La Compañía Antonio Ruz presenta “Pharsalia” basada en el único texto que sobrevivió de los escritos de Lucano hace más de veinte siglos. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El Premio Nacional de Danza de 2018 adapta el poema épico inacabado del cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, escrito en el siglo I. “Pharsalia” es la primera producción de gran formato de la Compañía Antonio Ruz, en coproducción con los Teatros del Canal, y llega en un momento relevante de su trayectoria con su estreno absoluto en la Sala Roja el 21, 22 y 23 de octubre.

Basada en el poema épico inacabado del escritor cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, Ruz ha concebido “Pharsalia” como un “canto antibelicista a la danza como arma de liberación y de energía salvadora”, en un tiempo en el que, de nuevo, la guerra, esta vez en Ucrania, se hace presente.

Como recuerda el propio Ruz, “la guerra nos acompaña desde el comienzo de las civilizaciones, está en la naturaleza humana el deseo y la ambición, lo que induce a la inseguridad colectiva y a la lucha. Es un proceso brutal y peligroso pero que forma parte de nuestra especie”.

No sabía entonces, cuando esbozaba las líneas de este proyecto a principios de 2021, que el conflicto bélico sorprendería al coreógrafo, Premio Nacional de Danza en 2018, en medio del proceso creativo. Había escogido una obra de un cordobés como él, pero que vivió en el siglo primero de nuestra era. Es el único texto que ha sobrevivido entre los que escribió Lucano hace más de veinte siglos, en cuyos diez cantos aborda la guerra civil entre Julio César y Pompeyo Magno.

De la dramaturgia de “Pharsalia” se ha encargado la actriz, bailarina, coreógrafa escénica Rosabel Huguet, quien ha concebido la obra en tres momentos: antes de la guerra, durante la guerra y tras la guerra, en los que plasma los sentimientos que suscita la contienda: del miedo al caos, de la amenaza a la anarquía, el exilio y la esperanza.

A partir de esta dramaturgia, el trabajo coreográfico de Ruz, según explicó, indaga en la idea de la guerra desde un enfoque alegórico, poniendo al cuerpo al servicio de conceptos cotidianos como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión.

“Pero el ser humano no se conforma con su estado de guerra -comentó-, y es ahí, cuando aparecen en escena los vestigios de la belleza, de nuestra esperanza. La violencia del mundo, el desasosiego y la constante lucha por la supervivencia, por un refugio ante la adversidad, se vuelven aquí una experiencia estética elevada y sublime”.

“Pharsalia” es una obra concebida en tres momentos: antes, durante y después de un conflicto bélico. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El coreógrafo cordobés ha querido plantear “una reflexión crítica y comprometida sobre la crueldad y la barbarie en la sociedad contemporánea. Un alegato a favor de la concordia, el respeto y la compasión”.

Con una propuesta escénica y de vestuario contundente y una creación musical original que viaja entre lo épico y lo electrónico, once intérpretes transitarán coreografías cargadas de violencia, sutileza y teatralidad lanzándose, con toda su fisicidad, a una fiesta del combate.

Una música envolvente compuesta por Aire y marcada por elementos electrónicos y acústicos, rodeará al espectador despertándole, según explica su autor, “sensaciones más propias de una película que de una pieza de danza”, con sonidos que evocan “una batalla, la muerte, la reconciliación, el éxtasis y la conexión espiritual”.

Un lenguaje singular 

Al concederle a Antonio Ruz (Córdoba, 1976) en 2018 el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación, el jurado valoró especialmente su “lenguaje singular” como resultado de una amplia investigación personal. Ruz aterrizó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra en 2001, después de formarse en su Córdoba natal y en la Escuela de Víctor Ullate en Madrid.

Su etapa en el extranjero se consolidó en el Ballet de la Ópera de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte del elenco de bailarines de Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza. En la búsqueda de su propio universo creativo destacó especialmente su relación con la prestigiosa coreógrafa Sasha Waltz.

En 2009 Ruz fundó su propia compañía con un estilo característico abierto a las influencias internacionales, las preocupaciones de sus obras son eclécticas: filosóficas, humanísticas, psicológicas o simplemente musicales, todas se caracterizan por una poética que inunda sus movimientos.

El coreógrafo y bailarín Igor Bacovich en “CreAcción”. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

El fin de las restricciones derivadas de la pandemia –a excepción de la obligatoria mascarilla en los espacios interiores- ha marcado el inicio de un periodo de ebullición en la programación escénica de danza. Si bien los teatros españoles sólo permanecieron cerrados en los meses de confinamiento domiciliario del pasado año, la situación sanitaria de cada región llevó a diferentes normativas en lo referente al aforo de los espectáculos, permitiéndose generalmente una ocupación máxima del 60% con un límite de 600 espectadores. La mejora de la incidencia gracias al alto índice de vacunación en España también ha conllevado una relajación de la estricta normativa.

Como si fueran brotes verdes en el ámbito de la cultura, los teatros abren sus puertas a los ávidos artistas por cuyas cabezas pululan miles de ideas y cuyos cuerpos están deseosos de vehiculizar sus ganas de crear y de bailar sin cortapisas. Éste es el caso de Iratxe Ansa, reconocida bailarina con una importante carrera internacional en prestigiosas formaciones como el Basel Ballet, el Ballet Gulbenkian, la Compañía Nacional de Danza –bajo la dirección artística de Nacho Duato-, el Ballet de la Ópera de Lyon y Nederlands Dans Theater. Desde muy pequeña sintió el impulso de crear y ya en 2009, orientó su carrera hacia sus proyectos personales, contando con la colaboración del también coreógrafo y bailarín Igor Bacovich desde 2013. Juntos concibieron un método que llevaron por todo el mundo y que hace apenas dos años, convirtieron en la materia prima de su compañía, Metamorphosis Dance. La asociación del tándem Ansa-Bacovich no pudo ser más fructífera para ambos, pues la coreógrafa vasca obtuvo el Premio Nacional de Danza 2020 en la modalidad de interpretación y recientemente el Premio Max de las Artes Escénicas, mientras que el creador italiano se hizo con el Premio Nazionale Sfera d´Oro per la Danza 2021.

Metamorphosis Dance estrenó “CreAcción” en el Museo Universidad de Navarra. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

La mayor visibilidad de Metamorphosis en el ámbito español también ha acarreado nuevos proyectos, entre ellos, el encargo del Museo Universidad de Navarra cuyo estreno absoluto tuvo lugar el pasado sábado. Bajo el título de “CreAcción”, la obra arranca de un proceso participativo de un grupo de personas ajenas a la danza, quienes sugerían ideas, conceptos o líneas de trabajo. El reto para Iratxe Ansa e Igor Bacovich consistía en “traducir” al lenguaje coreográfico estas propuestas tan dispares como el sentimiento de desarraigo por la emigración o la disconformidad con el propio cuerpo, entre otras. Con una duración de setenta minutos, la pieza se compone de diversas escenas cuyo hilo conductor principal es el bailarín y coreógrafo italiano, soberbio intérprete que maneja los tiempos y las transiciones. En una meditada decisión, Ansa renuncia a bailar en escena para focalizar su atención en la dirección y creación de la coreografía junto a Bacovich, a quien le acompañan otros cuatro bailarines en escena -Katherine Currier, Clementine Dumas, Antonella Alabanese, David Serrano-.

Las señas de identidad del lenguaje coreográfico de Iratxe Ansa e Igor Bacovich son la fisicidad de la danza, la apuesta por el movimiento puro y constante, y la exigencia máxima para los intérpretes que deben poseer una excelente base dancística para poder explorar los límites. En este sentido, no es una excepción “CreAcción”, pues tanto los dúos como las partes grupales responden a estas características, siempre a partir de la premisa de intentar corporeizar las propuestas del equipo participativo. Buen trabajo para amalgamar bajo su estilo a los diferentes intérpretes, en el que Bacovich brilla especialmente al ser el mejor exponente de cómo metabolizar todo aquello que significa el método Metamorphosis.

Otro elemento de importancia capital en “CreAcción” es la iluminación firmada por Nicolas Fischtel, una instalación compuesta por dieciséis tubos led que recordaban a las blanquecinas fluorescentes de antaño y que partieron del dibujo esbozado por el coreógrafo italiano. Inicialmente suspendida en las alturas, la disposición de la estructura permitía mover cada uno de los componentes al antojo de los intérpretes, lo que iba creando espacios y atmósferas escénicas. La preocupación de Ansa y Bacovich por la influencia de la iluminación en la puesta en escena viene de lejos, tal y como se pudo apreciar en piezas precedentes como “Al desnudo” y “Elkarrizketa Ilunak”, ambas estrenadas en 2020.

La música original de Juan Belda y el apartado audiovisual con los habituales Danilo Moroni y Juan Carlos Toledo completan ese todo que es “CreAcción”. El disfrute con tintes casi lúdicos que supone para Iratxe Ansa entrar a un lugar sagrado como un estudio para crear, se traduce en una obra sólida que va ‘in crescendo’, pero que quizás quedaría mejor enmarcada si sintetizara un poco su material coreográfico. Hay mucha verdad, muchas ganas de explorar, mucho derroche creativo, pero a veces menos es más. En cualquier caso, excelente resultado de la entente entre el Museo Universidad de Navarra y Metamorphosis Dance –y que también cuenta con el apoyo del Gobierno Vasco-. En la fría noche de Pamplona, el público en pie gratificó con una calurosísima ovación de cinco minutos de aplausos el estreno absoluto de “CreAcción”, una creativa invitación a la acción en tiempos post pandémicos.

Los 28 bailarines del Ballet de la Ópera de Lyon interpretaron “Faces” en el Teatro de la Ville de París. Foto: Jean_Pierre_Maurin.

“Faces”, una creación de 2011 de Maguy Marin para el Ballet de la Ópera de Lyon, se presenta en el Teatro de la Ville de París desde el pasado 13 de octubre hasta el próximo 21, como parte del Festival de Otoño de la capital francesa, dedicado este año a una retrospectiva de la coreógrafa, una de las más notables figuras de la danza contemporánea francesa, a partir de su conocida eclosión en la década de los 80.

Además de “Faces”, el Festival de Otoño (que dirige Emmanuel Demarcy –Mota, también al frente del Teatro de la Ville) incluye, en 8 salas de París  e Île –de –France: “Nocturnes” (su última creación, en la Bienal de la Danza de Lyon), en el Teatro de la Bastille, del 16 al 27 de octubre;  “Cap au Pire” (2006), Le Centquatre,  13 al 15 de noviembre;  “May B” (1981, un ícono de la danza contemporánea francesa), en Le Centquatre el 16 y el 17 de noviembre y en el Teatro de Rond –Point del 20 de noviembre al 1 de diciembre; “Ca quand même” (2004), 22 al 27 de noviembre en el Teatro de la Cité Internationale;  y ese éxito de “Cendrillon” (1985), del 29 de noviembre al 1 de diciembre en el Teatro Nacional de Chaillot, del 6 al 8 de diciembre en las Maison des Arts de Créteil, y del 13 al 15 de diciembre en el Teatro de Saint –Quentin –en –Yvelines.

Fue el Ballet de la Ópera de Lyon quien le pidió su versión de “Cendrillon”, en tres actos sobre la música de Serguei Prokofiev. Como se recordará, transformó a los intérpretes en muñecos, con máscaras y trajes en consonancia.

Maguy Marin nació en Toulouse de padres refugiados españoles, que habían arribado en 1939. Vivió en esa ciudad del sudoeste de Francia hasta los 16 años (y hace tres meses que ha vuelto para instalarse), después de haber estudiado danza clásica en su conservatorio. Partió a París y luego a Bruselas, a la escuela Mudra de Maurice Béjart; integró el Ballet del Siglo XX. Entre 1980 y 1990, estuvo en la Maison des Arts de Créteil (que devino en 1985 Centro Coreográfico Nacional de Créteil y de Val –de –Marne). Fue en 1987, mientras preparaba “Los Siete Pecados Capitales” en la Ópera de Lyon que encontró a Denis Mariotte, su cómplice –y compañero – desde entonces, en una colaboración artística fructífera. A partir de 1998, se instalaron en el Centro Coreográfico Nacional de Rillieux –la –Pape, en un barrio de Lyon. Catorce años después,  ha regresado a su Toulouse natal, para volver a ser una compañía independiente.

“Faces”, de una hora de duración, para los 28 bailarines del Ballet de la ópera de Lyon,  apunta a la cuestión de la relación entre las “masas” y el “poder” (según “Masse et Puissance” de Elías Canetti), y como las mismas pueden metamorfosearse según los designios sea políticos –incluyendo el tropismo totalitario –, sea el de la homogeneidad que aporta más neutralmente la condición moderna.

Esta vasta empresa se resuelve con medios simples, con la colaboración en la concepción y la creación sonora de Denis Mariotte y las luces de Alexandre Béneteaud.

Como escenografía (Michel Rousseau), solamente un gran espejo al fondo. A ambos lados, perchas cargados con trajes  y otros accesorios significantes (que los bailarines irán poniéndose sucesivamente), y un piano a un costado, que no se utiliza aunque se escuche un Nocturno de Chopin.

Lo que define a “Faces” es el trabajo de las luces, remarcable, de la mano del paisaje sonoro. Cuando se está en negro, los bailarines se colocan la indumentaria y los accesorios. Cuando se encienden, conforman, en “masa” –que también puede ir, derrotada, al piso –, un cuadro determinado. Esta sucesión caleidoscópica es de una impactante fuerza visual. Imagine el lector que en el espacio de poco tiempo, se apaguen y se enciendan las luces (sin contar su elaboración), ofreciéndose diferentes  “lienzos” no desprovistos de su carga plástica en consecuencia. Así, lo que se evoca puede incluir el “viento” de las revoluciones, el clamor de las multitudes, los ruidos y traqueteos de la guerra, la tiranía, la barbarie, también las botellas de Coca –Cola, espejuelos de sol, el fútbol,  bolsas de conocidos centros comerciales, la “Libertad guiando al pueblo”, lo religioso, Lenin arengando, unas estrofas del himno nacional cubano, la voz de Fidel Castro en un discurso.

El refinamiento estético de estos cuadros vivos es considerable. Aunque la visión de Maguy Marin sea opresiva y sin apelación, uno se extasía ante esas construcciones  acendradas y elocuentes. Desde el punto de vista abstracto, es una delicia. Hacia el final, las luces sólo enfocan las piernas de los intérpretes: es lo que pudiéramos llamar en este tipo de espectáculo un “efecto especial”…

Uno puede palpar, en tales resultados, la tensión creativa de Maguy Marin y Denis Mariotte. Dice ella (en el programa de mano): “Es la cuestión de la forma que se hace y no cesa de conformarse y evolucionar…” Dice él: “La forma, justamente, se conjuga con el pensamiento que está en proceso de hacerse, el cual se hace con y al mismo tiempo que la forma”.  Magnífico. En otras palabras: una breve declaración de estética “formalista” y abstracta, válida no solamente para la danza sino para otros quehaceres artísticos.

Ciertamente, la acumulación en su intensidad de esos cuadros vivos, a medida que su desfile avanza hacia el final, ya no producen el mismo efecto, como quien se satura en un museo al cabo de dos horas. No importa, porque al día siguiente, uno, como tras la visita al museo, se encuentra anhelando volver a ver las imágenes en “flash” de “Faces”.

Y, de la danza, ¿qué? Esos cuadros estupendos, conformados por bailarines, están vivos pero no en movimiento. Ha dicho Maguy Marin: “Yo parto siempre del cuerpo y de su movimiento rítmico en el espacio. Soy  pues coreógrafa”. Bien, este pulso rítmico se traduce en la sucesión de los cuadros. Una categoría inclusiva de la danza, que subraya su pertenencia a lo plástico, aupándose sobre éste. Pero es un espectáculo difícil de olvidar.