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Cuatro días al compás del dos por cuatro

mgueler — Thu, 14 May 2026 17:06:58 +0000

El 14th. Philadelphia Tango Festival tendrá como tema central “Improvisación consciente”, orientada al tango danza y la música. Foto gentileza PATS.

Para iniciados, y no tanto, para exploradores de nuevas experiencias y para fanáticos. Para enamorados. Para soñadores. La cita es insoslayable: cuatro días a puro tango, a pura danza argentina. La 14.ª edición anual del Philadelphia Tango Festival se lanza, como es tradicional, el fin de semana de Memorial Day en Estados Unidos, del 22 al 25 de mayo. Patrocinado por la Escuela de Tango Argentino de Filadelfia (PATS), el festival reúne a entusiastas del tango de toda la región y del mundo y se convierte, en cuatro días, en una celebración de la música y la danza.

Aquí se reúnen, todos los años, bailarines, músicos, docentes e investigadores que llegan de distintas partes. Este año, de Argentina, Italia y otras ciudades de Estados Unidos. El programa incluye cerca de 40 actividades entre clases, seminarios, conferencias, conciertos, prácticas, milongas con música en vivo y talleres para distintos niveles, desde principiantes hasta bailarines avanzados.

“El tema del festival de este año es la ‘Improvisación Consciente’ -afirmó Meredith Klein, directora del festival-. Al estudiar la estructura del baile y la música del tango, podemos lograr una mayor libertad, fluidez y musicalidad en nuestro baile social. Este espíritu de improvisación lúdica nos sitúa en el momento presente, crea conexión y genera alegría para bailarines de todos los niveles”.

La pareja de bailarines Ignacio Ondartz y Meredith Klein ofrecerán talleres adicionales durante los cuatro días del festival. Foto gentileza PATS.

Klein, cofundadora junto a Andrés Amarilla de PATS, fue distinguida en 2024 como “Académica Correspondiente” por la Academia Nacional del Tango de Buenos Aires, una designación otorgada a referentes internacionales vinculados a la difusión e investigación del tango. Klein es actualmente la única estadounidense residente en Estados Unidos que recibió ese reconocimiento por parte de la institución argentina.

Entre los artistas invitados este año figuran las parejas de bailarines Octavio Fernández y Carolina Giannini, de Argentina, y Rino Fraina y Graziella Pulvirenti, de Italia. También participarán Pablo García Gómez e Iwona Ionescu, que impartirán un ciclo de cuatro talleres progresivos para principiantes (no se requiere experiencia ni pareja). Andrés Amarilla y Olesya Kershaw, e Ignacio Ondartz junto a Meredith Klein ofrecerán talleres adicionales. Además, cada milonga contará con exhibiciones de baile.

A los cuatro conciertos que están programados durante el festival, se suman actuaciones en vivo en las milongas. Entre las presentaciones anunciadas: el Dúo Villarreal Crom, de Argentina, y la orquesta Típica Messiez, una de las agrupaciones de tango más populares de los Estados Unidos. Además, el festival incluirá cuatro conciertos.

Uno de los ejes de esta edición será la presentación de nuevos lanzamientos del sello Bochinche Records, fundado en 2023 en Filadelfia por iniciativa de la PATS. El objetivo de este sello es producir nueva música de tango argentino para bailar. A partir de temas como “De Vidrio”, de Emiliano Messiez (“Psicoporteño”, 2023), bailado y presentado internacionalmente, Bochinche Records obtuvo sus primeros reconocimientos.

Este año, el pianista Mariano Castro presentará el álbum “Urban Tango”, grabado en enero de 2026 en la sede de la PATS. El disco incluye, entre otras obras, “Little Italy 1930”, de Astor Piazzolla. También se presentará “Cruce”, grabado en Buenos Aires por el pianista Emiliano Messiez y el cantor Juan Villarreal. Ambos discos serán editados por Bochinche Records durante 2026 y cuentan con participación exclusiva de músicos argentinos.

En el último año, Bochinche Records recibió cuatro nominaciones a premios internacionales, entre ellas una nominación al Latin Grammy en la categoría “Best Tango Album” por el trabajo “La inevitable tentación de ir a contramano”, del Sexteto Fantasma. Ese material obtuvo además un 21st Century Tango Award a la mejor canción de tango.

El festival incluirá además una conferencia sobre tango y género a cargo del historiador y poeta Matías Mauricio, llegado desde Argentina. Como novedad, la programación incorporará talleres de música y danzas folklóricas argentinas que concluirán con una peña participativa.

Con este despliegue de propuestas la Philadelphia Argentine Tango School, fundada en 2008 por Meredith Klein y Andrés Amarilla, sigue abriendo puertas al tango en todas sus expresiones y a su vez, permite el desarrollo de actividades de formación, conciertos, milongas y difusión cultural vinculadas al tango argentino en la región de Filadelfia.

14th. Philadelphia Tango Festival. Foto gentileza PATS.

Un año más con el tango “a toda máquina”. Y como decía Homero Expósito “A bailar, a bailar que la orquesta se va”.

Información sobre el festival

Dónde:
Lithuanian Music Hall de Filadelfia
2715 E Allegheny Ave
Philadelphia, PA 19134

Cuándo:
Del 22 al 25 de mayo

Programación: Philadelphia Tango Festival

Una energía que no cesa

mgueler — Sun, 28 Jul 2024 15:43:32 +0000

“Ramblin Suite”, una creación de Diane Coburn Bruning con la actuación en vivo de los Red Clay Ramblers. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

Como siempre ocurre, cada vez que Chamber Dance Project (CDP) sube a escena, su propuesta, novedosa y desestructurada, permite la integración de la danza, la música de cámara en vivo y elementos audiovisuales. Esta vez, del 27 y 29 de junio, el Harman Hall de Washington DC volvió a explotar de energía. Esa energía que dispara su directora, Diane Coburn Bruning, desde la espina dorsal de su compañía.

En la segunda parte, el estreno mundial de “Books of Stones” con coreografía de Christian Denice, creación especial para Chamber Dance Project, reafirmó la intención temática de la compañía. La obra explora temas de la naturaleza y la espiritualidad con un lenguaje contemporáneo. La coreografía y la música de Jack Herrick y Bland Simpson, crean una narrativa que conduce a una experiencia sensorial particular.

Denice, con notable inventiva y sensibilidad, utiliza el espacio escénico de manera efectiva, al tiempo que cada bailarín retrata, a través de sus movimientos, la riqueza emocional de la música. La partitura transita desde la calma y la suavidad hasta la intensidad desbordante.

Los bailarines, con una técnica impecable y gran sensibilidad, capturan la esencia poética de la obra. Mientras, una cantante recorre la escena y se entremezcla con los bailarines. Con su voz reproduce las voces de la naturaleza y todo se convierte en un vibrante espacio conectado con la tierra y sus misterios. De esta manera, “Book of Stones” no solo demuestra la sutileza coreográfica de Denice, sino también, la capacidad de CDP para encarar producciones estéticamente ricas y emocionalmente fuertes. Esta obra invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre el arte y la naturaleza y sobre el mundo que habitamos.

El estreno mundial de “Books of Stones”, de Christian Denice, una cantante y músicos en escena. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

La obra que abrió el programa, “Sur”, de Jorge Amarante, se estrenó en 2014, y resultó un acierto volver a visitarla. Tango contemporáneo y ballet, se funden en esta pieza donde la música de Astor Piazzolla y de Pēteris Vasks permiten explorar diferentes texturas. Desplazamientos, cargadas, secuencias en el piso, y ciertos códigos propios del tango se desgranan en dúos, variaciones en parejas y estructuras grupales. Los bailarines logran captar la propuesta del coreógrafo y van delineando una obra compacta que propone distintas intensidades.

Ataviadas en tonos naranja con líneas serpenteadas y zapatillas de punta, las bailarinas Iris Davila, Fuki Takahashi y Sophie Miklosovic, aparecen en el escenario con movimientos estilizados y giros, impulsadas por la penetrante música de Caroline Shaw. “Weave the Wind”, una pieza contemplativa creada por Coburn Bruning, deja que los bailarines sean protagonista de la belleza. Por esta obra transitan secuencias de tríos, solos, dúos de exquisito tramado, donde todo fluye como en una respiración continua.

“Ramblin Suite”, con la actuación en vivo de los Red Clay Ramblers, banda ganadora del premio Tony, fue el estreno de la temporada y cerró el programa. La obra creada por Diane Coburn Brining combina elementos de música folk y bluegrass con una coreografía dinámica que transita por diferentes climas y texturas y que demanda de una alta capacidad técnica por parte de los bailarines. Sofisticada y atractiva es esta propuesta que lleva a escena una mezcla de danza contemporánea con diversas influencias y una música desbordante de energía.

Coburn Bruning es una coreógrafa cuyo trabajo se caracteriza por su capacidad para conectar la danza con otras formas artísticas, y su compromiso con la exploración de nuevas posibilidades expresivas. Pero por sobre todo, se caracteriza por tener una intuición sutil y especial para elegir a sus bailarines, y también, a los músicos con los que trabaja. De esta forma, Chamber Dance Project reverencia la emoción, la creatividad y la danza en su estado esencial.

“Sur”, con coreografía de Jorge Amarante, abrió el programa de Chamber Dance Project en el Harman Hall. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

Un caleidoscopio de propuestas

mgueler — Sun, 10 Sep 2023 21:25:56 +0000

Suzhou Ballet Theatre sube a escena “La consagración de la primavera” en la versión de Glen Tetley con música de Igor Stravinsky. Foto gentileza Suzhou Ballet Theatre.

El espectáculo “Esencias de China” del Suzhou Ballet Theatre, que abre la temporada del Teatro Victoria, es parte de la iniciativa de intercambio cultural Image China de China Arts and Entertainment Group Ltd. (CAEG) cuyo objetivo es presentar las artes escénicas chinas tradicionales y contemporáneas a audiencias de todo el mundo.

Desde su creación en 2009, Image China ha presentado obras en lugares de todo el mundo, incluidos el Lincoln Center de Nueva York; el Kennedy Center en Washington, DC; y han actuado en países como Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Alemania, Italia entre muchos otros de Europa.

Image Chine presenta “Esencias de China” por primera vez en Catalunya, en el teatro Victoria de Barcelona, los próximo 16 y 17 de septiembre. El espectáculo reúne un repertorio de diferentes estilos artísticos: ballet romántico, ballet clásico, ballet contemporáneo y ballet moderno. El repertorio que presentan incluye diez piezas en un programa que cuenta con el encanto distintivo de Suzhou.

El programa incluye en la primera parte obras tradicionales, clásicas y neoclásicas de Su Shijin y Liu Fuyang, como también clásicas y contemporáneas de Wen Shaowei. Del coreógrafo Min Xueqing se presentará “El Último Tango” (neoclásico) con música de Astor Piazzolla, así como otras realizaciones de Yuan Wanbin y Hu Yang.

En la segunda parte, la compañía sube a escena “La consagración de la primavera” (“The Rite of Spring” © Glen Tetley Legacy), en la versión de Glen Tetley con música de Igor Stravinsky.

Fundada en 2007, Suzhou Ballet Theatre es la única agrupación de ballet profesional de la provincia de Jiangsu y cuenta con bailarines de compañías de primer nivel tanto nacionales como extranjeros. A través de la herencia y la innovación, la compañía ha creado un estilo único llamado “Ballet de Jiangnan”.

Desde su creación, Suzhou Ballet Theatre se ha desarrollado como un ballet con renombre tanto nacional como internacional y ha creado con éxito diez producciones a gran escala, entre las que se incluyen “Romeo y Julieta”, “Legend of Beauty”, “El Cascanueces”, “Tang Yin”, “El lago de los cisnes”, “My name is Ding Xiang” y “Glorious Clouds”, así como obras de ballet moderno de Suzhou.

El Suzhou Ballet Theatre está tiene como objetivo fundamental convertirse en una de las compañías de ballet más creativas y dinámicas de China. Actualmente, Wang Quanxing se desempeña como gerente de la compañía.

“Esencias de China” del Suzhou Ballet Theatre abre la temporada del Teatro Victoria de Barcelona. Foto gentileza Suzhou Ballet Theatre.

Wang se unió al Ballet Nacional de China (NBC) después de graduarse de la Academia de Danza de Beijing en 1979, actuó como primer bailarín en “The Red Detachment of Women”, “Wild Goose Flying South”, “The Arabian Nights”, “Carmen” y “The New Year’s Sacrifice (Ley II)”. También bailó los papeles protagónicos en “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, “La bella durmiente”, “Romeo y Julieta” y otros clásicos.

En 2001, Wang dejó el espectáculo para convertirse en gerente de NBC, responsable de la planificación, marketing, promoción y operación de la compañía. Bajo su gestión el NBC actuó con éxito en la Ópera de París, la Ópera Real, y en reconocidos festivales de Europa y Australia. También estableció el modelo de negocio llamado “Alta calidad a precio asequible” en cooperación con la Universidad de Pekín, cuyo objetivo es popularizar las artes del ballet y cultivar una nueva generación de audiencias de ballet en China.

En 2007, gracias a su planificación y funcionamiento, el Tanztheater Wuppertal Pina realizó con éxito su primera representación en Pekín. A partir de 2008, Wang se convirtió en director general y representante legal de la compañía de interpretación de NBC y del Teatro Tianqiao de Beijing, afiliado a NBC. Se hizo cargo de la comunicación y cooperación internacional, la educación artística, la publicidad y la formación de talentos del ballet dentro de la cadena NBC.

De 2013 a 2019, organizó la Temporada Internacional de Ballet de China. cada dos años. Como programa de espectáculos de ballet internacional a gran escala, y por cuatro veces consecutivas, las Temporadas Internacionales de Ballet de China fueron muy aclamadas tanto en China como en el extranjero, atrajeron a muchos bailarines de ballet e involucraron teatros de primer nivel y así como obras de ballet clásico.

A partir de abril de 2021, Wang aceptó la oferta del Suzhou Ballet Theatre y se convirtió en su director general. Propuestas innovadoras y coreógrafos nacionales con lenguaje propio forman parte de las características de esta agrupación.

A 20 años de la primera ronda

mgueler — Fri, 25 Aug 2023 19:23:54 +0000

Tango BA Mundial de Baile, la competencia de baile más importante del género a nivel internacional. Foto: Celeste Alonso. Gentileza Tango BA.

La ciudad respira al ritmo del 2×4, con un evento que cautiva a miles de seguidores en todo el mundo, y que representa a la cultura, la historia y la identidad argentina y rioplatense. Organizado por el Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires, Tango BA Festival y Mundial 2023 comenzó el 23 de agosto y terminará el 3 de septiembre. Vecinos y turistas se acercan a descubrir y disfrutar del mágico universo del 2×4 en más de 30 sedes en toda la ciudad y con más de 1000 artistas en escena.

Tango BA Festival y Mundial, con la dirección artística de Natacha Poberaj, es un espacio para ver a los consagrados del género, conocer a las nuevas generaciones, y enterarse de lo que está pasando en la escena tanguera contemporánea. La música, la competencia de baile y las novedades son un reflejo de lo que sucede en el mundo del tango.

“Una vez más la Ciudad de Buenos Aires será el marco perfecto para la edición 2023 del Mundial de Tango. Este gran encuentro es el resultado de las competencias preliminares realizadas en 24 ciudades de Argentina y en el resto del mundo. Es la gran oportunidad para ver todo el talento de los artistas en la competencia y en los shows, pero también, para participar en muchísimas actividades más. Queremos que todos se acerquen a disfrutar esta gran fiesta de la Ciudad”, afirmó Enrique Avogadro, ministro de Cultura de la ciudad de Buenos Aires.

No solo los conciertos, las clases gratuitas, shows de baile, charlas, muestras y las presentaciones de libros tendrán un lugar destacado. También se presenta un ciclo de cine con un récord de 15 producciones nacionales e internacionales vinculadas a la cultura del Tango. Documentales, ficción, cortos y videos musicales, serán un hito de esta edición del Festival que, también está en las milongas de Buenos Aires, en un itinerario por diferentes pistas.

“Es el evento de tango más importante del mundo y año a año crece en cantidad de espacios, participantes, competidores y público. Este agosto, la ciudad de Buenos Aires va a latir al compás del 2×4. Los tangueros y el público nuevo se juntan para disfrutar Tango BA Festival y Mundial, durante doce días con música, baile, cine y muchas otras actividades para celebrar los 20 años del mundial”, comentó Vivi Cantoni, subsecretaria de gestión cultural de la ciudad de Buenos Aires.

Los destacados

Walter Ríos en concierto junto a otros músicos solistas. Foto: Leandro López. Gentileza Tango BA

Entre los destacados, el jueves 24 en el Auditorio de la Usina del Arte, se presentó el inolvidable Walter Ríos en concierto junto a otros músicos solistas. El bandoneonista llevó un repertorio que rinde homenaje a los grandes del tango, como también obras de su propia autoría. Esa noche, Ríos tocó con el bandoneón que el propio Astor Piazzolla le obsequió y con otro que perteneció a Aníbal Troilo. E

El viernes 1° de septiembre en el Auditorio de la Usina del Arte a las 19, se festejará el 90 Aniversario del nacimiento de José “Pepe” Libertella (bandoneonista, compositor, arreglador y director, creador junto a Luis Stazo del Sexteto Mayor). El repertorio estará conformado por obras instrumentales de su autoría: “Universo”, “París Otoñal”, “De azul y barro” y “Bajo Romántico” y los grandes éxitos que ha interpretado: “Nueve Puntos” y “Lluvia de estrellas”, entre otros.

Ese mismo día, a las 19 en el Salón Dorado del Teatro Colón, se presentará “Carlos Rossi: La vuelta al mundo en 80 años”. Será un homenaje al legendario cantante Carlos Rossi, que integró la orquesta de José Basso entre otras notables formaciones, y celebra sus 80 años más vigente que nunca.

El campeonato

Aficionados y profesionales demuestran su talento en las categorías de Tango de Pista y Tango Escenario. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza Tango BA.

Y como ocurre desde hace 20 años, ya está en marcha el Tango BA Mundial de Baile, la competencia de baile más importante del género a nivel internacional, donde aficionados y profesionales demuestran su talento en las categorías de Tango de Pista y Tango Escenario. Luego de las preliminares realizadas a nivel nacional e internacional, las parejas ganadoras recibieron pases directos para las instancias avanzadas de esta competencia. Y este año, la competencia batió récord de inscripciones.

“Como directora artística, bailarina y docente, siento visceralmente la responsabilidad y el compromiso con nuestra música, nuestra poesía, nuestras imágenes, nuestra danza y la creatividad como los ejes que marcarán el paso de esta edición que nos reunirá cada vez más ‘en una esquina cualquiera’. Recuerdo que la UNESCO declaró el Tango como Patrimonio Cultural de la Humanidad y Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola lo definieron como “el folclore de los porteños…”, desde el pasado, el presente y el futuro, ‘20 años no es nada’ y siempre estamos invitados a volver”, apuntó Natacha Poberaj, directora artística de Tango BA Festival y Mundial.

Las rondas clasificatorias del Mundial de Tango realizan en la Usina del Arte a partir de las 9. La competencia de Tango de Pista se realiza el 25 y 26 de agosto mientras que Tango Escenario, el 27 y 28 de agosto. Las Semifinales serán a partir de las 15, el 30 de agosto para Tango de Pista y el 31 para Tango Escenario, también en la Usina del Arte.

Como novedad, este año se agrega el Premio Mejor Pareja Senior en la categoría Tango de Pista, que será para parejas mayores de 55 años. Se realizará una ronda final con los mejores promedios surgidos de la semifinal de Tango de Pista del Tango BA Mundial 2023.

Programación: Hacer clic en la imagen.

RESERVA DE ENTRADAS:
Estarán disponibles en buenosaires.gob.ar/tangoba
Los espectáculos requieren de reserva previa. Las entradas se reservarán 72 horas antes del evento, a partir de las 10 de la mañana.

El cuerpo como herramienta

mgueler — Fri, 14 Feb 2020 05:40:59 +0000

Acosta Danza presentó en Cuba “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

De regreso de la exitosa primera gira por Suramérica, donde bailaron un variado repertorio en ciudades de Chile, y luego de asumir, en las gélidas islas británicas, la dirección del Birmingham Royal Ballet, Acosta Danza, la compañía fundada y dirigida por Carlos Acosta, sube al escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso su décimo cuarta temporada y la primera de 2020.

Esta serie que se presentó el 31 de enero, y el 1 y 2 de febrero, está caracterizada por el trabajo que realizan los bailarines con sus cuerpos, “la herramienta fundamental del que baila”, como ha expresado el propio Acosta: “para ellos es su pincel, su guitarra, su cincel y su piedra”. De acuerdo con los títulos elegidos para esta ocasión, tanto las reposiciones como el estreno mundial, son consecuentes con los objetivos del director artístico.

Las coreografías sucesivas de este cartel exhiben todo el atletismo conseguido por su cotidiana dedicación -en los salones de clases- al desarrollo de la técnica, así como al lirismo y expresividad corporal que brota “de la mente creadora”, como hábil respuesta de máxima capacidad. Son obras muy exigentes del virtuosismo, en las destrezas logradas por el músculo, trabajado éste con toda la prospectiva definida ante el desafío que exige cada una.

La vocación declarada por Carlos Acosta, desde el primer instante de la creación de esta agrupación, está claramente manifestada en esta temporada como “un acto da fe”: poseer un cuerpo de baile dúctil, integral, que pueda ejecutar e interpretar un amplio diapasón de formas y estilos: lo académico y lo contemporáneo en función de la comunicación interactiva de sendos lenguajes corporales.

“Cor”, de Marianela Boán, permite que los intérpretes trabajen de manera interactiva entre la coreografía y la música en vivo. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Todo ello se hizo evidente en “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes (1990) -producción realizada gracias a la ayuda desinteresada de la mecenas estadounidense Madeleine Plonsker, como “un regalo a la danza cubana” (en palabras de Acosta)-, que reconoció desde su primera visita la fortaleza física de los danzantes de este conjunto, capaz de crear “la imagen de un mundo irreverente”. Sumado a ello, la contribución artístico-conceptual de la reconocida artista visual Glenda León y el talento del joven compositor e instrumentista Pepe Gavilondo, valores fundamentales para conseguir “un universo donde lo onírico y lo real son la misma cosa”.

El lenguaje coreográfico de Nunes -como se manifestó aquí- se vio beneficiado por la empatía desarrollada entre las idiosincrasias latinas del brasileño y las caribeñas, desde el inicio del montaje de su pieza. Todo fue estructurado y ensayado en corto tiempo -el coreógrafo tuvo que cumplir otros compromisos artísticos en el exterior- y gracias a contar con la pericia de la maitre asistente Clotilde Peón se logró estrenar como estaba previsto.

Zeleidy Crespo en el solo “Impronta”, de María Rovira. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

A su retorno, pocas semanas antes de la fecha fijada para estrenar “echó pie en tierra” para revisar y pulir los complicados y fluidos entrelazados movimientos corporales, por las exigentes coordinaciones entre la cabeza y el cuerpo. Allí aparecen las referencias debidas a su formación europea, particularmente su cercanía a maestros tales como Williams Forsythe, Hans van Manen o Jirí Kylian, entre otros. Su obra fluye por la diversidad del diseño escénico: los formatos se suceden a partir de un “opening” con una música de ceremonial de alguna etnia foránea, como preludio; primero las tres parejas juntas se entrelazan, después vemos bailar espléndidos solos, un apasionado trio y, finalmente, un brillante dúo. Es de destacar el solo bailado por Raúl Reinoso, con un seductor soporte musical de flauta sinfónica traversa, y el mencionado dúo final, esta vez bailado intensamente por Gabriela Lugo (exquisita y segura sobre puntas), junto al versátil y atlético Alejandro Silva. Ellos desaparecen lentamente en el ciclorama negro, acto seguido el telón de boca se cierra. El público quedó sin aliento unos segundos, antes de romper en pie con nutridos aplausos.

Es una obra abstracta, cargada de ideas a partir de su concepto de la vida presente de los cubanos y, como si “a través de las dificultades, se encuentran con la felicidad. “Pensé en esa energía que tiene el cubano de encontrar caminos para vivir o sobrevivir”, apuntó Nunes en el programa de mano.

El éxito de “Mundo Interpretado” se consigue -en un elevado porcentaje- por la creación visual minimalista de Glenda León: nenúfares iluminados colgantes que ascienden y descienden conforme a los propósitos fijados por Nunes (previamente quedó impresionado por un cuadro floral de León), además el inteligente y logrado soporte musical aportado por Gavilondo (por momentos, con sonoridades referenciales, o guiños, al minimalismo de un Philip Glass o Arvo Part), del que transpiraba una originalidad, debida a su formación con eminentes maestros cubanos, para recrear la atmósfera onírica deseada por el coreógrafo.

También reposiciones

La pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán, “El Cruce sobre el Niágara”, una de las favoritas del público. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Algunas de las reposiciones fueron muy bien recibidas, otra no tanto. Entre las primeras, fue un goce superior la pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán (siempre residente en República Dominicana) “El Cruce sobre el Niágara”, un icono de la danza moderna cubana creada en 1987 e inspirada en la obra teatral homónima del dramaturgo peruano Alonso Alegría. Y que tiene como soporte musical una hermosa creación del francés Olivier Messiaen. Esta vez fue entregada de manera impecable e intensa por dos soberbios bailarines, Raúl Reinoso y Mario Sergio Elías, enaltecidos por el diseño de luces del laureado Carlos Repilado (fallecido recientemente).

De la misma creadora, Boán, su pieza “Cor” (sugiere sus derivaciones semánticas: coro, corazón, coraje, correo, coral), que incluye la definitiva participación de los intérpretes de manera interactiva en el material coreográfico y en la música en vivo ejecutada por su compositor y tecladista Gavilondo (la maestra coral Alina Orraca se empeñó en el trabajo vocal con los danzantes), así como la colaboración del eminente percusionista Lino Pedroso. El trabajo de luces de Bonnie Beecher ha beneficiado en gran medida esta producción de Acosta Danza. No obstante, el resultado final no llegó a buen puerto, a pesar de las intervenciones inclusivas de las congas; los boleros archiconocidos o las rumbas: los bailarines “cantaron a coro” el popular tema de Gonzalo Asencio “Consuélate como yo”, mientras se cambiaban de vestuario a la vista del auditorio, muy identificado con la música y la letra.

Le antecedió el solo femenino “Impronta”, realizado por otra mujer experimentada en este quehacer, la ibérica María Rovira, para una excepcional bailarina de la compañía, Zeleidy Crespo, una deslumbrante mulata cual una venus africana de garbo y estatura inhabituales salida de las cálidas aguas del mar Caribe, dotada de excepcional carisma y habilidades técnicas. El imprescindible compositor Pepe Gavilondo aseguró el éxito con el aporte de las sonoridades requeridas por Rovira para los siete minutos de este impresionante unipersonal.

Para el cierre de la primera parte, Acosta eligió el dúo “Soledad”, creado por el catalán, Rafael Bonachela, e interpretado por una pareja de fuste y dramáticamente vibrante, quienes desde la primera escena de las cuatro que lo integran lograron cautivar al auditorio, que contaron con variado soporte musical: entre las piezas, una de Astor Piazzolla interpretada por el afamado violinista Gidon Kremer, así como un popular tema de Agustín Lara cantado de manera sensacional por Chavela Vargas. El diseño de luces fue un protagonista más, debido al cubano Pedro Benítez sobre el original de Lee Curran. El poco feliz vestuario y escenografía estaban firmados por el propio Bonachela.

Luego de esta temporada en Cuba, la Acosta Danza, compañía se presenta con “Acosta Danza Up Close” desde el jueves 13 hasta el 24 de febrero en el Teatro Linbury, escenario perteneciente a la Royal Opera House de Londres, en el Reino Unido. El espectáculo, está compuesto por las obras “El cruce sobre el Niágara”, de la cubana Marianela Boán; ”Impronta”, de María Rovira; el dueto “Soledad”, de Rafael Bonachela; “Mundo Interpretado”, de Juliano Nunes y el solo “Two”, de Russell Maliphant, obra que bailará Carlos Acosta.

Jóvenes con pasión y disciplina

mgueler — Wed, 01 May 2019 22:17:00 +0000

La Academia Acosta Danza llevó al teatro Mella, “A Buenos Aires”, de Gustavo Mollajoli, con música de Astor Piazzola, interpretado por Brian Pérez y Amisaday Naara. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

Un promisorio espectáculo fue ofrecido, recientemente, por la Academia Acosta Danza –con un programa mixto- en el teatro Mella, elegante coliseo art déco en la barriada capitalina de El Vedado, considerado como espacio referente de los mejores eventos de danza.

Esta función de gala es la primera que propone el Grupo Artístico Docente (GAD) de la compañía Acosta Danza, fundado hace solo dos años por el afamado bailarín cubano Carlos Acosta.

Actualmente, la Academia Acosta Danza cuenta con 31 estudiantes, seis de ellos extranjeros, provenientes de Colombia, República Dominicana y Brasil, el resto lo completan los cubanos. Todos fueron elegidos en una rigurosa audición supervisada por un jurado independiente formado por reconocidas personalidades del mundo de la danza.

Los participantes de estas funciones cursan el 1ro y 2do año, y algunos de ellos fueron también los autores de sus propias coreografías.

Fundado en septiembre de 2017, el GAD es una academia avalada por el Ministerio cubano de Cultura y el Centro Nacional para la Enseñanza de las Artes (Ceneart). Su principal propósito es “completar” la formación media-superior de jóvenes bailarines (entre los 15 y 18 años) que provienen del nivel elemental de las escuelas de danza y ballet.

Según la propuesta de Acosta, la estética de este centro docente puede definirse como “danza de técnica mixta”, pues posee un fuerte basamento de “ballet clásico”, junto a técnicas de la “danza moderna”, la llamada “contemporánea” y de la danza folklórica cubana.

Apoyado por la Carlos Acosta International Dance Foundation, el GAD también otorga becas gratis a jóvenes de todas partes del mundo que poseen talentos para la danza; pero que “no cuentan con posibilidades económicas para costearse los estudios de arte”. El GAD se propone graduar “profesionales creativos y disciplinados, con un alto sentido de la responsabilidad, humanamente solidarios, con altos valores éticos y estéticos”. Al mismo tiempo, les ofrece una formación que les permite desarrollar la cultura y hacer de su labor artística “un medio de disfrute, en pos del mejoramiento humano”.

Transmisión de los saberes

“Avium”, con coreografía de Elys Regina, sobre música de Camille Saint-Saens y arreglos del compositor cubano José Víctor Gavilondo. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

El programa estructurado por el atinado equipo de apoyo técnico y académico de Acosta –en este loable empeño- con la ejecutoria fundamental de dos experimentadas ex-solistas del Ballet Nacional de Cuba, Rosa Elena Álvarez y Aymara Vasallo, poseedoras de un caudal de saberes tanto en la formación técnica como estilística –particularmente en el repertorio clásico- permite augurar un futuro promisorio, según lo observado en esta primera confrontación con la crítica especializada y el numeroso público que acudió expectante de los resultados artísticos, en tan breve tiempo.

Esta primera muestra de nueve coreografías pudiera, en su diversidad, considerarse estilísticamente como híbrida: los juveniles participantes demostraron su ductilidad y formación en obras contemporáneas, neoclásicas, en clásicos del canon (de Petipa, Gusev, Gorski o Vainonen), inclusive unos breves fragmentos corales de la pieza “Tocororo” del propio Carlos Acosta (con música original de Miguel Núñez).

De lo bailado, merece destacar la pieza en un acto “Avium” con una coreografía de Elys Regina, según la de Fokine para Anna Pavlova, “La muerte del cisne” sobre la música de Camille Saint-Saens con arreglos ad hoc para cello y piano del compositor cubano José Víctor Gavilondo, y un mimético vestuario emplumado con máscaras diseñado por Marta Gil y la propia coreógrafa.

Algunos dúos y solos, dejaron ver los incipientes talentos histriónicos de los bailarines. Tal fue el caso de “A Buenos Aires” un dúo del coreógrafo argentino Gustavo Mollajoli (fallecido recientemente) con el eficaz soporte musical de una brillante obra de Astor Piazzola, bailado con pasión por Brian Pérez y Amisaday Naara, quien reapareció posteriormente en un solo de su autoría, “Adiós”, sobre una inigualable interpretación por el chansonier Bola de Nieve.

Otro dúo contemporáneo, “Border”, incursionó sobre temas de la realidad latinoamericana, con apropiada música por Wardruna, contando con los talentos de Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez, también autor de esta miniatura coreográfica. Entre los solos masculinos que se destacaron: el neoclásico “Invierno”, bailado con poderío y musicalidad por su autor Jonatas Soares, con el seductor empleo de esta sección de la conocida suite “Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi.

Completaron el programa de 60 minutos con una breve pausa, la variación masculina del pas de deux “Don Quijote” de Marius Petipa en la versión de Alexander Gorski, con música de Ludwig Minkus bailada por el juvenil Daniel José Pérz; el solo de “Arlequinada” de Peter Gusev con música de Riccardo Drigo, ejecutado por Brandis Martínez, y el infaltable pas de deux “Las llamas de París”, de Vasily Vainonen con música de Boris Azafiev, en un verdadero tour de force realizado por Mariona Roger y Leandro Fernández.

El talento está allí. La madurez y el refinamiento técnico, así como mayor seguridad y confianza en el baile de parejas, se conseguirá con la constante dedicación en el trabajo cotidiano, en los salones de clase, bajo la rigurosa supervisión de los profesores. Tal vez, para algunos, esta fue una prematura presentación escénica, otros la valoran como un reto positivo.

Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez interpretaron un dúo contemporáneo, “Border”, sobre temas de la realidad latinoamericana. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

Un vacío difícil de llenar

mgueler — Wed, 17 Oct 2018 22:58:06 +0000

Después de 15 años con el NYCB Joaquín De Luz deja la troupe fundada por George Balanchine. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Domingo. Tres en punto de la tarde. Se levanta el telón de un día memorable para la danza. El 14 de octubre, justo cuando el New York City Ballet (NYCB) cerraba su temporada de otoño en el Teatro David H. Koch en la plaza del Lincoln Center en Nueva York, Joaquín de Luz se despedía de la compañía. El bailarín español, formado por el célebre Víctor Ullate, pertenece a esta generación de bailarines en vías de extinción, esos que han hecho un culto de su profesión y del trabajo diario. Talentoso, intenso, vibrante, De Luz se instaló en la escena del ballet de los Estados Unidos con esa fuerza indescriptible que solo trasmiten los verdaderos artistas.

Después de 15 años con la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein, y luego de pasar por el Pennsylvania Ballet y el American Ballet Theatre, de Luz, a sus 42 años, decidió retirarse con una función que llevó como título: “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Allí celebró a tres de los coreógrafos que de alguna manera definieron su carrera.

Una bandera española, su madre y bailarines del NYCB, acompañaron a Joaquín De Luz en el saludo final. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Comenzó con uno de sus ballets preferidos, “Theme and Variations”, de Balanchine. Junto a él, magnífica, Tiler Peck, con giros veloces, bello port de bras y posiciones impecables. Un ballet que requiere de sólidos bailarines en los roles principales. De Luz, quien ha bailado esta obra infinidad de veces, hizo, una vez más, un despliegue de virtuosismo pocas veces visto. Giros una con una precisión incomparable, bravura en sus solos, y una especial excelencia como partenaire. Ambos bailarines hicieron una versión inolvidable de este clásico.

La segunda obra fue “Concerto Barocco” (1941), otra de las históricas creaciones de Balanchine para el American Ballet Caravan, la primera troupe comandada por Mr. B. en los Estados Unidos. La compañía, al igual que los solistas, mostró una vez más el alto nivel de danza, a pesar de las convulsiones ajenas al arte por las que ha transitado durante este año. Una obra de una belleza incomparable, con limpias simetrías y un estilo de alto refinamiento.

De Luz volvió con “A suite of dances”, solo que Jerome Robbins, creó para Mikhail Baryshnikov y el White Oak Project en 1994. Una violonchelista, Ann Kim,en el escenario interpreta diferentes movimientos de “Seis suites para cello” de Johan Sebastian Bach, mientras el bailarín, con chispeante humor parece jugar con el instrumento y con la música a medida que baila. Delicioso, fresco y desenfadado, De Luz hace un despliegue de esa fibra artística tan particular y especial que lo caracteriza. Con esta obra rindió tributo a Robbins, un coreógrafo clave en la historia de la compañía.

“A Suite of Dances” de Jerome Robbins, solo interpretado por Joaquín De Luz. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

El final llegó con “Todo Buenos Aires”, de Peter Martins, el último director del NYCB. Con músicos en vivo interpretando diferentes temas de Astor Piazzolla, entre ellos, el argentino Rodolfo Zanetti en bandoneón, instrumento clave para este género. Una recreación particular y minimalista de esta danza rioplatense interpretada en puntas por las bailarinas solistas Maria Kowroski y Sara Mearns. Giros, saltos, ganchos y cruces tangueros estilizados, y parejas entrecruzándose con velados aires de malevaje. Mientras se alternaban los dúos, tríos y solos, De Luz siguió reafirmando su versatilidad y su talento para interpretar todos los estilos posibles.

Un bailarín capaz de profundizar en August Bournonville, Justin Peck, Alexei Ratmansky y Christopher Wheeldon, al tiempo que se adentró con soltura en los clásicos, en Balanchine, Robbins y una diversidad de coreógrafos.

Para el final, las flores, los abrazos, las lágrimas, bailarines, coreógrafos y vestidores en el escenario, y el público de pie que no terminaba de aplaudir y de gritar su nombre. Antes de los confetis, el español Gonzalo García, compañero de ruta en el NYCB, salió con una bandera española y ambos bailarines jugaron, en escena, como dos niños, al toro y el torero. Un encuentro emocionante con esa identidad que quedó atrás en miras de cumplir los sueños. Y para el final de los saludos, su madre, con quien De Luz bailó unas sevillanas y se fundieron en un enorme abrazo. ¡Gracias!

Joaquín De Luz en “Theme and Variations”, de George Balanchine, primera obra de “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

El sueño de un mundo mejor

mgueler — Sun, 17 Sep 2017 22:32:02 +0000

La gala “Danzar por la Paz” fue dedicada a Oscar Araiz, actual coreógrafo del Ballet de la UNSAM, por su destacada carrera y trayectoria internacional. Foto gentileza Konex/UNICEF.

Cuerpos que cantan, la música que baila, colores de paz y alegría. Por cuarto año consecutivo tuvo lugar el evento de trayectoria internacional, “Danzar por la Paz” a beneficio de UNICEF, ideado y dirigido por el bailarín y coreógrafo argentino, Leonardo Reale. El objetivo es transmitir el mensaje de paz a través de la danza. Para ello, bailarines de toda América se dieron cita el 8 de septiembre en la Ciudad Cultural Konex de Buenos Aires para esta gala solidaria internacional. Los fondos recaudados por la venta de entradas se destinan a los programas de fortalecimiento a favor de la niñez y de la adolescencia desarrollados por la organización no gubernamental en Argentina.

“La gala a beneficio de UNICEF es de trayectoria internacional, desde hace cuatro años que se realiza en Buenos Aires pero la idea es tener la posibilidad de realizarlo en otras ciudades de América”, explicó el director general e impulsor del evento.

Bailarines de primer nivel de la escena nacional e internacional dieron sus sentires y ritmos a esta causa, es así que sobre el escenario se pudo disfrutar y seguir piezas coreográficas de tango, folclore, bailecitos latinoamericanos, contemporáneas, neoclásicas y ballet; algunas de las coreografías fueron exclusivamente creadas para esta ocasión. Nadie se quiso perder el evento solidario: Entre el público presente estaban los más importantes representantes de la danza local, como Paloma Herrera, directora del Ballet Estable del Teatro Colón, realizadores de la Asociación Arte y Cultura como el productor y especialista de danza, Juan Lavanga; el presidente de la Fundación KONEX, Luis Ovsejevich; bailarines destacados del Teatro Colón, y todos los coreógrafos que participaron de la velada como Oscar Araiz, Mauricio Wainrot, Guido de Benedetti y Reale, entre otros.

Luciana Paris, solista del ABT, presentó un dúo de tango con Rodrigo Colomba, Ballet Folklórico Nacional, y el pas de deux de “Corsario” con Juan Pablo Ledo del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Konex/UNICEF

La Ciudad Cultural Konex brindó el espacio para el desarrollo del encuentro que fue dedicado en homenaje al maestro argentino Oscar Araiz, actual coreógrafo del Ballet de la UNSAM, por su destacada carrera y trayectoria internacional.

La bailarina argentina y actual solista del American Ballet Theatre, Luciana Paris, quien bailó dos piezas en esta gala solidaria, expresó: “Hace mucho que quiero participar en el ‘Danzar por la Paz’. Es muy gratificante para mí bailar en este tipo de galas. Siempre que existan estas posibilidades de dar, de aportar ese granito de arena son bienvenidas”.

A sala llena, la función abrió con el grupo de ARTE XXI y coreografía de Lucía García Puente con “Himno para danzar por la paz” interpretado por María Camila Cardona, Lucía Casali, Constanza Gimpel, Catalina Linguido, Florencia Mangiore, Mora Mariani, Lourdes Sansolini, Martina Simonettu, María José Sormani, Fiamma Topini y Pilar Villadangos.

Luego, Luciana Paris, realizó un dúo de tango junto a Rodrigo Colomba, bailarín principal del Ballet Folklórico Nacional con coreografía de Analía González y música de Astor Piazzolla. Esta pieza ya había sido presentada por primera vez por los mismos bailarines en el Lincoln Center de Nueva York para la gala homenaje que se le hiciera en abril de este año a Julio Bocca.

A continuación, hizo su presentación la compañía Calle 46, con la obra “APU”, danzada por Emiliana Echave y Agustín Hiriart con coreografía de Laura Cucchetti.

El primer bailarín del Teatro Colón, Federico Fernández se presentó junto al Buenos Aires Ballet del que es su director con “Cuerdas” coreografiada por Emanuel Abruzzo. Participaron de esta propuesta: Ayelén Sanchez, Eliana Figueroa, Emilia Peredo Aguirre, Emanuel Abruzzo y Jiva Velazquez.

El Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín ofreció “Estaciones Porteñas” de Mauricio Wainrot. Bailaron, Flavia Di Lorenzo, Sol Rourich, Benjamin Parada, Eva Prediger y Rubén Rodríguez. Finalizó la primera parte del espectáculo el Grupo de Danza UNSAM dirigido por Oscar Araiz, con una propuesta coreográfica colectiva cien por ciento masculina, con Nicolas Baroni, Oscar Farias, Germán Farias, Diego Machin, Matías Mansilla, Gerardo Merlo, Carlos Ojeda, Andrés Ormeño y Joaquín Toloza.

La Compañía Nacional de Danza de México bajo la dirección de Mario Galizzi presentó “La dama de las Camelias” interpretado por Agustina Galizzi y Sebastián Vinet. Foto gentileza Konex/UNISEF.

La segunda parte la abrió el grupo de Miami, Dimensions Dance Theatre con “Transparente” y coreografía de Roland Savkovic y cuyos interpretes fueron Jennifer Kronenberg y Carlos Guerra. Inmediatamente llegó el turno del Ballet Metropolitano de Buenos Aires con dirección de Reale, ideador del presente evento, que ofrecieron al público el dúo del segundo acto de “Cenicienta” coreografiado por Vicente Nebrada, con los bailarines, Yanina Toneatto y Rodrigo Villaverde.

La Compañía Nacional de Danza de México bajo la dirección de Mario Galizzi presentó “La dama de las Camelias” interpretado por Agustina Galizzi y Sebastián Vinet con reposición coreográfica de Martín Miranda.

Paris volvió a escena en el segundo acto junto al primer bailarín del Teatro Colón, Juan Pablo Ledo que brillaron con el pas de deux del dormitorio de “Corsario”.

La velada tuvo su gran cierre con el adagio del primer acto del “Lago de los Cisnes” interpretado por el Ballet Nacional de Danza dirigido por Iñaqui Urlezaga. Los papeles principales estuvieron a cargo del propio Urlezaga y Gabriela Alberti.

Una noche de encuentro y visualización de lo mejor de la danza argentina y americana. Excelente propuesta, que destacó la calidad escénica y técnica de los bailarines. Y a su vez, excelente iniciativa cuyo alto objetivo apuntó por y para la paz, a través de la danza.

Se animan con los clásicos

mgueler — Wed, 25 May 2016 17:01:55 +0000

Carlos Acosta y la joven bailarina Laura Rodríguez, en “Diana y Acteón”, marcaron un hito en esta primera presentación de Acosta Danza. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El propio Carlos Acosta, en tanto que director artístico (apoyado por los diseñadores de luces Chris Darvey y Pedro Benítez, así como por las maitresses de ballet y de danza Clotilde Peón y Yaday Ponce, la regisseur Ocilia Pedrera, así como los vestuaristas de la Royal Opera House), nos previene en el programa de mano con algunos datos importantes sobre su concepción de este segundo programa de la temporada premier de Acosta Danza, que ha denominado genéricamente “clásico” si bien, como veremos más adelante, ciertas piezas clasifican más apropiadamente como “neoclásicas”.

Nos dice la nota introductoria que “fue concebido por Carlos Acosta como un espectáculo íntegro, que recoge ballets de diferentes épocas y estilos”. Como muchos conocen, se presentó bajo el título de “A Classical Selection” en el London Coliseum en diciembre de 2015. Igual que la gala precedente “Carlos Acosta and Guests”, ahora fue llevada de gira como “Acosta and Friends” al Empire Palace de Abu Dhabi para dos funciones en abril y luego retornar a Londres.
Por gentileza del Servicio de Prensa, pude asistir a las dos únicas representaciones ofrecidas de este espectáculo, y recibir un precioso “booklet”, por los textos y fotos allí contenido, como memento de esta excepcional ocasión. Al mismo tiempo, me permitió apreciar la entrega –casi podría decir en cuerpo y alma–, de los elencos que alternaban ciertas obras incluidas aquí.

“El Lago de los cisnes” y su pas de deux del segundo acto sobre la versión de Lev Ivanov, interpretado por Gabriela Lugo y Enrique Corrales. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de un “opening” , con el “Angelus” (suite 4, segundo movimiento) de Massenet, como fondo musical a telón abierto, los bailarines participantes entran en escena con su vestuario en mano, prestos para vestirse a la vista del público. Inmediatamente, dio inicio la sucesión de títulos seleccionados, en su mayoría dúos y solos, archiconocidos por los aficionados a la danza, y un solo estreno mundial, aunque para el final cupo el honor a una coreografía nunca olvidada, realizada para el Ballet Nacional de Cuba en los años 60 de la pasada centuria. La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro, bajo la batuta de Giovanni Duarte sirvió de soporte musical en vivo a este último.

“El Lago de los cisnes” y su pas de deux del segundo acto en versión sobre la de Ivanov, paradigmático de lo clásico en el ballet, se apoderaron del escenario de la Sala García Lorca en una interpretación técnicamente convincente y encomiable de los noveles Gabriela Lugo y Enrique Corrales, aunque es evidente que los pulidos para los mejores resultados vendrán después de ulterior trabajo en el estudio. Algo parecido sucedió con el pas de deux de “La Sylphide”, de Bournonville, ya que aquí deben asimilar e incorporar detalles estilísticos de la escuela danesa, algo que requiere de más tiempo de ensayos y perfeccionamiento. Las dos parejas alternantes exhibieron brío y voluntad encomiables. Sin embargo, en mi opinión, el temible y magistral breve solo de Michel Fokine, “La muerte del cisne”, no estaba lo suficientemente listo para ser mostrado en esta ocasión. La joven Gabriela Lugo puede lograrlo, aunque los iconos referenciales todavía en anales escénicos cubanos lo hacen más difícil.

Antes de cerrar la primera parte, el director artístico decidió colocar el excelente dúo “Winter Dreams”, de Kenneth MacMillan / Tchaikovski, donde sus intérpretes, Ely Regina y Luis Valle, tuvieron oportunidad de exhibir sus talentos técnicos y calidades de movimientos en las arduas articulaciones de su estructura coreográfica. Seguidamente, vino el desbordamiento del entusiasmo en la audiencia, con uno de los caballos de batalla en este tipo de galas, con un valor añadido: la presencia ejecutoria de Carlos Acosta, en “Diana y Acteón”, acompañado por una “afiatada” joven bailarina, Laura Rodríguez. Acosta se desempeñó con su consabido virtuosismo y su ejemplar “savoir faire” como partenaire, para lograr el buen “diálogo” danzante con su pareja.

A telón de boca cerrado, comenzó la segunda parte con una hermosa y afinada interpretación del intermezzo de “Manon Lescaut” de Puccini, por parte de la Orquesta sinfónica del GTH Alicia Alonso, siempre conducida con afán por su titular el maestro Duarte. Acto seguido, comenzó el desfile de breves piezas creadas, para solistas y dúos –más aproximadas a la clasificación de “neoclásicas”-, tales el dúo “End of Time” de Ben Stevenson/Rachmaninoff´; “A Buenos Aires”, tributo de Gustavo Mollajoli a los tangos de Astor Piazzolla (con destacadas prestaciones de Verónica Corveas y Alejandro Silva); igualmente emotiva la encarnación de Piaff por Ely Regina en el solo de Ben Van Cauwenbergh “Je ne regrette rien”(Vaucaire/Dumont); así su otro solo, Les Bourgeois, interpretado por Acosta con su espléndida musicalidad e histrionismo sobre la canción cantada por el propio Jacques Brel. Tuvimos como regalo la repetición del dúo de Carmen y Escamillo (versión de Acosta) en una apasionada entrega por Laura Treto y Luis Valle; y el estreno mundial, un solo con el intrigante título de “Anadromous” del bailarín y bisoño coreógrafo Raúl Reinoso, nos permitió ver otras facetas del talento de Gabriela Lugo, con soporte musical de Ezio Bosso y Yann Tiersen (el programa de mano nos ilumina al respecto: se trata de una excusa para reflexionar sobre la sobrevivencia; un pez o un ser que va en contra de la corriente en pos de su destino final).

Acosta Danza presentó en su programa clásico el pas de deux de “La Sylphide”, de August Bournonville. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Para concluir en un climax de sabor franco-español, vino “Majísimo”, de Jorge García sobre El Cid de Jules Massenet, obra realizada para cuatro parejas de primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba en los años 60 del pasado siglo que se convirtió en una favorita, y a pesar de sus años nunca fue olvidada. Ahora es una reposición, que agradecemos a Clotilde Peón, con el valor añadido de la presencia luminosa e interpretativa de Carlos Acosta.

Los varios minutos de aplausos y ovaciones de pie fue una evidente respuesta gratificante a la audacia y el tesón de esta promisoria naciente compañía cubana de danza. Larga vida a Acosta Danza.

La música y los músicos ganan la partida

mgueler — Fri, 27 Mar 2015 20:44:06 +0000

Astor Piazzolla tuvo su carta de presentación en los Estados Unidos con el espectáculo “Piazzología”, en el Kennedy Center de DC. Foto gentileza JFKC.

Ricardo Lew en guitarra, Renato Venturini en bandoneón; Bruno Cavallaro en violín; Juan Pablo Navarro en contrabajo y Emmanuel Álvarez en piano, subieron al escenario del Eisenhower Theatre del Kennedy Center de DC para evocar a uno de los grandes músicos argentinos. Un innovador en su género, un revolucionario del tango, un hacedor de la música de Buenos Aires. Astor Piazzolla, tuvo su carta de presentación en los Estados Unidos con el espectáculo “Piazzología”.

A través de este quinteto de excelentes músicos, de un show que combina técnicas multimedia y danza, lo mejor de Piazzolla se insertó en Iberian Suite, el festival iberoamericano organizado por el Kennedy Center desde el 3 al 24 de marzo. Por allí pasaron una diversidad de propuestas donde la música, las artes escénicas en general y la plástica mostraron “lo mejor de cada casa” y lo más representativo de casi la totalidad de los países que conforman Iberoamérica.

“Piazzología” se propone recrear la vida de Piazzzolla a través de su música, de imágenes y de la danza, con la presentación de Iris Acuña y Marcelo Montenegro, semifinalistas del Campeonato Mundial de Tango.
Bailar a Piazzolla es uno de los grandes desafíos de un bailarín de tango. Su música no deja de ser una tentación irreverente que incita al despliegue de habilidades y también, de insuperables acrobacias, sin olvidar el toque extremadamente sensual.

No obstante, y más allá de las libertades que cada pareja se toma, lo esencial es bailar a tempo, y recuperar algunos de los pasos tangueros por excelencia para no caer en los estereotipos difundidos por el ballroom o Holywood.
La dupla Acuña-Montenegro, tuvo momentos interesantes, en los que se pudo observar la calidad de los bailarines, y ciertas sutilezas en el baile. Montenegro. Definido como líder, supo contener las excentricidades de su compañera con acertada precisión y toque tanguero.

No obstante, esos momentos de armonía se quebraban cuando Acuña sobreactuaba sentimientos y sensaciones, o cuando intentaba emular a una bailarina clásica con asombrosas aperturas en las que dejaba ver con osadía y poca sensualidad, sus intimidades. La causa: vestidos (bellos) con tajos excesivos. ¿Hacen realmente falta?
Más allá de la danza, que es una parte complementaria de este espectáculo, al igual que las imágenes visuales proyectadas en el fondo de la escena, los testimonios y fotos de Piazzolla se entremezclaban con las calles de Buenos Aires desplegadas en sepia.

La dirección artística de Emmanuel Álvarez, quien también es parte de este quinteto, tiene su foco en la música. Magnífica. Su mayor mérito, es la selección de los músicos. Un ensamble de grandes talentos, capaces de sacar los sonidos más increíbles de sus instrumentos y transitar los 80 minutos del espectáculo con la insolencia de los duendes.