Lizt Alfonso Dance Cuba, una de las agrupaciones que participa del XXIX Festival La Huella de España. Foto gentileza LADC. Archivo Danzahoy.

El 25 de abril culmina el XXIX Festival La Huella de España, dedicado en esta ocasión al Centenario de Alicia Alonso, cuya celebración continúa este año con diversas conmemoraciones.

Precisamente, el cartel del evento muestra una imagen de Alicia Alonso y Antonio Gades en el ballet “Ad Libitum”, pieza coreografiada por Alberto Méndez con música de Sergio Vitier, concebida especialmente para el encuentro escénico de ambos bailarines.

Presidido por Viengsay Valdés, primera bailarina y directora general del Ballet Nacional de Cuba, y con los auspicios del Ministerio de Cultura de Cuba, la Embajada de España y la Federación de Sociedades Españolas en nuestro país, este año, bajo la dirección artística de Alberto Méndez, La Huella de España tendrá la peculiaridad de que ofrecerá una variada programación en línea, en plataformas de internet, y en espacios de la televisión cubana.

Afiche publicitario: Alicia Alonso y Antonio Gades en el ballet “Ad Libitum”. Gentileza Prensa BNC.

Se presentarán actuaciones de artistas y agrupaciones cubanas y españolas, como el Ballet Nacional de Cuba, el Ballet Español de Cuba, la Compañía de Antonio Gades, Lizt Alfonso Dance Cuba, ECOS, Habana Compás Dance, Ivette Cepeda, Johana Simón, Tina Gutiérrez, entre otros, y se ofrecerán conversatorios y conferencias por especialistas, como Pedro Simón y Miguel Cabrera, en los que se incluirán materiales audiovisuales de gran valor histórico.

El Festival La Huella de España fue fundado 1989 por Alicia Alonso y el entonces Cónsul General de España en Cuba, Sr. D. Juan José Santos Aguado. Su objetivo fundamental es destacar los antecedentes españoles presentes en la cultura cubana, así como la creación artística y las tradiciones de las regiones y comunidades autónomas españolas.

Informed y enlaces:

Viengsay Valdés. Presentación. https://youtu.be/bREzRf3Q8Lk

Festival: https://fb.watch/52V5Q1Iqpp/

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El BNE presentará “De lo flamenco”, un homenaje a Mario Maya, uno de los grandes maestros de la danza de España. Foto: Javier Fergo. Gentileza CCT.

El Ballet Nacional de España (BNE) llega al Centro Cultural de Terrassa con un programa diseñado por Rubén Olmo. Desde el 12 al 14 de febrero, presenta cuatro funciones que muestran la amplia gama de la danza española, en las que la compañía incluye gran parte de sus estilos, desde la escuela bolera al flamenco estilizado.

El programa que presenta la compañía en el Centro Cultural de Terrassa, que Fuertes postergado en noviembre por las restrictiones relacionadas con la pandemia, está integrado, entre otras obras, por “Invocación bolera”, una coreografía de nueva creación de su director, Rubén Olmo que actualiza la esencia de la escuela bolera tradicional. A su vez, es una de las escasas composiciones recientes de este estilo, y es un homenaje a los grandes maestros que marcaron la línea a seguir en la Escuela Bolera, desde Ángel Pericet a Mariemma o Antonio el Bailarín.

El bolero es uno de los estilos más característicos, complejos y únicos de la danza española, que surgió en el siglo XVIII en España, fruto de la combinación de bailes populares andaluces con las danzas académicas. La música de “Invocación bolera” es una composición contemporánea original para esta pieza, compuesta por el joven compositor y director de orquesta sevillano Manuel Busto, grabada por la Orquesta de Extremadura, dirigida por Busto. El montaje de castañuelas estuvo a cargo de Maribel Gallardo y el diseño de vestuario es de Pedro Moreno.

Se agregan al programa “Jauleña”, “Eterna Iberia” y “De lo flamenco”. La primera de estas piezas, también de Olmo, está inspirada en un pueblo de Granada donde se reunían las tres culturas: la cristiana, la judía y la árabe. Esta coreografía de transición es un solo interpretado por Olmo en el que se funden la danza estilizada, la escuela bolera y el flamenco, y en el que cobran protagonismo los estilos de la granaína y el zapateado.

Castañuelas, capa española y sombrero cordobés son algunos de los elementos que caracterizan “Eterna Iberia”, de Antonio Najarro. Foto: Javier Fergo. Gentileza CCT.

“Eterna Iberia”, una coreografía de Antonio Najarro, nace del descubrimiento de la pieza musical del maestro Moreno Buendía, “Celtiberia”, compuesta en 1963 por un encargo de Antonio Ruiz Soler El Bailarín, para su ballet Eterna Castilla.

Esta obra fluye a través de cinco movimientos, representados por números grupales, solos y pas de deux, donde se dan la mano las castañuelas, la capa española y el sombrero cordobés, así como la técnica y la fuerza interpretativa tan característica de la danza estilizada.

Y para terminar, el BNE presentará “De lo flamenco”, obra que se define como una suite flamenca que refleja el estilo propio de Mario Maya, fundador en 1994 de la Compañía Andaluza de Danza, el actual Ballet Flamenco de Andalucía.

Es, a su vez, un homenaje a uno de los grandes maestros de la danza, y un referente indiscutible del flamenco. Esta obra, que cuenta con vestuario de Maya, reúne coreografías de Mario Maya, Milagros Menjíbar, A. Rueda ‘Toná’, Rafaela Carrasco, Isabel Bayón, Manuel Marín, entre otros.

El BNE, dirigido por Olmo desde septiembre de 2019, fue fundado en 1978 bajo el nombre de Ballet Nacional Español, y tuvo a Antonio Gades como primer director. Ho, la compañía es el mayor exponente de la danza española que compila todos los estilos de baile tradicional de España. Un embajador cultural a través del mundo donde se funde la tradición y la vanguardia, al igual que la escuela bolera, la danza clásica española, el folclore y el flamenco.

Jóvenes coreógrafos invitados con diferentes personalidades y estéticas han propuesto sus coreografías con el principal objetivo de divulgar y preservar la danza española. Asimismo, el BNE da protagonismo al repertorio, recuperando piezas como “Medea”, “Grito, Ritmos”, “Bolero” (J. Granero), “Paso a Cuatro”, “Farruca”, “Viva Navarra” y “Jota de la Dolores”.

Medidas contra el COVID-19:

Para hacer frente a la situación por el impacto de la pandemia el Centro Cultural de Terrassa (CCT) de Barcelona ha aplicado varias medidas sanitarias:

➢ Los espacios son correctamente desinfectados (antes y después de las funciones) siguiendo los protocolos estipulados.

➢ La cantidad de espectadores está reducida al 50% y se adelantaron los horarios de algunas funciones para respetar el toque de queda a las 22h.

➢ A la hora de comprar entradas por internet, se bloquean las localidades de alrededor para la distancia de seguridad entre el público.

➢ Para acceder al CCT hay que pasar un control de temperatura y aplicarse gel hidroalcohólico.

➢ Se garantizan las entradas y salidas de forma escalonada para evitar aglomeraciones.

➢ También se pide a los asistentes que respeten la obligatoriedad de llevar mascarilla del establecimiento.

“Invocación bolera”, una coreografía del director del BNE, Rubén Olmo, que actualiza la esencia de la escuela bolera. Foto: Ana Palma. Gentileza CCT.

María Pagés y el escritor El Arbi El Harti debutan en México con el montaje “Yo, Carmen”, obra que pretende desarmar los estereotipos creados a lo largo de los siglos. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

Cuando María Pagés y el escritor El Arbi El Harti pensaron en la creación del montaje “Yo, Carmen”, no quisieron hacer una revisión del célebre personaje de la ópera de Georges Bizet. Ellos quisieron ahondar en la empatía femenina para situarse como la voz de una mujer que se alza con fuerza ante todos, nítida y contundente, para expresar la realidad que afronta y construye el alma femenina y los contextos donde se desenvuelve. “Yo, Carmen”, cuyo personaje es colectivo, aspira a ser la voz de todas las mujeres, sin subterfugios, sin dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construidas por la mirada patriarcal.

Tal es la reflexión que dio vida a este espectacular montaje que la prestigiosa Compañía María Pagés presentará en nuestro país el jueves 6 de septiembre, a las 20:00 horas, en el Palacio de Bellas Artes.

Con esta presentación culmina la Temporada de Danza 2018 programada en este recinto de mármol, la cual incluyó doce propuestas dancísticas nacionales e internacionales que protagonizaron un gran movimiento desde el mes de junio.

Sobre el origen de la pieza “Yo, Carmen” hay que destacar que a la maestra Pagés siempre le ha atraído el personaje de Carmen, pero también siempre ha sentido algo de reparo intuitivo respecto al relato. Por esta razón llevaba años reflexionando en dicho personaje desde su posición de mujer española y andaluza, pero también desde la creadora amante de la belleza de una de las mejores óperas de la historia.

En ese sentido, el personaje creado por Bizet sólo sirvió a Pagés como punto de partida para montar un espectáculo que lo que pretende es desarmar los estereotipos creados, mantenidos e inculcados a lo largo de los siglos, para silenciar la esencia de las mujeres reales. Se presenta a una mujer acompañada de mujeres, quienes hablan de otras féminas y las mil y una aristas que las conforman y las sostienen.

En la coreografía de “Yo, Carmen”, la composición de la música flamenca original es de Rubén Levaniegos, Sergio Ménem y David Moñiz. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

La bailarina y coreógrafa narra en escena una aventura genuinamente femenina, en diez cuadros, integrados por seis bailaoras y ocho músicos en directo, flamencos y clásicos. El dramaturgo de la pieza y también codirector de la compañía, El Arbi El Harti, explicó que, en “Yo, Carmen”, la mujer abre su emoción e inteligencia, como si de un abanico se tratara:

“En una narración potente, a través de solos y coreografías corales, artesanalmente hiladas, expresa su conocimiento y contradicciones, sus amores y desamores, su fuerza y fragilidad, su inseguridad e insatisfacciones, su soledad, su sensualidad, la igualdad aún no alcanzada, la maternidad.  La voz femenina reflexiona la rebeldía ante el maltrato femenino, las dependencias como consecuencia de un sometimiento ancestral, respecto a los cánones sociales, las tradiciones, las religiones o las nuevas creencias, como la moda, la publicidad o la propia libertad”, señaló El Arbi, compañero de vida y de profesión de la coreógrafa.

Por lo que se refiere a la parte musical, Pagés centró su trabajo en cuatro niveles: las músicas que inspiraron a Bizet, la propia partitura de la ópera, la reinterpretación y adaptación de algunos fragmentos clásicos en clave flamenca y, por último, la composición de la música flamenca original creada por Rubén Levaniegos, junto a Sergio Ménem y David Moñiz.

Larga y fructífera es la trayectoria de María Pagés. Sobresalen sus inicios en la compañía de Antonio Gades, al que considera su maestro indiscutible. En 2002 recibió el Premio Nacional a la Creación y en el 2014 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en España. En su extensa carrera coreográfica, la Bienal de Flamenco de Sevilla le ha concedido diez Giraldillos considerados como los Oscars del mundo del flamenco. En 1990 creó Compañía María Pagés y desde esa fecha ha producido innumerables piezas. Ha colaborado con Mikhail Baryshnikov, Sidi Larbi Cherkaoui, Tamara Rojo, Ángel Corella, Plácido Domingo, José Saramago y Oscar Niemeyer, entre otros. Su compañía ha sido invitada a pisar los escenarios más importantes de países como Inglaterra, Francia, Rusia, Alemania, Italia, Japón, Hong Kong, Canadá, España y Colombia. A través de ARTEDEA, asociación fundada por la coreógrafa, desarrolla una intensa actividad solidaria y formativa, tanto en España como en otros países, como India, Mozambique, México, Panamá, Japón, Honduras y Marruecos.

“Confesiones privadas”, en el Kennedy Center, con Marte Engebrigtsen en el protagónico de Anna y Liv Bernhoft Osa en el rol de su madre. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

Indagar en los perfiles de uno de los grandes maestros del cine como lo es Ingmar Bergman, suena extraño para una revista de danza. También lo es, sumergirse en las profundidades del teatro. Pero sin embargo, no es casualidad que el teatro y la danza formen parte de ese inasible universo de las artes escénicas. Algo que solo queda en la retina y en el alma, y que hoy, tecnología mediante, nos permite recordar las imágenes como parte de un todo. ¿Acaso el cine no ha filmado danza? ¿Acaso el español Carlos Saura, casi contemporáneo de Bergman no ha dejado estampado para siempre en el cine al inolvidable Antonio Gades, o se ha lanzado a mostrar los secretos del tango en la Argentina? ¿Acaso la danza o el teatro no se han animado a incorporar el cine dentro del mundo de las artes escénicas?

En esta era globalizada, donde los límites entre las artes se hacen cada vez menos perceptibles, “Confesiones privadas”, obra que fue llevada al cine en 1999 por la actriz y ex mujer del cineasta sueco, Liv Ullmann, se convierte en una cita insoslayable para comprender el arte en su propia esencia de libertad. En esas profundidades en la que un artista debe jugarse el todo por el todo, el encasillamiento se transforma en carcelero del alma y de la creación.

Esta vez, como celebración de los cien años del nacimiento del gran cineasta sueco con el que crecieron varias generaciones, el Kennedy Center llevó al escenario del Eisenhower Theater, desde el 6 al 9 de diciembre, el estreno en los Estados Unidos de la pieza teatral escrita por Bergman, con la versión para teatro de Ullmann. Los protagonistas: integrantes del National Theater of Norway.

Ullmann, reanuda en “Confesiones privadas” esa búsqueda de sus propias raíces en la que Bergman incursionó en los films de sus últimas décadas. Una exploración sobre las luces y las sombras que fueron forjando su vida familiar. Y el resultado es una pieza teatral poderosa, intensa, reflexiva, en la que la gestualidad, la fuerza corporal de sus intérpretes y la potencia del texto se convierten en una danza en sí misma. Pieza esencial para cualquier artista, y especialmente para un bailarín que no solo trabaja con el movimiento, sino que requiere de técnicas teatrales para transmitir emociones profundas que hacen que el espectador se conmueva con un simple paso. Y si bien, en la era de la tecnología los sentimientos parecen desdibujarse, dónde queda entonces el hombre con sus conflictos, sus dudas, sus preguntas, su dolor y su alegría. Dónde queda, entonces, el artista si no tiene la capacidad de expresar desde el alma.

Mattis Herman Nyquist interpreta al padre de Ingmar Bergman junto a Marte Engebrigtsen en la obra dirigida por Liv Ullmann. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

Aquí, los protagonistas, transcurren en sus propios espacios gestuales, sumidos en la tragedia de sus personajes. Mientras la obra, hablada en sueco, con subtítulos, dibuja como una delicada coreografía, la evolución de una trama que muestra el drama de una mujer prisionera de sus pasiones en una época en la que los tabúes eran la tumba del alma. La fuerza corporal de esos personajes, quizás, no necesitaba de las palabras. Solo el gesto.

Anna Bergman, interpretado con una sutil y trascendente maestría por Marte Engebrigtsen, se convierte en el eje en torno del cual gira el resto de los personajes. Su marido, Henrik, a través de un actor conmovedor, Mattis Herman Nyquist; Marta, su amiga y confesora (Anneke von der Lippe); Jacob, el pastor ante quien Anna confiesa su infidelidad (Bjon Skagestad); Karin, la madre de Anna (Liv Bernhoft Osa); Thomas, el amante que no se atreve romper con los prejuicios y la medioridad (Morten Svartveit), y la narradora, Kari Simonsen, conforman un ensamble perfecto.

El talento de Ullmann para describir situaciones y conflictos, tanto desde lo espacial como desde lo dramático, hacen que esta pieza se interne en lo más profundo del corazón y siga resonando y cuestionando a través de imágenes, sensaciones y percepciones. Sentimientos que solo puede lograr una obra de arte en sí misma, sin importar si se trata de teatro, cine, danza o música. El arte en su estado puro.

Marte Engebrigtsen con Morten Svartveit (como Thomas), del National Theater of Norway, en una de las escenas de “Confesiones privadas”. Foto: Erik Berg. Gentileza JFKC.

Marta García, en Cuba, en una escena de “Bodas de sangre” con coreografía de Antonio Gades. Foto gentileza de Miguel Cabrera.

Miguel Cabrera. Historiador de Ballet Nacional de Cuba (Cedido por el autor a Danzahoy)

Marta García, una de las más prestigiosas figuras del Ballet Nacional de Cuba y de la escuela cubana de ballet, falleció en horas de la madrugada del pasado domingo 29, en la ciudad de Madrid, víctima de una cruel enfermedad, contra la que luchó estoicamente durante varios años.

Nacida en Guanabacoa, tierra de ilustres artistas destinados a trascender, como Ernesto Lecuona, Rita Montaner y Bola de Nieve, y dominada por una irrefrenable vocación, obtuvo allí los primeros reconocimientos en el difícil arte de la danza, cuando con solo tres años de edad, el 17 de noviembre de 1952, acaparó la atención de todos con su triunfo en la Corte Suprema del Arte, popular certamen de artistas aficionados que por aquella época hacía extensiva sus actividades al Teatro Ensueño de su localidad natal. Se iniciaba así un camino de triunfos por el que transitaría hasta el final de su vida.

En 1954, obtuvo una de las becas gratuitas que, a pesar de su penuria económica, ofrecía la Academia de Ballet Alicia Alonso a niños pobres pero con facultades para la danza. Allí estuvo Marta García, poniéndole senda al talento, disciplina al ímpetu, control al músculo, cauce al sentimiento, hasta finales de 1956, en que la tiranía batistiana cercenó la escasa ayuda oficial que permitía vivir a la Academia y a la Compañía del ballet cubano. Su talento natural, apenas esculpido, le permitió triunfar en duras contiendas, hasta convertirse en la máxima estrella infantil de la televisión cubana y brillar, junto  a las más célebres artistas de la época, en espectáculos donde maravilló por su talento al bailar y doblar los más grandes éxitos de la música popular española.

En 1959 una alborada de esperanza la sorprende en su batalla por encontrar un lugar seguro para su afición en aquella sociedad hostil y excluyente. En 1961, la “estrellita” mimada, la reina infantil de la televisión cubana, que acaparaba publicidades, lauros y altos salarios, no vaciló en tomar la sabia decisión de abdicar  su endeble trono y cambiarlo por un modesto uniforme de alumna de la Escuela Provincial de Ballet de La Habana. Allí, bajo la guía de las profesoras Ana Leontieva y Eugenia Klemétskaya, avanzó por un sendero seguro, hasta graduarse en 1965  en  la primera promoción de la Escuela, año en que pasa a formar parte del elenco del Ballet Nacional de Cuba, bajo la guía de Alicia y Fernando Alonso, conjunto donde en 1974 alcanzó el rango de Primera bailarina, el que mantuvo hasta su retiro de la escena como intérprete en el 2000.

Como miembro del BNC colaboró en la génesis del Ballet de Camagüey, realizó numerosas giras por Europa Asia y América, y se hizo acreedora de importantes galardones, que la convirtieron en una de las bailarinas cubanas más laureadas internacionalmente. Entre ellos figuran el I Premio Categoría Juvenil y la Medalla de Plata y el Premio a la Mejor Técnica, en el Concurso de Ballet de Varna, 1968 y 1970, respectivamente; Diploma de Honor, en el Concurso de Ballet de Moscú, 1969; el Premio Estrella de Oro, en el VIII Festival Internacional de Danza de París, 1970; el Premio a la Excelencia Individual, el Premio Especial y la Medalla y Diploma de Honor, en el Concurso de Japón, 1976. Otras distinciones recibidas por ella fueron la Medalla de la Amistad, de la República Socialista de Viet Nam, 1978;la Mella Rául Gómez García, 1986 el Diploma de Reconocimiento de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, 1987; la Distinción por la Cultura Nacional,  1988, Medalla de Honor del Festival de Lodz, Polonia, 1989; la Medalla al Mérito del Consejo Brasileño de la Danza, 1990; el Diploma de Honor de la Alcaldía de La Paz, Bolivia, 1991;y el grado académico de Profesor Titular Adjunto del Instituto Superior de Arte de La Habana, 1997.

Fue artista invitada de importantes compañías y eventos de la danza internacional como el Ballet del Teatro de la Ópera de Budapest, en 1977; el Ballet de Bellas Artes de México, en 1977 y 1978; la Gala de Estrellas de Montecarlo, en 1979; y el Festival Internacional de Ballet de Trujillo, Perú, en 1985.

Técnicamente virtuosa, especialmente en la esfera de los giros, sumó también a su valía una amplia ductilidad estilística y una exquisita sensibilidad artística, en la que sobresalió su gran poderío dramático. Su galería de inolvidables personajes incluyen éxitos tales como “Días que fueron noches”, “Bach x 11 = 4x A”, Soledad, en “Tarde en la siesta”, Cecilia Valdés, Odile, en “El cisne negro”; Swanilda, Lisette, Kitri, la princesa Aurora, Adela, en “La Casa de Bernarda Alba” y muy especialmente el de La novia, en “Bodas de Sangre”, de Antonio Gades.

Durante años Marta García, de forma paralela a su labor interpretativa, se desempeñó como ensayadora y maître del Ballet Nacional de Cuba y a partir de 1988 desarrolló también una valiosa labor como coreógrafa, que incluye secciones del ballet “Don Quijote” y creaciones como “Luz de Luna”, “Homenaje, L´addio”, “En mi Habana”, “Alquibla”, “Iniciación”, “Rosa de fuego”, “El sombrero de tres picos”, “Entreacto capricho”, y “El ruiseñor y la rosa”.

Entre 2001 y 2004 se desempeñó exitosamente como directora del prestigioso Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires y posteriormente realizó un valioso trabajo con importantes instituciones de danza de España, que incluyeron el Ballet de Carmen Roche, el  Centro de Enseñanza Artística SCAENA, el Instituto de Danza Alicia Alonso y el Joven Ballet de Cámara de Madrid.

En el 2014 publicó su libro autobiográfico “Danzar mi vida”, en el cual dejó testimonio de su lealtad al Arte, a la Amistad y a los grandes valores éticos y estéticos que caracterizaron su órbita estelar por los escenarios de Cuba y el mundo.

Con su muerte física el Ballet Nacional de Cuba pierde a uno de sus más brillantes miembros históricos y  la danza escénica cubana  a una de sus representantes  más  genuinas y brillantes.

Larreal, formada por bailarines del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, se presenta en Flamenco Madrid. Foto gentileza FM.

Diecisiete primeras figuras invitadas llegan a compartir con el público madrileño, Flamenco Madrid, un encuentro que reúne artistas del cante, el baile y el toque flamenco. Y también, reúne representantes de varios tipos de danza española, conciertos y un homenaje al género de la denominada ópera flamenca desde una mirada contemporánea.

El 3 de junio arranca Flamenco Madrid, promovido por el Ayuntamiento de Madrid, a través de Madrid Destino, en colaboración con la Comunidad de Madrid y Suma Flamenca. La programación tendrá como sede el teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa y se desarrollará hasta día 30 del mismo mes.

Conferencias, clases magistrales, un espectáculo de flamenco para los más pequeños los sábados en función de tarde en la Sala Jardiel Poncela. Además, habrá otras actividades paralelas, como la exposición “Antonio Gades, 50 años de danza española”, que podrá verse en el hall de la Sala Guirau de manera gratuita y guiada por alumnos formados en la Fundación Antonio Gades. Una muestra que resume la vida artística del hombre que revolucionó el mundo de la danza española y del flamenco.

Flamenco y danza española

Desde las primeras décadas del siglo XX hasta la actualidad,  Madrid ha sido meta y punto de partida para los artistas del flamenco, un género que nació en Andalucía. Flamenco Madrid surge como una alternativa complementaria a los encomiables esfuerzos que tablaos, teatros, salas y festivales vienen desarrollando históricamente.

Ahora, en el marco de Suma Flamenca -el festival más importante de la comunidad- la ciudad de Madrid abre un camino para que los artistas puedan tener cabida en la capital. Así nace Flamenco Madrid.

Sin embargo, la programación no olvida su otra seña de identidad: la danza española. De esta forma, también formarán parte de los shows, danzas tradicionales como la Gala de danza del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, que este año celebra su 75 Aniversario, hasta la vanguardia, como “No pausa”, de Daniel Doña.

Encuentro de danzas

Después de haber hecho su presentación oficial el 28 de mayo, Flamenco Madrid comienza con “El arte por delante”, espectáculo de Rojas y Rodríguez, desde el 3 hasta el 7 de junio. Es cante, toque y baile, con una mirada a lo teatral desde el tablao, con una estética andaluza y tradicional.

“Del 2000 y pico”, por la Compañía Pedro Córdoba, sube a scena el 10 de junio en la Sala Guirau, en Flamenco Madrid. Foto: Javier López. Gentileza FM.

El 10, la Compañía de Pedro Córdoba representará “Del 2000 y pico”, un recorrido por los palos del flamenco, sin fusión, mezclas ni incursiones en otro tipo de danzas. Un espectáculo tradicional pero actual.

Al día siguiente, el taller coreográfico del Real Conservatorio Profesional de Danza Mariemma, Larreal, presentará una “Gala de danza”, espectáculo dedicado a la danza española en sus diferentes formas.

“Última parada” es la pieza que, del 12 al 14 de junio, mostrará la Compañía Andanzas con Merche Esmeralda. Una reflexión sobre la vida, los recuerdos, los hijos, la juventud, la convivencia y el deterioro, el olvido y la soledad.

Del 19 al 21 de junio, llegará el nuevo espectáculo de la bailaora Susana Lupiáñez, La Lupi, “Cartas a Pastora”. Un homenaje a Pastora Imperio inspirado en sus fotografías y en los pocos documentos visuales que se conservan de ella. Diálogo en escena a través de cartas en las que se relatan los pasajes de su vida que más han marcado a esta bailaora malagueña.

Manuel Liñán tomará el relevo en el escenario del teatro Fernán Gómez los días 24 y 25 con “Sinergia”, su primera propuesta en solitario creada a partir de vivencias en su Granada natal y donde reivindica la guitarra, Lorca, la zambra y los maestros y maestras de los que recibió toda su formación como bailaor. Mientras Jesús Carmona, uno de los máximos exponentes del flamenco moderno, cerrará la programación de danza, el 27 y 28, con “7 balcones”, evolución creativa de su baile a través de siete palos regionales.

Cante jondo y flamenco experimental

El 16 de junio, Flamenco Madrid será testigo del estreno absoluto de la ópera flamenca “A través de la luz”, de la Compañía Eureka, interpretada por Vallellano & The Royal Gypsy Orchestra. El origen de este espectáculo es un libro sobre la denominada “ópera flamenca”, género muy popular en la primera mitad del siglo pasado.

Flamenco Madrid se clausura con la presentación en exclusiva de “Flamenjazz”, de la mano de Montse Cortés & Edith Salazar. Canciones míticas del jazz norteamericano y la bossa-nova brasileña fusionadas con el flamenco, un encuentro entre músicos y cantantes amigas, entre el “feeling” y el “duende”.

El Ballet Flamenco Sara Baras subió al escenario del Eisenhower Theatre del Kennedy Center el 10 y el 11 de marzo. Foto: Peter Muller. Gentileza JFKC.

Desde el corazón de la escena, las voces, envolventes y aterciopeladas, dicen aquellas cosas del alma que nunca callaron y quedaron en la memoria para siempre. Sara Baras llegó con su duende y sus duendes al escenario del Eisenhower Theatre del Kennedy Center para verter, gota a gota, un homenaje a los grandes maestros del flamenco. Los inolvidables, los de siempre.

“Voces, Suite Flamenca”, que se presentó dentro del festival “Iberian Suite: global arts remix”, y continúa hasta el 24 de marzo, es un espectáculo con dirección escénica y con coreografía de Baras, que se convierte en una celebración en honor de aquellos que dejaron su huella y marcaron hitos en la historia de este arte y del arte en general. Con imágenes en blanco y negro, casi cubistas, Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Antonio Gades, Enrique Morente, Moraíto y Carmen Amaya, se convierten en los protagonistas de la escena. Sus voces resuenan a través de testimonios grabados y sus rostros se hacen vívidos por los caminos del baile, del cante y del toque. Y se meten sin permiso en el corazón del espectador.

Baras comenzó, en blanco y negro, con “Canción de amor”, de Paco de Lucía. Su técnica mesurada, su delicado y sutil zapateo, su sensualidad, su garra, y esas manos que parecen tener vuelo propio se fueron apoderando de cada momento y de cada rincón. En sus solos, que se asemejan a un acto ritual para rendir culto a los maestros, en sus intensos dúos con el bailaor invitado José Serrano y en su participación junto al cuerpo de baile, Baras ejerce un magnetismo particular en su baile.

El Ballet Flamenco Sara Baras, integrado por María Jesús García Oviedo, Charo Pedraja, Cristina Aldón, Daniel Saltares, David Martín y Alejandro Rodríguez, logra la intensidad necesaria para acompañar a semejante intérprete, y se acopla con técnica y energía a esta propuesta que apunta a la emoción y a la memoria. Con un grupo de músicos que se funden con los bailaores como la respiración al cuerpo, logra momentos conmovedores con la música y el cante de Miguel Rosendo, Israel Fernández y Rubio de Pruna. Keko Baldomero (autor de gran parte de los temas del espectáculo) y Andrés Martínez, en guitarras; Antonio Suárez y Manuel Muñoz “Pájaro”, en percusión, provocan una explosión de talento.

“Voces, suite flamenca”, está integrado por distintas voces a las que se corresponde una pieza diferente. “Bulería de Chabo” comienza con la voz de Paco de Lucía, en un impresionante despliegue del cuerpo de baile junto a Baras. Camarón de la Isla presta su inolvidable voz para reflexionar sobre el flamenco en “Seguirilla”, un dúo intenso y profundo de Baras con Serrano. Con un torero, mujeres vestidas de rojo, sillas y una suerte de escenificación que evoca a la insustituible “Carmen” de Antonio Gades, Baras, vestida de negro, recrea aquellos momentos en los que el gran Antonio acariciaba el piso con sus pies para sacarle sonidos impensables en “Taranta”.

“Las Carmenes”, trae el recuerdo de la indiscutible Carmen Amaya, y en “Farruca”, la voz de Enrique Morente es el vehículo para un solo de Baras lleno de sutilezas, giros interminables y belleza estética. Después llega “Tientos”, y un solo de Serrano, lleno de efectos especiales. “Soleá” pone a Moraíto y su reflexión sobre el alma y el espíritu de la creación. Baras se llevó puesto “Soleá por Bulería”, y la compañía se incorporó al final con “Bulería”. El público, de pie, no los dejó ir fácilmente. Y llegó el inevitable bis, como en un tablao flamenco. Bello, intenso, y magnificente, “Voces, suite flamenca”, se trae y se lleva los duendes de los grandes que marcaron el camino del flamenco.

Un ciclo sobre las creaciones de Antonio Gades se verá desde el 5 de enero en el canal Film&Arts. Foto gentileza F&A.

Film&Arts, la señal de Chello Latin América, presenta el ciclo especial de danza,  “El Flamenco según Antonio Gades”. A partir del domingo 5 de enero, cada domingo de este primer mes del año, Film&Arts dedica un ciclo especial para mostrar la obra coreográfica de uno de los más grandes bailarines flamencos de la historia. De esta forma el canal argentino pondrá en la pantalla chica cuatro de las obras más reconocidas del bailarín español que murió en 2004: “Bodas de sangre”, “Carmen”, “Fuenteovejuna”, y “Suite de Flamenco”.

La Compañía Antonio Gades realizó estas cuatro grandes producciones que se filmaron en el Teatro Real de Madrid, con motivo del 75 º aniversario del nacimiento de Gades.

Fue Pilar López quien le puso el nombre artístico, Antonio Gades, cuando lo admitió en su compañía hacia 1952. Por entonces Antonio Esteve Rodenas, era un joven talentoso que, debido a los conflictos de la Guerra Civil española había tenido que dejar la escuela y salir a buscar la vida con diversos oficios.

Trabajó durante varios años como bailarín con Pilar López, fundó su propia compañía, y fue reconocido internacionalmente por su capacidad para colocar al flamenco en un lugar destacado dentro de la cultura universal.

En el cine, Gades también convirtió el flamenco en un polo de atracción, bajo la dirección de F. Rovira Beleta (“Los Tarantos”, 1962, y “El amor brujo”, 1976), y con Carlos Saura protagonizó “Bodas de sangre”, “Carmen” 1983, y “El amor brujo”, 1986). Fue Premio Nacional de Danza (1988), en 1998 recibió el XV Premio Compás del Cante otorgado por la Fundación Cruzcampo.

El primer ballet que se verá en la televisión argentina será “Bodas de sangre”, el domingo 5 de enero a las 19.00 hs. La obra es la esencia de la obra de Federico García Lorca, poeta y dramaturgo cuya visión aquí se fusiona con el de la España profunda y antigua. Con música de Emilio de Diego, Perello y Monreal (¡Ay, mi Sombrero!, EMI) y Felipe Campuzano (Rumba). Por la Companía Antonio Gad, protagonizada por  Cristina Carnero, Ángel Gil en el rol de  Leonardo, Vanesa Vento (Madre), Joaquín Mulero (Novio) y Maite Chico (Mujer). Con dirección artística de Stella Arauzo, quien fue una de las más destacadas bailarinas de su compañía.

El domingo 12 a las 18:15 se proyectará “Carmen”, ballet creado por Gades en colaboración con Carlos Saura. Esta producción inigualable muestra cómo la fuerza explosiva y la intensidad en el tradicional flamenco puede traer a la vida la pasión sensual, emoción terrenal, el amor y la rivalidad que es Carmen. Vanesa Vento vive y respira Carmen, haciendo hincapié en las múltiples facetas de este personaje, femenino, apasionado y libertario pero inconstante en el amor.

Pero la gitana salvaje de Carmen se convierte en su propia condena cuando desecha el amor de Don José que, como poseído por la desesperación la mata. Con música de Antonío Gades, Antonio Solera, Ricardo Freire Gonzales, Georges Bizet (Carmen), José Ortega Heredia y Federico García. Los bailarines: Companía Antonio Gades; Vanesa Vento, Carmen; Ángel Gil, Don José; Joaquín Mulero; Jairo Rodríguez (Torero).  Antonio Gades y Carlos Saura, son autores del guión y Stella Arauzo está a cargo de la dirección artística.

“Fuenteovejuna”, llegará el domingo 19 de enero a las 18. Esta novela, escrita por Lope de Vega entre 1612 y 1614 y publicada por primera vez en Madrid en 1819, cuenta cómo un pueblo entero de la alta Andalucía, Fuenteovejuna, se rebela contra los abusos perpetrados por un noble, el Comendador de la Orden de Calatrava Fernán Gómez de Guzmán, y acaba por ajusticiarlo.

Cuando los Reyes Católicos Isabel y Fernando envían a un juez para esclarecer el caso, ni aún sometiendo a las peores torturas a los aldeanos logran que éstos denuncien al culpable. Pues todos, con una sola voz, asumen la muerte del noble innoble y la responsabilidad de su destino.

Con la Compañía Antonio Gades, la obra está protagonizada por Cristina Carnero, como Laurencia; Ángel Gil, en el papel de Frondoso; Joaquín Mulero, es el Comendador, y Alberto Ferrero, como el Mayor

El último domingo, el 26 de enero, a las 18.45, se proyectará “Suite Flamenca”. Esta obra está compuesta por siete piezas de baile tradicional presentadas con la visión de Gades a través de la estética del flamenco. Consta de solos, dúos y bailes de grupo, y abarca todos los perfiles del arte flamenco.

La visión de Gades, inicialmente ubicada en la vanguardia, hoy es considerada un clásico. Las actuaciones solistas de Stella Arauzo y Miguel Lara y artistas de la Compañía Antonio Gades convierten a esta suite en un mosaico flamenco. La coreografía, de 1968 pertenece a Cristina Hoyo, una de las grandes bailaoras flamencas del siglo XX que integró la compañía de Gades durante muchos años, y fue la protagonista de una de sus célebres obras, “El amor brujo”, también llevada al cine por Saura.

Ciclo Especial: El flamenco según Antonio Gades

Bodas de sangre
Domingo 5 de enero a las 19hs

Carmen
Domingo 12 de enero a las 18.15hs

Fuenteovejuna
Domingo 19 de enero a las 18hs

Suite de flamenco
Domingo 26 de enero a las 18.45hs

www.filmandarts.tv