Shereen Pimentel interpreta a Eva Perón en esta versión de “Evita” de Sammi Cannold. Foto: Emilio Madrid. Gentileza STC.

Un escenario vacío con escaleras de flores que llegan hasta un cielo nocturno. Un vestido blanco suspendido en el aire. Como si ella estuviera allí. Como si desde su inmortalidad todavía controlara los sentimientos y el destino de sus “descamisados”. Y la música, conmovedora y electrizante del gran maestro del musical: Andrew Lloyd Webber.

Todo confluye para que esta pieza, convertida en clásico, vuelva a sacudir al público. Escrita por Tim Rice, cada texto es una joya que sintetiza momentos y situaciones de una historia contada infinidad de veces desde distintas perspectivas y posiciones políticas. Las canciones de Rice reviven sentimientos, impresiones y curiosidades acerca de una mujer que tuvo en sus manos el destino de una nación. Para su concepción, Rice se inspiró en el libro “Evita: The Woman With the Whip” de Mary Main, basado en la vida y muerte de Eva Perón (1919-1952) y su influencia en la historia de Argentina.

“Evita”, el musical, subió al escenario del Harman Hall de Washington DC, y permanecerá hasta el 15 de octubre. Esta nueva producción del American Repertory Theater de Cambridge (Massachusetts), llegó a la ciudad para instalarse en el espacio teatral de la Shakespeare Theatre Company con una visión estética y conceptual diferente a la original de los años ’80.

La dirección de Sammi Cannold hace que los actores caminen por tres carriles diferentes de actuación: la ópera, el teatro y el musical. Y lo logra con acierto. Bajo su batuta, el musical se convierte en propuesta moderna, escalofriante por momentos y, sin duda, conmovedora.

El simbólico vestido de Eva Perón en el Harman Hall. Foto: Emilio Madrid. Gentileza STC.

Eva Perón ya no es ni santa ni demonio, es una mujer que sobrevivió a sus propias circunstancias y a su ambición. Esta Eva deja entrever cierta vulnerabilidad, hace frente a la crueldad de una sociedad que castiga inexorablemente y recurre a la astucia y a su fuerza interior para sobrevivir.

Para lograr este impacto sobre el personaje y su historia, Cannold optó por una actriz-cantante intensa como Shereen Pimentel. La potencia arrolladora de su voz y su actuación recrean una nueva Eva Perón. Su mirada es aguda, tan aguda que se percibe desde la platea. Pimentel transmite emociones diversas no solo con su vos. Su gestualidad corporal va mostrando un personaje absolutamente creíble que desde su interior saca a la luz sentimientos y sensaciones. Su voz de soprano suena con intensidad y, a su vez, describe ese personaje con delicadeza y cuidado.

Este musical adquiere un perfil más simbólico que político. Su trama se ocupa de desdibujar la imagen del Che Guevara para convertirlo en “Che”, a secas, narrador/observador ajeno al estereotipo. En este caso, Cannold opta por una versión más despojada del revolucionario, y lo convierte en testigo presencial del fenómeno peronista, de los entretelones del poder político y del drama de la temprana muerte de Eva, a los 33 años, a causa de un cáncer.

Cannold, supo elegir con acierto el elenco, pero también a los diseñadores. Cada uno de ellos ha realizado un magnífico trabajo para que este musical se vea compacto y sin fisuras. Jason Sherwood (escenografía), Bradley King (luces), Alejo Vietti (vestuario) y Connor Wang (sonido) componen escenas que van marcando climas y situaciones a la perfección.

La escenografía de Sherwood propone una perspectiva diferente. Casi como la antítesis de la primera versión figurativa de Lloyd Weber-Rice, aquí, en pleno siglo XXI, esos escenarios adquieren un carácter más abstracto para describir los espacios de la década del 40 y el 50 en la que transcurre la historia.

La trama del musical pone en el camino dos personajes que en la realidad jugaron roles importantes en la vida de Eva Perón, Agustín Magaldi (Gabriel Burrafato) y Juan Perón (César Samayoa), a quienes se acopla la figura, en este caso, desdibujada del “Che” (Omar López-Cepero). Cada uno en su rol realiza un trabajo acertado y se acoplan a la protagonista con sobrada fluidez.

La coreografía de Emily Maltby y Valeria Solomonoff, se aparta de los estereotipos utilizados por los musicales tradicionales y busca un lenguaje que describe desde lo corporal aquella capital cosmopolita que fue Argentina. Una fusión de contemporáneo, jazz, tango y danza-teatro van delineando la trama de este musical que describe a una de las mujeres más emblemáticas de la historia.

Y ese vestido blanco suspendido en el aire se queda pegado en los ojos del espectador como si ella estuviera allí. Como si nunca hubiera muerto. Como si volviera.

César Samayoa, como Juan D. Perón, y Shereen Pimentel en “Evita”, el musical de Andrew Lloyd Webber-Tim Rice. Foto: Emilio Madrid. Gentileza STC.

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La joven soprano Shereen Pimentel es Eva Perón en la versión que presenta Shakespeare Theatre Company en el Harman Hall de Washington DC. Foto: Producción NSSPRINT. Gentileza STC.

Desde su estreno en 1978 ya han pasado 45 años y “Evita”, la ópera rock con música de Andrew Lloyd Webber y letra de Tim Rice, sigue vigente. Tan vigente como Eva Perón. Y más allá de las opiniones políticas encontradas, la vida de esta mujer ha quedado en la historia como un emblema.

Una nueva versión de este musical con coproducción de Shakespeare Theatre Company y American Repertory Theater, se presenta en Washington DC desde el 5 de septiembre al 15 de octubre en el Harman Hall. Dirigida por Sammi Cannold, tiene como protagonista a una de las voces jóvenes más reconocidas de los últimos años, Shereen Pimentel.

La soprano, descendiente de puertorriqueños y jamaiquinos, creció en Nueva Jersey, y tuvo su debut en Broadway a los 9 años como la joven Nala en “El Rey León”. Un rol que soñó hacer desde pequeña, hasta que un día llegó la esperada noticia y el sueño, al igual que en las películas, se hizo realidad.

Cuando apenas tenía 3 años, sus padres la apuntaron en clases de baile pensando que el entusiasmo pasaría rápido. Pero un día, cuando decidió no ir al cumpleaños de una amiga porque le coincidía con su clase de danza, su madre se dio cuenta de que no se trataba de un hobby.

Después empezó en la Julliar School. Mientras estudiaba allí, protagonizó a María en la reposición de “West Side Story” en Broadway, y fue galardonada por su excelente interpretación con el premio del Círculo de Críticos a la mejor actriz de musical. Sus créditos en la pantalla incluyen “John Mulaney & the Sack Lunch Bunch” en Netflix.

Hace apenas unos meses Pimentel se convirtió en Eva Perón, un rol cubierto anteriormente por reconocidas cantantes hispanas como Paloma San Basilio y Elena Rogers. “Me siento honrada por ser la protagonista de este show icónico -afirmó Pimentel-. Eva y Argentina me obligan en cierta forma a buscar un punto medio. No quiero tomar partido. Es una pieza controversial, pero creo que incita a abrir la cabeza de la gente sobre la cultura y la política de otros países. Quiero que el público se quede con ganas de investigar, llegue a sus propias conclusiones y tenga su opinión personal sobre la historia, sobre el porqué de las decisiones que tomamos en la vida”.

La trama narra la historia de Eva Perón (1919-1952), una mujer que murió con toda la gloria a los 33 años, que se sobrepuso a la pobreza y al rechazo social para luego convertirse en primera dama y líder espiritual de la Argentina. Admirada por su encanto, su belleza y por su rol determinante en las causas sociales del país. No obstante, el musical ofrece una mirada crítica al personaje. Cuestionada en muchas oportunidades.

“Como no soy Argentina -comentó Pimentel- no tengo una visión completa de la historia del país. Por lo tanto, pensé en Eva Perón como persona. Me focalicé en las circunstancias de su vida y quiero ser lo más honesta posible. Esta versión examina más la parte humana del personaje. Mira los momentos personales”.

Shereen Pimentel -en “Evita”-, debutó en Broadway a los 9 años como Nala en “El Rey León”. Foto: Producción NSSPRINT. Gentileza STC.

Con dirección musical de Mona Seyed-Bolorforosh, escenografía de Jason Sherwood, vestuario de Alejo Vietti, iluminación de Bradley King y coreografía de Emily Maltby y Valeria Solomonoff, “Evita” convoca un elenco en el que se destacan varios talentos hispanos. El personaje de Magaldi lo interpreta Gabriel Burrafato; el Che, Omar López-Cepero y Perón, Caesar Samayoa.

“Evita” tuvo su estreno mundial el 21 de junio de 1978 en el Prince Edward Theatre del West End londinense, donde se representó con gran éxito hasta el 8 de febrero de 1986, con un total de 3.176 funciones. Y en la edición de 1978 de los premios Olivier (entonces conocidos como los Society of West End Theatre Awards), logró llevarse las distinciones al mejor musical nuevo y a la mejor intérprete (Elaine Paige).

Antes de su llegada a Broadway, se representó a modo de prueba en el Dorothy Chandler Pavilion de Los Ángeles y en el Orpheum Theatre de San Francisco. Hasta que finalmente el estreno oficial en Nueva York se hizo el 25 de septiembre de 1979 en el Broadway Theatre. Ese año recibió 11 nominaciones a los premios Tony y se quedó con siete estatuillas, algunas de ellas en los rubros principales. Un año después, Madrid fue el foco de atención del musical cantado en español, que tuvo un éxito sin precedentes y fue la consagración definitiva de la carrera de Paloma San Basilio.

En 1996 el musical llegó al cine bajo la dirección de Alan Parker, con Madonna, Antonio Banderas y Jonathan Pryce en los roles protagónicos. Su filmación, que se hizo, en parte en Buenos Aires, generó enormes controversias y rechazos.

“Lo que más me ha llamado la atención es la polarización extrema que generó el personaje de Eva Perón. Y también, la edad que tenía cuando todas esas cosas le pasaron. Era muy joven. De hecho, murió a los 33 años de cáncer. Es admirable cómo cuando llegó a ser presidenta la gente la apoyó de manera incondicional mientras otros la rechazaban absolutamente. Algunos piensan que fue una santa y otros no la aceptaban ni la aceptan hoy”.

Tal como sucedió en el ámbito político en el que siempre hubo peronistas y antiperonistas acérrimos, el musical, pese a las críticas demoledoras de los primeros años, fue un éxito de público. Y aun hoy “Evita” sigue siendo un musical insoslayable.

“Cats”, uno de los clásicos del género musical se presenta en el Kennedy Center de DC, Dan Hoy protagoniza a Munkustrap. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

En la oscuridad de la noche, bajo la luz de una inmensa luna llena, los jélicos se reúnen en su celebración nocturna con la convicción de renacer más allá del Edén sideral. Sus ojos se encienden, destellan, buscan, envuelven y explotan en una diversidad de colores y voces. Los gatos invaden la escena y los pasillos del Opera House del Kennedy Center de DC y con hechicero misterio “Cats” vuelve a renacer con la misma intensidad con la que conquistó el mundo hace más de 40 años, y seguirá su ritual, allí, frente al río Potomac, hasta el 6 de octubre.

Cuando se estrenó por primera vez, en 1981, era casi impensable que un musical sin argumento y basado en poemas pudiera tener éxito. Pero “Cats”, esa creación de Andrew Lloyd Webber, basada en los textos de “El libro del viejo Possum sobre los gatos prácticos” de Thomas Stern Eliot que tanto lo fascinaron en su infancia, rompió todas las predicciones posibles y se convirtió en un clásico insoslayable.

Más allá del paso del tiempo, “Cats” es un inimputable. Los poemas de T.S. Eliot son una recopilación de las cartas que el “viejo Possum -así llamaban a Eliot- enviaba a sus amigos y nietos. Cada poema hace referencia a un tipo de gato y es a su vez una sátira sobre los dueños de los gatos y de la sociedad en la que viven. No obstante, “Memory” y “The Moments of Happiness”, se insertaron en la trama a través de Trevor Nunn, director del musical. La primera, a partir de otro poema de Eliot, “Rhapsody on a Windy Night”, y la segunda, pertenece a un poema extraído del libro “Four Quartets”, también de Eliot.

Este musical, que dispara directamente al corazón, que conmueve, que trasciende lo convencional, fue el primero en el que Lloyd Webber compuso su música sobre un texto ya escrito. Por su parte, Nunn, debió encontrar una línea narrativa que convirtiera la obra en un entramado particular que gira en torno a la tribu de los gatos jélicos -nombre inventado por Eliot- que se reúnen y deciden cuál de ellos renacerá en una nueva existencia.

Keri René Fuller interpreta el rol de Grizabella en esta reposición de 2016 de “Cats”. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Con una coreografía de alta exigencia técnica y una clara visión grupal, Andy Blankenbuehler, sobre la base de la coreografía original creada por Gillian Lynne, hizo un delicado trabajo con los bailarines-cantantes utilizando elementos de danza-jazz y contemporánea. Impecable despliegue corporal y gestual en el que cuesta mucho pensar que se trata de “humanos” y no de verdaderos gatos.

La gata blanca, Victoria, asumida por Caitlin Bond, muestra en sus solos un sobrado dominio clásico con sus giros y desplazamientos. Mientras, Dan Hoy aporta los matices de su voz al protagonizar al líder de los jélicos, Munkustrap. Pero sin duda, el personaje clave de este musical, Grizabella, compuesto de una manera conmovedora por Keri René Fuller, llega a su punto de mayor emoción en “Memory”. Casi de una manera indescriptible, su voz se interna en lo más profundo del alma y estalla.

“Cats” debutó en el West End en Londres, y un año después llegó a Broadway. La producción original se representó durante veintiún años seguidos, y la neoyorquina, permaneció en cartel dieciocho, un récord entre los musicales. Desde 2016, “Cats” volvió a Broadway, y salió de gira por distintas ciudades de los Estados Unidos, con algunas escenas reestructuradas y ligeros cambios de la puesta original.

El magnífico diseño escénico y de vestuario de John Napier, con una opuesta de luces espectacular, realizada por Natasha Katz, y una banda de sonido impecable, reafirman a este musical como uno de los mejores de todos los tiempos, por sus sutilezas, por su filosofía subyacente, y por su composición.

En esta fusión de géneros musicales, de actores, de bailarines, de cantantes, “Cats” se convierte en una suerte de obra maestra del musical donde converge la poesía, la pasión, la destreza y la enorme belleza de la puesta. Esos gatos vagabundos que aspiran a renacer, que se reúnen noche a noche en un basural lleno de chatarras, hacen un pacto secreto con la magia.

Elenco de gira de “Cats”, en la puesta que se presenta desde el 17 de septiembre al 6 de octubre en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Interpretado por Chris Mann y Kaitlyn Davis, “El fantasma de la ópera” cumple 30 años de su estreno en Londres. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

Un clásico indiscutible. Un modelo perfecto que reúne una sutil historia de amor y misterio. Una música impactante con canciones conmovedoras que quedan en la memoria. A casi 30 años de su éxito arrollador en Broadway y en Londres, “El fantasma de la ópera”, se ha convertido en “el musical” de todos los tiempos, que ha recorrido el mundo como un suceso irrevocable. Creado por Andrew Lloyd Webber, llegó al Kennedy Center de Washington con una nueva y deslumbrante producción de Cameron Mackintosh.

Poco ha cambiado de la esencia de esta obra que marcó un antes y un después en la historia de los musicales desde su estreno el 9 de octubre de 1986 en Londres. Con una nueva escenografía de Paul Brown y una nueva puesta en escena de Laurence Connor, la producción conserva los bellos trajes de Maria Björnson, y presenta una coreografía diferente, a cargo de Scott Ambler.

Un despliegue técnico atractivo. Explosiones, fuego, objetos que se caen o se rompen, y lo que podría considerarse la marca registrada de este musical en este campo: la inmensa araña que cuelga del techo y que en un momento cae sobre el público sin alcanzar a estrellarse mientras, surgen destellos de explosiones en su interior. Escaleras que se despliegan a medida que los protagonistas descienden, y un desplazamiento asombroso de escenografía, convierten el escenario en una diversidad de ambientes y logran mantener la magia de principio a fin.

El musical se basa en la novela de Gaston Leroux, “Le Fantôme de l’Opéra”, publicada en abril de 1910 como producto de una serie de episodios que aparecieron en “Le Gaulois” desde septiembre de 1909 hasta enero de 1910. La novela, ambientada en París en el siglo XIX, en la Ópera Garnier, cuenta una historia de amor entre el fantasma que supuestamente habita ese teatro y una bella soprano de la Ópera de París que se convierte en la obsesión de ese misterioso personaje.

Scott Ambler es responsable de la coreografía interpretada por bailarinas de formación clásica. Foto: Matthew Murphy. Gentileza JFKC.

La joven, Christine Daaé, protagonizada por Kaitlyn Davis -en la noche del estreno de prensa-, que cree estar guiada por “el ángel de la música” enviado por su padre, llega a un éxito repentino, cuando debe reemplazar a la prima donna del momento. Con libreto de Richard Stilgoe y de Lloyd Webber, y canciones de Richard Hart y Stilgoe, la historia devela emociones y contradicciones de este fantasma-compositor, cuyo rostro desfigurado, está cubierto por una máscara.

En esta puesta, el cantante Chris Mann, quien surgió a la fama como finalista en la competencia The Voice 2012, encarna un fantasma conmovedor, cuya voz alcanza niveles de enorme profundidad, transmite sus emociones con total sutileza, y a su vez, muestra su capacidad actoral. Magnífico trabajo, intenso y refinado. Por su parte Davis, cuya bella voz logra momentos maravillosos, interpreta con calidad y frescura el rol de la hermosa soprano que queda atrapada en esos pasadizos ocultos donde el fantasma ha constituido su guarida.

Magnífica en su rol de diva, Jacquelynne Fotaine, poseedora de una voz potente y delicada. Anne Kanengeiser se luce en su papel de Madame Giry, la rígida y al mismo tiempo sensible maitre de ballet quien, es la que cuenta la verdadera historia de este fantasma. Las actuaciones del resto del elenco se ajustan a esta puesta como un impecable mecanismo de relojería.

De la misma forma, el cuerpo de baile, integrado por entrenadas bailarinas clásicas, hizo un muy buen trabajo para poner en escena la coreografía simple pero dinámica de Ambler. Las secuencias de ballet, que hacen un guiño humorístico a las grandes producciones de ballet para ópera del siglo XIX, son un gran acierto en esta puesta que refuerza el esquema tradicional de una ópera. Con la supervisión del icónico Matthew Burne, creador de la versión masculina de “El lago de los cisnes” y de otras renovadas puestas contemporáneas de ballet tradicional, esta nueva producción, una vez más, se caracteriza por la maestría de su estructura. Pero por sobre todo, “El fantasma…” sigue confirmando que es el clásico musical de todos los tiempos.

Masquerade, una de las escenas de conjuto de esta nueva puesta de “El fantasma de la ópera”. Foto: Alastair Muir. Gentileza JFKC.