán conferencias, presentaciones de libros y ciclos de cine y vídeo.

La Compañía Nacional de Danza finalizó el espectáculo con “Minus 16″, una explosión de energía que conquistó al público de Biarritz. Foto: Jacobo Medrano. Gentileza de CND.

El primer espectáculo de la temporada 2015/16 llevó a la Compañía Nacional de Danza (CND), a la localidad vascofrancesa de Biarritz, que, estos días, apura las últimas jornadas de la vigésimo quinta edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Habiendo sido su actual director José Carlos Martínez étoile del Ballet de la Ópera de París durante quince años, las estrechas relaciones con todo el mundo de la danza francés son consustanciales, por eso, a nadie extraña que la primera actuación en el extranjero de la etapa de Martínez fuera en Biarritz o que Thierry Malandain, director del Ballet Biarritz y del Festival Le Temps d’Aimer la Danse, invitara a la CND en la edición de las bodas de plata del certamen.

Para esta ocasión, Martínez se decantó por un programa triple de corte contemporáneo, compuesto por piezas del coreógrafo norteamericano William Forsythe y de los creadores israelíes Itzik Galili y Ohad Naharin. Comenzó la velada con la obra “Sub” (2009) de Galili, una especie de enérgico combate masculino que reúne a siete bailarines en escena, ataviados con largas faldas y torsos desnudos. Las piezas del coreógrafo israelí suelen nutrirse de un lenguaje muy físico, casi cercano a una batalla campal o a una lucha de un arte marcial. De extremada exigencia física, requiere intérpretes con buen fondo físico para su correcto desarrollo. Por otra parte, concibe el dibujo escénico del movimiento de forma muy geométrica, tendiendo a las líneas cardinales puras, todo ello muy subrayado por una iluminación de mínimos y certera, que acentúa el dramatismo y derroche energético de los intérpretes.

Considerado uno de los coreógrafos clave del último cuarto del siglo XX, el neoyorquino William Forsythe redefinió y exprimió la técnica clásica con modos muy contemporáneos, durante su etapa al frente del Ballet de Frankfurt (1984-2004). “Herman Schmerman” (1992), creada para el New York City Ballet, es un buen ejemplo de cómo emplear la técnica clásica y que su apariencia diste mucho del almibarado prototipo de tutú y zapatillas de punta. Se trata de una pieza sin argumento, más que la pura diversión de los intérpretes, en palabras del propio Forsythe. Construida en dos escenas, comienza con lo que podría ser el cuerpo de baile y finaliza con un paso a dos.

El espectáculo finalizó con la divertidísima “Minus 16” (1999) de Ohad Naharin, creada para Nederlands Dans Theater II. El israelí es el padre de la técnica gaga, gracias a la que los bailarines ganan autoconciencia de su cuerpo y aprenden a escuchar su propio movimiento, de forma que consiguen mayor fluidez. En el caso de la pieza con la que la CND finalizó su actuación, la nota más característica es su eclecticismo tanto en la calidad y estilo de movimiento como en el collage musical que acompaña a la obra: desde “Stabat mater” de Vivaldi a una versión tecno de “Somewhere over the rainbow”. La obra se compone de varias escenas, alternando fragmentos de mayor seriedad, con otros más desenfadados, en los que incluso los bailarines suben a escena a varios espectadores.

El público biarrota recibió con ganas a la CND, tras la buena imagen dejada en su actuación de 2012. Hace días que las entradas se agotaron y no cabía ni un alma más en la Gare du Midi. Siendo el primer espectáculo de la temporada para el grupo de Martínez, la compañía demostró profesionalidad y oficio en unas obras en las que se destacó su vertiente contemporánea. Muy aplaudidos en cada pieza, el final con la entretenida interacción con los espectadores, provocó muchas situaciones cómicas y consiguió una destacada salva de aplausos, con gran parte del patio de butacas en pie. Para la temporada 2015/16, el gran caballo de batalla de José Carlos Martínez es la puesta en escena de un ballet clásico íntegro, habiendo sido el escogido “Don Quijote”, que subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela, el 16 de diciembre. Visto que en los programas mixtos -de corte más clásico, neoclásico o contemporáneo- la CND se desenvuelve con soltura, queda abordar ese gran clásico que sería deseable que no quedara en una quijotada.

Una lluvia de flores, lágrimas, abrazos y reverencias para la despedida de Paloma herrera del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Cuando Paloma Herrera anunció el año pasado que 2015 sería su último año como bailarina, quedó un profundo silencio contenido. Y de alguna manera, dio paso a pensar que se estaba extinguiendo una generación de bailarines que hicieron honor a la profesión y a la cultura del trabajo, más allá del arte y de los dones naturales.

A teatro lleno, Herrera dejó su último suspiro en el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York el 27 de mayo, y se fue, quizás, en el mejor momento de su carrera. También cerró su última temporada con el American Ballet Theatre (ABT), compañía donde creció y se formó como profesional desde los 15 años.

La audiencia, vio la última “Giselle” de Paloma Herrera, junto al italiano Roberto Bolle. Una “Giselle” que quedará en la retina, en el corazón y debajo de la piel de cada uno de los espectadores.

Así como en 2007 Bolle acompañó en su despedida del Metropolitan a Alessandra Ferri, y como hace pocas semanas fue partenaire de Aurelie Dupont en su adiós al Ballet de la Opera de París, esta vez, fue el elegido de Herrera.

Paloma Herrera y Roberto Bolle, protagonistas de “Giselle”, en la función del 27 de mayo, matiné. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Y si la “Giselle” del año anterior con Cory Stearns fue memorable, la “Giselle” con Bolle fue, sencillamente, gloriosa. De esas funciones que se convierten en algo inolvidable, y donde las emociones, también son inolvidables. Una bella y sutil mezcla de arte, perfección técnica y talento.

En su Giselle, Herrera supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más desoladora cuando advirtió, a través de Hilarion, el engaño de su amado. Terrenal, y etérea al convertirse en espíritu, la bailarina se sumergió dentro de su alma y desde allí dejó surgir a su Giselle.

El Albrecht de Bolle jugó como un adolescente en la primera parte hasta tomar conciencia del drama de la muerte de su amada. Y en la segunda, magnífico partenaire y hombre desesperado por la pérdida, cargó su culpa hasta la tumba de Giselle. Herrera y Bolle parecían respirar juntos en cada movimiento, en cada pasaje del pas de deux del acto blanco. Si hubiera una palabra que superara a “perfección”, ésa sería la que más se adaptaría a una descripción verbal.

Las imágenes que ambos bailarines lograron juntos, se quedarán en la memoria para siempre. Y más aún, los intensos y conmovedores sollozos de Bolle al caer desolado sobre las flores blancas que había depositado ante la tumba de su amada.

Bolle es uno de esos intérpretes que posee el porte justo para este personaje. Es un actor intenso, y un bailarín con estilo, líneas admirables, y técnica es impecable. Particularmente en aquella tarde, hizo un despliegue técnico asombroso con su serie de seis entrechats, que difícilmente haya superado algún otro bailarín.

Herrera deslizó con sutileza su delicada musicalidad, su cuidadoso trabajo de puntas con esos maravillosos pies, así como su indeleble port de bras. Su escena de la locura logró una intensidad veraz y arrolladora. Y sus variaciones, tanto en el primer acto como en el segundo, despertaron ovaciones sostenidas. Tierna y enamorada, Herrera, mostró, una vez más su impecable técnica, cuidada, depurada al máximo. Sólida, y casi transparente, en el acto blanco marcó sus perfectos equilibrios.

Bolle parece ser el elegido por las grandes bailarinas al retirarse. Hace algunas semanas acompañó a Aurelie Dupond en su despedida del Ballet de la Opera de Paris, y en 2007, lo hizo en el Met con la inolvidable Alessandra Ferri. Bailarín impecable, limpio, con un porte atractivo y una madurez actoral importante para este tipo de roles.

Ambos se robaron la escena con su magnetismo y su impecable trabajo. De haber bailado más tiempo juntos, se hubieran convertido en una de las inolvidables parejas de la historia de la danza. Y si existiera la pareja perfecta, ésta lo sería.

La versión del ABT, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios, que no siempre aparece en otras versiones. Sin embargo, en aquella tarde, la intensidad de los protagonistas obnubiló el resto de una puesta equilibrada y bella.

Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, al igual que en la función de 2014 con Herrera-Stearn, combina con acierto la actuación sin exageraciones y su calidad como bailarín.

No obstante, hubo otros bailarines que quisieron compartir esta última función de “Paloma”, como le gritaba, incansable, el público desde la platea. La argentina Luciana Paris, que a la noche hizo Moyna, en la función de despedida de Xiomara Reyes, fue Bathilde, la prometida de Albrecht que descubre, con indignación, la traición del conde con Giselle. Paris, además de ser una excelente bailarina –que merecería salir alguna vez de cuerpo de baile, ya que asume desde hace tiempo roles de solista–, también es una magnífica actriz. Y puso indignación y arrogancia a esta Bathilde, que generalmente, aparece desdibujada.

La indiscutible ballet mistress Susana Jones, también dio el presente en esta despedida como Berthe, la madre de Giselle. Al igual que Victor Barbee (Príncipe de Courland), director artístico asociado de la compañía y esposo de Julie Kent, otra de las tres grandes del ABT que se retira este año.

El cuerpo de baile hizo un bello acto  blanco, especialmente en la escena en que las Willis se desplazan al unísono, en arabesque penche. Skyliar Brandt, una joven y delicada bailarina, protagonizó un interesante pas de deux en el pas de paisanos. No así Arron Scott, su compañero, que marcó ciertas desprolijidades en los cierres.

Cuando terminó la función, el teatro se vino abajo en aplausos, flores que volaban desde la platea al escenario, pétalos que caían desde el techo, mientras cada una de las bailarinas del cuerpo de baile llevaba una flor blanca a los pies de Herrera. Uno a uno, sus compañeros, sus partenaires de muchos años, su preparadora, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, y su entrañable compañero de ruta, Ángel Corella, actual director del Pennsylvania Ballet, depositaron un enorme ramo de flores a los pies de la bailarina que, a esa altura, no podía contener su emoción. Y para el final, su madre, con un ramo de rosas blancas.

Detrás de la escena

Tiler Peck, del NYCB, en “Little Dancer”, en una producción del Kennedy Center que se presenta en el Eisenhauer Theatre. Foto: Matt Karas. Gentileza JFKC.

Una escultura, una bailarina, un artista amante de las formas y el movimiento, y una historia que devela ciertos misterios sobre un mundo que siempre despierta interrogantes. El John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC se ha lanzado con una propuesta audaz: el estreno mundial del musical “Little Dancer” en el Eisenhower Theater. La obra, que permanecerá en cartel hasta el 30 de noviembre, subió a escena el 25 de octubre a modo de prueba, y finalmente el estreno oficial para la prensa se realizará el jueves 20 de noviembre.

“Little Dancer”, que es una producción del Kennedy Center, tiene libreto y canciones de uno de los ganadores de los famosos premios Tony, Lynn Ahrens; música de otro ganador de los Tony, Stephen Flaherty, y la dirección y la coreografía son de la ganadora de cinco premios Tony, Susan Stroman. El musical, inspirado en la escultura “La Petite Danseuse de Quatorze Ans”, creada en 1881 por Edgar Degas, es una mezcla de ficción y realidad, y describe el verdadero mundo de las bailarinas detrás de la escena del Ballet de la Opera de París en el siglo XIX.

La bailarina que inspiró a Degas, y que posó para el artista, Marie van Goethem, se convirtió en una de las más famosas del mundo. La joven había nacido en 1865 dentro de uno de los distritos más marginados en París, en el que la prostitución y la pobreza eran protagonistas. Desde pequeña, se dice que frecuentaba la Taberna de los Mártires y el Rat Mort, donde conoció artistas y mecenas, personajes imprescindibles en aquellos tiempos para los artistas y aspirantes. Especialmente para las bailarinas de cuerpo de baile que pretendían ascender socialmente.

La pequeña bailarina de la Ópera de París tuvo una vida de infortunios, si bien quedó inmortalizada por la mano de Degas, en dibujos, pinturas y en esta escultura, elogiada y condenada, que ha inspirado este musical.

Degas tuvo a la danza como un tema recurrente tanto en sus cuadros como en sus esculturas. “La Petite Danseuse de Quatorze Ans”, fue concebida originalmente como un desnudo, y así fue anunciada en la quinta Exposición de Expresionismo en 1880. Sin embargo, la vitrina quedó vacía. Recién al año siguiente Degas decidió exhibir la escultura adornada con prendas de ballet, y dejó satisfecha a la crítica vanguardista.

El modelo original de cera se fundió en bronce en 1922 luego de la muerte del artista en 1917, y fue adquirido por Paul Mellon en 1956. A partir de 1985 la familia Mellon la donó a la National Gallery of Art de DC, junto con un grupo de 49 esculturas de Degas hechas en cera, 10 bronces y dos más en yeso. El grupo más grande de esculturas de este artista, entre las cuales se encuentra esta obra.

“La Petite Danseuse de Quatorze Ans”, cera amarilla, pelo, cinta, blusa de lino, zapatillas de raso, tutú de muselina, creada por Edgar Degas y exhibida en la National Gallery of Art (Washington)..

El elenco de “Little Dancer” incluye al ganador del Tony, Boyd Gaines interpretando a Degas; Rebecca Luker en el rol de Marie van Goethem adulta, y una de las bailarinas principales del New York City Ballet, Tiler Peck, como la joven Marie.

La escenografía es de Beowulf Boritt, el vestuario de William Ivey Long, la iluminación de Ken Billington, y el diseño de sonido de Kai Harada. Los arreglos coreográficos están a cargo de Sam Davis, y la orquestación, de Doug Besterman y Larry Hochman. Las proyecciones son de Benjamin Pearcy. Y Shawn Gough será el director de la Kennedy Center Opera House Orchestra.

En sus 44 años de existencia en el área, el Kennedy Center ha promovido más de 200 producciones teatrales, ballets, óperas y musicales. Co produjo “Annie”, el estreno en los Estados Unidos de “Les Misérables” y “Titanic”, y en los últimos 12 años produjo “Sondheim Celebration”, “Tennessee Williams Explored” (tres obras clave del dramaturgo), y otros. La producción de “Ragtime”, que luego fue a Broadway en 2009, recibió seis nominaciones para los premios Tony. De la misma manera que la producción de “Follies”, que llegó a Broadway en 2011, y luego fue un suceso en Ahmanson Theatre en Los Ángeles, recibió uno de los ocho Tony para los que estuvo nominada.

Paralelamente a las funciones del musical, el Kennedy Center organiza charlas relacionadas con el tema. El sábado 22 a las 12:00 PM, en el Grand Foyer se realizará una presentación sobre la vida de las bailarinas del Ballet de la Ópera de París, estableciendo las diferencias entre la actualidad y la época en la que Marie van Goethem bailó ahí. La charla estará a cargo de la crítica e historiadora Alexandra Tomalonis. Este evento es gratuito.

El domingo 23 a las 2 PM se realizará la charla Degas’s “Little Dancer Aged Fourteen” en la National Gallery of Art (6th and Constitution Avenue, NW, Washington, D.C.). Los disertantes serán Daphne Barbour y Shelley Sturman, del departamento de conservación del museo, y Alison Luchs, curadora de esculturas europeas. Este evento también es gratuito.

Información:

“Little Dancer”, hasta el 30 de noviembre en el Eisenhower Theater del Kennedy Center.
Funciones de martes a domingos a las 7:30 PM y matinés sábados y domingos a la 1:30 PM.
Entradas : (202) 467-4600 or (800) 444-1324.
www.kennedy-center.org
@kencen