El Joffrey Ballet en la primera escena de “Anna Karenina” de Yuri Possokhov en el Opera House del Kennedy Center. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Una trama donde se funden la pasión y el conflicto moral. Una historia que transita entre Eros y Tánatos, en la que sus personajes se debaten entre el deber y el ser. “Anna Karenina”, de León Tolstoi, publicada en forma de libro en 1878, no sólo es una obra insoslayable de la literatura universal, sino que trasciende su época y abre paso a una diversidad de interpretaciones.

El Joffrey Ballet llevó al Opera House del Kennedy Center, del 5 al 9 de abril, una nueva versión creada por el talentoso coreógrafo ucraniano Yuri Possokhov, premio Benois de la danza 2019. Ya en los años ’70 la inolvidable Maya Plisetskaya recreó para el Bolshoi Ballet y luego para el cine esta conmovedora obra con música compuesta por su esposo, Rodion Shchedrin. Tras su magnífica versión, siguieron varias propuestas tanto clásicas como contemporáneas a través de la mirada de coreógrafos como Boris Eifman, Jochen Ulrich, Alexei Ratmansky y Christian Spuck.

“Anna Karenina” es de esas obras que desnuda la condición humana y se instala en el alma para siempre. Y en esta puesta, el autor del libreto, Valeriy Pecheykin, muestra con claridad esos dos mundos de la vida y de la muerte, de la integración social y la marginalidad, del amor y el desamor. Aspectos que se plasman en la magnífica escenografía de Tom Pye, que también es responsable de un vestuario estupendo que a su vez refleja la dicotomía de la obra y de sus personajes.

Edson Barbosa, José Pablo Castro Cuevas y Amanda Assucena, del Joffrey Ballet, en “Anna Karenina”. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

Anna Karenina, una mujer casada que despierta al amor y a la pasión a partir de su encuentro con el conde Alexey Vronsky, es capaz de romper con las convenciones morales y sociales de la época, y lo arriesga todo por un amor prohibido. Un amor que escandaliza a los círculos sociales de San Petersburgo y obliga a los amantes a huir a Italia en busca de una felicidad que nunca llega y se desmorona cada vez más hasta el final. Y en medio de ellos, los trenes que van y vienen transformando la vida de la sociedad. Un elemento clave tanto en la novela de Tolstoi como en esta versión estrenada por el Joffrey Ballet en 2019.

El compositor Ilya Demutsky logra capturar en su partitura las más delicadas, íntimas y desgarradoras situaciones, y a su vez, los magnificentes espacios de la corte imperial. Parecería, incluso, que su música se cuela por los espacios secretos de la conciencia de cada uno de los protagonistas. Excelente trabajo el de la orquesta dirigida por Scott Speck y de las cantantes Lindsay Metzger y Jennifer Kosharsky.

Como una filigrana, Possokhov ha delineado cada detalle de esta puesta y abrie paso a elementos de gran valor simbólico. La iluminación de David Finn va pintando con avezado pincel, escenas y situaciones. Los diferentes módulos de Pye para dividir escenas y lugares, no solo muestran ambientes, también sugieren estados de ánimo escondidos en el interior de los protagonistas. Y las proyecciones de Finn Ross permiten transitar tiempos y espacios diferentes, imaginar, recordar, sentir. Ross superpone con ingenio y delicadeza los múltiples planos de la historia.

Amanda Assucena como Anna Karenina logra momentos interesantes, especialmente en las devastadoras escenas finales. Edson Barbosa interpreta con acierto y sutileza a Alexey Karenin. Sus solos, sus dúos y tríos con Anna y con Vronsky son de gran intensidad. José Pablo Castro Cuevas compone un Vronsky frío y distante, como un león agazapado en busca de su presa. Yumi Kanazawa es una encantadora princesa Kitty, y encarna la contracara del dramatismo y la tragedia de Anna. Konstatin Levin, bailado por Xavier Núñez, puso la frescura del amor a su personaje.

En esta magnífica diversidad étnica de bailarines de distintos orígenes y formaciones, el Joffrey gana la partida. Una compañía sólida, compacta, sensible que, como siempre, apuntó a ensamblar técnica e interpretación. Y esta vez se lanzó con otra de sus consabidas audacias: una puesta deslumbrante y moderna por donde se la mire, y un clásico emblemático de la literatura universal.

José Pablo Castro Cuevas en el rol de Vronsky y Amanda Assucena como Anna Karenina. Foto: Cheryl Mann. Gentileza JFKC.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2023/04/una-pasion-que-se-funde-con-la-muerte/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2023/03/vuelve-a-la-carga-con-mas-estrenos/ https://www.danzahoy.com/home/2023/03/vuelve-a-la-carga-con-mas-estrenos/#comments Fri, 31 Mar 2023 23:14:36 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=15356

Con “Otra bella cubana”, Susana Pous se estrena ella misma como “coreógrafa cubana”.Foto: Frank Domínguez. Gentileza BNC.

Después de un breve período de ausencia de estas páginas-por motivos de salud- este cronista retorna con renovada pasión por la danza toda, y en consecuencia el Ballet Nacional de Cuba, que ostenta ahora en sus programas de mano el merecido reconocimiento oficial de Patrimonio cultural de la nación, me despierta las motivaciones respectivas a partir de los tres estrenos coreográficos post pandemia en 2023.

Los mencionados estrenos son creaciones de coreógrafos foráneos, con características estilísticas diversas e inclusivas. Lo mismo puede decirse de los soporte musicales de cada uno. Completaba el programa de esta temporada un par de afortunadas reposiciones: así lo fue para la apertura el dúo “Love Fear Loss” (sin traducir) del brasileño Ricardo Amarante y la espléndida pieza del ruso-estadounidense Alexei Ratmansky, “Concerto DSCH” con la potente música de Dimitri Schostakovich.

Otra nota alta que resuena con brillantez en estas representaciones sobre la escena de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, proviene de los reajustes en los elencos. La dirección de la primera bailarina Viengsay Valdés se nos muestra atinada al realizar acertadas promociones en los diversos rangos del cuerpo de baile del BNC: Yankiel Vázquez asciende como nuevo primer bailarín, así como más nutridos fueron los ascensos entre los bailarines principales y los solistas. Debemos considerar los éxodos de talentos juveniles ocurridos, desde el 2019 a la fecha, en el sector de las artes escénicas del país por diversos motivos personales, y curiosamente sin motivaciones de carácter ideológico o político que sepamos.

Técnicamente hablando, los intérpretes de los títulos programados aquí demostraron su rotunda formación académica como recién egresados de la Escuela nacional de ballet. No obstante nuestros reproches van dirigidos a su incipiente maduración dramática y en las incorporaciones físicas de la danza contemporánea y sus llamadas “fusiones” al uso.

Sobre las obras estrenadas

“A fuego lento” con coreografía de Ricardo Amarante, autor igualmente de los diseños de luces y vestuario. Foto: Frank Domínguez. Gentileza BNC..

Con “Otra bella cubana”, Susana Pous se estrena ella misma como “coreógrafa cubana”, si bien sabemos que nació y se formó como bailarina en España. Por más de dos décadas ha desarrollado una carrera destacada en su país de adopción (donde ha constituido una simpática familia), al cual ingresó como asistente de la catalana María Rovira para el montaje de una obra para el BNC.

La génesis de su estreno tiene su origen en la concepción musical de la compositora y cantante Eme Alfonso, del tema homónimo del decimonónico violinista cubano José White, recreado por una banda electroacústica y con pertinentes diseños por Guido Gali. Pous expone en ella sus exploraciones para recrear un mundo esencialmente, que, confiesa, le es muy cercano  esta vez  “desde una visión social”, sobre el papel de la mujer en la sociedad cubana hic et nunc.

Vinculada siempre con la danza contemporánea mediante su propia agrupación: “Mi compañía, aceptó la invitación aperturista de Viengsay Valdés, puesto que -ha expresado- ha defendido la idea de que la danza debe asumirse como un todo…con otras maneras de asumirla. Por lo tanto fue un reto que conlleva riesgos; “el riesgo es consustancial a la evolución”, afirm Pous.

Le siguió el estreno en Cuba del ballet en un acto “A fuego lento” con coreografía de Ricardo Amarante, autor igualmente de los diseños de luces y vestuario. Un invitado reincidente con el BNC: vimos su pieza anterior como “opening”.Aquí su soporte musical es una banda sonora con fragmento de Lalo Schifrin, Astor Piazzolla y Sayo Kosugi. Sus intérpretes principales fueron la primera bailarina Grettel Morejón y el promovido Darío Hernández (donde exhibe una elegante fisicalidad en su atletismo), con la participación eficaz de cuatro parejas de solistas bien afiatadas.

El vocabulario de pasos se muestra restringido en su paleta de movimientos recurrentes y disruptivos, por momento punzantes. Es también Amarante el creador de los diseños de luces y vestuario, discretamente ajustados a los fines buscados.

Después de un dilatado intermedio, el vasto escenario de la sala Avellaneda estaba a telón abierto y en blackout, de súbito irrumpe un bailarín principal ya mencionado, Darío Hernández, con su figura de danseur noble y un carisma especial para ejecutar “el centro” de una clase académica de ballet como una solo-performance denominada “BALLET 101”, solamente guiado por los pasos anunciados por dos maestros de ballet en off y con dos cenitales como iluminación. Un tour de force de 15 minutos intensos que fue gratificado con una sonora ovación.

Su autor es el bailarín canadiense Eric Gauthier (exsolista del Ballet de Stuttgart) que lo estrenó allí en 2006 y ahora ingresa en el repertorio del BNC. También diseñador de luces y vestuario decide emplear un collage de sonidos con Jens Peter Abele, y para el montaje del solo recurrió al bailarín Cesar ”Sonny” Locsin, con experiencias múltiples en ballet clásico, moderno, contemporáneo y jazz, y actualmente dirige su agrupación en su natal Filipinas. Es un caleidoscopio de pasos con sus variantes a partir de las cinco posiciones del canon académico, al seguir el ritmo natural de las voces en off de los maitres de ballet al frente de la parte del centro en una clase de ballet.

El espectáculo concluye con la deslumbrante  coreografía del muy mediático Alexei Ratmansky con un juvenil cuerpo de baile sin la seguridad necesaria para lograr los desconcertantes rebuscamientos en los dúos y tríos que sin duda lograrían en ulteriores representaciones. Esta obra contó con el acompañamiento en vivo de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro Alicia Alonso, con la dirección afortunada del titular Yhovani Duarte, y la eficaz ejecución al piano de la concertista Daniela Rivero con una pieza tan exigente de Shostakóvich, que merecía una más cuidada afinación del Steinway utilizado.

The National Ballet of Canada cerró su primera noche en el Kennedy Center con “Piano Concerto #1” de Alexei Ratmansky. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude” de William Forsythe fue lo primero que irrumpió en el escenario del Opera House del Kennedy Center de Washington DC el martes 28 de enero cuando The National Ballet of Canada hizo su debut en esta temporada. Pero un segundo Forsythe siguió a esta obra cuya exactitud, como lo dice su título no deja de ser “vertiginosa” y atractiva. “Approximate Sonata 2016″ puso nuevamente la impronta indiscutible del coreógrafo estadounidense radicado en Alemania desde hace casi 50 años: belleza, armonía, estructura.

Esta obra, que intercala efectos audiovisuales y se interna en la música electroacústica con absoluta profundidad, muestra un grupo de bailarines convertidos en instrumentos de una partitura que se integra en una propuesta conceptual en la que cada elemento tiene una razón de ser.

Spencer Hack y Tina Pereira en “Petite Mort” de Jiří Kylián. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, un “casi” clásico de Jiří Kylián, “Petite Mort”. Una obra de fina construcción, filosófica y reflexiva, en la que esa pequeña muerte en el momento del sexo se convierte en una mirada sobre la condición y la belleza humana. Creada en 1991, para el Festival de Salzburgo con motivo del segundo centenario de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart, la pieza coquetea con el humor incorporando vestidos de miriñaque negros detrás de los cuales los bailarines juegan y se desplazan como en una “subtrama” de una historia paralela.

Para el final, “Piano Concerto # 1″ de Alexei Ratmansky. La última parte de una trilogía creada por Ratmansky en homenaje a Dmitri Shostakovich, que se impone como una metáfora sutil a las prohibiciones a la Avant-garde perpetradas en la época stalinista.

De hecho, en el diseño de escenografía, Ratmansky incorpora símbolos soviéticos pendiendo del techo, mientras los bailarines, con impecable precisión y técnica van desplegando estados emocionales controvertidos.

Con este caleidoscopio de obras contemporáneas abstractas e intensas, The National Ballet of Canada se planta en la escena como una compañía de sólida técnica y grandes bailarines.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude”, de William Forsythe abrió el programa mixto de The National Ballet of Canada. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

Un cuento de hadas

“La bella durmiente” fue el segundo programa que trajo a Washington la compañía dirigida por Karen Kain. Este ballet, versión de Rudolf Nureyev sobre la original de Marius Petipa con puesta en escena de Kain, está ambientado en una corte que, perfectamente podría asociarse con la Francia de los Luises. Nureyev creó esta versión en 1966 para La Scala de Milán, y en 1972 tuvo su estreno con The National Ballet of Canada.

Una escenografía lujosa y vestuario, también lujoso, creados por Nicholas Georgiadis, caracterizan a esta puesta con desafíos coreográficos importantes tanto para los protagonistas como para el cuerpo de baile y solistas. En esta “Bella durmiente” el diseñador recurre a incontables plumas, oropeles, miriñaques, zapatos con taco y hebilla, pedrería y pelucas pomposas para dibujar, con sutil ironía, una corte opulenta y diferente a las que habitualmente se describen en este clásico.

Heather Ogden como Aurora y Harrison James en el rol del príncipe Florimund en “La Bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Pero más allá de la puesta y el diseño esta Bella y su séquito adquieren también características diferentes. La protagonista se aleja en parte de esa personalidad inocente y etérea que caracteriza a la princesa Aurora en este ballet y adquiere perfiles distintos en cuanto a su personalidad y actitud. Si bien la trama no escapa al clásico.

Radiante y segura de su rol, Heather Ogden hace una atractiva interpretación de Aurora. Con una línea clara, buenos equilibrios y musicalidad, la bailarina osciló entre los pas de deux y las escenas de conjunto con absoluta naturalidad.

Harrison James, como el Príncipe Florimund, fue un excelente partenaire y un bailarín sólido en sus variaciones, con buenos saltos y giros precisos. Ambos hicieron una interesante y atractiva dupla. Emma Hawes, en el rol del hada principal, mostró su solvencia y precisión técnica, y a su vez logró el tempo justo para la sexta variación del prólogo del Acto I.

El hada Lila, interpretada por Tanya Howard, adquirió un perfil más enigmático, casi como el demiurgo que entrelaza todos los hilos. Y para el final, en las bodas de Aurora con el príncipe, la compañía encuentra el lenguaje y los bailarines justos para un final de fiesta a toda pompa.

Los protagonistas Heather Ogden y Harrison James con el cuerpo de baile de The National Ballet of Canada en “La bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Lourdes López a punto de lanzar la programación de la temporada 2019-2020 que comienza en Miami y luego sale de gira por el Este y el Oeste de los Estados Unidos. Foto gentileza MCB.

Ballerina y maestra, Lourdes López, por poco más de un lustro directora artística del Miami City Ballet (MCB), con sede en un icónico inmueble art déco de la ciudad de Miami Beach. Privilegiada discípula de Georges Balanchine, tenía apenas un año cuando llegó de Cuba a Miami con sus padres. Después de superar ciertas anomalías congénitas de sus pies logró ingresar –primero en la Joffrey School– y luego a los 14 años consiguió una beca en la afamada School of American Ballet. Por su esforzado rigor en su formación técnica, fue seleccionada para formar parte del cuerpo de baile del New York City Ballet.

Su distintiva musicalidad y su especial calidad de movimiento, combinadas con su personal glamur, fueron fundamentales para que el todopoderoso Mr B decidiera sus promociones sucesivas en los rangos del NYCB, hasta culminar en el anhelado puesto de “principal” en 1984, el cual desempeñó con éxitos de público y crítica, hasta decidir su retiro de la escena. El ejercicio de ballet mistress y el de directora, desde 2013, la han colmado de satisfacciones personales, mediante los logros artísticos alcanzados por el MCB.

Con una apretada agenda de clases, ensayos y montajes, y ante el comienzo de la temporada 2019-2020 el 18 de octubre con “Slaughter on Tenth Avenue” de Balanchine, la directora, optó por varias reposiciones y estrenos, así como dos grandes “war horses”: “Don Quijote” y “El cascanueces”.

Danzahoy: Para comenzar, ¿cuáles fueron tus criterios para la elección, estética y temática de las obras?
Lourdes López: En esta temporada solamente tenemos estrenos de dos creadores vivos, Justin Peck y Christopher Wheeldon, y la reposición de una pieza de Alexei Ratmansky. Ninguno de ellos pudo venir a Miami, pero los repositores autorizados han estado al frente de los montajes.
En cuanto a la primera cuestión, programo no por temáticas, doy prioridad a las piezas que resultan buenas para el enriquecimiento cultural y estético tanto del público como de los bailarines. Me importa mucho saber cómo se ha de sentir el público después de verlas. Es así como las combino, en busca de un equilibrio con lo clásico y lo contemporáneo. De las reposiciones, opino que mientras más las bailan mejor será la entrega. Deben bailarlas en ocasiones sucesivas cada dos o tres años, para que las incorporen mejor, particularmente en el plano de los estilos. Los grandes ballets del repertorio clásico, preferimos que los vean cada cuatro o cinco años. En esta ocasión, tenemos “Don Quijote”, en la versión que baila el American Ballet Theatre, y “El cascanueces”, por supuesto, hacemos la coreografía de Balanchine.

D: ¿Cómo se incorporan a la compañía los nuevos talentos surgidos recientemente?
LL: Ahora hemos llegado a contar con 53 bailarines, el número más grande que jamás hemos tenido. Esta vez tendremos al excelente bailarín cubano Carlos Quenedit, que interpretará Basilio en nuestro “Don Q” con la primera bailarina mexicana Katia Carranza. Por otra parte, la distinguida solista Nathalia Arjase estrena en el pas de deux “Pájaro de fuego” (Balanchine/Stravinsky). También cuento con dos chicos y dos chicas, muy jóvenes (de 19 ó 20 años) que, en dos semanas de ensayo conmigo han demostrado progresos evidentes y especial talento.

Una de las elegidas de George Balanchine en el NYCB, Lourdes López asumió la dirección del Miami City Ballet en 2013. Foto gentileza MCB.

D: ¿Y la selección de las obras que ya pueden considerarse clásicas?
LL: Consideramos mucho los permisos del Balanchine Trust, pues nos autorizan a bailar por primera vez piezas del repertorio del NYCB. Entre ellas el pas de deux “Pájaro de fuego” con nueva puesta en escena y vestuario, que solamente lo baila la agrupación neoyorkina. Igualmente, “I´m Old Fashioned”, un homenaje de Jerome Robbins a Fred Astaire, uno de los grandes bailarines de entonces. Nuestros solistas bailarán ante las estrellas del famoso filme de 1941, que se proyectarán en una gran pantalla a sus espaldas, Astaire y Rita Hayworth, con su glamur hollywoodense “irresistible y conmovedor”. El público tendrá reales motivos para salir eufórico del teatro.

D: ¿Cuáles son los estrenos elegidos?
LL: “Rodeo: Four Dances Episodes” es una recreación de Justin Peck que rinde homenaje a la coreógrafa norteamericana Agnes de Mille (con la que se hizo famosa), siempre con la música original de Aaron Copland, realizada para el NYCB será representada por vez primera fuera de su compañía de ballet. El pas de deux “This Bitter Earth” de Wheeldon sobre la música seductora de Max Richter con la voz en off de Dinah Washington, es un dúo muy hermoso pero muy triste, conmovedor.

D: Si bien no es un estreno, reponen “Symphonic Dances” (2012) de uno de los más afamados coreógrafos del momento, el ruso Ratmansky, que coincidentemente ofreció su obra “ConcertoDSCH” (de 2008) al Ballet Nacional de Cuba, obra que también bailó el Ballet del Teatro Mariinski en el Covent Garden de Londres en 2014.
LL: Me alegra mucho que el BNC tenga un ballet de Alexei (Ratmansky) en un futuro cercano. El que bailamos en nuestro conjunto siempre es muy bien recibido por el público, y aportó mucho a nuestro elenco.

D: ¿Cómo se manifiesta el público de Florida con relación al ballet, y particularmente en cuanto a los programas del MCB?
LL: Realmente la respuesta del público ha sido muy buena en los últimos años, buena venta de subscripciones y de taquilla. El nivel de asistencia ha sido alto, a Dios gracias. Hemos superado una precedente apatía.
D: ¿Cómo se desarrolla su relación profesional y personal con la nueva dupla que rige actualmente el NYCB?
LL: Puedo decirte que muy buena. Tanto con Jonathan (Stafford) que no conocía antes de mi retiro, como con Wendy (Whelan), pues fuimos amigas cuando bailamos juntas en el cuerpo de baile del NYCB. Ambos siguen siendo buenos colegas.

Lourdes López incluye en la programación del MCB clásicos de Balanchine, estrenos de Justin Peck y Christopher Wheeldon, y una reposición de Alexei Ratmansky. Foto gentileza MCB.

D: ¿Padece el MCB la carencia de nuevos talentos coreográficos, como se manifiesta en otras compañías de ballet? La programación de la nueva temporada está sostenida por nombres de gran reconocimiento…
LL: En cierta manera sí. Pero esto lo vamos paliando y superando con la participación de los estudiantes que participan en las escuelas de verano y de invierno. A la par, existe un taller coreográfico del cual han surgido dos jóvenes con promisores talentos coreográficos, que han creado piezas para los participantes de ambos cursos. Uno de ellos compone en la línea contemporánea y el otro (una chica) en la clásica… sin duda me parece muy clásica. En la temporada de 2020 le daremos oportunidad a un joven talento en lo contemporáneo, pues ha montado siete danzas muy creativas para los participantes.

D: ¿Cuál será su posición, en tanto que mentora de una institución estadounidense de ballet, con respecto a los cambios en la cúpula directriz del Ballet Nacional de Cuba?
LL: Me parece una elección positiva, es darle paso a generaciones más jóvenes. A Viengsay Valdés la he visto bailar de manera brillante, la he admirado por su baile. Estamos dispuestos a ayudarla en lo artístico y profesional. Para eso somos compañías homólogas como artistas de la danza y geográficamente vecinas.

D: ¿Cómo han programado las giras a corto plazo para 2019-2020, tanto locales como internacionales?
LL: Hasta ahora, nuestros planes de gira confirmados son los inmediatos: actuaremos en escenarios de varias ciudades del Sur de la Florida en 2019, aunque luego iremos a Washington DC, a California, y en 2020 a importantes ciudades de Canadá.

D: En 2020, en Cuba están preparando varias celebraciones para el centenario de Alicia Alonso, particularmente durante el bienal Festival Internacional de Ballet de La Habana, (octubre-noviembre). ¿Aceptaría una invitación para bailar en esas conmemoraciones?
LL: Espero que puedan celebrársele sus 100 años como ella se merece, y que esté mucho más tiempo entre nosotros. Y que sea posible estar presentes.

Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

El New York City Ballet presentó en el Kennedy Center “Odessa”, de Alexei Ratmansky, basada en “Sketches to Sunset”, del músico ucraniano Leonid Desyatnikov. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Con clásicos indiscutibles de George Balanchine, el New York City Ballet marcó otra temporada más en el Kennedy Center de Washington DC que comenzó el 6 de junio y terminó el 11. Al sello insoslayable de Mr. B, se sumaron obras de Justin Peck, coreógrafo y bailarín de la troupe que dirige Peter Martins; un reciente estreno de Alexei Ratmansky y una atractiva pieza de Christopher Wheeldom. No obstante, quizás este año más que en otras oportunidades, la gran protagonista fue la compañía. Un grupo de bailarines excelentes, con una energía especial y contagiosa, hicieron de los dos programas una explosión de danza y entusiasmo. Un verdadero lujo.

En “Tarantela”, de George Balanchine, Erika Pereira logró combinar técnica y encanto. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

En la impecable versión de “Square Dances”, tanto los primeros bailarines y solistas como el cuerpo de baile, mostraron una especial cohesión, tal como si una especie de mágico gurú les hubiera dado todos los dones. Las líneas perfectas de Balanchine, su indiscutible claridad y limpieza coreográfica que no en vano lo consagraron como el gran coreógrafo del siglo XX, hicieron que el grupo de bailarines desplegara lo mejor de sí mismos para abrir un programa de esos que pueden considerarse como inolvidables

En “Tarantela”, de Balanchine, Spartak Hoxha hizo una magnífica dupla con Erica Pereira. Ambos bailarines lograron combinar técnica y encanto, para hacer de esta pieza breve, un bello divertimento. No obstante, quizás no fue la mejor transición para llegar a “Odessa” de Alexei Ratmansky, una obra basada en “Sketches to Sunset”, del músico ucraniano Leonid Desyatnikov. La partitura, y en parte la línea argumental de esta obra, se sostienen en la pieza de teatro de Isaak Babel, el escritor ruso fusilado durante las purgas de Stalin en la antigua Unión Soviética.

Ratmansky describe, con sutileza, un clima opresivo, donde lo social queda subyacente y cargado de simbolismos, mientras tres parejas protagónicas rememoran elementos de la obra de Babel en la cual la vida de esas tres mujeres depende de esos tres hombres, marginales y corruptos. Entre luces y sombras, Ratmansky permite imaginar situaciones de conflicto disimuladas o encubiertas por una fachada semi festiva, detrás de la cual, está expuesta la violencia.

Sara Mearns, Ashley Bouder y Sterling Hyltin van delineando personajes de una trama casi abstracta, mientras Tyler Angle, Joaquín De Luz y Taylor Stanley logran climas de tensión a través de una interesante interpretación. De Luz, como siempre ocurre, despliega un especial magnetismo en escena. Un bailarín de técnica limpia, absoluto dominio de su cuerpo y capaz de internalizar profundamente sus roles.

Para el final de este primer programa, el NYCB subió a escena “Rodeo: Four Dance Episodes”, obra de Justin Peck con música que Aaron Copland compuso para “Rodeo”, estrenada por Agnes de Mille en 1942. Peck hizo su propia creación sobre el tema musical, dejando de lado la veta folclórica y costumbrista de de Mille.

En esta propuesta de 2015 el coreógrafo y bailarín dividió la obra en cuatro movimientos en los que fue alternando secuencias y dinámicas para conformar una pieza sin un argumento determinado, llena de humor y energía, integrada por 15 varones y una sola mujer, Tiler Peck. Ambos, Tiler y Justin Peck, protagonizaron un pas de deux pleno de lirismo en el tercer movimiento, para luego, en el cuarto movimiento, incorporar al resto de los bailarines en un final explosivo.

“Rodeo: Four Dance Episodes”, obra de Justin Peck con música que Aaron Copland, compuesta por 15 bailarines y una única protagonista femenina, Tiler Peck. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Flamantes autoridades del Teatro Colón, (de izq. a der.) María Victoria Alcaraz, Paloma Herrera, Horacio Rodríguez Larreta, Enrique Diemecke y Diego Santilli. Foto: Sandra Hernández. Prensa GCBA.

Hace menos de una semana las autoridades del Teatro Colón de Buenos Aires anunciaron a Paloma Herrera como directora del Ballet Estable del Teatro, tras las renuncias de Dario Lopérfido de la dirección del teatro, y de Maximiliano Guerra como director de la compañía de ballet, luego de enfrentamientos con los bailarines.

La Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz, nombró en reemplazo de Lopérfido para ocupar la Dirección General de Programación y Producción Artística del primer coliseo al maestro Enrique Arturo Diemecke, de larga trayectoria en el teatro, y quién desde 2007 se desempeña como Director Musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Herrera, que comenzó su carrera en ese teatro, y desde muy pequeña deslumbró con roles como “Amor” en “Don Quijote”, para luego entrar, con apenas 15 años como cuerpo de baile en el American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que bailó hasta 2015, año de su retiro. A su vez, la bailarina fue la primera en la historia del ABT en llegar a la categoría de bailarina principal con 19 años.

“Acepto este reto con un enorme orgullo y agradecimiento -dijo Herrera, al recibir la noticia-. El Colón me dio todo, amo esta casa en la que crecí desde muy niña. Es una gran satisfacción para mí devolverle al Teatro todo lo que me dio y poder proyectar a nuestro extraordinario cuerpo de baile al mundo”.

Como primera bailarina del ABT, Herrera fue una de las pioneras del “boom” de bailarines latinos en los Estados Unidos, fenómeno que reemplazó el protagonismo de los rusos exiliados de la década de los ’80, y fue una de las bailarinas más reconocidas a nivel internacional. Invitada en compañías como el New York City Ballet, el Tokio Ballet, el Kirov Ballet de San Petersburgo, el Bolshoi Ballet, el Kremlin Ballet, el Ballet Nacional de Cuba, y otras, también partición en innumerables galas, entre ellas, la Gran Gala de Homenaje a Maya Plisetskaya y la Gala de Despedida de Alessandra Ferri en Japón.

Coreógrafos reconocidos internacionalmente como Twyla Tharp, Nacho Duato y James Kudelka, crearon roles principales para ella, y a lo largo de su carrera trabajó con una diversidad de coreógrafos tales como Jiri Kylian, William Forsythe, Alexei Ratmansky o Benjamin Millepied. Su despedida del Teatro Colón, fue en octubre de 2015 con “Romeo y Julieta”.

Además de felicitar a los funcionarios entrantes, el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta, destacó que durante la gestión de Lopérfido se incrementó la asistencia de público. También fueron parte de la programación figuras de nivel internacional y argentinos que triunfan en el exterior, como Marcelo Álvarez, Marianela Núñez, Ludmila Pagliero y Alejo Pérez. Y entre otros logros, las transmisiones por streaming y la apertura de los ensayos con público en forma gratuita.

La renuncia de Guerra se rumoreaba desde hacía un tiempo debido al malestar que expresaban los bailarines de la compañía a la espera de resultados en relación a los reclamos: un grupo médico especializado, un gimnasio equipado, barras perimetrales, cambio de la iluminación en la sala 9 de julio, mayor cantidad de funciones en el teatro, más giras y más títulos por temporada. Todos estos, elementos indispensables para cualquier compañía de nivel internacional.

De hecho, durante 2015/2016, los bailarines advirtieron la pérdida de títulos del repertorio clásico y la disminución de funciones. En enero de 2017, la compañía salió a la calle con carteles que decían “Basta”, con el fin de hacer públicos sus reclamos. En medio de este entorno, la llegada de Herrera marca un nuevo tanto para las autoridades del teatro como también para los bailarines de la compañía.

El Mariinsky Ballet presentó “El caballito jorobado” de Alexei-Ratmanskys en el Kennedy Center de DC, estrenada en 2009 en San Petersburgo, Rusia. Foto: Natasha Razina. GentilezaJFKC.

Una joya de los cuentos populares rusos, escrito como un poema por el poeta del siglo XIX, Pyotr Yershov, “El caballito jorobado” es una maravillosa historia llevada al ballet en 1960 por el Bolshoi Ballet, cuya protagonista fue la inefable Maya Plisetskaya. Luego, esta fábula llegó al cine animado a través de Ivan Ivanov Vano en 1987, y tuvo su remake coreográfica en 2009 en la versión de Alexei Ratmansky, estrenada por el Mariinsky Ballet.

La compañía rusa, dirigida por Valery Gergiev trajo esta obra al Opera House del Kennedy Center desde el 31 de enero hasta el 4 de febrero. Con la música original de Rodion Schedrin, su primer estreno marcó otra historia mágica: el amor entre Plisetskaya y Schedrin. A raíz de ese encuentro, el compositor dedicó esta obra a la indiscutible bailarina del siglo XX.

Personajes míticos y fantásticos, y una moraleja que refuerza los valores ocultos del ser humano en oposición con la imagen exterior y la ambisión, hacen de esta obra una encantadora fábula con toques de humor, misterio, intriga y romanticismo. Allí desfilan pájaros de fuego, habitantes del fondo del mar, caballos voladores, una corte disfuncional, y un Zar alejado de la realidad.

La versión de Ratmansky de este ballet en dos actos, con puesta minimalista, moderna y simbólica, apela a la imaginación y seduce con una escenografía sugerente, creada por Maxim Isaev, responsable también del vestuario y del libreto de esta obra. Isaev logra describir espacios, secuencias y acciones a través de recursos visuales atractivos. Así aparecen inmensas lunas llenas o menguantes, que luego se convierten en espacios donde la narración queda proyectada en esos círculos suspendidos en el aire que, a su vez, marcan el trayecto de los protagonistas. Humor, ironía, majestuosidad y alto dinamismo, hacen de esta obra un llamativo ballet para grandes y chicos.

Ratmansky tiene una interesante virtud como coreógrafo, que radica en su capacidad narrativa para contar historias largas, en algunos casos, complejas. Si bien es cierto, que en muchas oportunidades, sacrifica el virtuosismo de los bailarines y rompe con estructuras preestablecidas y con estereotipos. En algunos casos, acierta. Y en otros, como es el de “El caballito…”, su coreografía desdibuja la calidad de los bailarines con cortes innecesarios en las secuencias de los pas de deux y con cierta gestualidad que rompe la estructura puramente clásica. A veces, necesaria.

Anastasia Matvienko, del Mariinsky Ballet como la Dama del Zar, en “El cabllito jorobado”, de Alevei Ratmansky. Foto: Nastasha Razina. Gentileza JFKC.

Algunas de las escenas de conjunto, ciertos elementos del vestuario, y hasta la larga trenza de la Dama del Zar, hacen un guiño a elementos utilizados en varias obras que a principios del siglo XX irrumpieron como vanguardistas a través de los Ballets Rusos de Diaguilev. Homenaje que Ratmansky no deja de repetir en cada una de sus coreografías.

Magnífico, Vladimir Shklyarov en el rol del lunático Iván. Un bailarín impecable, con estupendos saltos, cierres perfectos, y una gracia personal que se roba a la audiencia. Más allá de su virtuosismo, Anastasia Matvienko, en el rol de la Dama del Zar, hizo una bella dupla con Shklyarov. Yaroslav Baidbordin en el rol de Caballito jorobado, hizo un despliegue -breve, dada la limitación de la coreografía- de habilidades e histrionismo. El Zar, Dmitry Pykhachov, puso un toque gracioso y ridículo a esta historia, mientras que Yuri Smekalov, como el asistente del Zar, mostró a un bailarín sólido y al mismo tiempo, un interesante actor, capaz de transmitir esa impostada maleficencia que corresponde a su rol.

Cada uno de los personajes de este cuento marcan el periplo del héroe, Iván, y de su acompañante mágico, el caballito jorobado que lo ayuda a sortear todas las dificultades. Finalmente, el más humilde, pero el más sabio, reafirma la moraleja de esta encantadora fábula, esta vez, contada con un lenguaje contemporáneo y menos barroco.

Tamás-Krizs y Sona-Kharatian de The Washington Ballet en “Fives”, en el Kennedy Center. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

Celebrar 40 años de trabajo es una cifra para tener en cuenta, pero es más significativo aun si se trata de una compañía de ballet en una ciudad como Washington DC, donde la política es el centro de la escena. En este 2016, The Washington Ballet (TWB) celebró estas cuatro décadas en las que los sueños de Mary Day, su fundadora, se fueron cumpliendo paso a paso. El viernes 30 de septiembre, en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, el pasado, el presente y el futuro subieron a escena, delineando una gala para recordar.

Guiada por la nueva directora artística, Julie Kent, ataviada en tres deslumbrantes vestidos, la gala se sumergió en el pasado, y convocó imágenes de Mary Day en las clases de los primeros tiempos, testimonios de sus asistentes, y también, un fiel y cálido recuerdo de Kevin McKenzie, actual director del American Ballet Theatre (ABT), y ex alumno de The Washington Ballet School. Cuando el telón subió, la compañía en pleno, vestida de rojo furioso y bajo los compases de la música de Ernest Bloch comenzó “Fives”, de Choo San Goh, coreógrafo de Singapur quien marcó estilo y rumbo durante la década del 70.

Y este despliegue en el que la memoria fluye abrió las puertas a Septime Webre, quien durante 17 años le dio a la compañía un toque particular y realizó un intenso trabajo de difusión y captación de público. Con él, llegó a la escena la que fue su primera obra, un homenaje a su familia, inspirado en reminiscencias de la vida en Cuba. “Juanita y Alicia”, una realización llena de nostalgias, muestra un desborde de ritmo y desenfado a través de bailarines totalmente compenetrados con la coreografía, la trama y la música.

Festejo, globos y un aniversario para celebrar los 40 años de The Washington Ballet en DC. Foto: Danzahoy.

El tercer bloque, mira hacia el futuro a través de los ojos de la nueva directora quien, luego de estar 30 años fuera de Washington y de haber sido una de las grandes estrellas del ABT, su objetivo es darle una impronta clásica a la compañía. Una serie de pas de deux como “Cisne negro” de “El lago de los cisnes”; de Marius Petipa, “Cascanueces” y “Don Quijote”, precedieron un clásico de George Balanchine, “Theme and Variations”.

Sin embargo, en esta serie clásica de pas de deux, al igual que en “Theme…”, queda mucho camino por recorrer, a pesar de tener bailarines de sólida formación como Rolando Sarabia, una nueva adquisición que viene de la escuela cubana, y que genera expectativas para las futuras producciones. El virtuosismo de Brooklyn Mack apareció en “Don Quijote” junto a Maki Onuki. Y si bien Kent tuvo pocas semanas para trabajar con los bailarines, ya que se hizo cargo de la compañía a principios de septiembre, habrá que esperar al primer estreno de la temporada, con “Giselle”, en marzo del próximo año, para ir observando la evolución de la troupe que, en esta temporada, tiene una fuerte presencia hispana.

En vista a los años por venir, Kent mencionó su intención de dar una impronta más clásica a la compañía, y trabajar con música en vivo. También anunció para la temporada 2017 el estreno, el 25 de mayo, de una creación de Ethan Stiefel, ex primer bailarín de ABT, en el Opera House del Kennedy Center de DC, y otra serie de obras de los grandes coreógrafos del siglo XX como “El jardín de las lilas”, de Anthony Tudor, y “The Dream”, de Frederick Ashton. Y en abril, estrenarán la pieza de Alexei Ratmansky, “Seven Sonatas”.

The Washington Ballet con la nueva directora artística, Julie-Kent. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

El London Coliseum acogió a The Australian Ballet con la creación de Graeme Murphy sobre el icono del ballet de “El lago de los cisnes”. Foto: Elliott Franks. Gentileza The Australian Ballet.

Ocho años después de su última gira por Gran Bretaña, el Australian Ballet retornó a la capital británica para ofrecer una pequeña temporada compuesta por la versión del “Swan Lake” de Graeme Murphy  (13-16 de julio) y “Cinderella” de Alexei Ratmansky (20-23 de julio). El London Coliseum acogió a la compañía australiana, dirigida por David McAllister, que apostó primeramente por la imaginativa versión de Graeme Murphy sobre el icono del ballet de “El lago de los cisnes” (1895). Nacida del encargo de McAllister a Murphy con motivo del 40º aniversario del Australian Ballet, este “Swan Lake” fue estrenado en Melbourne, el 17 de septiembre de 2002, y en Sydney, dos meses después, y pronto fue catapultado a la fama por enorme su éxito en las Antípodas.

La clave de su triunfo radica en un cambio sustancial en el argumento que, si bien no obvia los elementos esenciales, le dota a la historia de un significado completamente diferente. Ambientada en la época eduardiana (1901-1910), el “Swan Lake” de Murphy narra la historia de una joven e inocente doncella que, la víspera de sus esponsales, descubre que su futuro marido mantiene una relación con una aristócrata casada. Si bien el vestido escénico no posee tan kilométrica cola como el creado por David y Elizabeth Emanuel en 1981, el atuendo puede evocar con facilidad al traje nupcial de la desaparecida Diana de Gales, cuestión también subrayada por un ramo de novia en forma de cascada. Y he ahí el quid de la cuestión. El “Swan Lake” de Graeme Murphy  centra la historia en un triángulo amoroso que bien podría estar inspirado en la princesa Diana de Gales (Odette)- el príncipe Carlos de Inglaterra (Siegfried)- Camilla Parker Bowles (Baronesa Von Rothbart).

Dividida en cuatro actos y con una duración cercana a las tres horas, la producción del Australian Ballet realiza otros cambios sustanciales en la trama como la eliminación del personaje de Odile propiamente dicho, aunque su maldad inherente queda focalizada en la Baronesa Von Rothbart, la introducción de las danzas de carácter –concretamente, la danza húngara- en el primer acto, y la ubicación del celebérrimo lago habitado por ánades como aledaño al sanatorio en el que recluyen a Odette. Porque tras descubrir el engaño descarado de su ya marido en las celebraciones nupciales, Odette enloquece al son de los acordes del paso a dos del ‘Cisne Negro’ (Acto I), siendo internada de un centro de salud regentado por religiosas y situado junto a un enorme lago.

The Australian Ballet presentó en el London Coliseum una renovada versión de “El lago de los cisnes” con Amber Scott (Odette) y Adam Bull (Siegfried). Foto: Elliott Franks. Gentileza The Australian Ballet.

Perdida en un punto intermedio entre la locura y el ataque de celos, Odette se deja llevar por las ensoñaciones de los cisnes del lago. De esta manera, la segunda parte respeta en esencia el acto blanco en el lago, con la escena de los cuatro pequeños cisnes y el culminante pas de deux del ‘Cisne Blanco’. Muy interesante es el uso de una plataforma semi-inclinada haciendo las veces de lago, lo que genera bastantes e interesantes posibilidades en cuanto al empleo del espacio. Respecto al paso de dos del ‘Cisne Blanco’, la tendencia por el neoclasicismo estilístico de Graeme Murphy en toda su coreografía queda un poco deslucida por la acumulación insulsa de portés complejos y vistosos, pero propios de otros clásicos o de otros coreógrafos, como si quisiera unir en el dúo lo más espectacular del “Romeo y Julieta” de sir Kenneth MacMillan o del “Don Quijote” de Marius Petipa, por citar dos ejemplos.

El tercer acto podría denominarse la revancha, pues en la fiesta de la Baronesa Von Rothbart desembarca una exultante Odette que, por fin, logra hechizar a su marido, con el consabido ataque de ira de la pérfida aristócrata. A modo de epílogo, la última parte vuelve a situarse en el lago, al que regresa Odette, como dama reinante de la pléyade de ánades, estando ahora todas las intérpretes vestidas de negro, símbolo de que la inocencia ya se evaporó. Finalmente, cual Virginia Woolf, la protagonista se entrega a las aguas y perece engullida, ante la desesperación y atenta mirada del príncipe. Curiosamente, esta Odette reposa en el fondo de un lago, al igual que la princesa Diana está enterrada en la isla del Oval Lake de la finca familiar de los Spencer, en Althorp, condado de Lincolnshire.

Gran parte del peso de la trama recae en el personaje de Odette, por lo que la buena elección de la intérprete es esencial para sustentar la obra. En la última función londinense, el rol protagonista recayó en Leanne Stojmenov, Bailarina Principal del Australian Ballet desde 2011, quien encarnó con solvencia los vaivenes emocionales de Odette, dándole la réplica un correcto Kevin Jackson, también Principal de la compañía, en la piel del deseado príncipe Siegfried. El tercer vértice del triángulo amoroso es corporeizado por Ako Kondo en el papel de malvada amante y Baronesa Von Rothbart. El conjunto del Australian Ballet arropa adecuadamente al trío principal, denotando sus lazos en común con la escuela inglesa de ballet. La producción en global es lujosa y no escatima gastos en vestuario y escenografía, firmados por Kristian Fredrikson. La participación de la Orquesta del English National Opera, bajo la batuta de Janice Graham, redondeó aún más la velada.

Durante esta función, coincidieron en el patio de butacas del London Coliseum Dame Monica Mason, la ex directora artística de The Royal Ballet (2002-2012), y David McAllister, su homónimo en el Australian Ballet, quienes departieron junto a la plana mayor del conjunto australiano. Pese a problemas de verosimilitud en la trama, lo que en jerga cinematográfica sería un ‘Jumping the shark’ (Un salto del tiburón), el “Swan lake” de Graeme Murphy es una versión amena, original y entretenida, que ya obtuvo el prestigioso Premio Nacional a la Mejor Compañía Extranjera del Círculo de la Crítica (2005), en su primera presentación ante el público inglés. En esta ocasión, el patio de butacas del London Coliseum premió la labor del Australian Ballet -cuya primera gira británica tuvo lugar en 1965-, con gran parte del público en pie y alrededor de cinco minutos de aplausos, especialmente más cálidos para el trío protagonista, en el que sobresalió el buen hacer de la dama del lago.