Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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Mariko Kida, como Julieta y Anthony Lomuljo, en el rol de Romeo en la versión de Mats EK, por Royal Swedish Ballet. Foto: Gert Weigelt. Gentileza JFKC.

La tragedia de William Shakespeare sobre los jóvenes amantes de Verona escrita cuando casi terminaba el siglo XVI, ha dejado su huella a través de los años y se ha convertido en un símbolo indiscutible del amor. El coreógrafo sueco Mats Ek se ha sumergido en este drama con una visión contemporánea y más mundana de una historia que aún hoy, conmueve.

“Juliet and Romeo”, es la versión de “Romeo y Julieta” que Ek trajo al Opera House del Kennedy Center de DC desde el 1 al 4 de junio a través de los bailarines del Royal Swedish Ballet. Un título tomado del nombre original de uno de los escritos que sirvieron de base al dramaturgo inglés para escribir este clásico de los clásicos.

Creada en 2013, la obra tuvo su premiere en Washington para conmemorar los 400 años de la muerte de Shakespeare, mano maestra de dramas y comedias universales e imprescindibles. Los protagonistas, ya no son aquellos adolescentes renacentistas, son jóvenes de hoy que se relacionan de manera diferente y se enfrentan a los adultos y al mundo con actitudes, también diferentes.

El Royal Swedish presentó en Washington la versión de “Juliet and Romeo” con escenografía de Magdalena Åberg. Foto: Gert Weigelt. Gentileza JFKC.

La música de Piotr I. Tchaikovsky es otro de los elementos que distingue a esta puesta en la que las escenas se definen a través de inmensos paneles movidos por los mismos bailarines, y que cumplen múltiples funciones. Ek rompe con estereotipos para contar y desarrollar una trama que está enquistada en la memoria y en el alma de los conocedores del ballet, y lo hace con un lenguaje y una estética que lo distingue. Su narración muestra la opresión, la alegría, la frescura de la juventud, y descubre a su vez los aspectos más oscuros de los seres humanos.

Interesante y sutil la escenografía y el vestuario de Magdalena Åberg, que se ensamblan con los códigos coreográficos y los perfiles de los personajes. La acción tiene lugar en un ambiente urbano, sórdido, con escasa luminosidad. Y los personajes también están embebidos en ese clima que rescata el amor como camino para desarticular las reglas, la violencia y los prejuicios. Y así como los Capuletos aparecen convertidos en una suerte de patrulla de control del orden, montados en Segways (vehículo de transporte urbano, ligero, eléctrico, de dos ruedas, controlado en forma digital), los Montescos adquieren características más flexibles, sin que eso disipe el enfrentamiento.

La Julieta de Ek, interpretada con intensidad por Mariko Kida, desafía a sus padres y se niega a casarse con Paris, con decisión y hasta cierta violencia. En cambio la imagen de Romeo, Anthony Lomuljo, se refleja más relajada ante las circunstancias. Ambos, magníficos bailarines.

La evolución de la protagonista femenina se manifiesta desde el comienzo, cuando, vestida de amarillo, como una pequeña muñeca, juega con su nodriza, la incomparable Ana Laguna, cuya expresividad y fuerza se convierte en un polo importante en esta historia. Ella es testigo de momentos claves en la vida de estos dos jóvenes. Estupenda siempre, precisa, directa en su forma, Laguna tiene brillo propio.

Jerome Marchand como Mercutio cobra una importante presencia en esta pieza en la que su personaje, con un toque punk y agresivo, hace un atractivo tándem con Jokuto Kodam, en el rol de Benvolio. Los dos, con disímiles características físicas y altura, componen un juego de opuestos que, de alguna manera, conduce parte de esta trama cuya mirada apunta a la inevitable violencia de un mundo oscuro en el que ni siquiera puede sobrevivir el amor con toda su diafanidad.

“Juliet and Romeo”, con coreografía de Mats Ek, creada para celebrar el 240 aniversario del Royal Swedish Ballet . Foto: Gert-Weigelt. Gentileza JFKC.

Después de 15 años, el Royal Swedish Ballet (RSB) llega nuevamente al John F. Kennedy Center for the Performing Arts con una nueva versión de “Romeo y Julieta”. Una producción del coreógrafo Mats Ek, que retoma la tragedia de William Shakespeare con un toque contemporáneo y con su título invertido: “Juliet and Romeo”. La obra, ganadora del premio Olivier a la mejor producción de danza 2015, se presentará en el Opera House desde el 1 al 4 de junio.

Luego de la función del 2 de junio, se realizará una charla con Ek dentro del ciclo Explore the Arts. Y paralelamente a estas funciones, también se está exhiben en el Embajada de Suecia, una muestra de fotografía de Lesley Leslir-Sprinks que lleva el título: “Mats Ek-A Dance Rebel on the Move of Fourty Years”. Esta retrospectiva permanecerá abierta hasta el 28 de agosto.

“Juliet and Romeo”, tiene entre sus protagonistas a la indiscutible bailarina zaragozana, Ana Laguna, esposa y musa del coreógrafo, hijo de la legendaria Birgit Cullberg, fundadora del Cullberg Ballet (1965), y hermano de Niklas, bailarín principal del RSB. Tiempo después, entre 1985 y 1993, y luego de haber sido bailarín de la compañía, Ek asumió la dirección del Cullberg y comenzó su trabajo creativo con nuevas versiones de los clásicos como “El lado de los cisnes” o “Giselle” (1982). También se animó con “La Consagración de la Primavera” (1984) y “Carmen” (1992), entre otras.

En 2013, en celebración del 240 aniversario de la compañía, el director artístico Johannes Öhman comisionó a Ek la creación de una nueva versión completa de la historia de los jóvenes amantes, destinada a 32 de los 68 integrantes del ensamble.

Con música de Piotr I. Tchaikovsky en lugar de la partitura de Sergei Prokofiev que habitualmente se usa en la mayoría de las versiones de “Romeo y Julieta”, Ek sitúa la historia de los jóvenes amantes en el siglo XXI en un entorno totalmente urbano. La selección de musical incluye fragmentos de la “Sinfonía Patética”, la “Sinfonía Manfredo”, el “Capricho Italiano” y el “Concierto para piano”, con arreglos der Anders Högstedt.

Si bien Shakespeare basó su obra, escrita a mediados de la década de 1590, en la tragedia de Romeo y de Julieta y trenzó una trama en la que el poder del amor y del odio, potencian el conflicto, Ek desarrolla esta pieza en una ciudad en crisis, en un entorno áspero, donde predominan los tonos grises y negros. “Juliet and Romeo” tiene escenografía y vestuario de Magdalena Åberg, e iluminación de Linus Fellbom.

El RSB, una de las compañías más antiguas del mundo, junto a las de París, Copenhague y San Petersburgo, fue fundada en 1773 por el rey Gustavo III. Al poco tiempo de su creación, alcanzó fama internacional casi simultáneamente con la transformación de Estocolmo, que por entonces se convertía en la capital europea del ballet. Hoy, explorado por artistas internacionalmente como Antony Tudor, Jiri Kylian y John Neumeier, el ensamble transita desde lo clásico a lo contemporáneo.

Funciones:
Royal Swedish Ballet
Juliet and Romeo de Mats Ek
Con Kennedy Center Opera House Orchestra
Del 1 al 4 de junio.
www.kennedy-center.org

Exposición fotográfica
Mats Ek-A Dance Rebel on the Move of Fourty Years”
Fotografía de Lesley Leslir-Sprinks
Abierta hasta el 28 de agosto
Sábados y domingos de 12 pm a 5 pm
House of Sweden
2900 K Street NW, Washington, DC
info@houseofsweden.com

Olga Pericet, considerada una de las principales figuras de la escena flamenca actual, baila en el marco del Festival Suma Flamenca. Foto: Paco Villalta. Gentileza FSF.

La coreógrafa y bailarina Olga Pericet, considerada una de las principales figuras de la escena flamenca actual, presenta el próximo sábado, 13 de junio, en el marco del Festival Suma Flamenca 2015, su último espectáculo, “Pisadas. Fin y principio de mujer”, donde el universo femenino adquiere un extraordinario protagonismo. Una única función en la Sala Roja, de los Teatros del Canal (C/Cea Bermúdez, 1), a las 20.30 horas.

Intérprete de técnica exquisita, Pericet descubre en esta creación coreográfica que detrás de todo fin hay un nuevo principio, y dibuja huellas en las que se adivinan los pasos de quienes la precedieron sobre los escenarios.

En “Pisadas…”, siempre desde el punto de vista de la mujer como protagonista de su propia historia, Pericet propone los ciclos de la vida y apela a la necesidad del ser humano de unirse a través del tiempo, de religarse con los orígenes, con la finitud de su existencia, con las celebraciones de la vida. Fiestas populares y rituales están en el centro de este espectáculo en el que cada número invita a un anclaje en el presente, en el que la mujer es el canal que unifica su hilo conductor.

De ella se ha dicho que sobre la escena adquiere aires de diosa. “Pisadas…” es una magnífica oportunidad para constatar en directo esta divina transformación.

Nacida en Córdoba en 1975, Pericet es licenciada en danza española y flamenco y una gran conocedora del contemporáneo. Considerada como una de las figuras más renovadoras de la escena flamenca actual, ha estudiado con grandes como Matilde Coral, Manolo Marín, Maica Moyano y José Granero. Ha sido solista y artista invitada de las compañías de Rafaela Carrasco, Nuevo Ballet Español, Arrieritos, Miguel Ángel Berna, Teresa Nieto, Belén Maya y Ballet Nacional de España, además de compartir escenario con figuras como Ana Laguna, Lola Greco, Nacho Duato, Enrique Morente, Isabel Bayon, Joaquín Grilo, Merche Esmeralda o Carmen Cortés.

En 2004 estrenó como coreógrafa y solista el espectáculo “Bolero, carta de amor y desamor” y, un año después, junto a Manuel Liñán, creó “Cámara negra”.

En 2005 fundó compañía junto con Marco Flores y Daniel Doña: Chanta la Mui, que da pie también a un montaje homónimo. Otros de sus trabajos como coreógrafa son “Complot”, “En sus 13”, “De cabeza” (2009), “Recital” (2010), “Bailes alegres para personas tristes” (2010), “Rosa Metal Ceniza” (2010), su primer trabajo en solitario, y “De una pieza” (2012).

Presente en los principales festivales y teatros españoles y extranjeros, ha recibido varios galardones como coreógrafa e intérprete. Los más recientes, el Premio Ojo Crítico de Danza 2014 y el Premio Max 2015 a la Mejor Bailarina Principal.

Los bailarines de la CND Aitor Arrieta y Aurelia Bellet interpretan el pas de deux “Delibes suite”, con coreografía de José Carlos Martínez. Foto: Jesús Vallinas/ CND.

“No mandé mis naves a luchar contra los elementos”. Esta sentencia se atribuye al monarca español Felipe II (1527-1598), en alusión al desastre de la Armada Invencible (1588). Muchos eran los elementos contra los que tenía que combatir la Compañía Nacional de Danza (CND) en el estreno de su último programa en el Teatro Real de Madrid. De una parte y de forma coyuntural, el partido de fútbol de final de la Champions League que enfrentaba a dos equipos de la capital española–Real Madrid y Atlético de Madrid- por el trono europeo. Con un mayor calado, el problema del conflicto abierto entre el Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y el plantel de bailarines por la negativa del pago de horas extras, ante la postura del Ministerio de Hacienda contraria a hacer frente a estos emolumentos siempre que excedieran en 60 horas el cómputo anual.

Así las cosas y con el fantasma de una posible suspensión sobrevolando la función, el estreno tuvo lugar con la única salvedad de que su inicio se postergó media hora por cuestiones del convenio laboral. Profesionalidad y entrega fueron las características más destacables de todo el elenco que forma la CND, tanto bailarines como cuerpo técnico. Con la expectativa de cómo influiría el encuentro deportivo sobre el aforo, 1300 espectadores se reunieron para disfrutar de la nueva propuesta de la compañía comandada por José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), ex étoile del Ballet de la Ópera de París y director de la CND desde 2011. Su plan maestro incluía el expreso mandato de abrir el abanico estilístico de la formación para que pudiera transitar por todos los colores que pueden abarcar la amalgama que va desde el clásico hasta el contemporáneo. En su tercera temporada al frente de la CND, puede decirse con propiedad que Martínez dirige de forma serena pero con paso firme esta travesía por el desierto.

Tres tiempos

El clasicismo se puso de manifiesto con “Allegro brillante” de George Balanchine. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real.

Construido a tres tiempos, el programa ofrecido en el Teatro Real se compuso de tres grandes bloques temáticos: clasicismo (“Allegro brillante” y “Delibes suite”), deconstrucción del lenguaje clásico (“In the middle, somewhat elevated”) y la contemporaneidad de corte teatral e irónico (“Casi-casa”). La noche comenzó con la obra endiabladamente complicada “Allegro brillante” (1956). Su autor, George Balanchine (1903-1983) la definió como “todo lo que sé de danza clásica condensado en trece minutos”, ¡y vaya trece minutos! Dentro de su repertorio de piezas plotless, es decir, sin argumento, un compendio de lo más complejo en cuanto a lenguaje clásico, en el que el elenco de la CND demostró corrección al máximo y en el que los atisbos de brillo procedieron del buen dominio técnico del Bailarín Principal Esteban Berlanga.

Fiel a la escuela francesa que forjó su carrera y éxitos, José Carlos Martínez firma la segunda propuesta de la noche, “Delibes suite” (2003), estrenada por Incidence Chorégraphique. Se trata de un pas de deux –interpretado por Yae Gee Park y Anthony Pina–, compuesto por el esquema tradicional de adagio, variaciones masculina y femenina y coda final. La pareja protagonista defendió con solvencia el dúo, aunque no llegaron a atisbar la exquisita elegancia predicable de la escuela francesa. La CND ha avanzado notablemente en el campo de lo clásico, pero aún queda camino por recorrer hasta llegar a la excelencia.

Esteban Berlanga y Aurelia Bellet en “In the middle, somewhat elevated”. Fotografía: Jesús Vallinas/ CND.

Una obra maestra indiscutible del último cuarto de siglo XX protagonizó el segundo acto de la velada. Como un guiño a su antigua casa, el director cartagenero seleccionó “In the middle, somewhat elevated” (1987), creada por William Forsythe (Nueva York, 1949) para el Ballet de la Ópera de París por encargo de Rudolf Nureyev, quien, a su vez, escogió a Martínez para que accediera a la prestigiosa compañía francesa en 1988. Partiendo del tradicional concepto de tema y variaciones, Forsythe redefinió los límites del lenguaje clásico mediante la deconstrucción del mismo. Con el cambio de alineación y con las transiciones verticales, genera una sensación de extrañeza en el espectador que, asombrado, vislumbra la técnica clásica pero presentada de una manera muy diferente.

El título –“In the middle, somewhat elevated”– hace referencia a una metáfora de qué supondría buscar dos cerezas de oro suspendidas en medio de la inmensidad de Ópera Garnier, sede histórica del Ballet de la Ópera de París. Incorporada al repertorio de la CND en 1992, esta pieza parece haber sido metabolizada a la perfección por el elenco actual, ya que resultó, sin ningún lugar a dudas, la obra de la noche, tanto en destreza técnica como en precisión y limpieza en la ejecución.

La guinda de la velada la puso la presentación en Madrid de “Casi-Casa” (2009) de Mats Ek (Malmö, 1945), tras su adición al repertorio de la CND, apenas unos pocos días antes en Sevilla, siendo la primera compañía europea que la estrena. Creada para Danza Contemporánea de Cuba, esta obra de corte social que sigue la estela de “Appartement” (2000) –cuya premiére realizó el Ballet de la Ópera de París y en la participó José Carlos Martínez con el solo del sofá– y “Fluke” (2002), se nutre de escenas de la vida cotidiana que se desarrollan en torno a una televisión, la cocina, la puerta, etcétera, e incluyen a una legión de aspiradores.

El elenco de la CND en “Casi-Casa” del coreógrafo sueco Mats Ek. Fotografía: Jesús Vallinas/ Compañía Nacional de Danza.

Sentido del humor y ternura a raudales es lo que irradia “Casi-Casa” con hilarantes escenas como la de la mujer que se olvida el bebé dentro del horno. En ese punto de la función, la CND había traspasado las 22.30 horas, momento en el que, según convenio laboral, finalizaba su trabajo y no tenían derecho a recibir remuneración económica. Sin embargo, fieles a su compromiso con el público asistente, por amor al arte, los bailarines de la formación continuaron sobre el escenario. Se percibe que disfrutaron en el montaje de “Casi-Casa” con Ek y Ana Laguna, lo que, en definitiva, se transmite al espectador, quien también se deleitó con una lección de cotidianeidad convertida en danza. Luchando contra todo tipo de elementos, José Carlos Martínez vuelve a demostrar su serenidad y sensatez para seguir al frente del timón de la CND.

El programa ofrecido en el Teatro Real de Madrid muestra ya los frutos de tres años desde el cambio tranquilo, como se apodó su acceso a la dirección artística del grupo. Queda trabajo por hacer, pero se va por buen camino y el público así lo entendió que frente a todo tipo de vicisitudes apoyó a la CND, a su director, a sus bailarines y a su equipo técnico y les brindó una calurosísima ovación. Con el aval del trabajo riguroso y bien hecho, la CND se prepara para conmemorar el 35º aniversario de su fundación.