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Morir de amor

mgueler — Sun, 16 Feb 2020 23:59:31 +0000

En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

Se animan con una versión diferente

mgueler — Tue, 26 Jul 2016 16:45:53 +0000

El Ballet de Camagüey presentó “Giselle” en La Habana con Yanny García en el rol de Albrecht y un cuerpo de baile de jóvenes bailarines. Foto: Buby. Gentileza BC.

El Ballet de Camaguey, con sede en la homónima provincia, es considerada la más importante compañía clásica del país después del afamado Ballet Nacional de Cuba, y está bajo la conducción de la ex bailarina Regina Balaguer por más de dos décadas. Esta agrupación, después de superar muchos avatares y de realizar ingentes esfuerzos para conseguir los recursos necesarios, ha logrado presentarse con su producción de “Giselle” en el principal y codiciado escenario capitalino de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” entre el 1 y el 3 de julio.

Su equipo promocional puso énfasis en los medios informativos –para atraer a la fanaticada habanera–, en el hecho de que, al bailar esta obra “en la casa del trompo”, se imponían un reto aquí, donde existe la referencia viva paradigmática de la notable versión coreográfica de Alicia Alonso. Pues ellos también bailarían sobre la original de este decimonónico ballet romántico en dos actos de Jean Coralli y Jules Perrot con música del francés Adolphe Adam. Basado en la leyenda popular recogida por el poeta alemán Heinrich Heine, la cual inspiró el libreto estructurado por Théophile Gautier, Vernoy de Saint-George y el propio Coralli.

Esta versión “otra”, está firmada por el bailarín y coreógrafo local José A. Chávez y fue estrenada hace más de una década, con la misma producción, algo retocada, entonces diseñada por Otto Chaviano, en los figurines del ya fatigado vestuario, y el artista Raúl Font, para la no siempre impecable escenografía.

El coreógrafo Chávez, también maestro de ballet del cuerpo de baile, se lanzó al ruedo corajudamente al realizar “su” versión en un verdadero “tour de force”. Presentarla en este teatro es comparable con “el foso de los leones” del ballet cubano. Antes de exponer nuestros criterios sobre esta puesta en escena, prefiero plantear algunas interrogantes (que comparto con lo comentado por algunos aficionados en la audiencia): ¿por qué realizar otra versión, si contamos con una icónica consagrada internacionalmente con lauros relevantes? Este ballet estrenado en París hace unos 175 años, premió la versión cubana de la Alonso y, por diez años, el Ballet de L´Opéra la incorporó a su repertorio activo? ¿Qué nos aporta ahora esta versión camagüeyana, en cuanto a creatividad y enriquecimiento cultural? Algunas escenas dramáticas muestran pantomimas bien elaboradas, pero otras se nos ocurre son algo “demodées”, o tal vez “old fashion”.

La puesta

En el primer acto, la dramaturgia transcurre fiel al original, en cambio los movimientos escénicos y la actuación los vimos sobreactuados en Hilarión el guardabosque; el duque Albrecht, la madre de Giselle, la Corte de Bathilde, o los campesinos exhiben variantes, al compararlos con las versiones de este título bailado por importantes compañías de ballet. El momento más desconcertante aquí se nos reveló en el Paisant pas de deux, tanto por los diseños coreográficos, como por la apoyatura musical. De este fragmento, la variante de Alicia Alonso con la inclusión de un “pas de huit”, fue muy eficaz e inteligente para la visión del espectador contemporáneo.

En cuanto al llamado ballet blanco del segundo acto, puedo decir que logró una entrega elegante y musical, donde los reproches no son perceptibles en gran medida en su ejecución técnica, aunque puedo señalar algunos acentos de mal gusto, y no muy impecables los port de bras “en couronne”, o en la búsqueda de las correctas alineaciones durante el ejercicio de las dos magistrales diagonales de las wilis.

La primera solista Sara de Miranda protagonizó a Giselle en la versión de este clásico que llevó a La Habana el Ballet de Camagüey. Foto: Buby. Gentileza BC.

Los intérpretes

En general, las interpretaciones fueron aceptables, si consideramos que el cuerpo de baile está integrado, en su mayoría, por bisoños efectivos, tanto en lo femenino como en lo masculino, si tenemos en cuenta las deserciones recientes de sus elementos más experimentados, hacia otros grupos del país o del extranjero. Particularmente, puedo elogiar la labor desplegada en sendos actos por la primera solista Sara de Miranda, y el galante soporte de su partenaire, Yanny García, único primer bailarín de la compañía, así como las notables intervenciones de dos intérpretes de Myrtha, reina de las wilis (Elizabeth Pagés y Oleydi Labrada). El propio coreógrafo Chávez, al encarnar el papel del príncipe de Courtland, demostró su veteranía en las posibilidades de algo tan breve.

Según el editor y teórico de danza estadounidense, Francis Mason, existen muchos importantes ballets en la historia: el ballet en el cual la bailarina principal se despojó por vez primera de sus zapatos de tacones; el ballet en el cual ella se paró por primera vez sobre la punta de sus dedos y el ballet en el cual saltó peligrosa y cómodamente desde una altura de 20 pies, para luego ser atrapada en los brazos de su amado. Pero estos ballets, a pesar de todas sus innovaciones, nunca han llegado hasta nosotros; son importantes en un sentido estrictamente académico. “Giselle”, en cambio, ha llegado a nosotros, ha sido interpretado por sucesivas compañías de ballet, desde su primera representación (1841), porque combina la innovación con el drama y el baile, que nos hacen olvidar lo que cuenta su argumento.

La innovación de “Giselle” reside en su síntesis de lo que conocemos como ballet romántico. Para que esto ocurra requiere de la magia. Los poderes misteriosos y sobrenaturales que la poesía romántica invocaba para asegurar su ideal, súbitamente convertido en algo natural al teatro (…). Para Balanchine y Mason, “Giselle” es al ballet, lo que “Hamlet” es para el teatro dramático.