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Con la historia a flor de piel

mgueler — Wed, 29 Oct 2025 16:52:29 +0000

El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

Cien años, y van por más

mgueler — Thu, 07 Aug 2025 13:21:56 +0000

Coreógrafos y bailarines que participan en la gala de los cien años de los elencos estables del Teatro Colón. Foto gentileza BNC.

La cita es esta noche a las 20:00 horas, en la sala mayor del Teatro Colón. Una celebración que honra la jerarquía de este teatro fundado en 1908. Ahora, los elencos estables, el Ballet, el Coro y la Orquesta celebran sus 100 años con una gala que convoca bailarines argentinos destacados en el exterior y figuras internacionales. La función, única, contará también con la participación de la Orquesta Estable y el Coro Estable del Teatro, con la dirección musical de Manuel Coves y Beatrice Venezi. Entradas agotadas para un programa mixto que incluye clásicos y contemporáneos.

En la primera parte, se realizará un desfile con alumnos de la carrera de danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y luego, una serie de pas de deux y escenas de los grandes clásicos. Así desfilarán fragmentos de “Paquita”, “La Sylphide”, “Gopak”, “El lago de los cisnes”, “Tchaikovsky Pas de Deux”, “Diamonds”, “El adagio de la rosa”, “Carmen” y “Carmina Burana”. La segunda parte está reservada en gran parte a creaciones contemporáneas como “Chacona”, “Romance del Diablo”, “From Earth”, “After the Rain”, mientras que el cierre será con “Don Quijote”.

Herman Cornejo, del ABT y Tiler Peck, del NYCB, presentan “Tchaikovski pas de deux” (1960) de George Balanchine. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Entre los artistas argentinos invitados figuran Marianela Núñez (The Royal Ballet), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), Ludmila Pagliero (Opéra National de Paris) y Sergio Neglia (Neglia Ballet Artists), entre otros. También se presentarán Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet) y Viengsay Valdés (Ballet Nacional de Cuba).

Valdés, directora general del Ballet Nacional de Cuba, interpretará escenas de “Carmen”, con coreografía de Alberto Alonso, junto al argentino Emmanuel Vázquez, primer bailarín del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Viengsay Valdés, directora del Ballet Nacional de Cuba, interpretará un fragmento de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: Nancy Reyes. Gentileza BNC.

El programa incluye además la participación de Daniel Proietto (Know Nation), María Eva Prediger (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín) y Rodrigo Colomba (Ballet Folklórico Nacional), junto con los integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón.

Desde su fundación oficial en 1925, el Ballet Estable se consolidó como un eje central en la vida artística del Colón. Su primer director fue el coreógrafo ruso Adolph Bolm, y por su historia pasaron figuras como Michel Fokine, Bronislava Nijinska, George Balanchine, Leonide Massine, William Dollar, Anthony Tudor, Jack Carter, Rudolf Nureyev, Pierre Lacotte y Natalia Makarova.

La cubana Alicia Alonso montó su versión de Giselle en 1958, y entre 2001 y 2004, Martha García asumió la dirección de la compañía y creó el ballet “Lady Caroline”.

El Teatro, a su vez publicó el libro “Cien años de los Elencos Estables del Teatro Colón”, una edición conmemorativa que reúne la historia del Ballet, el Coro y la Orquesta, y es un homenaje a las generaciones de artistas que construyeron el legado artístico de la institución.

Programa

PARTE I

Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres, bailará “Cenicienta” en la version de Mario Galizi. Foto. Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Desfile
Alumnos de la Carrera de Danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Música: Mijaíl Glinka, Polonesa del Acto II de Una vida por el zar.
Dirección musical: Beatrice Venezi

Paquita
Mazurca
Cuerpo de baile masculino del Ballet Estable
Coreografía: Luis Ortigoza según Marius Petipa (2010)
Música: Édouard Deldevez y Ludwig Minkus
Dirección musical: Beatrice Venezi
Arreglos musicales: Albena Dobreva
Diseño de iluminación: Rubén Conde

Gopak
Intérprete: Ciro Tamayo
Coreografía: Ciro Tamayo según Rostislav Zakharov
Música: Vasili Soloviov-Sedoi
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Irma Motta y Rosario Acuña

La Sylphide (1836)
Acto II. Pas de deux
Intérpretes: Wilma Giglio y Facundo Luqui
Coreografía: August Bournonville
Música: Herman Severin Løvenskiold
Dirección musical: Manuel Coves

El lago de los cisnes (1877)
Fragmentos del Acto II
Pas de deux: Luana Brunetti Mattion y Federico Fernández
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Producción del Teatro Colón

Chaikovski pas de deux (1960)
Intérpretes: Tiler Peck y Herman Cornejo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

Carmen (1967)
Fragmentos
Intérpretes: Viengsay Valdés y Emmanuel Vázquez
Coreografía: Alberto Alonso
Música: Rodion Shchedrin sobre Carmen de Georges Bizet
Diseño de escenografía y vestuario: Salvador Fernández
Dirección musical: Manuel Coves

Jewels: Diamonds (1967)
Dúo: María Celeste Losa y Nicola Del Freo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

La bella durmiente (1890)
Entrada de Aurora y Adagio de la rosa
Aurora: Marianela Núñez. Reina: Silvia Bazilis. Rey: Raúl Candal.
Príncipes: Vagram Ambartsoumian, Edgardo Trabalón, Alejandro Parente, Jorge Amarante y Julián Galván
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario de reyes y príncipes: Gino Bogani
Producción del Teatro Colón

Carmina Burana (1998)
Fortuna Imperatrix Mundi
Cuerpo del baile y solistas del Ballet Estable. Coro Estable.
Coreografía: Mauricio Wainrot
Música: Carl Orff (1895-1982)
Dirección musical: Beatrice Venezi
Asistente coreográfico: Alexis Mirenda
Producción del Teatro Colón

PARTE II

Romance del diablo (2001)
Intérpretes: María Eva Prediger y Rodrigo Colomba
Coreografía: Ana María Stekelman
Música: Ástor Piazzolla
Dirección musical: Beatrice Venezi
Músico invitado: Pablo Mainetti, bandoneón
Maestra repositora: Cecilia Figaredo

Chacona (2010)
Fragmento
Cuerpo de baile del Ballet Estable
Coreografía: Goyo Montero
Música: Johann S. Bach
Maestros repositores: Carlos Lázaro y François Petit
Diseño de iluminación: Goyo Montero y Nicolás Fischtel
Diseño de vestuario: Verena Hemmerlein y Goyo Montero
Supervisión general: Carlos Iturrioz
Grabación interpretada por Miguel de Olaso (guitarra), Rafael Marrero (violín) y Fernanda Morello (piano)

…and Carolyn (2008)
Intérpretes: Ludmila Pagliero y Daniel Proietto
Coreografía: Alan Lucien Øyen
Música: Thomas Newman para American Beauty

From Earth (2014)
Intérpretes: Sergio Neglia y Emily Bromberg
Coreografía: Viktor Plotnikov
Música: Wolfgang Mozart, Concierto para piano n.º 23 en la mayor, K. 488
Dirección musical: Beatrice Venezi
Piano: Iván Rutkauskas
Diseño de iluminación: Dyan Burlingame
Diseño de vestuario: Viktor Plotnikov

Partita
ESTRENO MUNDIAL
Coreografía: Oscar Araiz
Música: Lukas Foss. Phorion (Variación sobre el Preludio de la Partita en mi mayor para violín solo, BWV 1006 de J. S. Bach)
Diseño de iluminación: Oscar Araiz
Asistente: Yamil Ostrovsky
Diseño de vestuario: Martina Nosetto

After the rain (2005)
Dúo: Natalia Pelayo y Matías Santos
Coreografía: Christopher Wheeldon
Música: Arvo Pärt. Spiegel im Spiegel
Violín: Freddy Varela Montero
Piano: Iván Rutkauskas
Maestro repositor: Jason Fowler
Diseño de vestuario: Holly Hynes
Diseño de iluminación: Mark Stanley

Video conmemorativo del primer centenario del Ballet Estable del Teatro Colón

Don Quijote (2014)
Fragmentos
Seguidilla: David Gómez, Emiliano Falcone, Sebastián Bustos, Juan Luis Fernández, Lautaro Bisognio, Luciano García, Yosmer Carreño, Martín Vedia, Yoshino Horita, Txaro Manen, Caterina Stutz, Sofía Di Núbila, Stephanie Kessel, Laura Domingo, Magdalena Cortés y Sofía Ramela. Toreros: Alan Pereyra, Antonio Leborans, Gerardo Wyss, David Juárez, Paulo Marcilio, Fernando González, Francisco Rojas y Franco Noriega. Acompañantes: Analía Sosa Guerrero, Marisol López Prieto, Florencia Albareti, Iara Fassi, Constanza Colombo, Cecilia Lucero, Oana Hutusoru y Rocío Prina. Grand Pas: Luisina Rodríguez, Julieta Urmenyi, Selena Briso, Mora Capasso, Elena Duarte y Romina G. Vázquez. Amigas: Victoria Wolf y Beatriz Boos. Torero: Lucas Matzkin. Mercedes: Milagros Niveyro. Gitano: Valentín Batista. Gitana: Maricel De Mitri. Kitri: Ayelén Sánchez, Camila Bocca y Rocío Agüero. Basilio: Juan Pablo Ledo y Jiva Velázquez

Coreografía: Silvia Bazilis y Raúl Candal
Música: Ludwig Minkus
Dirección musical: Manuel Coves
Maestra repositora: Lorena Fernández Sáez
Diseño de escenografía y vestuario: Hugo Millán
Diseño de iluminación: Pablo Pulido
Producción de escenografía y vestuario: Ballet Nacional Sodre (Uruguay)

La noche de Herman Cornejo

mgueler — Tue, 23 Jul 2024 16:39:22 +0000

Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

Virginia Woolf, el conflicto de vivir

mgueler — Thu, 04 Jul 2024 22:02:22 +0000

“Tuesday”, tercera parte de “Woolf Works” con Alessandra Ferri como Virginia Woolf y Herman Cornejo Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

En esta nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House volvió Alessandra Ferri. Esta vez, para encarnar los personajes creados por la escritora inglesa Virginia Woolf de la mano del coreógrafo Wayne McGregor.

“Woolf Works”, una obra potente que despierta emociones profundas y deja reverberando los conflictos de cada uno de los personajes creados por la autora británica que marcó un antes y un después en la literatura del siglo XX.

Cuando este ballet se estrenó por primera vez en el Royal Ballet de Londres en 2015, tuvo también a Ferri como una de las protagonistas. Actriz por excelencia, es una de esas bailarinas que sabe sumergirse en las emociones de sus personajes y transmitirlas con una intensidad arrolladora. Su presencia en esta obra es grave y reflexiva. Su dolor, sus inseguridades, sus conflictos, sus interrogantes son los que hacen que este tríptico quede anclado en una realidad arrolladoramente humana.

La clave de “Woolf Works” reside en su estructura, basada en tres actos, y cada uno de ellos refleja una novela diferente. El primero “I now, I then”, apoyado en “Mrs Dalloway”, una novela publicada en 1925, se desarrolla a lo largo de un solo día en la vida de Clarissa Dalloway, una mujer de la alta sociedad londinense en la década de 1920. La narrativa se entrelaza con los pensamientos y recuerdos de la protagonista y de otros personajes importantes en su vida: su esposo, Richard Dalloway; su amiga Sally Seton, y Peter Walsh, un viejo amigo que regresa a Londres después de muchos años en el extranjero.

Alessandra Ferri y Léa Fleytoux en la obra de Wayne McGregor, “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

A través de inmensos módulos de madera que van moviéndose en escena, la obra explora, al igual que la novela, temas como la memoria, el paso del tiempo, la identidad, la percepción de la realidad. Ferri, casi fundida con las palabras de Woolf, revive situaciones, y reflexiona a medida que los personajes aparecen y desaparecen en ese transcurrir. Un magnífico pas de deux con Peter, interpretado por Herman Cornejo, cuyo cuidado y delicadeza como partenaire emociona y conmueve, se suma a una serie de secuencias en las que ambos bailarines logran crear una atmósfera irrepetible. Una magnífica dupla en la que se potencian y se recrean mutuamente.

McGregor establece patrones de movimiento que se repiten a lo largo de toda la obra, crea imágenes oníricas, casi fantásticas que se funden con proyecciones que regeneran nuevos climas y secuencias. Interesante y fresca la interpretación de la joven Clarissa, a cargo de Léa Fleytoux, quien supo colorear su personaje en diferentes aristas.

En el segundo acto, “Becoming”, basado en “Orlando”, novela de 1928, un torbellino de bailarines que giran por el escenario en una fantasía satírica y una meditación sobre el cambio y la identidad a lo largo del tiempo. McGregor, con delicada sutileza y una dinámica coreográfica sorprendente, logra reflejar el interior de esta novela considerada como uno de los emblemas del modernismo literario del siglo XX.

“Tuesday”, extraída de “The Waves”, comienza con la nota de suicidio que Woolf escribe a su esposo. Una prosa llena de miedo, de remordimiento, con el fantasma de la locura acechando adquiere feroz realidad en la grabación en off de la actriz Gillian Anderson. Ferri/Woolf, atormentada, absorbida por un torrente de bailarines que la envuelven, la tragan, la absorben como si fueran las olas del mar.

La partitura de Max Richter, captura a la perfección esos cambios emocionales de la protagonista. Y la iluminación de Lucy Carter se convierte, junto a las proyecciones de video de Ravid Deepres, en el marco insoslayable de esta obra. De esta forma, la danza es una compleja reflexión sobre el tiempo, la memoria, la fragmentación de las emociones y la muerte que siempre están latentes en la obra de Woolf.

Los bailarines de ABT, con su destreza técnica y su capacidad, atraviesan los paisajes emocionales e intelectuales de esta pieza, y dan vida a esos experimentos literarios de la autora. La traducción de McGregor de la esencia de Woolf a un nuevo lenguaje permite transitar por una experiencia diferente. Con la impecable y cuidada dramaturgia de Uzma Hameed, el coreógrafo reafirma su enfoque minimalista, y crea un tríptico que desafía los límites del ballet y se introduce en diferentes aspectos del arte en una fusión que no requiere etiquetas establecidas.

Catherine Hurlin y Daniel Camargo en “Becomings”, de “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

El mágico poder del verdadero amor

mgueler — Sat, 24 Feb 2024 00:52:33 +0000

La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

La danza gana las calles

mgueler — Tue, 25 Jul 2023 12:26:39 +0000

Integrantes del Alvin Ailey American Dance Theater, dirigido por Robert Battle interpretarán “Dancing Spirit” de Ronald K. Brown. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Cinco de las compañías de danza más emblemáticas de Nueva York regresan para la tercera edición anual del BAAND Together Dance Festival, un encuentro gratuito con la danza y el arte al aire libre, que forma parte del Summer for the City del Lincoln Center.

Del 25 al 29 de julio, el Ballet Hispánico, Alvin Ailey American Dance Theater (AADT), American Ballet Theatre (ABT), New York City Ballet (NYCB) y Dance Theatre of Harlem presentarán una diversidad de propuestas en una programación que reúne la quintaesencia del estilo y la brillantez de cada compañía. A su vez, el Ballet Hispánico, dirigido por Eduardo Vilaro, propone para este encuentro un estreno mundial: “Pas de O’Farill” de Pedro Ruiz, un nuevo dúo con bailarines del Ballet Hispánico y el New York City Ballet, encargado por el Lincoln Center for the Performing Arts. Esta obra es un homenaje al creador del jazz latino, Arturo O’Farill. Con este objetivo el coreógrafo Pedro Ruiz retoma la forma clásica del ballet y la fusiona con el movimiento y las esencias del legado de la diáspora afrocubana. El dúo busca sumergir la técnica clásica con la voz “latinx” y ampliar la idea de lo que es y puede ser el ballet.

Cada tarde, una de las compañías llevará al campus su particular estilo de enseñanza con un taller educativo diario. La serie ofrecerá una variedad de estilos de enseñanza y formas de danza, apropiados para todas las edades y capacidades.

Desde 2021, año de lanzamiento del BAAND Together Dance Festival, Chanel es el principal patrocinador. Una organización que ha transitado un largo camino apoyando las artes escénicas, y sigue rindiendo homenaje al compromiso de su fundadora, Gabrielle Chanel. La casa de modas está también asociada con los Premios Nijinsky en Mónaco, y patrocina la gala de apertura de la Ópera de París y del Ballet de la Ópera de París. Este es el tercer año que el Festival cuenta con el apoyo de Chanel, colaboración que refleja su larga tradición de mecenazgo en el mundo de la danza, que se prolonga desde hace más de un siglo.

“El Festival de Danza BAAND Together es un testimonio de la vitalidad y diversidad de la comunidad de danza de la ciudad de Nueva York. Estamos encantados de volver con un programa espectacular que presenta a las compañías de repertorio de esta ciudad que son las más veneradas internacionalmente. El programa de este año pone de relieve las visiones innovadoras que han hecho de la ciudad de Nueva York la capital nacional de la danza”, declararon en forma unánime los directores de las compañías que participan de BAAND.

De esta forma, Robert Battle por AADT, Susan Jaffe por ABT, Vilaro por el Ballet Hispánico, Robert Garland por el Dance Theatre of Harlem y por el NYCB, su director artístico, Jonathan Stafford, y su directora artística asociada, Wendy Whelan, coincidieron en la importancia de llevar la danza a las calles.

Además de las representaciones y los talleres, el Lincoln Center for the Performing Arts habrá mesas redondas antes de la representación del 26 de julio, como parte del anunciado proceso de planificación participativa para ayudar a reimaginar la parte de su campus de Amsterdam Avenue con el fin de crear un mayor acceso. Se anima a todos los neoyorquinos a dar su opinión.

El Ballet Hispánico sube a escena “Línea Recta”, una obra de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Fechas y horarios

Martes, 25 de julio de 2023 a las 7:30 pm

Miércoles, 26 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Jueves, 27 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Viernes, 28 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Sábado, 29 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Programa

Ballet Hispánico – Línea Recta by Annabelle Lopez Ochoa

American Ballet Theatre – Other Dances by Jerome Robbins

Dance Theatre of Harlem – Nyman String Quartet No. 2 by Robert Garland

World Premiere of Pas de O’Farill by Pedro Ruiz, a collaboration between Ballet Hispánico & New York City Ballet

Alvin Ailey American Dance Theater – excerpt of Dancing Spirit by Ronald K. Brown

New York City Ballet – The Times Are Racing by Justin Peck

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Morir de amor

mgueler — Mon, 20 Feb 2023 13:46:51 +0000

Aran Bell y Devon Teuscher del American Ballet Theatre en la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Sir Kenneth MacMillan. Fotos: Rosalie O’Connor.

Sir Kenneth MacMillan, un minucioso narrador de historias y un mago para delinear personajes complejos, creó “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev, para una de las parejas memorables en la historia del ballet. En 1965 la pieza, basada en la obra de William Shakespeare, subió a escena en Londres interpretada por el Royal Ballet con Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en los papeles principales. Veinte años más tarde, el American Ballet Theatre (ABT) incorporó esta obra en su repertorio.

Hoy, en el año de las celebraciones del cincuentenario del Kennedy Center de Washington D.C., la compañía volvió con este clásico del siglo XX. Del 15 al 19 de febrero, con dirección de Susan Jaffe, presentó elencos diferentes en cada una de las siete funciones. Un vestuario suntuoso y una escenografía deslumbrante, ambas de Nicholas Georgiadis, envuelven una historia de amor adolescente, apasionada y trágica. Sin dudas, este ballet lleva el sello indiscutible del coreógrafo: una trama bien narrada y resoluciones coreográficas de una enorme intensidad en las que, a través del movimiento, devela los conflictos internos de los personajes.

Si bien la compañía y el cuerpo de baile cubrió maravillosamente las escenas de esta obra compleja, cada función tuvo su impronta personal. En la noche del estreno, el 15 de febrero, los protagonistas de los roles principales fueron Aran Bell y Devon Teuscher, dos bailarines que lograron captar la esencia de los personajes y mostraron una buena formación. A medida que avanzaba la trama y los conducía al dramático final, ambos fueron dejando aparecer a sus personajes. Teuscher, una bailarina delicada, con gran musicalidad, compuso una Julieta atractiva y fresca en su amor juvenil, con largas extensiones y delicados brazos.

Mercucio (Carlos González) y Benvolio (Joseph Gorak), los amigos de Romeo, lograron cautivar con sus actuaciones desinhibidas, graciosas, y especialmente dramáticas en el momento de la muerte de Mercucio, el nudo crucial de este drama.

Herman Cornejo y su Romeo

Herman Cornejo interpretó a Romeo en la función del viernes 17 de febrero en el Kennedy Center. Fotos: Rosalie O’Connor.

El viernes 17, el argentino Herman Cornejo fue Romeo. Un bailarín cuyo magnetismo en escena adquiere dimensiones impredecibles. Temperamental y a su vez impecable en su técnica, Cornejo es de esos bailarines que cuando salta parece que una mano invisible lo sostiene y lo deja caer como si acariciara el suelo. Frasea como su propia respiración, a tempo, mientras se lanza por los aires, gira y se desliza, intrépido y avasallante. Su Romeo es encantador y tierno y, al mismo tiempo, logra tocar el dramatismo necesario para las escenas que van desencadenando el final. Su musicalidad capta el ritmo de una compleja partitura y es allí donde surgen el artista y la magia.

Un excelente partenaire, capaz de contener a su bailarina y sacar lo mejor de ella. Al igual que en las escenas callejeras, especialmente con Luciana Paris, la más dinámica de las tres rameras, Cornejo logra desplegar una energía que se percibe desde la platea.

Un maravilloso y vibrante trío compone con sus amigos Mercucio (Tyler Maloney) y Benvolio (Luis Ribagorda). Los tres, subyugan en todas las escenas por su gracia, su atletismo y su perfección técnica.

Julieta, Cassandra Trenary, una bailarina interesante que va desarrollando su personaje con acierto, es infantil, cristalina y chispeante, hasta que luego su semblante se va transformando.

En ambas funciones, la inefable Susan Jones como la nodriza. Adorable desde el primer momento que aparece en escena, en un rol que compone con su maestría habitual y se queda pegada en el corazón del espectador. Mientras, las imágenes de “Romeo y Julieta” quedan pegadas en la retina y los compases de la música reiteran ese drama de amor que se repite a lo largo de los siglos.

American Ballet Theatre en el Kennedy Center de Washington D.C presentó “Romeo y Julieta”. Fotos: Rosalie O’Connor.

Unidos en busca de la Paz

mgueler — Fri, 03 Feb 2023 17:22:46 +0000

Bailarines del United Ukrainian Ballet junto a Alexei Ratmansky (ctro.) cantan el himno de Ucrania luego del saludo final de “Giselle”. Foto: Mena Brunette. Gentileza JFKC.

“Menuda estupidez la guerra/ Qué has llegado a ser ahora/ Bajo esta lluvia de hierro/ De fuego de acero de sangre”, escribió el poeta francés Jaques Prevert en su libro de poemas “Palabras”, publicado en 1946 cuando ya la Segunda Guerra Mundial había terminado. Hoy, que el mundo vuelve al horror de la guerra, el United Ukrainian Ballet (Ballet ucraniano unido), levanta su estandarte de resistencia con una producción que hasta parece un “milagro”.

Mientras la invasión de Rusia a Ucrania empieza a transitar por su segundo año, los artistas ucranianos llevan su lucha simbólica desde la escena. Unidos por la tragedia, por el amor a su Patria y a la danza, estos 60 profesionales exiliados de los teatros nacionales de Kiev, Járkov y Odessa, entre otros, hicieron su debut en el Kennedy Center de Washington DC entre el 1 y el 5 de febrero.

Bajo la dirección artística de Igone de Jongh, el United Ukrainian Ballet tiene su sede en La Haya, en el edificio del antiguo Conservatorio Real, donde viven y trabajan gracias al apoyo de las empresas locales y del gobierno.

La compañía estrenó por primera vez en Estados Unidos la producción de “Giselle” del reconocido coreógrafo Alexei Ratmansky. Un clásico del repertorio y una obra emblemática en la historia del ballet romántico donde se funden elementos esenciales de la condición humana: el amor, la traición, el despecho, la muerte y la misericordia. Esta nueva interpretación de Ratmansky, creada especialmente para la compañía, tiene como invitados especiales a Christine Shevchenko, bailarina principal del American Ballet Theatre, y a Oleksii Tiutiunnyk, bailarín de la National Opera de Ucrania.

Christine Shevchenko, bailarina principal del American Ballet Theatre, y Oleksii Tiutiunnyk, bailarín de la National Opera de Ucrania. Foto: Mark Senior. Gentileza JFKC.

Durante 2022 la compañía llevó esta producción especial a varias ciudades holandesas, al London Coliseum Theatre, y contó con escenografía y vestuario del Birmingham Royal Ballet.

Ratmansky, revisitó “Giselle” para el Bolshói en 2019 y, de acuerdo con su investigación, trató de acercar esta tragedia a la versión original de 1841. El coreógrafo propone una visión delicada y fresca de esta campesina traicionada por Albert, un noble disfrazado.

Shevchenko, que protagonizó a Giselle en la noche del estreno, hizo una entrañable composición de la campesina, con magníficos equilibrios, delicados brazos y una intensa musicalidad. Conmovedora y etérea en el acto blanco. Mientras que Tiutiunnyk, en el role de Albert tuvo momentos de intensidad interpretativa, especialmente en el segundo acto cuando, arrepentido, visita la tumba de Giselle y se encuentra con las Willis.

Hilarion, el guardabosques (Sergei Kliachin) despechado que revela la traición de Albert y desencadena la tragedia es un bailarín sólido con buenos saltos y precisión.

El resto de la compañía muestra un cuerpo de baile ajustado y preciso que hace perfectamente creíble cada una de las situaciones del primer acto y permite crear los climas sugerentes para el desenlace.

Un segundo acto, magnífico, y emocionante, se desarrolla en un bosque que parece mágico a partir de la presencia de esas Willis. Coordinación y equilibrios perfectos es lo que caracteriza desde lo técnico. No obstante, esos bailarines no solo muestran precisión sino que dejan salir el duende del ballet hasta tocar el corazón del espectador. El redentor segundo acto se desarrolla junto a una tumba bañada en añil de medianoche.

Esculturales Willis -espíritus de novias traicionadas- acechan implacables a los intrusos. Giselle, protege a Albert de la condena de las Willis. Ambos bailan uno de los pas de deux más desafiantes del ballet. Ambos logran esa magia inevitable del amor, aún después de la muerte.

Cuando bajó el telón la sala explotó en aplausos. Los bailarines, envueltos en la bandera ucraniana, esperaron la llegada de Ratmansky, también con su bandera, y cantaron el himno de su patria. Imposible no emocionarse. Imposible no pensar en lo injusto de la guerra. Imposible no pensar en resistir hasta que vuelva la Paz.

United Ukrainian Ballet en el estreno de “Giselle” en el Kennedy Center de Washington DC. Foto: Mark Senior. Gentileza JFKC.

Tributo a Ben Stevenson

mgueler — Mon, 11 Jul 2022 15:51:26 +0000

El BNC estrenó “Los corceles de la reina”, con motivo de los 70 años de Isabel II en el trono del Reino Unido. Foto: Yuris Norido. Gentileza BNC.

El reconocido coreógrafo británico Ben Stevenson (1936), ha retornado a La Habana por tercera ocasión de índole artística: en 1978 estuvo invitado por la eximia Alicia Alonso al VI Festival internacional de ballet y, en 2019 invitado por su eminente discípulo cubano Carlos Acosta. Ahora, motivado por su admiración hacia los bailarines cubanos y por los deseos de entregarle a la compañía cubana de ballet “una parte de su legado coreográfico”, según apuntó a la prensa Viengsay Valdés, su directora general y bailarina.

Esta vez se incorporan, por primera vez, al repertorio del Ballet Nacional de Cuba (BNC) tres piezas de Stevenson; una de ellas en estreno absoluto: “Los corceles de la reina”, con motivo de los 70 años de Isabel II en el trono del Reino Unido, “Mozart Requiem”, una grandiosa producción creada en 2006, para el Texas Ballet Theater del cual asume su dirección en Estados Unidos actualmente, por lo tanto el BNC será la segunda agrupación que lo podrá interpretar in extenso.

También tuvimos se presentaron dos de sus coreografías: “Tres preludios”, su primera y más famosa, estrenada en 1969 con el magnífico soporte musical pianístico de Sergei Rachmaninov, y el virtuoso pas de deux “Esmeralda”, que el BNC incorporó en 1980, y que ahora fue rescatado por su propio creador. Un segundo programa se enriqueció con “Imago”, una miniatura coreográfica visualmente impactante para un apolíneo dúo, concebida por la joven bailarina y coreógrafa Ely Regina, sobre música electroacústica y una iluminación psicodélica.

No sería justo eludir la participación primordial del gobierno británico en la realización de este evento, mediante las acciones eficaces de la misión diplomática en La Habana. En pro de la precisión, el embajador del Reino Unido e Irlanda del Norte, Sir George Hollingbery, KCMG manifestó: “Los dos acontecimientos que recordamos con esta Gala no podrían celebrarse de mejor manera; la Reina es patrocinadora del Royal Ballet, la compañía del Royal Ballet de Birmingham tiene como director al coreógrafo y bailarín cubano Carlos Acosta, y esta noche bailarines cubanos presentarán un espectáculo creado por un coreógrafo británico que incluye una obra exclusiva en honor a la Reina” (de gran afición hacia la hípica).

Repertorio e intépretes

“Mozart Requiem”, una producción de 2006 para el Texas Ballet Theater, convierte al BNC en la segunda agrupación que lo interpreta. Foto: Maykel Espinosa Rodríguez. Gentileza BNC.

Las cortinas de la vasta Sala Avellaneda se descorrieron bajo las fanfarrias de la conocida pieza de Edward Elgar, “Pompa y circunstancias”, para iniciar la sobria y emotiva edición de un audiovidual sobre la vida y exitosa carrera de Ben Stevenson, lo cual provocó una cerrada ovación, agradecida con saludos en pie desde su butaca en la platea baja. En un distinguido y enriquecedor diseño del programa de mano ad hoc del Departamento de prensa del BNC, aparecen interesantes textos que vale la pena destacar. En especial, la transcripción de una “conversación locuaz y jovial” sostenida por Viengsay Valdés con el coreógrafo británico homenajeado, quien desveló algunos secretos de su larga y fecunda labor creativa.

Las esperadas entregas interpretativas comenzaron finalmente, tras los discursos de rigor, con una de sus primeras obras maestras, “Tres Preludios”, con música para piano solo de Rachmaninov, ejecutadas en vivo -con pericia- por la joven pianista Daniela Rivero. Una pareja de enamorados en un estudio de danza desarrollan sus íntimos afectos mediante la inspiración fecunda del autor, al estructurar su pieza en forma sonata con el inteligente empleo de la barra en el primero, tal si fuera un “pas de trois”. En los siguientes, para pasar a los ejercicios de centro aplicó magistralmente los silencios, con el objetivo de enfatizar los cambios de matices emocionales y de ritmo. Los intérpretes fueron elección del propio coreógrafo, y la entrega de Daniela Gómez y Darío Hernández resultó gratificante tanto técnicamente como en expresividad, acentuada con un sincero lirismo.

Le siguió la novedad de la gala, es decir la pieza de ocasión creada como un estreno exclusivo para la celebración y el BNC. Se trata de “Los corceles de la Reina”; donde la bailarina solista Alianed Moreno tuvo que encarnar el personaje con majestuosidad y rigor académico dentro del estilo que distingue a la escuela inglesa de ballet, que tiene como epígono a la célebre Margot Fonteyn. La augusta personalidad fue manipulada con pericia por los dos atléticos “corceles”, artistas invitados de la compañía tejana de Stevenson, con el ajustado soporte musical proporcionado por La Gioconda de Amilcare Ponchielli (la archiconocida danza de las horas), así resultó un efímero tributo al amor que concede Isabel II a los equinos de pura sangre.

Acto seguido un impasse con blackout, entonces irrumpe en la escena una pieza rompedora, “Imago”, concebida por la creadora y bailarina cubana Ely Regina, inspirada en los textos filosóficos de José Lezama Lima, una de las figuras más importantes de la literatura contemporánea de la isla. Las formulaciones poéticas suis generis de Lezama Lima son trasladadas en este dúo, cual un “ersatz” de luz, energía y movimiento ejecutado con apolínea despliegue físico y química corporal. Los apenas siete minutos de danza entregados por Estefanía Hernández y Marcel Gutiérrez deslumbraron en su empeño de visualizar los conceptos lezamianos de la mimesis de la imagen (imago), como un recurso retórico que “funda una temporalidad en potencia y rompe el tiempo histórico”. Es el momento más eficaz para que el movimiento (imagen-danza) pueda ser captado sin ser detenido.

Un cambio radical significó pasar de inmediato a la siguiente obra, de gran rigor académico como “Esmeralda pas de deux”, una ejemplar muestra de la creatividad de Stevenson, cuya música de Cesare Pugni, arreglada por Drigo y Romualdo Marenco, sin vinculación aparente con el ballet homónimo de Pugni. Sin embargo aquí “apela a la caracterización de la gitana danzarina callejera” salida de la novela Notre Dame de Paris, de Víctor Hugo. El montaje de Stevenson fue creado originalmente en 1982, para participar en el Concurso de ballet de Jackson ese año. En 1984, pudo verse en Cuba, durante el IX Festival de Ballet de La Habana, y en 2001 su estreno en el American Ballet Theatre estuvo a cargo de afamado bailarín cubano José Manuel Carreño, junto a Nina Ananiashvili. Esta vez correspondió su brillante interpretación a tres talentosos solistas del BNC: María Luisa Márquez, Diego Tápanes o Yankiel Vázquez. Cada noche las ovaciones fueron largas en pie.

Después de una breve pausa, vino la conclusión grandiosa del “Mozart Requiem”, en su estreno cubano. Su creador ha revelado -para descartar conjeturas y motivar nuevas lecturas- que esta obra escénica mozartiana “es un ballet sobre las esperanzas y los sueños de los hombres en tiempos de crisis y de guerra”. Nada más ajustado con la actualidad.

Este ballet fue concebido (en 2006) para once bailarines, como vigorosos jóvenes soldados enfrentados a los nefastos y letales momentos de una guerra, con coreografía, vestuario y luces del propio Stevenson. Él ha confesado que después de admirar al cuerpo de baile masculino del BNC, no había otra producción suya mejor que ésta, y eso fue posible constatarlo en 55 minutos intensos, con el apoyo de las masas corales mixtas y los cuatro solistas -con voces apropiadas- en vivo sobre escena, y una orquesta sinfónica en el foso. Un detalle es importante para el resultado perfecto: contar con un director de orquesta experimentado que pueda mantener el ritmo de su masa orquestal con el de los bailarines en escena, los cuales “deben combinar la técnica con el sentimiento”. Y esta, tuvieron el histrionismo necesario, aunque en algunos momentos se observaron sobreactuaciones. En fin, el más contundente alegato en favor de la paz y la armonía global.

Un salto dirigido hacia el futuro

mgueler — Tue, 06 Apr 2021 22:34:09 +0000

Herman Cornejo, en movimiento, mediante el Sistema Sebring Revolution en una imagen capturada en 360 grados. Foto gentileza Steven Sebring.

Cuando en 1912 Vaslav Nijinsky, la estrella de Los Ballet Russes de Sergei Diaghilev, conmocionó al público de París con el estreno de “Siesta de un fauno” y “Consagración de la primavera”, hubo un antes y un después. La danza ya no fue la misma, y los conceptos estéticos tradicionales empezaron a reconstruirse desde otra perspectiva.

Hoy, Herman Cornejo, a caballo entre los dos siglos, plantea, al igual que Nijinsky, una nueva y renovadora manera de ver y vivir la danza. En este período de confinamiento obligado por una pandemia que se adueñó del mundo, el primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT) se animó a poner en marcha un proyecto que venía diseñando desde hacía tiempo: Dancelive.

La primera presentación filmada en diciembre 2020 se transmitió en las redes el 30 de enero de este año, con Skylar Brandt, bailarina principal del ABT, y Cornejo como protagonistas. Una propuesta que rompe con las estructuras preestablecidas y se afianza en una perspectiva de futuro donde la danza adquiere perfiles diferentes sin desentenderse de su esencia.

Esta idea, que empezó con apuntes en borrador, logró plasmarse con la colaboración de Sebring Revolution, la empresa estadounidense de medios multidimensionales que crea contenido visual-artístico interactivo a través de plataformas holográficas. Las imágenes se proyectan en Sebring House Platform, una plataforma multimedia navegable creada por el reconocido fotógrafo, cineasta y productor Steven Sebring,

Dancelive transita entre la realidad virtual y la concreta, entre la escena y el detrás de la escena, y explora el mundo tridimensional a través de una lente que captura el movimiento en 360 grados. De esta forma, bailarines y público se instalan en un proceso de inmersión en el que la danza en vivo se presenta con mayor intimidad y cercanía.

El espectáculo virtual está diseñado con la arquitectura de un motor de juegos, y tiene la particularidad de ser accesible en todos los dispositivos, desde móviles a computadoras de escritorio y cine en casa. La presentación proporciona una óptica envolvente en la cual el espectador se siente integrado a la experiencia creativa desde la concepción hasta el ensayo y la actuación.

Herman Cornejo en un ensayo con Joshua Beamish en modo virtual. Foto gentileza Steven Sebring.

Danzahoy: ¿Cómo se fue gestando esta idea de fundir lo real y lo virtual?

Herman Cornejo: Empecé a escribir este proyecto hace dos años. Sin embargo, como la danza fuera de escena no tiene mucha conexión con el público, seguí trabajando en eso para encontrar la forma de canalizarlo mejor. Durante la pandemia, y a raíz del rol que ha tenido la tecnología en este período, esta idea empezó a hacerse más real. Incorporar esta plataforma hizo que el proyecto tuviera una interacción tridimensional. La intención es que, lo que se ve en los videos se convierta en realidad virtual, lo cual permitirá que los espectadores intervengan en el show virtualmente.

D: ¿Qué es lo que agrega esta tecnología al concepto del espectáculo tradicional?

HC: Que el espectador puede ver el proceso de la creación, porque eso es algo que siempre se lo perdió. Creo que es importante mostrar que cuando un bailarín profesional llega al escenario es porque hubo mucho trabajo previo. La intención es también educativa. Es decir, hay un aspecto pedagógico que consiste en desarrollar la secuencia de un paso de baile desde un plano tridimensional. De esta manera el bailarín puede ver el movimiento del cuerpo desde distintos ángulos. La idea es que esa creación en vivo sin cortes se lleve al teatro y se filme. Y a partir de ahí aparece un tercer eslabón, que es el plano tridimensional.

D: Parecería que éste es un momento clave para lanzar un proyecto como éste.

HC: En 2020 hemos tenido emociones variadas, y este proyecto fue uno de los “up”. Sin esta pandemia no lo hubiera hecho. Esta desgracia, durante la que se paró el mundo y murió mucha gente, me dio el tiempo, tan preciado, para crear otra cosa. Lo interesante es que, si bien es virtual, todas estas coreografías también se pueden hacer después en el teatro. Por otra parte, la danza siempre evoluciona y la tecnología es el presente y el futuro.

D: ¿De qué manera funcionará esta compañía?

HC: Dancelive se creó con este proyecto virtual, y si bien no va a ser una compañía permanente, se organizará en función de cada proyecto. Vamos a seleccionar bailarines de distintas compañías internacionales para cada propuesta, y trabajaremos durante un mes hasta filmar todo el proceso. Luego, buscaremos otros bailarines para encarar un nuevo proyecto. El objetivo es hacer un promedio de seis durante todo el año. En este equipo cada uno tiene su función y como siempre, el patrocinio es muy difícil de encontrar, especialmente para proyectos nuevos. Y habrá que abrir otras puertas.

Un nuevo rumbo

Apenas tenía 8 años cuando quedó deslumbrado por la danza. Era la primera vez que veía al bailarín Maximiliano Guerra. La obra: “Espartaco”, uno de los grandes clásicos del siglo XX. A los 14 años, integró Ballet Argentino dirigido por Julio Bocca, y dos años más tarde, ganó la medalla de oro en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú. Fue el bailarín más joven en la historia del concurso. Y si bien no cumplía con la edad mínima requerida, fue el mismo Bocca quien pidió una excepción para que lo aceptaran. Hoy, con más de 20 años en el ABT es el único hispano con la categoría de primer bailarín en la compañía.

Llegó al ABT con su hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y los dos experimentaron el famoso “sueño americano”. “Mi madre se quedó los primeros tres meses con nosotros para confirmar que estuviéramos bien ubicados, y seguros de que era eso lo que queríamos –recordó–. A pesar de ser muy joven cuando llegué, siempre fui muy responsable, aún hoy tomo clases como si fuera un principiante. Y no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York. Soy muy casero, y no me gusta ir de fiesta”.

Con voz firme y calidez mesurada, Cornejo invita a imaginar otras dimensiones estéticas y emocionales. Salta entre el presente y el futuro con la magnificencia y la magia que lo hace en escena. Desde su apartamento en Nueva York, con una niña de pocos meses, el bailarín argentino que nació en la provincia de San Luis abre nuevas puertas a la danza.

D: ¿Este proyecto implica tu separación del ABT?

HC: ABT es mi casa, estoy desde los 17 años, y pienso ser su director en el futuro. Conozco todo: burocracia, repertorio, y sé lo que puede ser ABT conmigo como director. Pero antes de eso, el primer paso es mostrar lo que puedo hacer. Por otra parte, si ABT se caracteriza por algo, es justamente por la variedad de nacionalidades que integran la compañía.

D: ¿De qué manera afectó la pandemia al ABT?

HC: Fue devastador económica, física y emocionalmente para todos porque al ser una compañía privada, dejó de pagar y, a pesar de la ayuda financiera que recibimos los bailarines, todavía estamos en el paro. Si bien hemos tomado clases virtuales, nos va a llevar un tiempo volver al nivel que todos teníamos antes de la pandemia. No creo que podamos hacer las coreografías a las que estábamos acostumbrados, como los ballets completos, por ejemplo. La clase que uno hace en la casa es más para la salud mental que para el físico, porque es imposible sin los elementos necesarios para nuestro trabajo como lo son el piso o la barra.

D: ¿Cuál fue tu reacción durante este año que pasó?

HC: Para mí, bailar no es moverme, es interpretar algo, contar una historia. En julio 2020 cerré mi estudio -una habitación que diseñé como gimnasio- porque me sentía atrapado sin tener nada que hacer. Cuando lo cerré empecé a mejorar emocionalmente. De igual manera, todos los bailarines pasamos por ese momento, y nos preguntamos qué hacer. A mí me sirvió escuchar a mi cuerpo porque era una lucha conmigo mismo.

D: ¿En algún momento te planteaste dejar de bailar?

HC: Voy a cumplir 40 años, y si bien en el momento en que empezó la pandemia me sentía bien, en forma y planeaba que podía bailar hasta los 45, tener que parar me hizo pensar si realmente podría recuperarme para volver al escenario. Y especulé con mi retiro. Pero poner este proyecto en pie me dio las energías para seguir. Y aquí estoy.

Skylar Brandt y Herman Cornejo a través de multiples camaras en el primer proyecto de Dancelive. Foto gentileza Steven Sebring.

Dancelive Series

Acto I-Acceso ilimitado: El espectáculo detrás del espectáculo

Experiencia interactiva de transmisión en vivo que muestra el proceso creativo de los artistas entre bastidores. Entrenamientos, ensayos, trabajo cotidiano. Entrevistas a los bailarines y equipos creativos.

Acto II-In Motion (En movimiento): Dance on Film

Todos los componentes del proceso de DANCELIVE, además de transmitirse en vivo, se integrarán en una biblioteca de películas, disponible para su visualización bajo demanda, dirigida por el cineasta Steven Sebring (Patti Smith: Dream of Life), lo cual permitirá que el público haga una exploración cinematográfica múltiple de la expresión artística de los bailarines.

Acto III-El Foco: Actuaciones en vivo

Las presentaciones de Dancelive se presentarán en el Revolution Theatre, la casa histórica del Clinton Star Theatre en el centro de Manhattan, durante reuniones íntimas VIP (con distancia social), disponibles en casa a través de su transmisión en vivo.

https://sebringrevolution.com/dancelive