Complexions Contemporary Ballet en “Black is Beautiful” protagonizada por estudiantes del Programa de Danza de Chadwick A. Boseman College of Fine Arts de Howard University. Foto: Taylor Craft. Gentileza JFKC.

Pasaron cerca de ocho años desde la última presentación de Complexions Contemporary Ballet en el Kennedy Center de Washington DC en el ciclo Ballet Across America. Esta vez, la compañía fundada y dirigida por Dwight Rhoden y Desmond Richardson celebra 30 años con la danza y, fundamentalmente, con la diversidad en el sentido más amplio de la palabra. El ensamble fusiona de manera innovadora métodos, estilos, etnias y culturas para dejar fluir un resultado impecable, prolijo y deslumbrante desde lo técnico y lo artístico.

Desde el 20 al 22 de marzo, en el Opera House del Kennedy Center Complexions Contemporary Ballet presentó un programa intenso que mostró el alto nivel de los bailarines y la profundidad de un mensaje consistente desde lo ideológico y lo estético. En la apertura, “Black is Beautiful” protagonizada por estudiantes del Programa de Danza de Chadwick A. Boseman College of Fine Arts de Howard University, los bailarines, con precisión casi matemática, fundieron el movimiento entre la música y un bello texto recitado a “tempo” por una voz que parecía formar parte de la respiración de esos cuerpos esculturales y apolíneos. Una coreografía de Rhoden y Richarson que deja “sin aliento” al espectador.

Basado en la técnica “NIQUE”, creada por sus fundadores en los años de formación de la compañía, el grupo deja translucir esa amalgama entre lo clásico y lo contemporáneo que explora el movimiento con una perspectiva no tradicional. Desde el momento en que los bailarines aparecen en escena, todo adquiere un especial magnetismo.

El programa continuó con nueve miembros de la compañía profesional en “This Time, With Feeling”, seguido por un fragmento de “Deeply”, ambos de 2024 con coreografía de Rhoden. Los movimientos de las dos obras mostraron las deslumbrantes extensiones de los bailarines a través de transiciones fluidas y dinámicas. El diseño de iluminación de Michael Korsch captó a la perfección al trío en la escena final. Luego, llegó “Gone”, obra de Rhoden de 2020 que se tradujo en una realización conmovedora. La música, interpretada por Odetta, hace referencia a hombres desaparecidos, encadenados y asesinados.

“For Crying Out Loud”, de Dwight Rhoden de 2023 con canciones del grupo U2. Foto: Taylor Craft. Gentileza JFKC.

También como parte del primer bloque del programa, una propuesta que apuntó directo al corazón: “Ave Maria”, con música de Giulio Caccini, dedicada a Virginia Child, con coreografía de Rhoden, interpretada por April Watson y Joe González. Un pas de deux que se llevó la ovación de la noche. Ambos bailarines lograron fundir lo terrenal y lo sagrado con sublime armonía. El diseño de luces de Korsch fue esculpiendo cada músculo y cada gesto. Esta primera parte cerró con un fragmento de “Mercy”, una obra de 2009.

Bailar sin respiro, sin interrupciones y sin descanso. Así llegó el segundo bloque del programa con una obra, también de Rhoden de 2023. “For Crying Out Loud” es una suerte de narración con canciones de U2 que llevó a los bailarines a formar dúos, tríos, escenas de conjunto con toques de humor, y una iluminación sutil y delicada.

Para el final, nada más emocionante y conmovedor que ver la maravillosa diversidad étnica de los bailarines que integran esta compañía y que permiten observar que la danza no tiene fronteras ni barreras de idiomas.

Dance Theatre of Harlem presentó “Dougla”, en esta nueva edición de Ballet Across America en el Kennedy Center. Foto: Rachel Neville. Gentileza JFKC.

Ballet Across America trajo este año dos compañías históricas en el país, tanto por sus orígenes como por su trayectoria. Esta vez, la serie propuesta por el al Kennedy Center rompió en cierta forma con el esquema habitual en el cual varias compañías de diferentes partes de los Estados Unidos se reunían en Washington para mostrar sus trabajos, pocas veces vistos en la ciudad. Y lo más interesante de todo es que compartían escenario en una misma función.

Esta vez, la propuesta fue diferente, pero no menos atractiva. Desde el norte y desde el sur de la costa Este del país llegaron el Dance Theatre of Harlen (DTH) y el Miami City Ballet (MCB). Ambas, fundadas por dos destacados bailarines de la troupe de George Balanchine, Arthur Mitchel y Edward Villella, y ahora, ambas, dirigidas por dos mujeres, también formadas en las filas de Mr. B, Virginia Johnson y Lourdes López.

Los dos ensambles, rompieron la tradición y se presentaron en forma separada un día cada uno. Solo el viernes 31 de mayo compartieron escenario. Esta propuesta de presentar solo dos compañías tuvo también su encanto y también ese dejo de nostalgia por los que se fueron.

Hace 50 años que Mitchel, el primer bailarín afroamericano que integró el New York City Ballet, durante la dura época de la lucha por los derechos civiles, fundó la primera compañía integrada por bailarines afroamericanos. Hoy, la troupe es un símbolo de la diversidad y la inclusión.

El DTH abrió el programa con la obra de la coreógrafa afroamericana Dianne McIntyre, “Change”, de 2016, con música gospel interpretada por el coro Spelman College Glee Club. La pieza, solo para tres mujeres, tiene predominio de tonalidades en negro, beige y marrón. Esas tres mujeres, que en un rito casi tribal se ensamblan a través de diferentes secuencias construyen esta interesante obra, intensa y dramática dentro de la abstracción.

“Passage” de Claudia Schreier, con música del violinista Jessie Montgomery también puso su impronta reflexiva acerca de un mundo que no ha podido desembarazarse totalmente del estigma de la discriminación. La obra, de 2019, fue encargada por el Virginia Arts Festival para celebrar los 50 años del DTH y en conmemoración de los 400 años de la llegada de los primeros esclavos africanos. Diseñada para 12 bailarines, Schreier logra controlar con inteligencia las distintas secuencias y combinaciones de movimientos sobre una partitura casi dodecafónica de la que se desprenden bellas imágenes y movimientos.

Para el final, “Dougla”, de Geoffrey Holder, también autor de la música, rompe con la estricta estética Balanchiniana y se inserta en un concepto más tribal, ritual y visceral que reúne a los 20 bailarines de la troupe. Estrenada en 1974, la obra tiene una dinámica arrolladora en la que los bailarines dejan el alma.

Desde Florida

El Miami City Ballet en “Brahms-Handel”, una coreografía de Jerome Robbins y Twyla Tharp, estrenada por primera vez en 1984. Foto: Alexander Iziliev. Gentileza JFKC.

El programa del MCB, tan intenso como el del DTH trajo una de las joyas de Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet ”, con música de “Fausto” de Charles Gounod. Este ballet que lo estrenó el NYCB en 1980, está inspirado en una celebración folclórica germana. Katia Carranza y Rainer Krenstetter, quien debutó en el rol, asumieron los protagónicos de esta obra magnífica en cuanto a belleza y estructura. Ambos impecables, acompañados por un cuerpo de baile, también impecable, cuidado y preciso.

De Kenneth MacMillan, llegó el “Carrousel pas de deux”, una pieza al mejor estilo MacMillan, con magníficas levantadas y una teatralidad conmovedora. Jenifer Lauren y Chase Swatosh, interpretaron esta obra con suma delicadeza.

“Heatscape”, del joven coreógrafo Justin Peck, quien ha comenzado a dominar la escena de la danza etadounidense, trae frescura, humor y dinamismo, al tiempo que utiliza interesantes efectos de iluminación y un decorado casi Zen, creado por Shepard Fairey y ObeyGiant.com. Dúos, tríos, escenas grupales, hacen que los bailarines corran en escena con distintas velocidades, despojados de los guiños de la danza clásica y profundizando más los códigos de la danza callejera y juvenil.

Para el final, el MCB optó por una obra conjunta de dos popes de la danza: Jerome Robbins y Twyla Tharp. Una colaboración única de ambos coreógrafos, estrenada en 1984 por el NYCB. Veintiocho bailarines, con atuendos en azul y verde diseñados por Oscar de la Renta, el famoso diseñador de modas, hacen un despliegue de talento, precisión y bravura en esta bella creación que no sólo se apodera de la nostalgia sino que, por momentos, hace sentir que “todo tiempo pasado fue mejor”. ¿Será así?

L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, de Benjamin Millepied, con música de Philip Glass. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

El programa seleccionado por Justin Peck, que subió al Opera House del Kennedy Center el sábado 22 y el domingo 23, se acercó más a las características de ciclos anteriores de Ballet Across America. Aquí compartieron escenario compañías como Joffrey Ballet, L.A. Dance Project, Kyle Abraham-Abraham.In.Motion, y los bailarines del Miami City Ballet, Patricia Delgado y Jovani Furlan.

El mismo cortometraje de Ezra Hurwitz, “Now More than Ever”, también formó parte de la “carta de presentación” de este ciclo. Luego, la compañía fundada por Benjamin Millepied, L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, una obra que se estrenó en 2014, en Miami, Florida, y que utiliza música de Philip Glass, “String Quartet Nº 3”.

La pieza, que tiene fuertes reminiscencias a Jerome Robbins, recurre a una estética minimalista, con un escenario desnudo y ocho bailarines vestidos en blanco y negro. En las seis secciones en las que se divide la estructura coreográfica, los excelentes bailarines de la troupe hacen una demostración de ajustado estado atlético. Sin embargo, la música de Glass adquiere mayor protagonismo que la danza. El lenguaje, absolutamente contemporáneo, está despojado de toda emoción.

“Year of the Rabbit”, de Justin Peck, por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

ero fue precisamente en “Year of the Rabbit”, de Justin Peck, donde la emoción llegó de una manera casi sublime en el pas de deux interpretado magníficamente por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Una obra breve, con poses sostenidas, equilibrios, y un delicado trabajo de pareja, cautivó con el encanto de lo simple. Bello duetto, realizado en 2012 por el joven coreógrafo, también curador de este segmento de Ballet Across America.

De Christopher Wheeldon, el Joffrey Ballet trajo una obra de 2007 estrenada en el Sadler´s Wells Theatre de Londres, “Fool’s Paradise”, con música de Joby Talbot. Una obra neoclásica, misteriosa, sugerente, con bailarines impecables. La iluminación de Penny Jacobus y la puesta en escena de Jason Fowler, en la que una lluvia de pétalos dorados semejan el ideal intelectual del Olimpo, ponen a esta realización un toque particular y único.

Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra que evoca la lucha por los derechos civiles. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

Con un contenido de fuerte impronta social Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra creada entre 2012 y 2014 que evoca la lucha por los derechos civiles en la que el mismo presidente Kennedy estuvo involucrado durante su mandato. La música en vivo de Robert Glasper y Max Roach, trajo magníficos intérpretes, quienes formaron parte de esta propuesta escénico-coreográfica que rescata el lenguaje popular y callejero.

Desde códigos contemporáneos Kyle Abraham vuelca elementos de las danzas tribales africanas. Una serie de dúos, tríos y escenas de conjunto van delineando una historia contada a través de un valioso material audiovisual en blanco y negro que describe momentos críticos en la lucha por la discriminación racial. Una obra interesante, fuerte, con bailarines que estallan de energía.

El Nashville Ballet llevó al Kennedy Center “Concerto”, de Paul Vasterling, estrenada en 2014, en Nashville. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Después de cuatro años de ausencia, Ballet Across America volvió al Opera House del Kennedy Center, esta vez, con una propuesta que apuesta a la diversidad de géneros y contenidos. La curaduría de este proyecto estuvo a cargo de Justin Peck, coreógrafo y bailarín del New York City Ballet (NYCB), y de Misty Copeland, principal del American Ballet Theatre (ABT). Ambos optaron por una selección ecléctica en la que se funde lo clásico y lo contemporáneo.

Y tal como ocurrió en ediciones anteriores esta muestra, que reúne compañías de distintas partes del país, duró una semana, desde el 17 al 23 de abril. El programa formó parte de “A Centennial Celebration of John F. Kennedy”, que realiza el Kennedy Center durante 2017 como homenaje a los cien años del nacimiento del ex Presidente de los Estados Unidos. La propuesta estética Ballet Across America permite advertir la diversidad de caminos que conducen a los bailarines a expresar su propia libertad creativa.

Después de una noche de apertura en la que participaron invitados especiales y hubo dos estrenos mundiales: uno de ellos un cortometraje de Ezra Hurwitz y un nuevo ballet, “Garden of Dreams”, de Jeremy McQueen.

“Madiba”, de Jeremy McQueen, por The Black Iris Project, es un homenaje a Nelson Mandela. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

En la función del 19 de abril, curada por Copeland, subieron a escena tres compañías que hicieron su debut en el Kennedy Center, el Nashville Ballet, dirigido por Paul Vasterling; Complexions Contemporary Ballet, con dirección de Dwight Rhoden y Desmond Richarson, y The Black Iris Project, conducido por Jeremy McQueen.

“Now More Than Ever”, el corto dirigido por Ezra Hurwitz, protagonizado por Stella Abrera, Isabella Boylston, Marcelo Gomes, Calvin Royal III y James Whiteside abrió el programa. Realización bella y poética filmada en diferentes lugares del Kennedy Center, con música de Aaron Roche. Una exploración del movimiento a través de distintos espacios no convencionales donde los bailarines van explorando posibilidades y dinámicas.

El  Nashville Ballet, trajo una obra de su director, estrenada en 2014, en Nashville, sobre el “Concierto para piano y orquesta” de Ben Folds, interpretada por el pianista Joel Ayau y la Kennedy Center Opera House Orchestra, bajo la batuta de Nathan Fifield. La partitura, comisionada por el Nashville Ballet, la Nashville Symphony y la Minnesota Orchestra, lleva el sello indiscutible de Vasterling. Líneas de extrema perfección permiten descubrir una troupe de excelentes bailarines, de sólida y refinada técnica.

“Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie, interpretada por Complexions Contemporary Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Esta obra, en la que los bailarines se comportan como instrumentos de una orquesta, capaces de jugar entre la solemnidad y la frescura, apunta a un concepto minimalista, donde los intérpretes, despojados, se sumergen en la belleza de la danza pura. Con estructuras claras, concisas, y dinámicas diferentes, Vasterling despliega las notas de este “Concerto” con delicadeza y especial sentido estético. Atractivo y simple, el vestuario, también de Vasterling, se funde con la iluminación de Scott Leather, que va marcando cada uno de los tres movimientos de esta obra en la que los solos y los dúos se entrelazan con impactantes escenas de conjunto.

The Black Iris Project, llegó con “Madiba”, de McQueen, un ballet de acción que narra de manera sintética y concisa la vida del líder sudafricano Nelson Mandela, con partitura de Carman Moore. Protagonizado Andile Ndlovu como Mandela, Daphne M. Lee en el rol de Winnie Mandela, y Alex Aquilino como el carcelero, la obra apela a ciertos cliché narrativos para contar la historia desde un punto de vista coreográfico quizás, demasiado antiguo. Excelentes bailarines, de mucha fuerza expresiva, colaboran a enaltecer la obra.

Para el cierre del primer programa Complexions Contemporary Ballet, subió a escena “Star Dust”, una coreografía de Dwight Rhoden sobre canciones de David Bowie. La producción, con una estética casi punk se convierte en una suerte de desfile de bailarines diversos, bien entrenados, que se sumergen en una sucesión de movimientos, escenas y secuencias semejantes a las de un cabaret contemporáneo, pero no pasa de la estética. No obstante, sirvió para un final explosivo.

Ver segundo programa con curado por Justin Peck. Hacer clic aquí.

The Sarasota Ballet se presenta en Ballet Across America con “Les Patineurs”, de Sir Frederick Ashton. Foto: Frank Atura. Gentileza JFKC.

Esta tercera edición de Ballet Across America que se realiza en el Opera House de The John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC, desde el 4 al 9 de junio, es una forma de explorar y descubrir las diferentes compañías de los Estados Unidos.

Las funciones de este año reúnen este año al Ballet Austin, al Boston Ballet, Dance Theatre of Harlem, North Carolina Dance Theatre, Oregon Ballet Theatre, Pennsylvania Ballet, Richmond Ballet, Sarasota Ballet y The Washington Ballet, que se presentarán en tres programas diferentes.
Este proyecto, que desde 2008 forma parte de la programación del Kennedy Center es una suerte de exhibición de ballet en la que las compañías muestran parte de lo mejor de su repertorio. La segunda presentación de este ciclo fue en 2010 y vuelve a repetirse después de tres años.

El programa A reúne al Richmond Ballet, dirigido por Stoner Winslett, en su debut con este ciclo, que presentará “Ershter Vals”, cuya premier fue en el Richmond Ballet Works Festival. La música se basa en poemas encontrados en los guetos durante la Segunda Guerra Mundial, y la temática refuerza los momentos de luz y claridad que aún pueden encontrarse en tiempos de oscuridad. La obra transmite un mensaje de esperanza, más allá del horror de la persecución y de la muerte.

El Oregon Ballet Theatre, bajo la dirección de Christopher Stowell, llega con una obra de James Kudelka “Almost Mozart”, que yuxtapone la partitura de Mozart con movimientos en completo silencio. A su vez, dirigido por Mikko Nissinen, el Boston Ballet trae “Symphony in Three Movements”, de George Balanchine sobre música de Igor Stravinsky.

El program B convoca a la compañía a cargo de Iain Webb, The Sarasota Ballet, que vuelve al Kennedy Center después haber pasado por una exitosa asociación con el Farrell Ballet, dirigido por Suzanne Farrell. La compañía presentará una obra que pocas veces se ha visto en escena, “Les Patineurs”, de Sir Frederick Ashton.
Balanchine también estará presente con “The Four Temperaments”, a cargo del Pennsylvania Ballet, con dirección de Roy Kaiser. Mientras Septime Webre, con The Washington Ballet hará una obra de Edwaard Liang, “Wunderland”, con música de Philip Glass.

Por último, el programa C presentará al North Carolina Dance Theatre, dirigido por Jean-Pierre Bonnefoux, con “Rhapsodic Dances”, con coreografía del coreógrafo residente Sasha James, inspirada en música de Rachmaninoff. El Ballet Austin presentará una creación del director artístico Stephen Mills, “Hush”, también con música de Glass. El Dance Theatre of Harlem, dirigido por Virginia Johnson, es otro de los que vuelven al Kennedy Center con “Return”, de Robert Garland, y música de Aretha Franklin y James Brown. La obra es un tributo a las danzas sociales americanas de los años ’60 y ’70.

Después de las funciones se realizarán charlas con los directores artísticos de cada una de las compañías que participan en este ciclo. El martes 4, para el programa A, el jueves 6 para el programa B, y el C, el viernes 7 de junio.

Información:
Kennedy Center
www.kennedy-center.org

Natalia Magnicaballi y Michael Cook bailan en el Kennedy Center con el Suzanne Farrell Ballet. Foto: Carol Pratt. Gentileza de JFKC.

Cuando llegó por primera vez a Nueva York en 1998 con la compañía de Julio Bocca, la argentina Natalia Magnicaballi se quedó prendada de Estados Unidos y se propuso volver. Al año siguiente, Suzanne Farrell, la inolvidable musa de George Balanchine la contrató para su compañía, la Suzanne Farrell Ballet que tiene su sede en el Kennedy center de Washington, DC, donde la compañía se presenta en la temporada de otoño, desde el 17 al 21 de noviembre con un programa mixto que incluye obras de Jerome Robbins, Paul Mejia, Maurice Béjart y George Balanchine.

“Venía de un mundo muy naif y me encontré con una realidad muy dura. Sin embargo, lo que más me llamó la atención es que no habiendo hecho la escuela del American Ballet me consideraron para hacer Balanchine”, dijo Magnicaballi. Pero más allá de haber sido elegida por Farrell, la bailarina estaba dispuesta a probar nuevos desafíos.

Volvió a la Argentina y formó parte del Ballet Contemporáneo del San Martín, después, se fue a Italia a trabajar en Artballeto. Pero nunca dejó la compañía de Farrel con quien ya hace más de 10 años que trabaja. Después, llegó una oferta del ballet Arizona, dirigido por Ib Andersen, y ahora Magnicaballi recorre el país de punta a punta bailando para las dos compañías.

Hasta los 4 años vivió en un conventillo de la calle Magallanes 861, en La Boca, hoy, uno de los barrios más visitados de Buenos Aires, Argentina. Después, la familia, que siempre tuvo que pelear duro para hacer alcanzar el dinero, se fue a vivir  al vecindario de Montserrat, a media cuadra de la Avenida 9 de Julio. Y por esa época empezó su contacto con la danza.

Danzahoy: ¿Por qué la danza?

Natalia Magnicaballi: Empecé en el sótano del colegio primario porque todas mis amiguitas fueron ahí. Y quise seguir. Pero como siempre tuvimos problemas de dinero, mi mamá decidió mandarme a la Escuela Nacional de Danza . Allí una maestra le recomendó que fuera a la escuela del Colón y empecé a los 8 años con el maestro Vasil Tupín que me dio una beca para clases particulares. Mi mamá pagaba una clase por semana y el maestro me hacía ir todos los días dos clases. Y a los 9 años entré al Colón mientras seguía becada en el estudio de Tupín.

D: ¿Cómo era tu relación con Tupín?

NM: Él y su esposa Mercedes serrano fueron como mis abuelos. Me dieron todo. Más allá de la técnica me enseñaron a ser artista, la expresión, el compromiso y el trabajo diario. Ellos la llamaban Natasha (recuerda con nostalgia).

D: ¿Cómo manejaste el tema de tu altura?

NM: Hasta los 13 años era muy chiquita y después pegué el estirón, y el problema fue encontrar partenaires de mi altura en la argentina.

D: ¿Alguna vez pensaste entrar a la compañía del Colón?

NM: No, porque lo mejor que me podía pasar era estar en la compañía de Julio (Bocca). En el Colón en aquel momento no había concursos. Creo que a ninguno de los que formamos parte de esa camada se les ocurrió bailar en el Colón.

D: ¿Se puede bailar en dos compañías que están a tanta distancia la una de la otra?

NM: Estoy fija en las dos. No conozco mucha gente que esté en esta situación y me siento privilegiada. Generalmente antes de empezar la temporada tengo que hablar con los dos directores para organizar las fechas. Me mandan videos para que aprenda los ballets. Viajo mucho a la noche y llego directo a la sala de ensayo. A veces no me puedo poner las zapatillas porque tengo los pies muy hinchados. Muchas veces me ha pasado que he tenido que bailar en Los Ángeles viernes y sábado con Suzanne Farrell Ballet, y volar para bailar el domingo en Arizona.

D: ¿Cómo fue llegar a este país sin conocer a nadie?

NM: Cuando llegué no hablaba nada de inglés. Y Suzanne  (Farrell) se quedó admirada porque aprendí todos los pasos sin saber inglés. Recuerdo las cenas con la compañía en las que estaba con los ojos como huevo duro sin entender nada. Por ese entonces vivía en Nueva York y estaba totalmente sola.

D: ¿De qué manera organizas tu rutina diaria?

NM: De lunes a miércoles me levanto a las 7:30, a las 9 empiezan las clases hasta las 4:30 y después doy clases hasta las 9 de la noche. Los jueves hago gyrotonic y los viernes trato de no hacer nada y los fines de semana me ocupo de mí, voy a la peluquería, me pinto las uñas, cocino.

D: Con tantos viajes, ensayos y clases, ¿cómo puedes combinar tu vida personal con la artística?

NM: Mi marido, Andy Maroglio, conoce todo los entretelones de la carrera y eso facilita nuestra vida en común. Nos conocimos trabajando juntos en la compañía de Julio (Bocca). Pero recién cuando debuté en Nueva York con Julio, comenzó nuestra historia de amor. Ese día me llegó un ramo gigantesco de flores que decía “tu admirador número uno”. Yo no sabía quién podía ser. Y esa noche me olvidé las flores en el camarín. Pero al salir, él se acercó y me preguntó por las flores y descubrí quién era ese admirador anónimo. Y desde entonces, no nos separamos más. Es un eterno noviazgo.

Temporada del Suzanne Farrell Ballet

En el Eisenhower Theater del kennedy Center de DC 

Programas

Programa A: Nov. 17, 18, & 20 at 7:30 p.m., Nov. 21 at 1:30 p.m.
La Source (Balanchine/Delibes)
Sonate No. 5 (Béjart/Bach)
In Memory Of… (Robbins/Berg)
 
Programa B: Nov. 19 & 21 at 7:30 p.m., Nov. 20 at 1:30 p.m.
La Sonnambula (Balanchine/Rieti)
Monumentum Pro Gesualdo (Balanchine/Stravinsky)
Movements for Piano and Orchestra (Balanchine/Stravinsky) 
Eight by Adler (Mejia/Adler)