Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí.  Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

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La primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba, Viengsay Valdés y Alicia Alonso anunciaron los cambios directivos en la compañía. Foto gentileza BNC.

La primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba (BNC), Viengsay Valdés, asumió el 22 de enero el cargo de subdirectora artística de la compañía que encabeza Alicia Alonso como directora general. La noticia se dio a conocer en reunión oficial con los bailarines de la compañía, sus directivos, y el viceministro de Cultura, Fernando Rojas. Actualmente el BNC cuenta además con subdirectores ejecutivo, técnico y administrativo.

Valdés, heredera de las tradiciones de la escuela cubana de ballet y continuadora de las enseñanzas de Alicia y Fernando Alonso, contará con un consejo artístico que la apoyará en su nuevo desempeño laboral.

La bailarina declaró a “Prensa Latina” su convicción y su decisión de ayudar a los bailarines en su formación y desarrollo profesional, al tiempo que admitió que su propósito es poder transmitir seguridad e inspiración para “compartir ese sueño común de una compañía unida y fuerte”.

Si bien Alonso sigue siendo la directora general de la compañía, Valdés tendría a su cargo las decisiones artísticas de la entidad. Su relación con la legendaria Alonso, que acaba de cumplir 98 años, se ha ido forjando de manera positiva a través de los años. Desde su juventud, Valdés ha ido aprendiendo a su lado y ha recibido consejos profesionales de Alonso.

Según la nueva subdirectora, una de sus principales satisfacciones de los últimos años fue haber podido trabajar de cerca con la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, invitada por su directora Ramona de Sáa y su subdirectora, Marta Iris Fernández.

Viengsay Valdés junto a la legendaria Alonso, que acaba de cumplir 98 años. Foto gentileza BNC.

“En estos momentos valoro conservar y defender el legado histórico de nuestra compañía para que siga siendo reconocida a nivel internacional”, enfatizó la bailarina. Por otra parte, apuntó su intención de seguir estrechando las relaciones del BNC con la escuela dentro de una línea de trabajo semejante, con el propósito de reafirmar la identidad del bailarín cubano.

Considerada uno de los pilares más sólidos de la Escuela Cubana de Ballet, Valdés ha sido artista invitada de The Washington Ballet en los Estados Unidos, Ballet Concierto de Puerto Rico, el Joburg Ballet de Sudáfrica, el Ballet Bolshoi y el Ballet Mariinski, entre otras compañías.

El Ministerio de Cultura de Cuba le otorgó la Distinción por la Cultura Nacional (1999), la Medalla Alejo Carpentier (2003) y la Medalla Raúl Gómez García (2014), y la Asociación de Artistas Escénicos de la Uneac (Unión de Escritores y Artistas de Cuba) le concedió el Premio de Interpretación Femenina, en 2009, y el Premio Lorna Burdsall, en 2015.

Elegida entre las 100 mejores bailarinas del mundo en la temporada 2010-2011 por la prestigiosa revista Dance Europe, comenzó a estudiar ballet  en 1986 en la Escuela Provincial de Ballet “Alejo Carpentier” de La Habana y luego, en la Escuela Nacional de Ballet, con profesores como Ramona de Saá, Adria Velázquez y Mirtha Hermida. En 1994, se graduó en la Escuela Nacional de Arte y pasó a formar parte del elenco del BNC, y en 2001 fue promovida a la categoría de Primera Bailarina.

“Bolshoi Babylon”, una película testimonial dirigida por Nick Read y Mark Franchetti es la elegida para la inauguración de Choreoscope en la Sala Chomón. Foto gentileza Choreoscope.

Choreoscope, el Festival Internacional de Cine de Danza de Barcelona, celebra su 5ª edición desde el 8 al 12 de noviembre en la Filmoteca de Catalunya, donde se realizarán las proyecciones, y del 7 al 19 en Arts Santa Mònica habrá una exposición que incluye videojuegos relacionados con la danza y el movimiento.

El Festival nació con el objetivo de democratizar el cine de danza en el Mediterráneo y acercarlo no solo a un público experto sino también a uno menos conocedor del género, pero apasionado por la cultura, y que a su vez valora la creación de nuevas formas y expresiones artísticas.

Choreoscope cuenta con el apoyo de instituciones de reputación nacional e internacional. Ya desde sus comienzos ha tenido aliados como la Dance Films Association New York, la Acadèmia del Cinema Català, el Institute Français, el Bureau du Québec, La Caldera, el Mercat de les Flors y Custo o Munich. Actualmente se ha sumado la Generalitat de Catalunya, el Ayuntamiento de Barcelona, la Filmoteca de Catalunya, el Arts Santa Mònica, Betevé, el Festival de Sitges, el Institut Ramon Llull, ENTI-UB, TMB Fundació, FILMIN, Munich, SusyQ, Miniguide y

Catalunya Film Festivals. Personalidades de larga trayectoria profesional en España como el actor y director Paco León y las bailarinas y coreógrafas multipremiadas Lali Ayguadé y Sol Picó, también dieron el “presente”.

Desde sus comienzos, el Festival tuvo como finalidalidad consolidar la ciudad de Barcelona como capital del Cine de Danza del Mediterráneo; incentivar la participación de un público ecléctico; impulsar el talento de los jóvenes profesionales del mundo audiovisual y de la danza, como también; contribuir a la investigación en el campo del lenguaje no verbal, y fomentar el desarrollo y la interacción entre el movimiento corporal y el cine.

Por segundo año consecutivo, Choreoscope se realizará en dos de los espacios culturales más emblemáticos de Barcelona: la Filmoteca de Catalunya y el Arts Santa Mònica. Con una programación más extensa que otros años, esta edición del festival contará con cinco días de proyecciones: dos largometrajes, siete documentales y 26 cortometrajes procedentes de 21 países diferentes. Entre ellos, el corto de animación, “Pirouette” (Estados Unidos-China, 2014), de dos minutos de duración, dirigido y coreografiado por Zige Zhang. El film, que se proyectará el 9 de noviembre, cuenta la historia de una mujer que intenta encontrar su verdadero reflejo en una misteriosa sala de espejos.

El corto de animación “Pirouette”, coproducido entre Estados Unidos y China en 2014, dirigido y coreografiado por Zige Zhang, llega en la segunda noche del Festival. Foto gentileza Choreoscope.

En la ceremonia inaugural del 8 de noviembre se proyectará “Bolshoi Babylon”, en la Sala Chomón, un largometraje dirigido por Nick Read y Mark Franchetti. El documental se centra en el nivel competitivo del mundo de la danza y en cómo las ambiciones pueden provocar enemistades y desconfianzas. Sergei Filin, el director del Ballet Bolshoi, sufrió en 2013 un ataque con ácido, un hecho que destapó los oscuros enredos que se escondían en el “backstage” de la famosa compañía. Cada uno de los implicados contará su versión de los hechos llegando a una conclusión intrigante. “Bolshoi Babylon” se estrenó en el Toronto International Film Festival y cuenta con dos nominaciones a los Premios Emmy.

En la clausura, el domingo 12, se proyectarán dos obras de Clara Van Gool (Premio Honorífico 2017) y el cortometraje “Prom night” de Celia Rowlson-Hall (Premio Aportación Excepcional al Cine de Danza 2017). También se entregarán premios a los jóvenes talentos de Catalunya y se proyectará “Hesk”, una pieza de Anuska Peñalba, con la banda sonora interpretada en directo por Marina Herlop.

El 1 de diciembre, Día Mundial de la Lucha Contra el VIH, Choreoscope proyectará la película de danza “Test” (2013) en la Filmoteca de Catalunya con el fin de recaudar fondos para la causa, los cuales estarán destinados a la Fundació Hospital Clínic para la investigación del VIH.

La película narra la historia de Frankie, un nuevo miembro de la compañía de danza contemporánea más apasionante de San Francisco. Menospreciado por sus compañeros, entabla amistad con Todd, un veterano de la compañía. Cuando su amistad se vuelve más profunda, los dos se enfrentarán al test de esa nueva enfermedad de la que nadie parece saber nada en aquel momento.

En esta variada selección de films, compañías como la Batsheva Dance Company, el Ballet Nacional Inglés, el Ballet Bolshoi o la Ópera Nacional de París protagonizan algunas de las propuestas de Choreoscope 2017.

“Espartaco”, interpretado por Mikhail Lobukhin, del Ballet Bolshoi, en el Lincoln Center Festival. Foto: Damir Yusupov. Gentileza LCF.

Para dar fin a su corta temporada, Ballet Bolshoi trajo a la escena del teatro David. H. Koch, del Lincoln Center, el inmenso ballet “Espartaco”, basado, con algunas libertades, en la novela del mismo título que lleva la firma de Raffaello Giovagnoli, a la que fue  añadido un libreto de Nikolai Volkov.

La triunfante obra (de tres horas de danza constante y estruendoso acompañamiento musical), “Espartaco” fue estrenado por la compañía rusa en 1968, con coreografía y libreto de Yuri Grigorovich, sobre la partitura musical de Aram Khachaturian. Si bien otros coreógrafos se vieron tentados a crear pasos sobre la misma música, los aplausos obtenidos por la versión de Grigorovich, la mantienen en el repertorio como uno de sus platos favoritos.

El reparto de ese día llevaba a cuatro luminarias como personajes principales: Mijail Lobukhin como Espartaco, líder de los gladiadores, y como su amada Frigia, Anna Likulina. Craso, jefe del ejército romano estuvo a cargo de Alexander Volchkov, y la intrigante y ambiciosa cortesana Aegina, fue la sublime Svetlana Zakharova.

No hay duda que la obra es (dicho en términos que quizás algunos lectores consideren exagerados) “apabullante”. No solo por el tamaño del cuerpo de baile masculino, sino también por la música tan estridente, especialmente el constante uso de tambores. Después de ver casi tres horas de danzas consecutivas y percusión extremadamente ruidosa, el público se volcó en aplaudir o dar gritos de aprobación a cualquiera de los pasos que llamaran la atención.

La única música sutil y romántica de la obra, fue usada por el coreógrafo para el Pas de Deux de Espartaco y Frigia, en el segundo acto. Una pieza bellísima, que deja deseos de más.

La extraordinaria Zakharova arrebató al público desde que hizo su entrada en escena. No son solamente sus largas piernas, que pueden tocar el cielo con las puntas de las zapatillas, las que sorprenden. También son fáciles de descubrir en ella otras muchas cualidades. Sin embargo, la gran Zakharova parece ajena a expresiones dramáticas muy necesarias en argumentos emotivos como lleva esta obra. Algo más de sentimiento, sin caer en melodrama, sería muy apreciado en ella para completar su rango de primerísima figura.

Lobukhin nunca deja nada más que desear en sus interpretaciones, que son perfectas y del agrado del público. Volchkov, por su parte, es de magnífica estatura, sumamente atractivo y soberbio bailarín. Nikulina, casi siempre en brazos de Lobukhin, completa este cuarteto de principales muy difícil de igualar.

El enorme cuerpo de baile masculino, que dominó la inmensa escena del Koch cada vez que apareció en ella, es prueba de la magnífica calidad de la técnica que poseen los bailarines del Bolshoi, ya sean coro, solistas o bailarines principales. No obstante, si la interpretación del elenco es insuperable, a la coreografía de Grigorovich, que a ratos se vuelve demasiado repetitiva, le vendría muy bien un recorte. Los espectaculares “tableaus” con que terminan los actos, proveen un novedoso final a la acción escénica, que no obstante, alivian el tedio que produce algunos momentos de lo compuesto por Grigorovich.

EL teatro Koch cierra sus puertas hasta septiembre, cuando volverá a funcionar con la temporada habitual del New York City Ballet. Se espera, además, el debut del Mikhailovsky Ballet, que trae “La llama de París”, y de artistas principales como Natalia Osipova e Ivan Vasiliev- ¡Bienvenidos!

Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov del Ballet Bolshoi, en “Don Quijote” presentado por Lincoln Center Festival. Foto: Stephanie Berger. Gentileza LCF.

La corta temporada del Ballet Bolshoi, como parte del Festival de Verano que el Lincoln Center celebra cada año, abarrotó el teatro Koch hasta los topes, en cada una de las funciones.

La fama que precede a los bailarines del Bolshoi ha sido bien adquirida a través de los años. En esta oportunidad especialmente, los cuerpos de los hombres parecen más estilizados que en el pasado; son de largas pierna y extensiones casi femeninas. Sin embargo, la fortaleza en ellos que pudiera ser catalogada de poderío, está presente en cada movimiento.

“Don Quijote”, la famosa obra de Don Miguel de Cervantes, ha dado la vuelta al mundo infinidad de veces, tanto como literatura clásica o como ballet. La compañía rusa trajo a escena la que lleva la coreografía de Marius Petipa, con algunas revisiones acreditadas a Alexander Gorsky y a Alexei Fadeyechev (en épocas diferentes). El vestuario original de la obra, que data de 1903, es de gran elegancia. Fue diseñado por Vasily Diyachkov, igual que los decorados de Sergei Barkhin, especialmente en el acto final, donde los adornos del techo recuerdan las mezquitas de Granada.

El Ballet Bolshoi presentó en una de sus funciones a Olga Smirnova como la reina de las Driadas en “Don Quijote” . Foto: Stephanie Berger. Gentileza

En el primer acto, los colores que imperan son brillantes, si bien de gran variedad,  mientras en el último, las largas batas blancas del coro femenino, llevando mantillas blancas y peinetas españolas, son de un gusto exquisito.

El elenco de la noche llevaba a Kristina Kretova como la traviesa Kitri (alias Dulcinea, según el programa), haciendo pareja con el barbero Basilio, personaje a cargo de Mijail Lobukhin. Ambos derrocharon múltiples “pirouettes”, especialmente Kretova, igual que saltos enormes por parte de Lobukhin, por más que los balances increíblemente largos regalados por Kretova una y otra vez, fueron el plato fuerte de la noche.

El apuesto torero Espada, desempeñado con gran elegancia por Denis Rupkin, es un ejemplo de la nueva figura que el bailarín del Bolshoi presenta en la actualidad.

Este caballero errante llamado Don Quijote, interpretado por Alexei Loparevich, deambuló por la escena con su acólito Sancho Panza, Alexander Petukhov, haciendo paradas solamente, cuando encontraba a Dulcinea, su enamorada mental, en la traviesa Kitri.

En la escena del sueño del Don, donde aparecen las Driadas ataviadas con bellísimos tutús, se reafirma la magnífica calidad del Corps de Ballet y solistas del Ballet Bolshoi. Dan fe de ello la maravillosa Reina de las Driadas, Anna Nikulina. En esa escena, el hechicero Cupido, a cargo de Daria Khokhlova, tuvo a su carga una coreografía llena de graciosos pasos entrecortados que pudieran ser considerados un delicioso dulce para el espíritu.

Los dúos y tríos de danzas en la taberna, sitúan la acción al sur de España. La bella música de guitarra (a cargo de Nino Assatiani y Vera  Borisenkova) que servía de acompañamiento al trío fue pura maravilla. La española, María Zarkhova, y la gitana, Anna Antropova, bailaron con gloriosa exquisitez.

Los aplausos finales dieron fe de la merecida acogida que el público neoyorquino tributó a la compañía, reconocida como una de las mejores del mundo. De esto no cabe duda alguna.

Paloma Herrera, del American Ballet Theatre, fue Nikiya en “La Bayadere” en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Una trama apasionada y apasionante, donde la traición y la venganza intentan destruir al amor. “La Bayadere”, una de las obras fundamentales del repertorio clásico, se basa en dos dramas del poeta indio Kālidāsa, situados en el oriente. La bayadera, bailarina india, dedicada a intervenir en las funciones religiosas o sólo a divertir a la gente con sus danzas, es la protagonista de esta historia bella y magnificente en la que, finalmente, triunfa el amor en la eternidad.

En la temporada del Metropolitan Opera House del American Ballet Theatre (ABT), la compañía dirigida por Kevin McKenzie llevó a escena la versión completa de este clásico. Con distintos elencos, los hispanos tuvieron sus protagónicos y marcaron su estilo. Marcelo Gomes bailó con Diana Vishneva en la primera noche, Herman Cornejo hizo dupla con Alina Cojocaru (Ver Danzahoy.com), y Paloma Herrera con Cory Stearn.

La primera vez que “La Bayadere” llegó al occidente fue a través del entonces Kirov Ballet (hoy Mariinsky), en 1961, y sólo se presentó el Acto II, “El reino de las sombras”. Luego, en 1963, Rudolph Nureyev montó este mismo acto para el Royal Ballet de Londres. Y fue en 1974 cuando Makarova lo llevó al ABT en su propia versión sobre la de Petipa.

Y en 1980 realizó la versión completa basada en la original de Petipa, sobre la de Ponomarev/Chabukiani, que ella misma había bailado cuando era primera bailarina del Mariinsky Ballet.

Misty Copelan interpretó a Gamzatti en “La Bayadere”, versión de Natalia Makarova. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Ludwig Minkus puso música al libreto de Serguéi Judekov y Petipa, quien fue responsable también de la coreografía que estrenó en el Teatro Bolshói de San Petersburgo el 23 de enero de 1877. Y el personaje de Solor lo bailó Lev Ivanov.

Hace un par de años, la dupla Herrera-Stearns se presentó en el Kennedy Center de Washington DC, y esta vez, con un Solor más sólido y seguro de su rol, Stearns pudo acompañar a Herrera con mayor solvencia. No obstante, todavía necesita pulir ciertos aspectos de interpretación y de actitud escénica para convencer al público de que realmente Nikiya es capaz de morir de amor por él.

Stearns, tuvo momentos interesantes desde lo técnico. Con buenos saltos y musicalidad, es un partenaire atento.

En la matiné del 28 de mayo, Herrera, como Nikiya, bayadera del templo, disputada por Solor y el Gran Brahman, compuso un personaje absolutamente conmovedor en el primer acto. Apasionada, dispuesta a defender su amor por Solor y también, dispuesta a morir por ese amor. Nikiya advierte la debilidad del guerrero, que traiciona el juramento hecho por ambos sobre el fuego eterno del templo.

Con sus magníficas extensiones, su musicalidad, su atractivo y seductor port de bras, y ese cuidado permanente por la perfección, Herrera es, indiscutiblemente, Nikiya, tanto en el primer acto como en “El reino de las sombras”, convertida en un espectro. Una actuación sublime.

El nudo de esta trama se centra en el momento en que el Rajah, en recompensa al valor del guerrero le ofrece la mano de su hija Gamzatti (Misty Copeland), por quien queda al instante deslumbrado a pesar de su juramento a Nikiya. Así comienzan los festejos previos a la boda con la llegada del Gran Brahman que revela al padre de la prometida el pacto entre el guerrero y la joven bayadera.

Gamzatti trata de convencer a Nikiya que abandone a Solor a cambio seductoras alhajas. En su desesperación, la bayadera trata de herir a la princesa. Y la venganza de Gamzatti culmina con la muerte de Nikiya. Copelan, como Gamzatti, mostró con un buen trabajo técnico, cuidado y preciso. Sin embargo, faltó profundidad desde la actuación y la composición del personaje.

El cuerpo de baile es uno de los grandes pilares del ABT en esta era de bailarines invitados y pocos primeros bailarines que salen de sus filas. Consistente en las danzas grupales, y de una perfección indescriptible en “El reino de las sombras”. La entrada de las 32 bailarinas, en arabesque, que van desplazándose en la escena puede compararse con los más sublimes momentos del Bolshoi o el Mariinsky, arquetipos de la perfección grupal en otros tiempos.

Joseph Gorak como el Ídolo de Bronce, mostró su destreza con sus grand jetés y sus saltos en los momentos previos a la boda de Gamzatti con Solor, y antes aún de que la ira de los dioses destruyera el templo en pedazos y dejara a Nikiya y a Solor, unidos en la eternidad.

El Bolshoi Ballet llegó a Washington DC con su versión de “Giselle”. Foto: Damir Yusupov. Gentileza JFKC.

Una historia de amor donde las diferencias de clase se hacen insoslayables, y el engaño es la clave de un desenlace trágico. “Giselle”, el emblema del ballet romántico del siglo XIX, conjuga todos estos elementos, y deja entrever aspectos psicológicos y morales de cada uno de los personajes protagónicos.

Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, este ballet, incomparable en su género, muestra a la joven aldeana Giselle enamorada de un “supuesto” campesino, que es en realidad el Duque Albrecht, prometido de Bathidle, hija del Duque de Courtland. Y en el otro lado del triángulo, el guardabosques, Hilaríon, también enamorado de Giselle, que descubre el engaño del noble y lo desenmascara. Traicionada en sus sentimientos, la joven pierde la razón y muere en brazos de su madre.

El Ballet Bolshoi, dirigido por Sergei Filin (director al que hace algunos años, miembros de la compañía le tiraron ácido en la cara por no estar de acuerdo con su forma de conducir el ensamble) trajo al Kenendy Center, su versión de “Giselle”. Con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, Marius Petipa, y Yuri Grigorovich, quien fue director de la compañía durante la era soviética, este ballet dejó ver una nueva generación de bailarines.

Svetlana Zakharova y David Hallberg –desde 2011 principal del Ballet Bolshoi–, fueron los protagonistas en la noche del estreno en el Opera House. Ambos compusieron una buena dupla, no sólo desde lo visual sino también, por el nivel de comunicación entre ambos.

Zakharova, deslumbra con sus magníficos pies y sus asombrosas extensiones en las que sus piernas, literalmente, llegan a rozar su oído. No obstante, su port de bras no logra el mismo refinamiento que sus piernas. Por momentos, sus brazos se alejan del clásico estilo que siempre caracterizó la escuela rusa.

Musical y más enérgica que etérea, la Giselle de Zakharova, cobró encanto en el acto blanco, donde la doncella engañada, convertida en Willi, salva de la muerte a su amado Albretch.

Con una puesta en tonos ocres, el primer acto, que se desarrolla en una campiña renana, tuvo como principal atractivo el trabajo de los bailarines solistas y del ensamble. Dinámicos y frescos, mostraron un cuadro campesino atractivo, pero estuvo ausente ese compromiso actoral particular del Bolshoi de otros tiempos.

Daria Khokhlova e Igor Tsvirko, en el pas de deux de los campesinos, hicieron un fantástico trabajo. Con energía, convicción y estilo. Khokhlova, precisa y vital, encaró sus variaciones con solidez y consistencia. Tsvirko, a pesar de algunas imprecisiones en los cierres, mostró sus habilidades para los saltos y los battements.

En esta versión de Grigorovich, Hilarion, convertido en Hans, el guardabosques enamorado de Giselle, no tiene demasiado lucimiento como bailarín. Su Hans, requiere a un actor. Vitaly Biktimirov, cumplió su rol con poca convicción, pero en el segundo acto dejó vislumbrar al bailarín.

Y fue también en el segundo acto donde la tradición de perfección de la compañía marcó su presencia para componer un acto blanco sublime. Si bien al comienzo, en la tumba de Giselle, unas luces intermitentes (que asemejaban a un arbolito de navidad) rompieron la magia de ese bosque sombrío donde moran las almas de las jóvenes doncellas traicionadas antes de su boda.

Luego, todo fue encantamiento. Especialmente en el pasaje de entrada de las willis, en arabesque penchée, cuya perfección y sincronización fueron parte del embrujo.

Zakharova, quizás demasiado enérgica para ser un espíritu, pero deslumbrante en sus posiciones. Maria Allash, como Mirtha, reina de las willis, magnífica en sus saltos, hizo una precisa composición de su personaje, sin exageraciones ni excesivas asperezas. Mientras Hallberg, por su parte, ha logrado, desde su incorporación en el Bolshoi, encontrar al actor y al partenaire comprometido con su compañera.

Con la conducción de Pavel Klinichev, la Opera House Orchestra del Kennedy Center, hizo sonar la música de Adam con maestría y calidez, y convirtió cada pasaje de este ballet en un momento particular y único.

Svetlana Zakharova, del Ballet Bolshoi y el estadounidense David Hallberg serán los protagonistas de “Giselle” junto a la compañía rusa en el Kennedy Center de Washington, DC. Foto: E. Fetisova. Gentileza JFKC.

Esperado con ansiedad, el Ballet Bolshoi, desde su primera presentación en los Estados Unidos, es uno de los preferidos del público estadounidense, y sigue siendo hoy una de las compañías históricas más reconocidas del mundo. Desde el 20 al 25 de mayo, el ensamble dirigido por Sergei Filin llega al Kennedy Center for the Performing Arts de Washington, DC, con uno de esos clásicos irreemplazables: “Giselle”.

Con coreografía de Jean Coralli, Jules Perrot y Marius Petipa, y puesta en escena del legendario Yuri Grigorovich, la compañía rusa estará acompañada por la Kennedy Center Opera House Orchestra. Y los protagonistas de la primera noche, Svetlana Zakharova (Giselle), David Hallberg (Albrecht), Vitaly Biktimirov (Hans) y Ekaterina Shipulina (Myrtha).

Desde su creación en 1776, por el príncipe Petr Urusov y el empresario inglés Michael Maddox, el Ballet Bolshoi marcó hitos en la historia del ballet internacional con nombres indiscutibles como el de Maia Plissetskaya, Ekaterina Maximova y Vladimir Vassiliev, entre otros tantos que llegaron a occidente durante la era soviética.

“Giselle” se estrenó por primera vez en París en 1841 con Carlota Grisi, Lucien Petipa, hermano del Marius Petipa como el Duque Albrecht, y Adèle Lumilàtre en el rol de Mirtha, reina de las Wilis. Esta versión llegó a San Petersburgo en 1843 y, fue Marius Petipa quien introdujo algunos de los cambios coreográficos que aún permanecen como base de la coreografía. Entre ellos, el pas de deux del primer acto.

La escenografía de esta primera puesta fue diseñada por Pierre Ciceri y el vestuario por Paul Lormier. Y si bien esta versión original se representó en París hasta 1868, luego, en 1910, Serge Diaguilev la rescató para los Ballets Russes. La coreografía fue de Mikhail Fokine, los decorados eran de Alexandre Benois, y Vaslav Nijinski y Tamara Karsavina fueron los protagonistas. Adolphe Adam, compositor reconocido en la época, fue el autor de la partitura.

Basada en “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, “Giselle” describe una trama de amor, venganza y redención que marca un hito en la historia del ballet romántico. En una aldea de la Renania medieval, Giselle enamorada de Loys, quien bajo un mentido atuendo campesino esconde al duque Albrecht, descubre, a través de Hilarion la mentira de su amado. Giselle, al comprender el engaño y el compromiso de Albretch con Bathilde, cae en la locura y muere en brazos de su madre ante un Albrecht atónito y arrepentido.

La historia que rige el ballet es la de una joven e inocente campesina enamorada de Albrecht, un noble que se hace pasar por aldeano para conseguir su amor. Hilarión, el guarda cotos, también está enamorado de ella y descubre la mentira del noble, ya comprometido en matrimonio con alguien de su clase.

Sediento de venganza, Hilarión lo desenmascara ante Giselle, y la joven enloquece y muere porque su corazón no resiste el dolor.

El segundo acto transcurre en un bosque donde está la tumba de Giselle. Y por las noches, el bosque está dominado por las Willis, espíritus de las jóvenes que murieron de amor antes de su boda. Hilarión y Albretcht, arrepentidos por distintas razones visitan la tumba de Giselle. La doncella, convertida en espectro, se conmueve ante el dolor de su amado, y lo perdona.

Maria Aleksandrova y Ruslan Skvortov, del Ballet Bolshoi, bailarán "Coppelia" el jueves 30 de mayo en el Kennedy Center de Washington, DC. Foto: Damir Yusupov. Gentileza JFKC.

Un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, tiene una muñeca de tamaño real, tan real, que todas las tardes la sienta en el balcón de su casa ante la mirada curiosa de los vecinos de esa pequeña aldea. Así comienza la historia de “Coppélia”, un ballet de acción con coreografía original de Arthur Saint-Léon, con libreto de Saint-Léon y Charles Nuitter y música de Léo Delibes, basado en historias de E.T.A. Hoffmann.

El Ballet Bolshoi presentará este clásico del ballet en el John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington, DC desde el 29 de mayo hasta el 3 de junio, en una versión de Sergei Vikharev basada en la coreografía original que Marius Petipa y Enrico Cecchetti recrearon en San Petersburgo sobre la versión de Saint-Léon.

La Kennedy Center Opera House Orchestra acompañará a la compañía rusa durante las funciones en DC.

El ballet se estrenó por primera vez el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París, con Giuseppina Bozzachi en el rol principal. El éxito de este ballet fue interrumpido por la Guerra franco-prusiana y el cerco de París, pero eventualmente pasó a convertirse en el ballet más interpretado en la Ópera Garnier.

En 2009, para su reposición, Vikharev hizo una investigación detallada sobre la notación coreográfica de este ballet que se remonta a principios del siglo XX con la intención de reproducir con fidelidad la creación de Petipa y Cecchetti. La escenografía y el vestuario se apoyan en los bocetos originales y los planos escénicos del Mariinsky, rescatados con la colaboración del St. Petersburg State Museum of Theatre and Music Arts y de la St. Petersburg State Theatre Library.

“Coppélia”, un ballet pantomímico en tres actos se basa en dos historias de Hoffman, “Der Sandmann (El hombre de arena)” y “Die Puppe (La muñeca)”. La acción se desarrolla en un pueblo fronterizo donde confluyen varias etnias con sus costumbres, trajes y danzas. Allí vive Swanilda, su novio Franz y el creador de juguetes, el enigmático Dr. Coppelius. Franz, queda deslumbrado por la muñeca que todas las tardes Coppelius saca a la ventana, mientras Swanilda, impulsada por los celos, intenta descubrir la identidad de esa bella “mujer”. Un día, junto a sus amigas decide entrar a la casa de Coppelius. Allí comienza una aventura que podría resultar macabra pero que finalmente tiene un final feliz.

El elenco día a día

El 29 de mayo, el 1 y 3 de junio

Swanilda: Nina Kaptsova
Franz: Artem Ovcharenko
Dr. Coppelius: Alexey Loparevich
Zardas: Kristina Karaseva (29/5 y 3/6), Vitaly Biktimirov, Anna Antropova (1/6)

El 30 de mayo y el 2 de junio.

Swanilda: Maria Aleksandrova
Franz: Ruslan Skvortov
Dr. Coppelius: Alexey Loparevich
Zardas: Anna Antropova, Vitaly Biktimirov

El 31 de mayo y el 2 de junio matiné

Swanilda: Anastasia Stashkevich
Franz: Vyacheslav Lopatin
Dr. Coppelius: Alexey Loparevich
Zardas: Kristina Karaseva, Vitaly Biktimirov

Informes: www.kennedy-center.org

David Hallberg, bailarín principal del American Ballet Theatre (ABT). Foto: Rosalie O´Connor. Gentileza ABT. Archivo.

Mencionar al Ballet Bolshoi de Moscú, es nombrar a una de las compañías más antiguas y respetadas en el mundo de la danza clásica.

Según la noticia que acaba de aparecer en el New York Times, firmada por Alastair Macaulay, crítico de ballet del conocido rotativo, David Hallberg,  bailarín principal del American Ballet Theatre (ABT), acaba de ser contratado como “premier” (o primera figura), según el título que la compañía da a los bailarines que ocupan esos privilegiados puestos.

Hallberg, de 29 años y nacido en el estado de South Dakota,  en los Estados Unidos pasará a los anales de la historia de la danza, como el primer bailarín extranjero contratado por la afamada compañía  para ocupar un puesto de tanta envergadura. Este contrato ofrecido a un bailarín extranjero –el primero en la historia del Bolshoi– señala el nuevo camino que la compañía moscovita parece estar tomando, bajo el mandato de Sergei Filin, su nuevo director artítico.

El bailarín estadounidense cuenta con un respetable resumé: En el año 2000 ingresó en el American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, después de haber estudiado por un año en la reputada  escuela del Ballet de la Ópera de París. En el año 2005 sería ascendido a bailarín principal en el elenco del ABT, donde ha llegado a alcanzar un estrellato innegable por su límpido clasicismo.

Hallberg explica que este contrato no será una “deserción”, como sucedería ya hace varios años con Nureyev, Makarova y Baryshnikov (además de varios otros), que abandonaron sus carreras en la entonces Unión Soviética, para alcanzar grandes éxitos en el hemisferio occidental.

El bailarín estadounidense explica que si bien estará ausente de la temporada de otoño del ABT en el City Center de Nueva York, aparecerá en el “Cascanueces”, con coreografía de Ratmansky, que se presentará por dos semanas en el Brooklyn Academy of Music (BAM) de Nueva York; igualmente bailará en la temporada primavera-verano que cada año ofrece el ABT en el Metropolitan Opera del Lincoln Center.

El debut de Hallberg con el Bolshoi, tendrá lugar el 18 de noviembre, en el restaurado teatro Bolshoi de Moscú, en “La Bella Durmiente”, ballet símbolo del más puro clasicismo, estilo que el bailarín domina y exhibe donde quiera que se presenta, por el cual  ha merecido los más altos elogios de la crítica mundial.