Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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Malpaso Dance Company presentó en la sala García Lorca “Tabula Rasa” del coreógrafo israelí Ohad Naharin Foto: Foto gentileza Yuris Norido.

La compañía cubana de danza Malpaso, una compacta agrupación mixta de bailarines bien entrenados concluyó su primera incursión en el vasto escenario de la grandiosa sala neobarroca Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Para muchos artistas esto sería considerado un gran privilegio -si tenemos a este sitio como el de mayor rango consagratorio-, pero para este veterano observador de las artes escénicas hubiera preferido como locación más ajustada para el formato actual de Malpaso (y de otros conjuntos similares), un espacio teatral donde se produjera la interacción dialógica de los intérpretes con el auditorio, aquí entorpecida por el distanciamiento por el amplio y profundo foso para una orquesta sinfónica.

Como apoyo a nuestra observación, podemos sumar el hecho de la elección del repertorio que conformaba este programa. Los tres títulos, en esta ocasión, se debían a jóvenes creadores con bien ganada reputación mediática en el mundo de la danza contemporánea, especialmente el menos joven, autor de la obra conclusiva del espectáculo. La producción escénica de los mismos no tenía necesidad de una escenografía corpórea; los cambios de sus respectivos ambientes o atmósferas eran conseguidos rápidamente por experimentados diseñadores de luces, teniendo como soporte un ciclorama negro. En el caso del acompañamiento musical para todas las obras, se consiguió el apoyo con excelentes grabaciones en HD.

Como bien señala en el programa de mano Fernando Sáez, director general y co-fundador de este conjunto, la escogencia de “notables” coreutas extranjeros, ha sido “el resultado de colaboraciones que han marcado nuestro destino (…), y nuestra voluntad de diálogo”. Sin embargo, a dos años de una década de existencia, Malpaso prepara una temporada para marzo de 2021 -esta vez de nuevo en el renovado decimonónico teatro Martí-, para seguir su primigenia motivación al ofrecer una “serie de obras de jóvenes coreógrafos cubanos”.

El espectáculo

“Vals Indomable”, de Aszure Barton, fue la primera obra seleccionada en este ciclo de dos funciones en el Gran Teatro de La Habana. Foto gentileza Yuris Norido.

Sin duda, han ofrecido un espectáculo encomiable por su titánica resiliencia ante las privaciones del ostracismo involuntario de nueve meses, obligado por los protocolos sanitarios a seguir para evitar los contagios de esta pandemia planetaria del nuevo Coronavirus. Esta decena de bailarines, bajo la égida de su colega y compatriota Osmel Delgado, lograron mantenerse en forma física y técnica con un duro trabajo cotidiano, clases y ensayos, a partir de las copias en video enviadas por los autores, en ausencia de su ejecutoria presencial debido al cierre de aeropuertos y la prohibición de los vuelos internacionales y locales.

Pudimos apreciar en ellos el atletismo elegante de los chicos y el retador lirismo de las chicas, para entregar con rigor estético los diversos estilos coreográficos de cada título. Esos variados estilos son inclusivos, evidente por las contaminaciones del vocabulario del movimiento procedente de la danza académica (tal vez guiños a la manera de Twyla Tharp, o de otros en la Judson neoyorkina), que observamos en las tres piezas de autores norteamericanos.

En la primera parte, como apertura disfrutamos los 27 minutos del “Vals Indomable” con coreografía de Aszure Barton, sobre motivadoras músicas de Alexander Balanesco, Michael Nyman y Nils Frahm y diseño de luces por Nicole Pearce. Varias instituciones y fundaciones estadounidenses contribuyeron a la realización de esta obra, co-comisionada por Dance Cleveland y la Cleveland Foundation.

Tras una breve pausa, le siguió “Elemental”, de sólo 24 minutos, para honrar la memoria de Bob Williams, concebida por la coreógrafa Robyn Mineko Williams, sobre un collage musical variado que incluye nueve temas, bajo la supervisión de Robby Haynes. En “Elemental” escuchamos a Tim Rutili en “Zabriskie After Midnight”, pasando por dos danzas para piano del cubano Ernesto Lecuona; un bolero cantado a capela en vivo por el bailarín Manuel Durán, así como un instrumental de Arvo Part. La obra cerró con el famoso “Kitchen Pan” de Robyn Williams (su voz en off). Muy generosamente aplaudida, la pieza contó con el apoyo del Chicago Auditorium, donde fue estrenada, y del Joyce Theater Production.

La segunda parte, como pieza conclusiva única, presentó “Tabula Rasa”. Gratificantes 27 minutos del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin, quien pudo enviar a tiempo dos asistentes, Matan David y Bret Easterling. (Gracias a ellos los bailarines pudieron trabajar el particular vocabulario Gaga creado por Naharin). Con el magnífico soporte musical de Arvo Part y el vestuario diseñado por Eri Nakamura (esposa japonesa de Naharin), beneficiado con las luces del propio coreógrafo. Como los precedentes títulos, la presentación de esta obra fue también posible gracias a The Executive Director´s Fund del Joyce Theater Foundation y de la Jerome Greene Foundation, en honor de Karen Brooks Hopkins.

Malpaso estrenó “Fielding Sixies”, de Merce Cunningham, pieza breve para ocho bailarines de ambos sexos, sobre música de John Cage. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Con un novedoso programa de estrenos y reposiciones, la joven compañía de danza Malpaso –asociada siempre a Joyce Theater Productions de la ciudad de Nueva York-, se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Merce Cunningham, con el estreno de una de sus primeras y sólidas coreografías, “Fielding Sixies”, durante tres jornadas en el habanero Teatro Martí.

Esa temporada primaveral, como lo destaca el programa de mano, es un merecido tributo a la memoria del icónico bailarín (discípulo de Martha Graham) y maestro cubano de danza moderna Ramiro Guerra, que falleció a los 97 años en abril de este año.

La comunidad cubana de danza nunca fue ajena al discurso ideoestético del estadounidense Cunningham en los finales de la década del 50 de la pasada centuria, y fue Ramiro Guerra -autor de más de una docena de libros- el pionero en la asimilación “por la naciente danza moderna” en la isla de la “onda expansiva” de sus búsquedas. Luego, vinieron otras personalidades foráneas con nutrientes que abonaron el terreno en este archipiélago, tales como las norteñas bailarinas Lorna Burdsall y Elfrida Mahler. Ambas fueron maestras de varias generaciones de bailarines cubanos y fundadoras de compañías, las cuales contribuyeron con un valioso legado a las artes escénicas de la Mayor de las Antillas.

Merced a la contribución de la Fundación Merce Cunningham Trust, se hizo realidad para Malpaso el estreno de esta breve pieza de solo 12 intensos minutos, creada para ocho bailarines de ambos sexos, sobre “improvisaciones” de John Cage, su fiel compositor y partenaire de toda una vida. Y gracias al esforzado trabajo de traslación y reposición realizado por Jamie Scott, los danzantes cubanos pudieron vencer en breve tiempo –un 90%-  las dificultades para asimilar las particularidades estilísticas de la escritura poética del gran coreógrafo, tales como los cambios de dirección, las rupturas en la gestualidad, la independencia entre música y movimientos, la abstracción emocional…Todo ello apoyado por las eficaces participaciones de Manuel Da Silva con su diseño de luces y el austero minimalismo de David Quinn en sus diseños de vestuario.

Otro estreno en Cuba, “Face the Torrent”, con coreografía para cuatro parejas concebida para Malpaso por Sonya Tayeh. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Mediante la observación de esta breve pieza, se pudo comprobar la justeza de la valoración expresada por su eminente compatriota, la coreógrafa Lucinda Childs: “La enseñanza de Merce (Cunningham) y su obra estaba en consonancia con el arte abstracto de esa época. Tal legado cambió completamente las estéticas y el gusto de la danza”.

En la danza moderna –y hasta en la mayoría de los géneros artísticos-, cada generación se ha rebelado contra la precedente. En los primeros años de la década del 60 del pasado siglo, una generación emergente encontró “una nueva y alternativa tradición”, y comenzó a crear lo que luego sería denominado el “postmodern”.

Tras una breve pausa, le sucedió otro estreno en Cuba, “Elemental”, pieza en memoria de Bob Williams, con coreografía de su joven y talentosa nieta Robyn Mineko Williams, para un conjunto mixto de nueve bailarines, quienes entregan un conmovedor discurso dramático coral, no lineal, donde se destacan las interpretaciones rotundas de Daile Carrazana, Fernando Benet y el carismático Abel Rojo (primer bailarín cubano nominado para los premios Benois 2019 en el Bolshoi). Williams contó con una soberbia producción concebida por Burke Brown y Branimira Ivanova (luces y vestuario, respectivamente), y un soporte musical diseñado por Robby Haynes, que incluyó en su “tape” un collage de piezas populares con dos relevantes números del cubano Ernesto Lecuona; de Tim Rutili (su “Zabriskie after Midnight”); de Arvo Part su “Hymn to a Great City” del álbum “Minimalist Dream House”; o el “Tropic of Cancer” por la banda Panda Bear, entre otros.

La presentación de Malpaso y el estreno absoluto de “Elemental” en el Chicago Auditorium se debió, en parte, por el apoyo del Joyce Theater, debido a una iniciativa de The Joyce Foundation y la Sunny Artist Management, que promueve proyectos específicos para su desarrollo, estreno y giras. Esta obra fue posible gracias a la generosidad de Pamela Cruchfield (con el apoyo adicional de otros donantes privados en los Estados Unidos).

“Elemental”, obra en memoria de Bob Williams, con coreografía de su nieta Robyn Mineko Williams.

Después de un largo intermedio llegó la segunda parte del programa, que comenzó con el estreno absoluto de “El otro”. Se trata de un trío concebido para dos bailarinas (María Karla Araújo y Dunia Acosta) y un solista masculino, interpretado por el multifacético Osnel Delgado, a la vez su coreógrafo, diseñador de vestuario y director artístico de la compañía de danza. Ha creado una pieza de 16 minutos estructurada en dos partes: una sonora y la otra muda; con soportes musicales variados, que incluyó grabaciones del “Claro de luna” para piano de Mozart; “El triángulo” de Ile y “Silence”, para piano y cuerdas de Beethoven.

Su escritura coreográfica es intrincada, aunque sin definiciones precisas, con empleo acertado de la técnica del contact,  en la explícita lucha de dos mujeres por ganar los favores de su héroe, que cae en un sendero trillado de tópicos. Delgado, esta vez, no mostró la misma creatividad de obras precedentes, en cambio no defraudó en tanto que bailarín de fuste, con su habitual demonstración de virtuosismo y calidad de movimientos, sin abandonar la expresividad de sus dinámicas.

El programa concluyó con “Face the Torrent”, otro estreno en Cuba (con título en inglés), coreografía coral para cuatro parejas concebida para esta compañía por la californiana Sonya Tayeh, que contó con una producción foránea: la música grabada fue interpretada por Collete Alexander y The Bengsons; las luces y el vestuario fueron diseñados por Nicole Pearce y Karen Young, respectivamente.

La entrega de los intérpretes, como siempre, fue inclusiva y espléndida, en consecuencia, resultó difícil destacar alguna labor en particular. Lo cual quedó validado con la ovación final del nutrido auditorio.

Una mirada social sobre la tecnología en “Bound To”, pieza de Christopher Wheeldon que integra “Unbound”. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Indiscutible. El San Francisco Ballet (SFB) es una de las mejores compañías del mundo, sin lugar a duda. La excelencia de sus bailarines llega a niveles técnicos poco frecuentes. Y la pluralidad en la selección de las obras apunta, constantemente, a nuevos desafíos. Esta compañía, pionera en la Costa Oeste del país, bajo el comando de Helgi Tomasson desde hace más de 30 años, volvió al Kennedy Center de Washington DC desde el 23 al 28 de octubre, con dos programas mixtos integrados por obras que forman parte de lo que Tomasson llamó “Unbound”.

Un proyecto, que convocó 12 de los jóvenes coreógrafos del momento, para la creación de 12 nuevos ballets para la compañía, y su estreno fue durante la temporada de primavera 2018 del SFB en California. A Washington, la troupe trajo seis. El primer programa estuvo integrado por “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre; “Bound To”, de Christopher Wheeldon, y “Anima Animus”, de David Dawson. El segundo, que abrió el jueves 26, trajo a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang; “Snowblind”, de Cathy Marston, y “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck.

“Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre abrió la noche del San Francisco Ballet el 23 de octubre en Washington DC. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El SFB tiene como características principales, el gran refinamiento en las líneas y en los estilos, elegancia, limpieza en los movimientos y sofisticación. Cada uno de esos elementos se conjugan en el ensamble, no importa la propuesta. Algo que quedó claro nuevamente en estas dos presentaciones.

La obra de McIntyre, “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, un homenaje a su abuelo, convoca a nueve bailarines que, en secuencias diferentes, bailan sobre la música del cantautor Chris Garnneau, canciones de su álbum “El Radio”. Un juego coreográfico sentimental por el que transitan secuencias de conjuntos, solos, dúos, marcados por cada uno de esos temas musicales. Un excelente trabajo de Benjamín Freemantle en sus solos.

Wheeldon, en cambio, en “Bound To”, su décimo trabajo para el SFB, hace una reflexión, con humor y dramatismo en relación a la tecnología. Con este fin, los bailarines comienzan la obra cargando en sus manos pantallas iluminadas como teléfonos celulares, incomunicados y enajenados. Con un diseño escenográfico casi futurista de Jean-Marc Puissant en el que se van proyectando frases y mensajes para reflexionar sobre un tema que se acentúa a través de la presencia de la tecnología: la incomunicación y los intentos de suicidio.

En su primera obra encargada en los Estados Unidos, David Dawson, trajo “Anima Animus”, con música de Ezio Bosso, una obra minimalista y atractiva. Los bailarines ganan el espacio con giros y saltos como si fueran pájaros, con un bello vestuario, también minimalista y abstracto que retrotrae a diseños de Piet Mondrian, en tonos blancos, negros y amarillos. Y un diseño de luces brillante, creado por James F. Ingalls.

“Anima Animus”, de David Dawson con música de Ezio Bosso, obra minimalista presentada por el SFB en el Kennedy Center. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Una segunda vuelta

El segundo programa llevó a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El jueves 26, el segundo programa trajo tres piezas totalmente diferentes entre sí. Liang, con “The Infinite Ocean”, una obra de gran belleza estética, abre la escena con un inmenso sol. Dos parejas principales: Sofiane Sylve, una bailarina expresiva y de sólida técnica, y Tiit Helimets, de notables cualidades, y una de las estrellas principales del SFB desde hace varios años, Yuan Yuan Tan, con Victor Luiz, ambas parejas lograron momentos insuperables en cuanto a técnica e interpretación, mientras el resto de la coreografía fue oscilando entre dúos, solos y escenas de conjunto.

Sarah Van Patten, la esposa; Mathilde Froustey, la amante y Ulrik Birkkjaer en “Snowblind”, de Cathy Marston. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Quizás la más distinta de las obras, la más intimista, la más contundente desde lo emocional haya sido “Snowblind”, de Marston, basada en la novela de Edith Wharton, “Ethan Frome”. Una pieza de gran intensidad, con música de Arvo Part y otros compositores, en la que el triángulo amoroso, la infidelidad, el castigo por la infidelidad, y la condena, determinan la narrativa. Una danza emocional, estilizada, en la que la escena marca dos niveles a través de una tarima más elevada en donde domina la esposa (Sarah Van Patten) -como símbolo de la jerarquía establecida socialmente- y en el nivel más bajo, la amante (Mathilde Froustey). Mientras el hombre (Ulrik Birkkjaer) transita, por ambos y queda entrampado en lo formal. Conmovedora pieza de la coreógrafa inglesa. Excelentes, Van Patten, en su frialdad y su obsesión, y Froustey, en su frescura, su inocencia y su vitalidad.

El final llegó en zapatillas para la pieza de Peck, “Hurry Up, We’re Dreaming”. Una obra juvenil, plena de energía y espíritu colectivo, sin una estructura demasiado consistente, pero que solo reafirma la calidad de estos bailarines que, ante cualquier circunstancia, siguen demostrando su técnica y su solidez.

Dores André y Wei Wang en “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

“Othello”, de Marina Kesler con música de Arvo Pärt, interpretado por el Ballet de Estonia. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

El ballet fue el foco central de la gala del San Francisco Estonian Festival que inauguró el 28 de junio en el Palacio de Bellas Artes. El primer bailarín del San Francisco Ballet, Tiit Helimets, dio un paso adelante para llevar la cultura de su país natal a la ciudad. El espectáculo puso énfasis especial en, “Time”, de Helimets, y en “Othello”, de Marina Kesler con música de Arvo Pärt. El Ballet Nacional de Estonia compartió el escenario con la Orquesta Juvenil de Estonia, pianista Hando Nahkur y la cantante Hanna-Liina VOSA.

“Othello”, de Kesler, tomó un enfoque igualmente complejo en comparación con “Pavana del Moro” de José Limón, basado en el tema de la traición. En lugar de construir la historia poco a poco con gestos simples, como en el trabajo de Limón, el de Kesler se abre en un escenario oscuro, donde los arcos iluminados constituyen el telón de fondo.

Cinco hombres vestidos con los colores y el estilo de los modernos soldados de Europa del Este asumen poses de batalla o pasos de baile basados en ejercicios de calistenia. Crean así un ambiente de disciplina, y un creciente sentido de camaradería machista arraigada en el miedo y la intimidación. Los bailarines trotan como caballos en lugar de saltar. El acento va en dirección hacia abajo.

Bianka, consorte de Iago (Heidi Kopti) entra en un leotardo de lamé dorado con un tutú de flores penacho como un ramo de colores. Desdemona (Eva Andre) lleva un traje de satén frambuesa. Las otras mujeres llevan vestuario de varios tonos de púrpura. La vulgaridad de los trajes de las mujeres contrasta con el atuendo de los hombres, más aburrido y monótono.

Iago, bailado por Sergei Upkin, entra en el escenario con movimientos audaces, golpes largos y giros en arabesque en dehors, estiramientos en flexión del pie, detallado con miradas paranoicas sobre el hombro. Hay un pas de deux lánguido entre Otelo y Desdémona bailado exquisitamente por Anatoli Arhangelski y Andre. Othello parece estar en un estado de inducido estupor, y por defecto, deja a Iago a cargo. Iago, por su parte, se mueve amenazadoramente hacia el espacio de Otelo.

El primer bailarín del San Francisco Ballet, Tiit Helimets, presentó su obra “Time”. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

A medida que avanza la conspiración, las parejas se ponen gafas 3D y comienzan a moverse con movimientos robóticos. Se crea una atmósfera de embriaguez programada que prepara la transición para la aparición aparentemente accidental de las pruebas, un pañuelo y una bufanda, que sellan el destino de los cuatro personajes principales.

La obra está brillantemente concebida y los bailarines mantienen el dominio en esta pequeña joya de la compañía.

“Time” llega en cuatro partes. La primera abre con Nadezda Antipenko en ropa deportiva azul claro y blanco haciendo pas de cheval de perfil. Ksenia Seletskaja, Jevgeni Grib y Andrus Laur se unen a ella. Los primeros adoptan pasos de danza contemporánea sobre la percusiva música tecno compuesta por Paula Matthusen, acentuada por destellos de luz diseñado por Tiit Urvik. El segundo dúo se contrapone a los pasos rápidos del primero, con un adagio aterciopelado.

Sonidos de percusivos, susurros y sonidos de radio, marcan el tiempo en una cadencia galope o trote.

La pareja de la derecha añade carreras y amaga ir hacia una dirección y otra. La de la izquierda es más hábil y tradicional. Quizás un cambio de último minuto en el elenco es responsable por este desequilibrio aparente en la agudeza. Pero los pasos disimulan lo que los bailarines son en realidad. Una tercera pareja entra y distrae esta disonancia. Todos se reúnen el centro del escenario abriendo y cerrando como pétalos de flores.

Antipenko regresa al centro del escenario, curvando su cuerpo sobre su plié. Ella hace un paso de cangrejo cerca del piso, con extensiones y luego de pie y haciendo estiramientos en cambré.

En la segunda mitad de la pieza, Svetlana Danilova, en un tutu “pancake” del color blanco translúcido, corre hacia el escenario. Ella comienza con movimientos de brazos rápidos en el estilo de William Forsythe. Anatoli Arhangelski se une a ella. Él baila solo con estocadas sensuales que contrastan con saltos amplios, todo enmarcado con épaulement.

El pas de deux del “Cisne Blanco” de “Lago de los Cisnes”, con Alexsandra Meijer del Ballet San José y Tiit Helimets. Foto: alexander Reneff-Olson. Gentileza SFEF.

Nanae Maruyama entra en un tutú transparente en forma de campana. El segundo movimiento es más interesante de ver, más atlético, expresivo, percusivo, y ofrece una buena gama de colores de la diseñadora de vestuario Marja-Liisa Pihlak. Danilova hace los giros perfectos. En el pas de deux Maruyama manipula a su partenaire, Jonathan Hanks, con un gran control y fuerza. Se convierte en un pas de trois cuando llega Eve Andre. El trio inaugura un petit sauté individual y técnicamente excelente. Las mujeres caminan al proscenio y trabajan desde primera o quinta plié para completar círculos del cuerpo y los brazos, terminando con extensiones de piernas que se mueven en pas de cheval.

También se presentó el pas de deux del “Cisne Blanco” de “Lago de los Cisnes”, con Alexsandra Meijer del Ballet San José con Helimets  como partenaire. Una versión heroica, su aparición como partenaire de Helimets fue desconcertante cuando hay tantos cisnes virtuoso en el área de la bahía que podrían hacer justicia a una versión e interpretación más fiel a la intención y el espíritu de la obra reverenciada.