“Sombrerísimo”, obra de Annabelle López Ochoa, inspirado en el mundo surrealista del pintor belga René Magritte. Foto: Susan Bestul. Gentileza GMU.

En el Mes de la Herencia Hispana el Ballet Hispánico realizarán un programa en residencia George Mason University, que incluye una función en el ciclo Great Performances y una variedad de programas educativos e interactivos de danza.

La presentación de la compañía dirigida por Eduardo Vilaro será en el Center for the Arts el el 5 de octubre.

“Estamos emocionados de tener de vuelta al Ballet Hispánico en nuestra comunidad para celebrar la cultura latina a través de la danza y actividades de enriquecimiento cultural. Sin duda, sentiremos la presencia de este grupo dinámico y divertido en todo el campus, y estoy muy contento de que se involucren con la comunidad”, dijo Victor Adebusola, gerente de programación y participación del Center for the Arts.

Reconocido como uno de los tesoros culturales de Estados Unidos, el Ballet Hispánico celebra esa diáspora hispana polifacética, a través de creaciones de danza contemporánea involucradas con la cultura de América latina. La compañía fundada en la ciudad de Nueva York por Tina Ramírez en 1970 tuvo como objetivo no sólo una formación de alto nivel y calidad y propuestas innovadoras, sino también basó sus objetivos el acercamiento a una audiencia amplia y diversa.

Desde que Eduardo Vilaro asumió como director artístico y CEO de la compañía en 2009, ha enfatizado en su repertorio la intersección de las culturas hispanas, con el fin de romper fronteras y estereotipos. Con este objetivo se fueron incorporando al programa de la compañía coreógrafos que se identifican con sus raíces hispanas y las temáticas que subyacen en los diferentes países.

El programa del 5 de octubre estará integrado por “Sombrerísimo” de Annabelle López Ochoa, inspirado en el mundo surrealista del pintor belga René Magritte; “Buscando a Juan”, de Eduardo Vilaro, inspirado en la vida de Juan de Pareja, el pintor afro-hispánico que fue esclavizado en el estudio del pintor español Diego Velázquez durante más de dos décadas antes de convertirse en artista por derecho propio. Otra de las obras que forman parte del repertorio es “Club Havana”, de Pedro Ruiz, consiste en un recorrido a través de la cultura cubana clásica donde se mezclan ritmos de conga, rumba, mambo y cha-cha-chá.

Como compañía en residencia de George Mason University, el Ballet Hispánico se involucrará con los estudiantes de la universidad y de la comunidad local a través de una variedad de clases, charlas y talleres interactivos en los días previos a la actuación de la compañía.

Lanzado durante la temporada 2019-20 a través del George Mason College of Visual and Performing Arts, el programa de residencia promueve el contacto entre las comunidades dentro y fuera del campus con los artistas que se presentan en el Center for the Arts y su sede hermana, el Hylton Performing Arts Center.

Un recorrido a través de la cultura cubana clásica, llega al Center for the Arts de GMU, con “Club Havana”, de Pedro Ruiz. Foto: Erin Baiano. gentileza GMU.

Programas en residencia abiertos al público:

Excursión: Ballet Hispánico
Viernes 4 de octubre a las 11 a.m.
GMU Center for the Arts (4373 Mason Pond Drive, Fairfax, VA 22030) Gracits. Se requiere inscripción.
En forma conjunta con la serie de Great Performances at Mason, el Centro facilita a grupos escolares o comunitarios a una “excursión” presencial que cosiste en una introducción a la danza, al teatro y a la música de todo el mundo.
La fecha límite de inscripción es el viernes 27 de septiembre.

Artistas en conversación: Taller de Danza Social Latina con el Ballet Hispánico
Viernes, 4 de octubre a las 7 p.m.
Stacy C. Sherwood Community Center (3740 Blenheim Boulevard, Fairfax, VA 22030) Gratis. Se requiere registro.
Este evento del Mes de la Herencia Hispana celebra las crecientes y multifacéticas diásporas hispanas, presentando un taller de danza social interactivo dirigido por la compañía. Salsa, merengue, cha cha y más.
Presentado en conjunto entre la ciudad de Fairfax y el GMU Centre for the Arts.

Actividades exclusivas para la universidad:

Martes 1 de octubre a las 9 a.m.
El Ballet Hispánico y el director artístico Eduardo Vilaro visitarán virtualmente la clase “Introducción a la Historia de América Latina” impartida por la profesora asociada Joan Bristol del departamento de Estudios Latinoamericanos de George Mason. Vilaro presentará a los estudiantes temas que incluyen la historia del Ballet Hispánico y de qué manera la necesidad de visibilidad de la esta comunidad fomentó una rica innovación basada en la intersección de las diásporas latinas, el comercio transatlántico de esclavos, y el legado del movimiento a lo largo de la historia. A su vez, presentará la influencia de la danza latina en la cultura y en la danza moderna en Estados Unidos.

Miércoles 2 de octubre a las 10:30 a.m.
El Ballet Hispánico ofrecerá una clase magistral sobre repertorio moderno a estudiantes de la Escuela de Danza de la GMU.

Miércoles 2 de octubre a la 1 p.m.
La compañía dará una clase magistral sobre repertorio moderno a estudiantes de las escuelas secundarias locales en la Academia Fairfax.

Jueves 3 de octubre a la 1:30 p.m.

Eduardo Vilaro, se unirá a la clase virtual “Introducción a la Gestión de Artes” impartida por el profesor Sam Sinagra del programa de Gestión de Artes de la universidad. Vilaro hablará sobre la misión de la compañía al crear programas e iniciativas de divulgación.

Jueves 3 de octubre a las 6:30 p.m.
El Ballet Hispánico liderará un taller de danza social latina y una fiesta comunitaria, organizada por la Asociación de Estudiantes Latinos y Mason Dining en el Southside Dining Hall. Este evento está abierto a estudiantes, profesores y personal de George Mason.

Viernes 4 de octubre a la 1 p.m.
El Ballet Hispánico ofrecerá un taller de danza a participantes de la Academia de Artes Comunitarias de GMU.

Sábado 5 de octubre a las 8 p.m.
Habrá una charla previa a la actuación con el director artístico Eduardo Vilaro, moderada por el profesor de la Escuela de Danza de George Mason, Lawrence Jackson, que se realizará 45 minutos antes de la función en el Monson Grand Tie.

Este programa de residencia de GMU está apoyado en parte por el Fondo Wendy Frieman y David Johnson.

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Estreno absoluto de “Lucile”, de Johan Kobborg, con Viengsay Valdés y Ányelo Montero en los protagónicos. Foto: Maryla Sarduy. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), patrimonio cultural de la nación, a pocos días del retorno a la mayor de las Antillas después de una extenuante gira por tierras portuguesas y españolas, sorprendió a su audiencia nacional con una creación foránea “Lucile”, realizada especialmente para la compañía por el coreógrafo danés Johan Kobborg. En este recorrido holístico de una cartelera diversa e inclusiva, la compañía llevó a escena obras de su repertorio activo, recientes estrenos, y la reposición del ballet en un acto “Celeste” (2014), de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa.

Personalmente invitado por la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, para la realización de una obra para su compañía, el primer bailarín danés Johan Kobborg obtuvo el auspicio de una entusiasta asociación inglesa, la British Friends of the National Ballet of Cuba. Un apoyo que sirvió para celebrar dos décadas de una colaboración que “ha propiciado la incorporación de obras de coreógrafos de fama mundial al repertorio de la compañía” cubana. Todo comenzó en 2004, cuando los British Friends crearon, junto con entidades estatales cubanas, un pequeño salón de clases y ensayos que Alicia Alonso decidió nombrar “Anton Dolin”, el notable bailarín y coreógrafo inglés que bailó con ella su primera Giselle.

El estreno absoluto de “Lucile”, de Kobborg, aconteció el 6 de julio en la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba (a teatro lleno en cada función), con la propia Viengsay Valdés en el rol protagonista.

Completó el cartel “Celeste”, una obra también favorecida con la participación logística de los British Friends del BNC en 2014, con música en vivo de P. I. Tchaikovsky, creada para un cuerpo de baile de diez juveniles chicos y tres parejas mixtas de primeros bailarines y solistas. En esta pieza la motivación coreográfica emergió cuando López-Ochoa escuchó el “Concierto en Re mayor para violín y orquesta” del compositor ruso, y empezó a soñar con “Celeste”, una estrella “que brilla moldeada en las frágiles siluetas de tres bailarinas que danzan en un cielo oscurecido por la noche, representado por las viriles figuras de la decena de portentosos bailarines”.

El éxodo de bailarines ocurrido en los últimos años se manifiesta aquí con evidencia; un 20% de los danzantes en la premier han sido remplazados con los más jóvenes egresados de la Escuela Nacional de ballet. La bisoñez de estos talentosos prospectos de profesionales -algunos con sorprendentes demostraciones técnicas-, fue conducida hacia un futuro promisorio por un equipo de maitres y profesores poseedores de los saberes necesarios para conseguir la excelencia.

Después de “Celeste”, la colaboración con los British Friends permitió otras creaciones con mayor o menor éxito. Vino “Oscurio” en 2016, también de López Ochoa; “Próspera” de Cathy Marston en 2018; “La hora novena”, de Gemma Bond en 2022, y el estreno en Cuba de la espléndida bethoveniana “Séptima Sinfonía” en 2021, del malogrado Uwe Scholz.

El BNC repuso “Celeste” (2014), de la coreógrafa Annabelle López-Ochoa. Foto: Maryla Sarduy. Gentileza BNC.

Sobre Lucile, la otra bailarina danesa

La anunciada “Lucile”, con coreografía de Kobborg, 51 años, ocurrió tras una breve pausa, cuando todavía la audiencia no podía recuperarse de la brillante escritura abstracta con reminiscencias balanchinianas de “Celeste”. Una obra que transita por los entresijos de una comedia dramática bailada sobre músicas de Jules Massenet -nada de su partitura para la ópera “Manon”-, arregladas por el compositor Gavin Sutherland, a partir de las Suites Orquestales.

La idea de hacer “Lucile”, revela el propio Kobborg, le surgió en la década de 1990, cuando todavía era bailarín del Ballet Real Danés y durante una larga rehabilitación de una grave lesión en la espalda, sin la certeza de volver a la escena y se cuestionaba su futuro en el ballet. Felizmente pudo retornar a las tablas -recientemente ya como primer bailarín bailó con su esposa la afamada Alina Cojocaru-, en una pieza homenaje a Federico Fellini, “La Strada”.

Motivado por “La sílfide” de Bournonville, en cuyo ballet debutó como James en 1994, decidió llamar su creación “Lucile”, en honor a la célebre bailarina danesa Lucile Grahn (1819-1907), la primera Sílfide de Bournonville devenida en icono mundial de la Era Romántica del ballet.

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Dandara Veiga y Chris Bloom (Ctr.) y bailarines del Ballet Hispánico en una escena de “Doña Perón” de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

Para algunos fue la “Santa”, el hada que llegaba a repartir juguetes, comida e ilusiones. Para otros, fue una especie de “lacra” social cargada de ambiciones y resentimientos. Lo cierto es que Eva Perón, aún hoy, a 70 años de su muerte, sigue siendo venerada, recordada y adorada, y también, sigue siendo el disparador de piezas de literatura, comedias musicales, obras de teatro y de danza.

Annabelle López Ochoa, la coreógrafa belga-colombiana se dejó atrapar por la fascinante personalidad de esta mujer de origen humilde, hija ilegítima de un comerciante adinerado, que llegó a ser la primera dama de la Nación Argentina. Su obra, “Doña Perón”, que el Ballet Hispánico, dirigido Eduardo Vilaro, estrenó en Washington el 30 de noviembre y que seguirá en cartel hasta el 3 de diciembre, muestra la vida de esta mujer declarada oficialmente jefa spiritual de la Nación en 1952, poco después de su muerte.

Actriz de cine y radioteatro, Eva Perón, en su adolescencia, emigró de un pequeño pueblo hacia Buenos Aires, la capital del país. Pero fue a partir de su encuentro con Juan Domingo Perón, entonces secretario de Trabajo y Previsión de una de las tantas dictaduras que hubo en el país, cuando comenzó su militancia política. Desde esa trinchera luchó por el voto femenino y se convirtió en el adalid de la justicia social. Cada una de estas facetas cautivaron a López Ochoa para construir una obra que se mueve entre la danza contemporánea y la danza-teatro, donde confluyen influencias de escuelas europeas y una impronta latina insoslayable.

“Doña Perón” tuvo su estreno mundial los primeros días de abril en Nueva York, en el Festival de Danza del City Center, y luego en octubre, subió a escena en Ottowa, Canadá. Es la primera obra de larga duración que la coreógrafa crea para el Ballet Hispánico. Y en esta biografía coreográfica cargada de simbolismos, encuentra una particular poética. A partir de un lenguaje abstracto, logra establecer una secuencia que recorre el ascenso de Eva Perón hasta la cumbre del poder y su trágica muerte a los 33 años en 1952. López Ochoa muestra a esa Eva de las mil caras, sus contradicciones, sus fantasmas, sus vergüenzas y sus deseos de acceder a una clase social aristocrática que siempre la rechazó.

La coreógrafa transita por pas de deux absolutamente neoclásicos hasta escenas grupales donde lo contemporáneo se refuerza con acciones teatrales. En algunos cuadros, la incorporación de la voz y la percusión a través de golpes en el piso o del simple sonido de los cuerpos que se desplazan y se tocan, delimitan escenas y estructuran situaciones dramáticas.

“Doña Perón” interpretada por Dandara Veiga tuvo su estreno mundial en Nueva York, en el Festival de Danza del City Center. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

En sus dúos con la Eva niña, interpretada con excelencia por Nina Basu, la Eva ascendente o la Eva poderosa, establecen una suerte de duelo con su propia conciencia. Dandara Veiga, en su rol de Eva, compone un personaje que, si bien no tiene ningún parecido físico con Eva Perón, apuntala símbolos esenciales de la trama. Junto a ella, Chris Bloom, un bailarín sólido y de buena técnica, encarna a Juan Domingo Perón.

El Ballet Hispánico, que en estos 50 años se ha convertido en una de las compañías más reconocidas del país, posee un grupo de bailarines impecables, capaces de transitar las honduras de la danza teatro y sumergirse en las vetas contemporáneas y neoclásicas con absoluta plasticidad. La fuerza del grupo crece a medida que transcurre la obra, y la calidad de su danza es, en gran parte, uno de los mayores atractivos de la obra.

A ellos se suma la iluminación y diseño de video Christopher Ash que permite que la imaginación del espectador se dispare y haga su propio trabajo. De esta forma va recreando espacios que inducen a descubrir momentos históricos como el encarcelamiento y liberación de Perón el 17 de octubre o el día del renunciamiento de Eva. Imágenes proyectadas en movimiento y la voz en off de Eva Perón estremecen y ponen ese toque testimonial imprescindible en una obra de esta naturaleza.
Por su parte, el vestuario de Mark Eric tiene una notable cuota de osadía. No solo por el colorido y los contrastes que delimitan a su vez las clases sociales, sino también por un dinamismo que permite que los bailarines se cambien en escena como parte de la acción coreográfica.

En esta partidura de Peter Salem, la fusión entre el tango y algunos elementos del folclore argentino, también se acoplan a esta narrativa. Y ese sutil y a veces imperceptible bandoneón del reconocido Héctor Del Curto, convierte a la obra en un todo integrado como un delicado mecanismo de relojería.

Uno de los grandes aciertos de López Ochoa es no haber caído en el cliché. Si alguien pretende ver en la obra el retrato de Eva Perón tal como se la conoce en la historia, en el cine o en los musicales, no la encontrará. En “Doña Perón” Eva es una percepción, un concepto que se plasma en gestos y movimientos dentro de una trama que tiene mucho de surrealismo, como lo es la vida misma.

Bailarines del Ballet Hispánico en “Doña Perón”, de Annabelle Lopez Ochoa, obra estrenada en el Kennedy Center. Foto: Teresa Wood. Gentileza: JFKC.

Annabelle López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza y fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Fotos gentileza BH y JFKC.

“No es un personaje de cuento, no es un personaje literario. Es una mujer real”, dijo Annabelle López Ochoa sobre su nueva heroína, Eva Perón. Sin embargo, esta afirmación podría aplicarse también para ella misma. Una mujer nacida en Colombia, hija de padre colombiano y madre belga, que creció en Bruselas y que a los 11 años hizo su primera coreografía. Desde ese entonces supo cuál era su objetivo. Su historia podría convertirse en la de un personaje literario, con sus contradicciones, sus ideales y esa la fortaleza que le permitió ser en una de las coreógrafas más reconocidas en el mundo de la danza actual.

Esta vez, Annabelle López Ochoa llega al Kennedy Center de Washington DC con “Doña Perón”. La obra, que se presenta del 30 de noviembre al 3 de diciembre, forma parte de las celebraciones de los 50 años del Ballet Hispánico, dirigido desde 2009 por el cubano Eduardo Vilaro. Producto de una larga investigación, “Doña Perón”, es una suerte de retrato biográfico de la vida de Eva Perón: su labor como activista y como defensora de las mujeres y de la clase trabajadora de la Argentina.

López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza del mundo, en incursionó en el teatro, la ópera y el teatro musical, así como en piezas conceptuales cortas, largometrajes narrativos y películas de danza. Formada en la Royal Ballet School de Amberes, en 2003 fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Durante la pandemia de 2020, López Ochoa fue pionera en la coreografía a distancia y en las creaciones de películas de danza estrenadas en línea.

Hasta hoy, es una de las pocas coreógrafas que se ha destacado en el ballet narrativo con obras como “Botero” (2021- Ballet Metropolitano de Medellín, Colombia), “Frida” (2020 – Ballet Nacional de Holanda), “El Principito” (2019 – BalletX), “Caperucita Roja” (2017- Ballet Black) y “Un tranvía llamado deseo” (2012 – Scottish Ballet), entre otras. Esta vez, López Ochoa, hace su primera presentación con el Ballet Hispánico con esta obra que cuenta con música en vivo de Peter Salem.

Danzahoy: ¿Qué aspectos de Eva Perón fueron los que llamaron más su atención? 

Annabelle López Ochoa: Me atraen los personajes complejos. Acababa de hacer “Frida” y me interesaba hablar de una mujer real, de sus luchas y de aquello que no entendemos en relación con sus elecciones. Indagué en su vida como una investigadora en busca de las fuentes. Y encontré que hay muy poco sobre su pasado porque ella nunca estuvo orgullosa de él. Por el contrario, estaba avergonzada porque la gente en la Argentina la juzgaba por venir de clase baja. Por eso pensé que era un tema interesante. Por otra parte, “Evita” fue el primer musical que vi cuando tenía 20 años.

“Doña Perón”, una pieza sobre Eva Perón con coreografía de Annabelle López Ochoa y música de Peter Salem. Fotos gentileza BH y JFKC.

D: ¿Y después de esa investigación, desde qué perspectiva puede observar el musical?

ALO: Volví a ver el musical y, por supuesto, está lleno de inexactitudes, porque ella nunca se reunió con el Che Guevara, por ejemplo. Fue solo un recurso teatral. Pero lo que me interesó es que es una mujer, una latina en el mundo de las latinas, y quiero retratar y arrojar luz sobre estas personas. Ella fue la primera mujer que le dio voz a la gente que nunca tuvo voz en la política y por eso se hizo realmente famosa. Por otra parte, un sector de la población la rechazaba, aun siendo la primera dama, debido a su pasado oscuro. Y luego, la historia de amor: conoció al hombre de su vida y lo disfrutó durante siete años.

D: La historia de Eva Perón es apasionante y propone varias ópticas desde donde abordarla. ¿Cuál es la suya?

ALO: Tenemos tres o cuatro hilos en los que tratamos de construir un retrato de esta mujer para tratar de entender cómo su vida cambió desde el momento en que llegó al poder. Ella quería romper con esta brecha entre ricos y pobres que genera la política. Por eso intentamos buscar la poesía desde lo visual y el movimiento y utilizamos imágenes para simbolizar diferentes aspectos de su vida. Pero lo que no quisimos es hacer un documental.

D: ¿Cómo es el proceso de contar a través de la danza la vida real de estos personajes con los que ha estado trabajando a lo largo de estos años?

ALO: Siempre trato de encontrar la poesía para contar una historia o una situación sin que sea demasiado anecdótico. Busco descubrir la energía de esa sección de vida que vamos a contar. Y creo que el poder de las artes visuales es que no necesitas palabras. Es encontrar imágenes, situaciones y contarlas coreográficamente. Para mí, tomar estas mujeres es también saber que he crecido, porque para todos nosotros el mundo de la danza ha estado signado por las heroínas del “Lago de los cisnes” donde por excelencia muestran mujeres frágiles. Yo quería mostrar a las mujeres fuertes que lucharon y ganaron una posición en el mundo, por lo que creían y por cómo eran. La próxima obra que estoy trabajando es la vida de Coco Chanel que, si bien no es trágica, es una mujer muy fuerte que también tuvo que luchar para llegar. Y la próxima, que se estrenará en Chile es María Callas. Y me gustaría poder darles la perspectiva de una mujer sobre otra mujer. Porque no hay muchas coreógrafas que hagan ballets completos.

D: Siendo mitad colombiana y mitad belga, ¿cómo pesan en usted ambas culturas cuando tiene que crear estos personajes?

ALO: Lo interesante de esta fusión de dos culturas es que vi a mis padres chocar y discutir por esa diferencia cultural. Y cuando voy a otros países puedo reconocer y comprender las diferencias. Cuando era niña mis padres vivían en Colombia y luego, por trabajo, mi padre volvió a Bélgica. Mi hermano nació en Bogotá, y cuando mi madre estaba embarazada -que en esa época no se podía saber el sexo hasta que el bebé nacía-, y ella le dijo a mi padre que si era una niña nos quedábamos en Bélgica y si era un niño volvíamos a Colombia. Eso realmente definió lo que mi madre sentía sobre América Latina. Conocía exactamente la posición de las mujeres allí y lo que quería para su hija. Yo crecí sabiendo que ser una mujer en esos países significa que tienes que luchar contra un cierto machismo y eso hace que las mujeres sean muy fuertes. En mi caso, como crecí en Bélgica, no tuve que luchar así porque se me dieron oportunidades y no he tenido que estar peleando permanentemente para demostrar que lo que valgo y lo que me merezco.

D: ¿Y en el mundo de la danza se evidencian también esos prejuicios?

ALO: Si bien ahora las cosas están cambiando, también existen. Cuando en el mundo de la danza aparece un joven coreógrafo, ven el potencial y le dan la oportunidad de crecimiento. En cambio, para las coreógrafas, cuando empecé, la opción era: o fallabas o eras buena. Y las críticas, cuando eran negativas, eran siempre muy negativas. De alguna manera es eso lo que me hace experimentar lo que era para las mujeres en América Latina luchar por sus creencias y por lo que quieren dar al mundo.

D: ¿Por qué el encuentro con Eduardo Vilaro en 2009 marcó un antes y un después en su identidad como coreógrafa?

ALO: Estoy muy agradecida a Eduardo porque no solo me ayudó como coreógrafa sino también como ser humano. Me ayudó a aceptar quien soy. Es un punto de vista muy interesante. Creo que pasa con mucha gente que, después de un tiempo, cuando pueden reconocer alguna parte “negada” de su familia, como fue mi caso con mis raíces latinas, después se convierte en una especie de herramienta para ser más fuerte. Y siento que con esa aceptación he ganado. Y estoy muy orgullosa de mi lado latino. En los años ’70, en Bruselas, donde crecí, no había muchos niños mestizos, y cuando caminaba por la calle con mi madre, pensaban que era adoptada. En cambio, ahora, todos estamos mezclados, y esa es la belleza. Así es como la humanidad avanza y nos hacemos más fuertes. La naturaleza es muy inteligente.

Para el Ballet Hispánico, la incorporación de “Doña Perón” de Annabelle López Ochoa en su repertorio marca un nuevo desafío: se atreve a retratar a una de las mujeres más reconocidas y controvertidas de la historia argentina en un ballet de larga duración que a su vez marca el debut de la coreógrafa con esta compañía.

La coreógrafa Annabelle López Ochoa en un ensayo de “Doña Perón” con el Ballet Hispánico. Fotos gentileza BH y JFKC.

Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí.  Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

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El director de DCC, Miguel Iglesias, forma intérpretes con piel “camaleónica” y un entrenamiento específico. Foto gentileza CHRP.

Viene de: Parte I y Parte II

El proceso de montaje 

Mi primera coreografía con DCC, Cénit, es un trío de nueve minutos. Se trata, por tanto, de una pieza de corta duración y pequeño formato distinta de las obras corales de mediana o larga duración que últimamente suele presentar la Compañía.

La decisión de crear algo así no estaba basada en un capricho sino en una exploración personal. Yo sentía interés por sacar a los bailarines de su zona de confort enfrentándolos a una serie de movimientos en los que los extremos de sus cuerpos fueran esenciales, los músculos no estuviesen en una tensión que bloqueara las articulaciones, y la sensualidad se imbricara con la agilidad y la precisión. Pretendía encontrar en ellos, en mí, y en esta propuesta una cubanidad -otra-. Y la hallé. (LDA)

Es sin dudas en los procesos creativos donde evidencio el encuentro de identidades entre bailarín y coreógrafo. Creo que la selección de coreógrafos y piezas que forman el repertorio de DCC define el estilo de la Compañía y permite comprender su desarrollo y el de los bailarines que la han integrado. Mencionaré algunos ejemplos recientes: Comienzo por el montaje de “La consagración de la primavera” de los franceses Christophe Béranger y Jonathan Pranlas-Descours, creadores que, aunque propusieron una sólida estructura coreográfica basada en la técnica neoclásica y el riguroso conteo musical de la obra de Stravinski; se mostraron muy interesados en aprovechar elementos danzarios cubanos de raíz folclórica.

Billy Cowie, creador británico de Tangos cubanos y Danzas de amor que se fue; reconocido por crear coreografíascomo el más sublime de los escritores construye sus poemas, utilizó movimientos cadenciosos, aletargados, imperceptibles y refinados creados por él. Billy llegaba a los salones con la pieza estructurada. Cada detalle corporal, escenográfico, musical, él lo tenía resuelto de antemano. No había espacio para que el bailarín hiciera una propuesta;sin embargo, me atrevo a afirmar que este coreógrafo interactuó y aprovechó de modo único la cultura, el sarcasmo, el humor y el sentido festivo y nostálgico de mi ciudad.

Theo Clinkard, otro coreógrafo británico, creó The listening room en directa colaboración e intercambio con los bailarines. A Theo le apasionaba discursar sobre la vida, y mediante The Listening Room se propuso acentuar el componente individual y diverso de cada bailarín. Por ello proyectó desde la escena una suerte de vínculo entre el cuerpo cubano y una sólida estructura conceptual europea. Theo, en resumen, vistió elegantemente los cuerpos cubanos con una perspectiva inglesa.

He mencionado a tres coreógrafos internacionales elegidos al azar. Podría añadir mis experiencias de trabajo conAngels Margarit, Jan Linkens, Itzik Galili, Fleur Darkin, Annabelle López Ochoa; sin embrago, no puedo restarle espacio a los coreógrafos nacionales quienes son los mayores responsables de producir, promover y sostener la danza cubana actual y la identidad de DCC. Me refiero a George Céspedes, Julio César Iglesias y Laura Domingo. 

De George Céspedes reconozco que ha permanecido en mí el hábito de desborde corporal, de fisicalidad al límite ligado con la obsesión de profundizar en la memoria de la historia cubana y en temas de identidad, resistencia y transformación. Julio César me ha permitido siempre una maravillosa oportunidad para sumergirme en la confusión, lo irracional, lo indomable, lo absurdo. Julio posee gran influencia alemana y en sus piezas suele generar escenas que relatan micro-mundos con temáticas cotidianas y universales.

Trabajar con Laura Domingo ha sido todo un desafío, una reconfiguración corporal. ¿Cómo demostrar fragilidad desde una técnica específica y exigente?; ¿cómo discursar sobre lo más sublime de la existencia en circunstancias donde mi cuerpo se siente expuesto? Durante el trabajo con ella hice conciencia de la limpieza e importancia de misextremidades por vez primera. (CHRP)

Una cuestión de identidad 

A modo de balance general creo que el mayor acierto de DCC ha sido no convertirse en una compañía de autor y, en vez de eso, arriesgarse a la apertura no sólo de creadores extranjeros, sino, y sobre todo, de cubanos. Esto le ha permitido generar la identidad con perfiles definidos y a la vez contrastantes que la prestigia convirtiéndola en un caso único. Es por eso que, si decidiera reducir su abanico expresivo no sólo se desperfilaría, también dejaría de representar la complejidad coreográfica nacional, y dejaría de representar la complejidad coreográfica nacional en el mundo. (LDA)

El asunto es que el bailarín de DCC es un cuerpo trascendente y versátil que está en constante conciliación, incorporación, préstamos y rompimientos con técnicas, estilos y haceres artísticos. (CHRP)

Y tal identidad nos permite a coreógrafos y bailarines partir siempre de algo concreto, profundo, individual y colectivo, para moldearlo, aprovecharlo, negarlo. (LDA)

La verdad, había olvidado que atesoraba este saber, archivo, memoria que vuelve tan particulares a los artistas cubanos. (CHRP)

Es un valor, y como todo valor o estandarte, pesa y distingue. Y se le debe eterna atención y custodia. (LDA)

Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

“Adagietto”, de John Neumeier, presentado en el Teatro Coliseo por Florencia Chinellato y Matías Oberlin, solistas del Ballet de Hamburgo. Foto: Marc Haegeman. Gentileza Fundación Arte y Cultura.

Quizás porque la vida está hecha de cambios. Quizás porque es necesario partir para después volver. Quizás porque partir es crecer, y crecer no solo significa convertirse en un profesional exitoso, sino también, en un nuevo ser humano. Estos bailarines de la diáspora debieron pasar el dolor del exilio para convertirse en lo que son hoy. Exitosos, reconocidos, sólidos.

“Evolution”, que subió a escena en el Teatro Coliseo el 28 y 29 de julio, y que llega el 1 de agosto al Teatro Círculo de Rosario, es un espectáculo que congregó una diversidad de bailarines argentinos radicados en el exterior. Talentosos, brillantes, transitaron desde el clásico al neoclásico, y del neoclásico al contemporáneo. Una gala dividida por un intervalo y una sucesión de obras cortas y fragmentos de reconocidos ballets, abrió las puertas a estos jóvenes que han sabido encontrar un espacio distinguido en las compañías internacionales. Una realidad que llena de orgullo y que, de alguna manera, reafirma que vale la pena el esfuerzo y la pasión.

Si bien la campaña publicitaria anunciaba a la “etoile” de la Opera de París, Ludmila Pagliero, una lesión impidió que integrara esta gala, pero su ausencia no impidió la calidad. La primera parte comenzó con “Pulsos”, interpretado Los Ballets de Araiz, que se lanzaron con una pieza fresca, dinámica, que recupera elementos del folclore tradicional, los estiliza, los reedita, y explora sonidos, ritmos y formas. El mismo grupo abrió la segunda parte de esta gala con “Canto Jondo”, una coreografía de Oscar Araiz sobre una partitura de Carlos Surinach. Una estilización de diferentes palos del flamenco, reminiscencias ibéricas y moriscas, y un grupo de bailarines absolutamente involucrados con la propuesta artística.

Carolina Agüero, primera bailarina del Ballet de Hamburgo, junto a Thomas Bieszka, solista de la Ópera de Dresden, interpretó el Adagio del segundo acto de “Lago de los Cisnes”. Foto gentileza Fundación Arte y Cultura.

“Remanso”, interpretado por Compañía en Movimiento, pone a un trío de dos bailarines en una disputa de amores contrariados sobre una realización de Analía González. Siguieron luego, Carolina Agüero y Thomas Bieszka, con el Adagio del segundo acto de “Lago de los Cisnes”. Un pas de deux al que le faltó la emoción y la intensidad que requiere este clásico. Si bien ambos bailarines tuvieron un correcto desempeño técnico. Agüero, con bellos brazos, logró momentos interesantes y potentes. Pero fue en la propuesta neoclásica de la segunda parte, “Invisible Grace”, de Yaroslav Ivanenko, donde alcanzaron una mayor comunicación.

“Las Euménides”, otra de las obras que es una suerte de ballet contemporáneo con puntas, que roza el neoclásico, convocó a tres bailarinas argentinas de diferentes compañías: Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón, Julieta Paul del Teatro Argentino de La Plata, y del Ballet del Sur, Carolina Basualdo. Un excelente trabajo de coordinación de este trío que se arriesgó a ritmos mediterráneos con frescura y solidez.

Pero dos de las grandes las estrellas de esta gala fueron Florencia Chinellato y Matías Oberlin, solistas del Ballet de Hamburgo, dirigido por John Neumeier. Intensos y profundos en “Adagietto”, esa bella y conmovedora partitura de Gustav Mahler realizada por Neumeier, y magníficosy apasionados en “La dama de las camelias”, también de Neumeier, con música de Chopin. Tanto en la primera como en la segunda obra, Chinellato hizo gala de su magnífica y delicada técnica. Una bailarina capaz de descubrir sutilezas y de encontrar el refinamiento justo como si tejiera una delicada filigrana, de sólidas piernas y asombrosos brazos. Una absoluta delicia.

Lucas Segovia deslumbró con dos solos, uno de Annabelle López-Ochoa y otro de Bob Fosse. Foto gentileza Fundación Arte y Cultura.

Con acierto, los dos arrolladores solos de Lucas Segovia quedaron para el final. Deslumbrante por su velocidad, su atletismo, su fuerza interpretativa, Segovia es de esos bailarines que puede cubrir con solvencia desde lo clásico a lo contemporáneo. Su enriquecimiento en el Joffrey Ballet mostraron un desborde de talento deslumbrante. El estreno de “Vendetta”, de una de las más renombradas coreógrafa contemporáneas, Annabelle López-Ochoa, trajo una mezcla de danza-jazz, teatro, algunos elementos estilizados del Hip-Hop y danza callejera. Impecable. Y para el cierre, “Percussion 4”, de Bob Fosse. Una obra de una potencia arrasadora, y un bailarín indiscutible, casi imposible de describir con palabras.

Fuera de los convencionales pas de deux tradicionales y obligados de todas las galas, ésta dejó el magnífico sabor de una mirada diferente, pero por sobre todo, marcó el regreso de los hijos pródigos.

Lucas Segovia interpretará dos solos en “Evolution”, una gala que convoca bailarines de diferentes compañías internacionales. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

Inesperada. Sorpresiva. La invitación esperaba en la casilla de “emails”. Mientras, Lucas Segovia, en Nueva York, ensayaba para un gala que, tiempo después, se hizo en Florida en honor de Wendy Whelan, una de las reconocidas bailarinas del New York City Ballet. Al leer el mensaje, y casi sin confesarlo, su corazón dio un vuelco. Hacía 10 años que no bailaba en la Argentina y ahora, el director de Arte y Cultura, Juan Lavanga, le estaba proponiendo una vuelta impensada. Con ansiedad, revisó su agenda. Las fechas coincidían con lo que iban a ser sus únicas vacaciones. Pero no importaba.

La propuesta fue: hacer dos solos de ocho minutos aproximadamente como parte de “Evolution”, un espectáculo de danza y ballet en el que también participarán la Primera Bailarina del Ballet de Hamburgo, Carolina Agüero, Thomas Bieszka, Bailarín solista de la Opera de Dresden, Florencia Chinellato (solista) y Matias Oberlin, del Ballet de Hamburgo. Y junto a ellos, primeras figuras de Ballet del Teatro Colón, Paula Cassano; del Teatro Argentino de La Plata, Julieta Paul; del Ballet del Sur, Carolina Basualdo y de Los Ballet de Araiz. Todos bajo la coordinación artística de Mario Gallizzi.

Desde hace 10 años el argentino Lucas Segovia, es uno de los principales representantes hispanos en el mundo del ballet de los Estados Unidos. Foto gentileza: Fundación Arte y Cultura.

“Evolution” se presentará el 28 y 29 de julio, en el Teatro Coliseo, de Buenos Aires, y el primero de agosto en el Teatro El Círculo de la ciudad de Rosario, Santa Fe. Una propuesta a la que no podía decir que no.
Segovia, llegó por primera vez a los Estados Unidos con la compañía de Julio Bocca, y despertó admiración por su musicalidad y talento. Tiempo después apareció como bailarín principal del Washington Ballet, para luego terminar en el histórico Joffrey Ballet, donde durante muchos años formó parte de la compañía y actualmente es bailarín invitado.

Cuando tuvo que pensar en el repertorio para “Evolution”, Segovia optó por el estreno de “Vendetta”, una obra de la reconocida coreógrafa belga-colombiana, Annabelle López-Ochoa, y por “Percussion 4”, del inolvidable Bob Fosse.

Danzahoy: ¿Cuál fue el criterio para la selección de estos dos solos en tu primera gala en Buenos Aires?
Lucas Segovia: “Vendetta” es una pieza que Annabelle (López-Ochoa) creó para mí y lo hicimos en el Joffrey Ballet. Pero además, no quería llevar coreógrafos muy conocidos, quería algo nuevo. Viajé a Canadá a trabajar con ella en los dos días libres que tuve en las funciones del musical “Oklahoma”. Después, nos encontramos otros cuatro días en Nueva York para pulir detalles. Y el solo de Bob Fosse, que lo había bailado Julio Bocca, era una de las obras que siempre tuve en mente. Si bien fue bastante complicada la logística, porque el contrato es muy estricto y con cláusulas complicadas.

D: ¿Cómo es volver después de 10 años?
L.S.: Siempre lo soñé, pero no me había imaginado que se iba a dar de esta manera. Por un lado, poder presentar en la Argentina obras que realmente amo, como la de Annabelle, que hace un trabajo maravilloso. Y llevar a escena la obra de Bob Fosse, que siempre quise bailar, es increíble. Además, que mi familia, mis amigos, mis profesores puedan estar ahí, y puedan verme, algo que no siempre se da estando fuera del país, es muy emocionante. No siempre se puede coordinar todas estas cosas juntas. Es como si se hubiera dado una intervención divina.

D: ¿Cómo fue tu experiencia de ser el único argentino en una compañía como el Joffrey Ballet?
L.S.: Amo la compañía por toda su tradición, por lo que significa, por lo que hace, pero después de un tiempo, sentí que estaban pesando otros intereses. Y empecé a interesarme en el género del musical. El primero fue “West Side Story”, y luego de esa temporada con este primer musical, tenía que reintegrarme al Joffrey. Pero cuando empezó a picarme “el bicho” del teatro musical, sentí que tenía que tomar distancia y ser simplemente bailarín invitado. No quería estar piediendo permisos permanentemente. Pero la compañía es maravillosa y mi experiencia fue maravillosa. Podía hacer todo el repertorio que quería, pude exponerme a coreógrafos con los que quería trabajar, pude hacer todo lo que quería hacer y en una ciudad que me gusta, con gente que me gusta. Por otra parte, me hace muy feliz vivir en una ciudad como Chicago donde le dan importancia al arte. Sin ir más lejos, en el aeropuerto hay una gigantografía mía, y eso me llena de orgullo, no sólo porque soy yo, sino porque es una forma de representar a la ciudad.

Lucas Segovia y Cara Maria Gary del Joffrey Ballet en una obra de Anabelle Lopez-Ochoa. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

D: ¿Y por qué esta incursión en el teatro musical?
L.S.: Es algo muy diferente. Estuve de gira durante un año con “An American in Paris” y la disciplina mental que uno necesita para hacer estos shows es muy distinta. Hacer ocho shows por semana durante un año es una experiencia especial. Llega un punto en el que no sabés en qué día estás y hay que reservar energía para poder seguir. Creo que esa experiencia tan intensa puso a prueba mi resistencia y fortaleza mental para poder hacerlo. Hay otros shows que me funcionan mejor porque son contratos más cortos.

D: ¿Cómo evaluarías tu crecimiento como profesional desde tu llegada a los Estados Unidos?
L.S.: Me fui de aquí siendo profesional. Me siento feliz de haber bailado en la Argentina, y tuve la suerte de haber estado en el momento y el lugar adecuado con un repertorio bastante amplio. Cuando me mudé a los Estados Unidos tenía sueños. Quería bailar los emblemáticos americanos y trabajar en una compañía que me inspirara. Y esa fue la de Christopher Wheeldon, después fue el Joffrey Ballet que me dio la posibilidad de trabajar con coreógrafos internacionales y de bailar la cantidad de funciones con las que soñaba bailar. Pude recorrer el mundo con el Joffrey, y también hacer otro tipo de proyectos: teatro, tv, cine… Y no puedo hacer un balance porque todavía estoy viviéndolo. Me llena de felicidad decir que éste era el sueño que tenía a los 19 cuando empecé y ahora que tengo 32 lo puedo ver. Estoy en una ciudad y en un país donde al decir que sos bailarín, la gente lo toma con respeto. Me parece fantástico que haya respeto por el trabajo artístico.

D: ¿Y la distancia, los afectos, la soledad?
L. S.: Como persona, uno crece en el deasarraigo, la tristeza de la soledad, y eso influyó en mi carrera artística por lo lejos que estoy de mi familia y de la gente que quiero. Y creo que esta ebullición profesional fue porque tenía siempre en claro lo que quería hacer. No es que en cada función tuve a alguien con quien quería estar, muchas veces he vuelto a casa solo. Me he sentido muy solo y muy triste, pero nunca pensé en dejar todo y volver. Porque soy consciente de la bendición y la suerte que tengo, y no es para tirarla por la ventana. Uno vive en esa tristeza de la soledad, pero aún así sigo eligiendo esto.

“Evolution” – Programa
Por Carolina Agüero y Thomas Bieszka
“Trois Gnossiennes”
Música: Erick Satie
Coreografía: Hans Van Manen
“In The Middle”
Música: Thom Willems
Coreografía: William Forsythe

Por Florencia Chinellato y Matias Oberlin
“Adagietto”
Música: G. Mahler
Coreografía: John Neumeier
“La Dama de las Camelia”
Música: F. Chopin
Coreografía: John Neumeier

Por Lucas Segovia
“Vendetta” (estreno mundial)
Música: Hauschka / Elizabeth Bay
Coreografía: Annabelle López-Ochoa
“Percussion 4” de Bob Fosse
Música: G. Harrell
Presentado con Permiso y Cortesía de The Verdon Fosse Legacy LLC.

Las tres primeras figuras argentinas realizaran la obra “Las Euménides”: Julieta Paul del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón y Carolina Basualdo del Ballet del Sur.
Coreografía: Bernard Courtot de Bouteiller
Música: Dead Can Dance

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El maestro ruso de ballet Azari Plisétski estuvo entre las personalidades invitadas por Alicia Alonso, con la cual bailó como su partenaire varios años de los diez en los que fue miembro invitado del BNC, desde su llegada a Cuba en 1963. Plisétski (descendiente de la famosa familia Messerer), reconoció en un encuentro con la prensa esta etapa de su vida como muy enriquecedora, principalmente por todo lo aprendido con el maestro Fernando Alonso en cuanto a conciliar la carrera de bailarín con la de maestro.

El ballet cubano es un fenómeno, expresó, que todavía le causa asombro y orgullo, porque se siente parte de él. Sin embargo, después de elogiar a los bailarines egresados de la Escuela nacional de ballet, los alertó a cuidar aspectos como la musicalidad, pues observó durante las funciones del festival, a no pocos de ellos “fuera de música” y sin interés en apegarse a ella, “para priorizar el alargamiento de un paso técnico y  ganarse  el aplauso del público”, y agregó: educar al público es también una responsabilidad del artista.

Por su parte, otra de las notables personalidades del mundo de la danza presentes en esta edición 2016 fue la estrella francesa Aurélie Dupont (ahora con 42 años), actual directora del Ballet de L´Opéra de Paris, quien no pudo bailar en La Habana, debido a una lesión sufrida por su partenaire Hervé Moreau. Prometió Dupont que retornaría, con la intención de bailar ante el público cubano. Ella tomó clases, presenció funciones y visitó la Escuela nacional de ballet Fernando Alonso, y sugirió a su directora la ex bailarina Ramona de Sáa la posibilidad de un futuro intercambio con su homóloga de París.

Dupont, en rueda de prensa, confesó una duda: ¿acaso los profesores en esta isla caribeña son muy buenos o es que los cubanos han nacido para bailar? La técnica de la escuela cubana está muy bien considerada en el mundo, apuntó, pero sobre todo en el sector masculino: “en las clases que tomé aquí vi bailarines muy talentosos y dotados”. La temporada del 2017-2018 será su debut como directora artística de la principal compañía de ballet francesa, tras la abrupta renuncia de Benjamin Millepied, con poco más de un año en el cargo.