El BNC incorporó a su repertorio “Séptima Sinfonía”, de Ludwig van Beethoven con coreografía de Uwe Scholz. Foto gentileza BNC.

El retorno a las tablas del Ballet Nacional de Cuba (BNC), con representaciones presenciales sin flexibilizar las medidas sanitarias para evitar los contagios con Covid-19 y su nueva cepa Ómicron, ha sido organizado con máxima cautela por Viengsay Valdés, su joven directora general y sucesora (con méritos para ello) de la legendaria Alicia Alonso. De hecho, programó una corta temporada con dos piezas en un acto, de corta duración y un estreno para su repertorio. Esta vez, una obra mayor del malogrado coreógrafo alemán Uwe Scholz (Hessen 1958-Berlin 2004), la “Séptima Sinfonía”, de Ludwig van Beethoven, los cuatro movimientos de la célebre “apoteosis de la danza”, como ha sido calificada por eminentes críticos desde su creación. Esta producción ha sido posible merced al apoyo del British Friends of BNC y el Cuban Artistis Fund.

Para llevar a buen puerto esta exigente pieza neoclásica, fue necesario invitar a la maestra española Roser Muñoz, asistente principal por varios años de Scholz, por ende, conocedora de los entresijos estilísticos de su creador. En la capital cubana contó con la asistencia de dos de los principales maitres del BNC: Svetlana Ballester y Javier Sánchez (antiguos bailarines de la compañía), con la participación medular del maestro Yhovani Duarte, director titular de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

Las dos obras en un acto de la primera parte del cartel fueron: “Love, fear, loss” (sic) con coreografía y vestuario del brasileño Ricardo Amarante, concebida como una libre y apasionada interpretación (nada literal) de las más icónicas canciones de tres “bete de scene” francófonos, Edith Piaf, Jacques Brel y Charles Dumont, a partir de una inteligente transcripción al piano debida a Natalia Chepurenko. Estas presentaciones estuvieron cuidadas al detalle por una ensayadora de primera clase, la ex solista Linnet González (muy próxima a la cultura francesa). Cada sección, el amor, el miedo y la pérdida, contó con las interpretaciones alternantes de seis parejas de primeros bailarines y solistas, según las funciones en los tres días hábiles de esta breve temporada del último mes de 2021, en la sala Avellaneda, la mayor del Teatro Nacional de Cuba, con rigurosa limitación al 50% de su aforo. Esta vez el acompañamiento, con el piano en escena, estuvo a cargo de la maestra Idalgel Marquetti, con un encomiable desempeño (en el estreno absoluto la responsabilidad correspondió al notable pianista cubano Marcos Madrigal, en gira europea este mes).

La entrega de los bailables sorprende por lo afiatada, si se tiene en cuenta los meses de aislamiento por la pandemia, aunque la mayoría se las ingeniaba en sus domicilios para mantenerse en forma (tal vez no en grado óptimo). El cuerpo de baile se mostró convincente si bien se mostraron desigualdades, que serán superadas con más tiempo de ensayos o funciones con las audiencias presentes. Algunos solistas brillaron por su lirismo, musicalidad y hasta con virtuosismo, sin desmeritar los textos.

Anette Delgado y Dani Hernández en “Invierno”, de Ely Regina. Foto gentileza BNC.

Como segundo título del programa fue “Invierno”, un dueto intimista y minimalista, con coreografía y vestuario de la joven solista del BNC Ely Regina (quien ha demostrado sus talentos como coreógrafa en otras piezas precedentes inscritas en el repertorio del BNC), con el soporte musical de Piotr Ilich Tchaikovski (el tema de la escena copos de nieve en Cascanueces). Fue bailado con pasión y aplomo por dos estelares figuras de la compañía, Anette Delgado y Dani Hernández, con una articulación dinámica comparable a signos caligráficos a plumilla, en una gélida atmósfera de sombrías iluminaciones presagiando un final agónico.

La obra coreográfica de Uwe Scholz fue estrenada en Stuttgart por la compañía de ballet del Teatro Estatal de esta ciudad de Alemania en abril de 1991, y aquí se reproduce el vestuario y la escenografía del propio Scholz inspirada en el cuadro “Beta Kappa” del pintor Morris Louis. El diseño de luces estuvo a cargo del técnico cubano Ignacio Arguelles, siguiendo las pautas originales igualmente de Scholz.

Scholz tuvo una andadura en las artes escénicas europeas que pudiera calificarse de rutilante, pues a los 26 años asumió la dirección coreográfica del Ballet de la Ópera de Zurich durante seis años, para luego ocupar la misma responsabilidad en el Ballet de Leipzig. En estos cargos se destacó su preferencia por “lo sinfónico”. Razonablemente, en sus obras se desvela la influencia de John Cranko, y posteriormente de George Balanchine, tras su breve estancia en la School of American Ballet, quienes le insuflaron “su apego y legado” al denominado estilo neoclásico. En este aspecto vale la pena compartir el criterio expresado por el crítico Roger Salas cuando consideró a Scholz “la figura más brillante y precoz de la coreografía alemana neoclásica de los últimos 30 años del siglo XX”.

En esta ocasión el Ballet Nacional de Cuba decide ingresar en su repertorio activo una sólida pieza coreográfica de la pasada centuria, que puede contribuir al enriquecimiento profesional de sus bien formados bailarines, así como a los fieles aficionados locales. Si se tiene en cuenta las diferentes escuelas y estilos que aquí se aplican para conseguir una entrega, la ejecutante del montaje Roser Muñoz, naturalmente fue muy rigurosa a la hora de la transmisión del concepto y estilo del creador, y al respetar la paradigmática partitura beethoveniana.

“Love, fear, loss” con coreografía y vestuario del brasileño Ricardo Amarante. Foto gentileza BNC.

Según se pudo apreciar, tanto en ensayos como en el estreno, en ciertos aspectos de la técnica de los bailarines formados por la metodología de la Escuela Cubana de Ballet, fue tolerante, pues no pretendía que el resultado fuera un calco de los europeos. Y que aportaran su idiosincrasia y maneras de bailar, pero debían en cambio, poner el acento hacia abajo para evitar desfases con el ritmo de la música, y fue preciso en cuanto a los port de bras. En cambio, fue proclive a dar libertad a los bailarines al exhibir sus individualidades: la sensualidad de los movimientos, otorgaron un goce particular a esta magistral coreografía sinfónica.

Se pudo admirar un ballet donde la figura estelar es el cuerpo de baile, donde descuellan algunas demostraciones brillantes de los primeros bailarines y solistas al frente de cada movimiento de la sinfonía, como es el caso de Claudia García, Chanell Cabrera, Daniela Gómez, Sadaise Arencibia, Adrián Sanchez o Diego Tápanes, por solo mencionar algunos.

Xiomara Reyes, la nueva directora de la Washington School of Ballet, se propone tener más relación entre la escuela y The Washington Ballet. Foto Maritza Gueler.

El 1 de septiembre, Xiomara Reyes entró por primera vez en su rol de flamante directora a los estudios de la Washington School of Ballet. La ex bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) llegó a reemplazar a Kee Juan Han -quien anunció su retiro en abril de este año-, convocada por su compañera de largos años en el ABT, Julie Kent, actual directora de Washington Ballet (TWB). Ambas se despidieron de la escena en 2015, y comenzaron otra nueva aventura juntas. Su marido, Rinat Imaev, la acompaña en este periplo como profesor Senior de la escuela y como maestro de TWB, compañía actualmente dirigida por Julie Kent.

Reyes creció en El Vedado, uno de los barrios más emblemáticos de La Habana, Cuba, se formó en la Escuela Nacional de Ballet, tuvo una fuerte influencia de Laura Alonso, y luego, salió a volar con sus propias alas, inspirada por las enseñanzas de “Juan Salvador Gaviota”, de Richard Bach. Así pasó siete años en el Royal Ballet of Flanders y luego llegó al ABT. Y en uno de sus últimos pasos por Washington, Reyes fue invitada por TWB para interpretar a Katherine en el ballet creado por Septime Webre, “Sleepy Hollow”.

Cuando Kent asumió como directora de TWB, pensó en ella para que tomara la batuta de la escuela, Y así comenzaron un trabajo en conjunto que les permite formar a las nuevas generaciones de bailarines y alimentar a la compañía local con nuevos talentos. Actualmente en la escuela hay cerca de 810 alumnos en la sede del centro de DC, en Wisconsin Avenue, North West, y aproximadamente 300 en el North East.

Después de pasar varias horas dando clases, observando, y elaborando un plan a futuro, alrededor de las las 6:30 de la tarde, Reyes recorre las otras sedes de la Washington School of Ballet para ir delineando los programas que colaboren para ir acercándose a sus objetivos: formar bailarines con una sólida formación clásica, capaces de abordar una diversidad de estilos y escuelas.

En la Washington School of Ballet apuntan a que los alumnos sean capaces de abordar diferentes escuelas y estilos. Foto gentileza TWB.

Danzahoy: ¿Cómo surge esta idea de volver a trabajar juntas desde un lugar diferente del escenario?

Xiomara Reyes: Se origina primero porque a Julie le dieron el puesto de directora de TWB y nosotras hemos trabajado mucho juntas y tenemos muchos puntos en común. Cuando se enteró de este puesto, nos propuso a mi esposo y a mí para que la ayudemos a construir su visión de la compañía. La escuela es un elemento muy importante para hacer una compañía.

D: ¿Cuál es el foco principal en el que se apoyan para la formación de los estudiantes?

XR: Ponemos la insistencia en que el alumno salga de la escuela con una educación completa del baile y de la cultura en general, y que tenga una visión amplia de lo que es ser un artista. Me gustaría interactuar más con otras disciplinas. Para mí la relación maestro-alumno es clave, ya que el maestro es fundamental en la formación de una vida joven. Nosotros no solo educamos bailarines sino seres humanos para que en el futuro desarrollen su talento y la confianza en sí mismos, para que luego ayuden en la sociedad.

D: ¿Cómo planean el trabajo juntas?

XR: Queremos tener más relación entre la escuela y la compañía. Los directores anteriores no encontraron muchos puntos en común, pero en este caso, las dos tenemos cosas en común que queremos reflejar tanto en la escuela como en TWB. Mi esposo y yo también damos clases con la compañía, y al mismo tiempo ponemos mucho cuidado en los estudiantes que formamos para que Julie saque los bailarines que luego integrarán TWB.

D: Después de tantos años, ¿de qué manera pesa lo vivido en la escuela cubana de ballet?

XR: La escuela cubana es tremendamente profesional, con cinco días a la semana de trabajo. Aquí funciona de manera diferente, especialmente para los más pequeños, que tienen clases tres veces a la semana. Por lo tanto, lo importante es maximizar el tiempo. La escuela cubana es muy fuerte y da la libertad de interpretar y al mismo tiempo de ser más sólido en la técnica. Eso es lo que quiero transmitir aquí. Por otra parte, la escuela rusa que tiene un port de bars que se destaca enormemente, y el objetivo es hacer una mezcla de los elementos más representativos de cada escuela. De esta manera los muchachos se exponen a los diferentes estilos. Nuestra meta es buscar bailarines que puedan hacer Balanchine, Forsythe y que puedan moverse en todos los estilos con fluidez y gracia. Y tenemos muy buenos maestros.

Para Xiomara Reyes la relación maestro-alumno es clave en la formación de los jóvenes. Foto gentileza The Washington Ballet

D: ¿Y de qué manera empezó este cambio de timón?

XR: Ahora estamos haciendo de todo con un poco más de lentitud para darle a los estudiantes el tiempo para corregir algunos alineamientos. Ese trabajo lo llevamos a todas las sedes, y prestamos mucha atención en esos puntos, para corregir lo más pronto posible. Por ejemplo, con los aprendices estamos trabajando “Raymonda”, con el propósito de exponerlos a este tipo de preparación clásica. Estoy tratando de poner la mano en los aprendices para darles un lugar más importante del que tenían hasta ahora.

D: ¿Y cómo comenzó el trabajo?

XR: Estoy en un momento de mi vida muy especial. Hay muchas cosas que aprender. Desde lo profesional, es muy interesante. En este momento estamos preparando “Cascanueces”, y es un proceso muy encantador, y se ve desde el punto de vista del niño, de la forma en que se involucran en este ballet. Es un mundo fascinante.

D: ¿Washington o Nueva York?

XR: Siempre me encantó Washington, la naturaleza que se ve en la ciudad, sus árboles frondosos, el río… No he tenido mucho problema para adaptarme. Nueva York es muy ecléctico, pero Washington es más semejante a lo que yo pretendo. Si bien todavía estoy tratando de instalarme y armarme en la nueva casa. Vivo a 20 pasos de la escuela, y eso ayuda muchísimo, especialmente en estos momentos en los que uno se tiene que involucrar más.

Suzanne Farrell Ballet, en el Kennedy Center, presentó “Walpurgisnacht Bellet”, de George Balanchines. Foto: Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

A un día de la noche de brujas, Suzanne Farrell Ballet abrió su temporada en el Ópera House del Kennedy Center de Washington DC. El programa estuvo integrado por tres obras de George Balanchine, “Walpurgisnacht Ballet”, “A Midsummer Night’s Dream” y “Esmeraldas”, y la escena de amor de “Romeo y Julieta”, de Maurice Béjart. Las cuatro, fundidas en “Balanchine, Béjart, and the Bard”, llevaron a escena piezas históricas de la danza del siglo XX.

Farrell ha logrado llevar adelante, con esfuerzo, un proyecto que ya lleva 15 años. Rescatar las obras maestras del repertorio de Balanchine, y reponer algunas de las piezas de Jerome Robbins y de Maurice Béjart no es tarea fácil. Especialmente cuando no existe un presupuesto que permita mantener a una compañía trabajando a tiempo completo, puliendo detalles de estilo, y forjando una conciencia grupal compacta. Y esa carencia se advierte en la escena.

Heather Ogden y Kirk Henning de Suzanne Farrell Ballet, en “A Midsummer Night’s Dream”, de Balanchine. Foto. Rosalie-OConnor. Gentileza JFKC.

“Walpurgisnacht Ballet”, obra para 25 bailarines, fue originalmente creada para la ópera “Fausto”, de Goethe, con música de Charles Gounod. Su estreno mundial fue en 1980 en una función para la School of American Ballet. La troupe liderada actualmente por Farrell mostró cierta inmadurez y poca sutileza para abordar esta obra, aunque siempre es absolutamente valorable el esfuerzo que significa montar una coreografía grupal con bailarines que no trabajan juntos durante el año.

El pas de deux de “A Midsummer Night’s Dream”, que desde 2010 forma parte del repertorio de la compañía liderada por Farrell, encontró en sus intérpretes Heather Ogden y Kirk Henning, un prolijo recorrido por las sinuosidades de esta coreografía que data de 1962. Inspirada en la obra homónima de Shakespeare, ambos bailarines lograron momentos interesantes con un buen trabajo de Hennings como partenaire. La sublime partitura de Mendelssohn (Sinfonía No. 9) hizo el resto.

Bella e intensa fue la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Maurice Bejart dibujada con sutiliza por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Una pareja en la que la comunicación entre ambos bailarines adquiere profundidad, dramatismo y pasión. Las extensiones de Magnicaballi, sus delicados brazos y su fuerza dramática se ensamblan con Cook de una manera especial. Y la propuesta de Bejárt requiere de bailarines-actores que encuentren en la danza la poesía. Algo que Cook y Magnicaballi delinearon con profundidad en esta maravillosa pieza.

“Romeo y Julieta” de Maurice Bejart, interpretada por Natalia Magnicaballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Esmeraldas”, una de esas obras maestras de Balanchine que integran la trilogía de “Jewels” (Joyas) se convirtió en una interesante propuesta para el final. Farrell tejió con refinamiento de estilo tanto al cuerpo de baile como a los solistas. Si bien aún quedan ciertas sutilezas por pulir, especialmente en los brazos de las bailarinas del cuerpo de baile. En la noche del estreno Ogden y Henning, y Magnicaballi y Cook cubrieron los roles solistas con un alto nivel de danza y crearon esa mágica atmósfera de “Esmeraldas”.

La excelente interpretación de la Opera House orchestra bajo la batuta de Scott Speck aportó un punto importante a “Balanchine, Béjart, and the Bard”.

Natalia Magnicaballi y Michael Cook (Ctro.), y Melanie Riffe, de The Suzanne Farrell Ballet, en “Esmeraldas”. Foto gentileza JFKC.

Con cerca de 70 obras en su repertorio, The Suzanne Farrell Ballet, dirigido por una de las grandes musas de George Balanchine, Suzanne Farrell, lanza su ciclo de ballet en el Opera House del Kennedy Center  de Washington DC desde el 30 de octubre al 1 de noviembre. El programa, que abre oficialmente la temporada de ballet de este centro clave en la cultura de la capital del país, incluye dos estrenos de la compañía, y dos homenajes a William Shakespeare, al cumplirse 400 años de su muerte.

Dese su creación en 2001, The Suzanne Farrell Ballet, que tiene su sede en el Kennedy Center, mantiene su objetivo inicial de perpetuar el legado de Balanchine y su obra, como también el de rescatar obras clave del repertorio de Maurice Béjart. En 2007, la compañía comenzó con el proyecto Balanchine Preservation Initiative, cuyo propósito es llevar a escena las obras poco conocidas del coreógrafo.

De esta forma, la troupe capitaneada por Farrell presentará en estas próximas funciones el espectáculo “Balanchine, Béjart, and the Bard”, en el que confluyen diferentes estilos y propuestas.

“Walpurgisnacht Ballet”, obra, creada para 25 bailarines con coreografía de Balanchine fue originalmente parte de la ópera “Fausto”, de Goethe, con música de Charles Gounod. Como ballet, tuvo su estreno mundial en 1980 en una función para la School of American Ballet, con la interpretación de Farrell y Adam Lüders como pareja principales.

“Curiosamente he descubierto recientemente que estoy relacionada con Goethe por el lado de mi madre –comentó Farrell–. Con ese aura de embrujo, este ballet es una gran adquisición para nuestra temporada de otoño, y mucho más porque cae justo para el fin de semana de Halloween. Cuando estrenamos esta obra, Balanchine pensó que era solo una pieza de ocasión para esa gala, pero el público se quedó encantado y rápidamente se sumó al repertorio del City Ballet. Y siempre estuve buscando la oportunidad de incluirla en el repertorio de mi compañía.”

El pas de deux de “A Midsummer Night’s Dream”, otro clásico de Balanchine de 1962, está inspirado en un clásico de Shakespeare. Farrell bailó esta obra con el New York City Ballet, y desde 2010 forma parte del programa que la compañía presenta en esta temporada. Según aseguró Mr. B, su aproximación a esta obra estuvo inspirada, en gran parte por la música de Mendelssohn (Sinfonía No. 9), compuesta en 1826.

La escena de amor de “Romeo y Julieta”, de Maurice Béjart, con música de Héctor Berlioz es la cuarta obra que subirá a escena en esta temporada. Farrell interpretó el rol de Julieta en esta producción que se estrenó en 1966, poco tiempo después de haber ingresado al Ballet del Siglo XX, dirigido por Béjart. Otro de los homenajes a Shakespeare, que Ferrell integró a su compañía en 2007 durante el Shakespeare in Washington Festival.
Uno de los grandes clásicos de Balanchine, “Esmeraldas”, la pieza que abre la trilogía de “Jewels”, con música de Gabriel Fauré, es una puesta para 17 bailarines. La obra es una evocación de la Francia del confort, los perfumes, la costura y la elegancia.

“Cada una de las tres secciones de ‘Jewels’, determina un estilo específico de caminar –apuntó Farrell–. ‘Esmeraldas’ tiene una forma de caminar baja, como si fuera debajo del agua, y sin peso. Después de su estreno, Mr. B agregó otro pas de deux para la primera bailarina y un pas de sept al final, con lo cual las principales vuelven a estar juntas para reiterar el motivo de la caminata y deslumbrar con el espíritu de la obra.”

La compañía, presentó varios fragmentos de las obras de su repertorio en el Millennium Stage durante las primeras semanas de octubre, y una clase magistral a cargo de una de las bailarinas principales de la troupe como parte de las serie Kennedy Center’s Explore the Arts. El 7 de noviembre Farrell dictará una clase magistral para adultos en el ciclo Exploring Ballet with Suzanne Farrell, inspirada en el programa para jóvenes que la ex bailarina dirige durante el verano.

En el Lincoln Center de Nueva York el ABT presentó “Piano Concerto No. 1” de Shostakovich, coreografiado por Alexei Ratmansky, artista-en-residencia de la compañía. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.l ABT

La temporada otoñal del American Ballet Theater (ABT), ofrecida en el teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, ha durado solo diez días, pero si es bueno, bienvenido sea. Cada función  contaba de tres cortas obras, todas en distintos estilos  de los tres coreógrafos de los cuales se presentaron trabajos.

En el programa del séptimo día, había piezas de diferentes estilos, que iban de lo excelsamente clásico, a lo contemporáneo: “Tema y Variaciones” de Balanchine, con la bella música de Tchaikowki; le seguía “A month in the coujntry” (Un mes en el campo), con la romántica música de Chopin, original de Frederick Ashton, hacedor de trabajos tan maravillosos como el que apareció ese día. Para terminar, subió a  escena “Piano Concerto No. 1” de Shostakovich, coreografiado por Alexei Ratmansky, artista-en-residencia del ABT, y prometedor de cosas muy interesantes, entre los nuevos  que han surgido recientemente.

“Tema y Variaciones” data de 1947, y es la única obra que el gran Mr. B –como era conocido el gran maestro en su compañía–, creara para el ABT.  Este ballet, en especial, lleva su sello indiscutible: velocidad y dificultades técnicas en extremo. Los fulgurantes nuevos trajes de la obra, son ahora originales de Zack Brown.

Polina Semeniova, la  principal solista, es simplemente exquisita. Las líneas que despliega en sus piernas y brazos son perfectas; además pose gran belleza física, pero pese a esos atributos y a su  trabajo esa noche, aún no ha captado el estilo especial del gran maestro  y coreógrafo. El solista masculino, Cory Stearns, salió airoso de esos “ronde jambe sautée” que han dado al traste con sus varios ejecutantes a través del tiempo. Las otras cuatro solistas y sus respectivos compañeros, así como el coro, dieron gran brillantez a la pieza. Aquí cabe señalar la igualdad y perfeccionamiento del actual elenco de la compañía,   que  coloca a ABT en el presente, entre las mejores del mundo.

“A Month in the Country”, el título del  magnífico ballet  que Ashton compuso en 1976, siguió en el programa, con la exitosa piano solista Emily wong, interpretando las ensoñadoras composiciones de Chopin.

El argumento cuenta como el matrimonio formado por Valeav, Víctor Barbee, y su esposa, Natalia Petrovna, Julie Kent, deciden ir a pasar un mes en su residencia de verano. Con ellos van su hijo, el pequeño Kolia, Daniil Simkin, y Vera, Gemna a Bond. Joven adolescente al cuidado de Natalia. También los acompaña Rakitin. Grant Delong, confidente de Natalia, y la sirvienta Katia, Stella Abrera. Pronto llega a la casa veraniega Beliaev, Guillaume Côté (artista invitado), atractivo estudiante, quien viene  a servir de tutor de Kolia,

La  tranquilidad del  hogar pronto se ve interrumpida, por el sentimiento amoroso  que Vera despierta hacia el tutor, que le presta poca atención, pero cuando Natalia se percata de esto, abofetea a la enamoradiza adolescente. Esta huye d la habitación, pero pronto Natalia también se siente atraída hacia Beliaev,  y cuando Vera a su vez  sorprende a Natalia en una escena amorosa con Beliavev, quien se hs enamora de ella, llama a todos los ocupantes del lugar, acusando a Natalia ante ellos,  de su escapada amorosa. Beliaev decide empacar sus maletas,  igual que lo hace Rakitin, y ambos se marchan, para así restablecer la tranquilidad de la familia.

Julie Kent, en su interpretación del rol de Natalia,  es delicada y tierna.  Sus “pas de bourée” constantes, son rápidos, casi alados, mostrando una ligereza indescriptible, que la hacen dueña indiscutible de ese rol.  Côté, un relevante Beliavev, es tan atractivo como correctamente expresivo, sin llegar a exageraciones innecesarias, por lo que resulta ser la perfecta pareja para la magnífica Kent. Ambos artistas pulimentan esa joya coreográfica que lleva la firma de Ashton, quien junto a Fokine, Balanchine y Robbins, resultó  de los más prolíficos y mejores coreógrafos del siglo XX.

Entre los otros principales del reparto, Simkin, como el niño Kolia, hizo el gusto del público, con la modalidad que más gusta actualmente: giros velocísimos y saltos soprendentes, interpretados con total desenfado y acertación. Igualmente, Bond, como Vera, no dejó nada que desear, por su perfecta técnica y buena caracterización. Abrera, por su parte, logró una sirvienta  graciosa  y picaresca.

“Piano Concerto No, 1 para piano y trompeta” de Shostakovich, con coreografía de Ratmansky, fue estrenado en el pasado año. El moderno vestuario es creación de Keso Dekker y el inventivo decorado se debe a  George Tsypin.

Dos parejas de principales, formadas por la inigualable Gillian Murphy, junto a Calvin Royal III, nueva sorpresa danzaría, y Skylar Brandt junto a Gabe Stone Sayer, otros dos miembros del coro que revelan poseer un potencial sobresaliente,  están a la cabeza  de la exhilarante coreografía clásica-contemporánea, de gran espectacularidad y constante movimiento, que alguie del público calificó como calisténica.  El extenso coro forma un gran conjunto, por más que hay veces que comparte la danza con uno u otra solista repetidamente.

La orquesta esa noche tuvo con magníficos directores: Ormsby Wilkins y David Lamarche. En la última obra intervinieron soberbiamente, Barbara Bilach al piano, y el trompetista Carl Albach. Ballet diferente, pero igualmente seductor. Una positiva realidad.                                                                                                                                                                                                                                       

Melissa Pastrana, hija de cubanos, empezó a bailar a los 5 años ritmos latinos y también estudió ballet. Foto gentileza LOVO.

Sus padres fueron bailarines profesionales y ganaron varios premios. Su abuela era cantante, y su abuelo, poeta. Desde que tenía 5 años Melissa Pastrana empezó a bailar en eventos de salsa y rumba hasta que su mamá notó que improvisaba muy bien y decidió mandarla a tomar clases de baile. Después de unos años, ya había aparecido en seis temporadas de “Star Style Magazine”, y a los 9 empezó a bailar profesionalmente en espectáculos de gran formato como “Sábado Gigante” por la cadena Univisión.

Hoy, la bailarina es la única de Miami, Florida, que desde hace tres temporadas forma parte del show de televisión, “Mi sueño es bailar”. Los productores del famoso programa buscaron en seis estados. Les gustó cómo hablaba español y cómo bailaba, y la contrataron.

Pastrana, nació un 19 de diciembre en Nueva York. Se mudó a Miami cuando era niña, estuvo bajo la dirección artística de Tony Catanzaro y Lizette Piedra, donde recibió su primer entrenamiento de ballet. A los 18 años bailó para Disney y ganó varios concursos de baile.

Edward Villela  la eligió como aprendiz para el Miami City Ballet, y estuvo dos años trabajando con la compañía en la técnica de Balanchine. Estudió también técnica Vaganova y jazz, y luego se dedicó específicamente al ballroom dance.

Mientras espera la llegada de la cuarta temporada de “Mi sueño es bailar”, hace “master classes” para adultos y adolescentes, y prepara a los jóvenes para musicales o televisión. Colabora como artista invitada con MAD Miami Dance, enseñando coreografías con la intención de ayudar a las comunidades más desfavorecidas de la región. “Estoy apasionada con mi trabajo y trato de devolver a la comunidad todo lo que he aprendido –comentó–. Es un trabajo “full time”, con un contrato de tres meses y aun cuando mi partenaire no forme parte del show, ellos me pueden llamar en todo momento”.

En 1996, mientras actuaba en Belvoir Terrace, fue la favorita por Jerry Zak, el ganador de cuatro premios Tony. A los 19 años asistió a New World School of the Arts/ University of Florida para estudiar teatro musical, baile y coreografía. Durante ese tiempo, fue galardonada con el premio Congressional Hispanic Caucus Institute Award.
Trabajó con la Florida Grand Opera Company, donde participó como bailarina principal en “Sansón y Dalila”. También bailó en operas como “Turandot”, “Aída”, “Manón Lescaut” y “La Traviata”.

Pastrana fue la pareja de baile de Don Cheto en la primera temporada de “Mi sueño es bailar” en la cual abrumaron al público y al jurado gracias a la motivación, dinámica y creatividad que caracterizaban sus movimientos, lo que los llevó a ser ganadores absolutos. En la reciente temporada del programa, Pastrana regresó con una nueva pareja de baile, Gerardo Gallardo, el actor mexicano que ha actuado en telenovelas como ¨Entre el Amor y el Odio¨, y ¨La Dueña¨ , protagonizada por Angélica Rivera. Y se encargó de diseñar coreografías de estilos tan diferentes como salsa y vals.

Ahora regresa a la cuarta temporada del programa. “Hay días que son difíciles –dijo la bailarina, hija de cubanos–. Muchas veces tengo que levantarme a las 5 de la mañana y trabajar hasta las 2 de la madrugada, y al día siguiente estar lista para enseñar un baile. Eso es parte del trabajo y hay momentos en que hay que tener paciencia para enseñar a las celebridades que no saben nada de baile”.

Formada por tres de los más importantes coreógrafos a nivel mundial como Michael Silas (Lady Gaga), Gilbert Saldivar (Jlo, Christina Aquilera o Madonna), y Jose Omar Fernández (Britney Spears), Pastrana trabajó en el videoclip del famoso cantante Don Omar en colaboración con Zumba. Se entrena cinco horas por día y da clases constantemente. Hace yoga, hiphop y ballet.

“Durante toda mi vida hice mucho sacrificio –afirmó–, tanto en las comidas, como en los amigos. Y mi padre también hizo mucho sacrificio para que yo bailara. Soy cubana americana y la música latina es algo muy familiar para mí. Cuando oigo música, me olvido de todo. Es una conexión con Dios y con el universo. Y la danza, para mí, es movimiento, pero no podría considerarme en una sola línea. No me gusta encasillarme. El movimiento es el mismo en diferentes modos y ritmos”.

“Bolle and his Friends”, ha producido un programa diverso en tres partes en las Termas de Caracalla, Italia. Foto gentileza de TOR.

El único bailarín italiano en varias generaciones que ha alcanzado la proyección mediática global de sus precedentes y paradigmáticos Rudolf Nureyev y Mijail Baryshnikov –como el mismo ha confesado–, es sin duda Roberto Bolle, este carismático joven de 31 años, nacido de humilde cuna en el Casale Monferrato.

Bolle se ha ”esculpido”, con esfuerzos denodados, un cuerpo escultórico de adonis clásico con brazos y manos “leonardescos”. Según noticias conseguidas por colegas italianos, se recupera ya de un lamentable accidente el pasado año. En esta ocasión, el virtuosismo de las obras de Petipa fue reemplazado, razonablemente, y sin desmedro de una notable técnica conseguida con un encarnizado trabajo cotidiano desde sus primeros años juveniles en la Escuela de ballet de La Scala de Milán.

En las obras que ha elegido bailar en las Termas de Caracalla, Italia, Bolle optó por piezas donde realiza un empleo inteligente y una adaptación de su energía e histrionismo. Criterio aplicado en toda una gira de verano por grandes escenarios al aire libre por la geografía itálica. Y en cada una de esas presentaciones convence por la vehemencia de su transmisión.

Tal es el caso aquí, tras el retorno triunfal de NYC, bailó como “principal” del ABT, de presentarse con “Who Cares?”, de Georges Balanchine, sobre las populares y exquisitas canciones de George Gershwin, y luego, al final, como protagonista de “El joven y la muerte”, icónico ballet del “novecento” de su admirado Roland Petit con música de Bach.

Siguiendo la fórmula de “Bolle and his Friends”, ha producido un programa diverso en tres partes, donde solistas de mayor o menor rango,  de diversos rincones del planeta se desempeñaron con pertinencia en la danza contemporánea, con formación y empleo de la técnica “d´école”.

Por supuesto, Bolle supo escoger las coreografías de algunos de los más prominentes creadores del siglo XX que le entusiasman por su belleza estética y sus audacias. Abrió con la mencionada obra de Balanchine, con la participación de tres solistas jóvenes del Ballet de Toulouse, todas de origen latino y de nacionalidades diferentes, aunque ninguna se ajustó al ideal femenino de Mr. B. Y decidió cerrar el programa con la conocida pieza del recién desaparecido Petit, esta vez con una jovencísima bailarina china, Jia Zang. Exquisita, toda de amarillo en el gélido y enigmático papel de La Muerte. Bolle encarnó sobriamente un rol que puede desbordar sus límites trágicos, siempre un riesgo ante los referentes de sus previos célebres intérpretes.

En la segunda parte, fueron incluidos dos duetos de excelente factura, de los afamados coreógrafos Jirí Kylián y John Cranko. Del primero, con música electroacústica de Dirk Haubrich, disfrutamos la obra “27´57”, donde los bailarines checos Natacha Novotná y Vaclav Kunech con electrizante perfección corporal exploran las sensibles especulaciones espacio-temporales.

En el pas de deux de Cranko, “Aus Holbergs Zeit” –su segunda creación coreográfica–, es una rareza escogida por dos laureados jóvenes primeros bailarines del Ballet de Stuttgart: la española Alicia Amatriain (San Sebastián) y el inglés Alexander Jones (Essex). Sobre hermosas melodías nórdicas del noruego Edward Grieg, que entregaron con elegancia y virtuosismo enfundados en originales figurines en colores “dégradées”.

Las ovaciones de los más de seis mil espectadores obligaron a los artistas a saludar varias veces, pero Bolle, en solitario tuvo que salir  más de seis veces, obligado por el griterío de su fanaticada femenil.

La prensa italiana califica la acción de Bolle para popularizar el ballet en su país y globalmente como algo comparado a los “concertazos” de los tres tenores, con respecto al arte lírico operístico. Pero su divismo no hace mella en su modestia artística y personal. El equipo promotor del Teatro dell’ Ópera di Roma se anota un triunfo más este verano romano.

Paloma Herrera y José Manuel Carreño, del ABT, en "El Corsario", en el 22 Festival Internacional de Ballet de la Habana. Fotos: Nancy Reyes.

Poco más de 50 años después de su última presentación en La Habana, durante la primera edición de estos festivales en 1960, el ABT (visitó la capital cubana por primera vez en 1947) preparó un atractivo e histórico programa para las dos únicas representaciones previstas, en el más grande teatro de Cuba, el “Karl Marx” con capacidad para 4.500 espectadores sentados (todas las localidades se agotaron en menos de 48 horas). En ambos programas fueron repetidas las obras de conjunto, pero dos pas de deux fueron alternantes, siempre con un estelar cubano: “Le Corsaire”, con José Manuel Carreño (quien anuncia su despedida de la compañía para junio de 2011) junto a la argentina  Paloma Herrera, muy favorita de los aficionados locales, y “Diana y Acteón”, con la cubano-norteamericana Xiomara Reyes (ovacionada de pie por sus “fans” que la recuerdan con cariño, a pesar de los 18 años de ausencia de su tierra natal) junto al virtuoso rioplatense Herman Cornejo.

A su vez, y también despús de varios años, el New York City Ballet llegó a la isla para presentarse en el 22 Festival Internacional de Ballet de La Habana. Ambos conjuntos neoyorkinos bailaron coreografías, de Balanchine y de Jerome Robbins, como “Theme and Variations” (creado en 1943 para Alonso y su partner de entonces Igor Yuskevitch) en el que se destacó el asombroso clasicista David Hallberg, y “Fancy Free”, con dos deliciosas interpretaciones por Julie Kent y Carreño (desbordante de carisma y fina comicidad). Afortunadamente, McKenzie incluyó algo más novedoso en materia de lenguajes coreográficos en su repertorio activo, como las “Siete Sonatas” de Alexei Ratmanski sobre música al piano en vivo de Scarlatti. Y el NYCBallet trajo el dúo “Liturgy” del británico Christopher Wheeldon con música del letón Arvo Part. Además de los intérpretes ya mencionados, fueron brillantes las entregas, por su precisión en el trabajo de puntas, musicalidad y voluntad de estilo, de Sara Lane, Michelle Wiles, los hermanos Angle, Tiler Peck, Sasha Radetsky, entre otros.

La música tiene una fuerte presencia en el ABT, por lo cual decidieron utilizar en vivo la Orquesta Sinfónica Nacional y enviar dos directores orquestales a conducirla. Los maestros Ormsby Wilkins y David Lamarche ofrecieron una lección de dirección especializada en danza, y la orquesta se portó lo mejor posible dado que estas partituras eran nuevas lecturas y debieron ejecutarlas con un brevísimo tiempo de ensayos.

Entre las interpretaciones más brillantes de los nacionales habría que destacar en la reconstrucción del ballet de Agnes de Mille “Una rosa para Miss Emily”, las de Bárbara García (al nivel de una Sally Wilson) y Javier Torres, realmente calificables de actriz–bailarina y de bailarín–actor. Hubo dos solos sobre la música del cisne de Saint–Saens, uno compuesto por Michel Descombey, y defendido con fuerza y control por Torres, “Muerte de un cisne”, y el otro fue un electrizante y memorable cisne moribundo encarnado por el ruso Vladímir Malakhov, según el montaje del italiano Mauro di Candia. At last but not least, fue el solo bailado con deslumbrante autoridad e ímpetu técnico por la estelar bailarina española del Royal Ballet, Tamara Rojo, que fuera creado por Ashton para otra grande del ballet inglés, Lynn Seymour, “Cinco valses de Brahms a la manera de Isadora Duncan”, interpretados al piano sabiamente por el joven pianista cubano Aldo López Gavilán (titulado en importante conservatorio londinense).

Igualmente hubo dúos inolvidables: el de “Sinatra Suite” por Sara Lane junto a José M Carreño y el pas de deux de “Las bodas de Aurora”, en versión puro Petipa de Mónica Mason (según las anotaciones de N. Sergeyev), regalado con elegancia y musicalidad por dos estilistas insignes del Royal Ballet de Londres, Roberta Márquez y Steven McRae. Y la esperada actuación del cubano mundial, Carlos Acosta, llegó finalmente en un energético solo de Russell Maliphant, reducción de “Two” –que su creador bailaba con Sylvie Guillem–, tal una exhibición  magistral en el control de las dinámicas musculares, descalzo y minimalista bajo dos luces cenitales Si bien decepcionó un poco a sus seguidores que lo esperaban en un “clásico”, las ovaciones no se hicieron esperar y fueron abundantes.

Grigorieva, quien actuó en La Habana en más de una ocasión, era una bella mujer, a quien muy acertadamente ahora se la señala como “una de las más fieles representantes de la gran tradición rusa”. Esos adjetivos podían adjudicárselos también a otros miembros de los Ballets Russes, en cualquiera de sus versiones (Ballets Russes de Montecdarlo, o De Basil Original Ballet Russe).

El primer viaje de los Ballets Russes de Montecarlo a la isla de Cuba, fue en 1936, cuando la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana contrató al conjunto para presentarlo a sus asociados en el Teatro Auditorium de la capital cubana.

Cinco años más tarde, la compañía llegó nuevamente a la isla caribeña, esta vez bajo la égida del empresario Sol Hurok, y la Sociedad Musical Daniel, de México, bajo el nombre de Original Ballet Russe de De Basil. En esa oportunidad, la compañía confrontó enormes problemas laborales, y como resultado, pasó cuatro largos meses en Cuba. De tal catástrofe económica nunca se recuperó, y finalmente dejó de funcionar en 1952. En la segunda aparición del conjunto en Cuba, Grigorieva cubrió importantes roles. Ella fue la sensual Zobeida, del ballet “Scheherazade”, que Michel Fokine había compuesto sobre la hechizante partitura musical de Rimsky-Korsakoff.

Grigorieva, natural de Petrogrado (la actual San Petersburgo) quien había cambiado su apellido Sidorenko por el de Grigorieva, al contraer matrimonio con Vova Grigorieff, secretario general de los Ballets Russes por muchos años –hijo a su vez del afamado Regisseur, Sergei Grigorieff–, era una bailarina que con su natural hermosura y elegante clasicismo, dominaba totalmente la escena una vez que aparecía en ella.

En su entrenamiento inicial habían intervenido George Balanchine, y Olga Preobrajenska. Su debut profesional tuvo lugar en Les Ballets 1933, conjunto fundado por el propio Balanchine, que sería de corta duración. Grigorieva, luego, ingresó en los Ballets Russes, en sus diferentes encarnaciones, manteniéndose con el grupo de De Basil hasta 1944, cuando definitivamente abandonó la compañía rusa, y marchó a vivir y trabajar en Sudamérica.

Poco se supo de su carrera en Norteamérica, desde que fijó su residencia en la capital argentina, Buenos Aires, e incomprensiblemente, su muerte no ha sido reportada por ningún diario estadounidense.

Ahora, según el aviso de la Asociación de Arte y Cultura de la capital argentina, Grigorieva murió el 19 de junio, en Buenos Aires, donde ejerció como maestra de baile, coreógrafa y directora de ballet del Teatro Colón –junto a Mario Galizzi en distintas ocasiones–, y cosechó sus éxitos como directora del ballet del SODRE, en Uruguay.

Descanse en paz la gentil bailarina. Su nombre pareció perderse en la distancia por mucho tiempo, no obstante, aún es recordada y admirada por quienes tuvieron la suerte de aplaudirla cuando estaba en plenitud de sus facultades como bailarina.

El Boston Ballet llevó al Auditorio del Kursaal de San Sebastián “Ballo della Regina” (1978), una pieza de George Balanchine poco exhibida en los circuitos europeos. Foto: Gene Schiavone. Gentileza: BB.

Brillante retorno del Boston Ballet, dirigido por Mikko Nissinen, al Auditorio del Kursaal de San Sebastián, tras su éxito en 2007 con “La Sylphide”. Para la ocasión, la cuarta compañía en antigüedad de Estados Unidos presentó dos espectáculos: “Ultimate Balanchine”, un programa dedicado a la figura del coreógrafo George Balanchine (1904-1983) y “Made in Boston”, compuesto por cinco creadores actuales.

Balanchine

Tres diferentes piezas componían “Ultimate Balanchine”. Comenzó la noche con “Ballo della Regina” (1978), una pieza poco exhibida en los circuitos europeos. Sobre la música original de la ópera “Don Carlos” de Verdi, el coreógrafo ruso construyó una obra tan límpida como la perla perfecta que busca el pescador. Buena muestra de virtuosismo técnico, de rigurosa ejecución, por la rapidez de sus pasos, y ciertos momentos de belleza estática.

Las antiguas creencias que clasificaban a los seres humanos en función de sus humores son la base de “The four temperaments” (1946), ballet en el que los bailarines se dividen entre quienes bailan de manera melancólica, sanguínea, flemática o colérica. Traspiés aparte, obra maestra, en la que, gracias a la interpretación, estaban bien perfilados los cuatro temperamentos. Cerró el espectáculo “Rubíes” (1967), extracto de “Joyas”, inspirado en el diseñador de joyas Claude Arpels. Se trata de un ballet de menor contenido neoclásico que sus precedentes y con ese aderezo adicional que da el jazz, creando una pieza vibrante e ingeniosa, muy vitoreada, al igual que el resto del espectáculo, que se saldó con varios minutos de ovación, bravos y calurosos aplausos.

Balanchine creó un estilo singular para la danza americana, en la que exigía una impecable técnica, una rapidez sin precedentes y una acusada musicalidad. Por eso, ver bailar a una compañía estadounidense una obra de este coreógrafo, gran arquitecto de la danza neoclásica, es todo un lujo. El Boston Ballet le da un toque especial, que hace que su interpretación sea simplemente sublime. “Ultimate Balanchine” es un bello programa, tan lleno de hermosura, como de quilates de danza, donde la joya que más brilló fue el propio Boston Ballet, con su exquisita interpretación.

Tres coreógrafos

La siguiente cita fue con el programa “Made in Boston”, compuesto por cinco coreografías de cuatro coreógrafos contemporáneos. La intención de esta propuesta era demostrar la versatilidad de la compañía norteamericana, ya conocidos sus registros clásicos (“La Sylphide”, en 2007) y neoclásicos (“Ultimate Balanchine”, gira actual). La formación liderada por Mikko Nissinen se amolda adecuadamente a los diferentes estilos.

La segunda propuesta mostró diferentes registros, en trabajos de diverso contenido en cuanto a su escritura coreográfica. El concepto de danza contemporánea en los Estados Unidos difiere en relación a la mentalidad europea. Códigos asimilados hace tiempo en el viejo continente, aún pueden parecer novedosos en América. Por eso, no es de extrañar que “Rhyme” (2008) del antiguo bailarín Víctor Plotnikov parezca un clon muy bienintencionado del estilo de Jirí Kylián, genio de la coreografía del último cuarto del siglo XX: pas de deux de complejidad y exquisita factura, acusada musicalidad, cuidadísima iluminación. Aún muy academicista respecto al lenguaje neoclásico resultó “Ein von viel” (2001) de la también ex bailarina Sabrina Matthews. Un cuento oriental era la base de “Tsukiyo” (2009), un paso a dos con sugerente escenografía que narra la historia de la fascinación del amor y de la intimidad del roce.

Capítulo aparte merecen las dos obras presentadas por Jorma Elo, coreógrafo residente del Boston Ballet. Él fue el encargado de abrir la velada con “Plan to B” (2004), una creación de alto voltaje, muy brillante, y de cerrarla con “Brake the eyes” (2007), un juego de deconstrucción en seis movimientos, sobre cinco obras de Mozart y una de “soundscape” electrónico. Interesantísima pieza que delata a un coreógrafo ávido de experimentar y con voz e ideas propias, aunando elementos de su época de bailarín como la teatralidad de Mats Ek (Cullberg Ballet) y, desde luego, muchísimos guiños a Kylián (Nederlands Dans Theater).

El Boston Ballet ratificó la magnífica imagen ofrecida hace tres años, con dos espectáculos de cuño diferente, en los que el espectador disfrutó de la solidez de una de las compañías más compactas de los Estados Unidos.