El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

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Escena del jardín animado en la puesta de “El Corsario” que presentó el Mariinsky Ballet en la capital de los Estados Unidos. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El corsario Conrad, su esclavo Alíy su amigoBirbantonaufragan en su barco pirata que se dirige rumbo a Turquía. Al llegar a tierra firme, se dirigen hacia al gran mercado donde se reúnen compradores, comerciantes, y también traficantes de bellas esclavas. Conrad descubre a Medora, una joven griega vendida al Pachá junto con su amiga Gulnara, y ambos se enamoran. El pirata logra robar a la esclava y se la lleva a su guarida. A partir de allí, comienza una historia de heroísmo, amor apasionado, violencia y traiciones, que convierten a esta trama en una historia de aventuras.

Del 9 al 14 de abril el Mariinsky Ballet llevó al Kennedy Center de Washington DC, su versión de 1987 de “El Corsario”, un clásico indiscutible, basado en el poema romántico de Lord Byronpublicado en 1814 sobre el amor de un pirata por una esclava, que se estrenó por primera vez en Londres en 1837, con coreografía de François Albert y música de Nicholas Bochsa. Luego tuvo su primera aparición en París en 1856, en versión de Joseph Mazilier,con música de Adolphe Adam, y llegó a Rusia de la mano de Jules Perrot yMarius Petipaen 1863. Sin embargo, una nueva coreografía se instaló en el Mariinsky Ballet en 1899 con música de Riccardo Drigo y coreografía, también de Petipa.

Philip Stepin, primer solista de la compañía rusa, cubrió el papel del esclavo Alí. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El director artístico del Mariinsky, Valery Sergiev, optó por mostrar en la noche de apertura, a una solista que se está posicionando con una de las grandes promesas de la compañía, Maria Khoreva. Y para la segunda noche, el protagónico estuvo a cargo de la primera bailarina Ekaterina Kondaurova, como Medora, y la segunda solista May Nagahisa, en el rol de Gulnara. Kondaurova, una bailarina de técnica impecable, plantada en su eje, y con un delicado y al mismo tiempo, definido port de bras, encarnó a una Medora impecable, si bien estuvieron ausentes las sutilezas, la seducción, el encanto y la pasión.

Andrei Yermakov, como Conrad, mostró un personaje brillante, potente en sus giros, exuberante en sus saltos, preciso y ajustado, con una interesante musicalidad y un fraseo sutil. Philip Stepin cubrió el papel del esclavo Alí con gran destreza técnica. Por momentos, Stepin deslizó cierta gestualidad y desplazamientos que traían a la memoria la deslumbrante versión de Alí que hace más de 20 años supo interpretar el inolvidable Faruk Ruzimatov. Nagahisa, como Gulnara, mostró una deliciosa musicalidad y refinamiento en sus brazos, aunque no se advirtió un gran compromiso actoral.

La puesta, cargada de oropeles y brillos, tiene hallazgos atractivos, aunque no deja de ser un cuento de piratas. En tanto, el cuerpo de baile logra ensamblar con corrección las danzas de carácter con variaciones clásicas donde se lucen, especialmente las bailarinas.

El brasileño Victor Caixeta, solista de la compañía, cubrió el rol del mercader de esclavas. Un bailarín que promete, con buenos saltos, musicalidad y porte, si bien tuvo ciertas imprecisiones en los cierres. El grupo de tres odaliscas, Nadezhda Gonchar, Yana Selina y Valeria Martynyuk, hizo un trabajo ajustado en las variaciones del primer acto.

Bellas imágenes, romanticismo y colorido en la escena del jardín animado, una de las más reconocidas y famosas de esta obra, que subyuga y deslumbra tanto desde lo coreográfico como desde lo estético, donde Medora se incorpora al grupo, en uno de los pasajes más logrados de esta puesta. Y como es de esperar, un final feliz: Medora escapa en un espectacular barco pirata con Conrad, Alí y Gulnara, y ambas esclavas quedan libres.

Ekaterina Kondaurova, como Medora, y Andrei Yermakov, en el rol de Conrad, el pirata, en “El Corsario”, verisón del Mariinsky Ballet. Foto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

El Ballet Nacional de Cuba presentó “Giselle” en la Opera House del Kennedy Center durante el ciclo “Artes de Cuba”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

Constituye un reto para este cronista, en tanto que único crítico de danza llegado de la isla y testigo presencial de este histórico acontecimiento artístico para las dos naciones involucradas – Cuba y Estados Unidos de América-, el expresar con justas palabras desprovistas de todo chauvinismo, o apasionamientos nacionalistas a ultranza, las mágicas noches desplegadas por el Ballet Nacional de Cuba (BNC) en la Opera House, el principal escenario del Kennedy Center for the Performing Arts, al borde del río Potomac en la capital de los Estados Unidos.

Estas presentaciones coincidieron con una efeméride significativa no solo para los cubanos sino para el mundo de la danza en general: se cumplían, en esa fecha (30 de mayo), los 40 años desde la última vez que el BNC bailó en el Kennedy Center con Alicia Alonso en su paradigmático rol de Giselle. Además, entre otras razones de peso, esta leyenda viva y gloria de la danza (su carrera llegó a la cima en los Estados Unidos durante los 40s y 50s de la pasada centuria), actualmente directora general de la compañía y prima ballerina assoluta, estaba presente con toda la augusta vitalidad de sus 97 primaveras.

Pude valorar las entregas diversas y notables (todas ovacionadas en pie) de los cuatro elencos seleccionados por la dirección artística del BNC, con el objetivo sincero de deslumbrar con su virtuosismo técnico a las exigentes audiencias cosmopolitas que concurrieron a esta importante institución, del 28 de mayo al 3 de junio.
El público celebró con espontaneidad y a veces exaltaciones extemporáneas, los múltiples giros; las cargadas desafiantes; los saltos con un “ballon” notable; los arabesques penchées sostenidos; así como los balances “en pointe”; los chenées  en las diagonales de vértigo; los tours o promenades á la seconde, entre otros. Paralelamente, se desarrollaba la pantamomima con claridad interpretativa, que en ciertos momentos, con pinceladas de humor, provocaron discretas risas, por ejemplo, en la escena del acto I cuando Giselle y el duque deshojan la margarita; o cuando éste se disfraza de aldeano y olvida la suntuosa espada en su cintura.

El argumento fue concebido por Théophile Gautier, inspirado por una popular leyenda alemana contada por Heinrich Heine. La reconstrucción coreográfica, realizada inteligentemente por la propia Alicia Alonso, fue realizada a partir de la original de Jean Coralli y Jules Perrot (según la versión estrenada en 1841 por el Ballet de L´Opéra de Paris), con el soporte musical de la música compuesta por Adolphe Adam. Sin duda, mediante el paso de la coreografía a otras compañías, ésta se enriqueció o contaminó con aportes de sus repositores, como los del eminente maestro Marius Petipa durante su preeminencia en los ballets de la Rusia zarista.

Tres principales alternaron el rol titular, Viengsay Valdés con Patricio Revé (foto), Sadaise Arencibia y Grettel Morejón. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

La historia
En esencia, aquí se relata la historia de una chica campesina asediada o cortejada por dos pretendientes: uno de ellos es el Duque de Silesia disfrazado como un aldeano y el otro es Hilarión, el guardabosque. La bella Giselle escapa de su hogar en la temporada de la vendimia para divertirse con sus amigos y el pretendiente favorito: el disfrazado duque. Pero su madre, Bertha, está preocupada por la frágil salud, y, eventualmente la reingresa en su casa, al estar temeros que su hija se sobrepase y pueda transformarse en una willi, atormentadas almas de jóvenes doncellas que murieron antes de sus bodas. Desafortunadamente, cuando Giselle es coronada reina de la vendimia, la rivalidad entre el duque y el guardabosque se acalora, irrumpe en la aldea el séquito de una cacería real en busca de refrescos y reposo, entonces el duque es descubierto como miembro de la realeza por Hilarión, y Giselle pierde su mente porque descubre que el duque está comprometido con otra de su clase y muere.

En el acto II, la acción tiene lugar ante la tumba de Giselle instalada en un claro del bosque. Hilarión está sollozando sobre la tumba, mientras que algunos otros aldeanos tratan de alejarlo y de quitarle de su mente la pena. Entonces aparecen extrañas luces (como fuegos fatuos): las wilis así anuncian su llegada y los lugareños salen en estampida. Cuando Giselle emerge, Myrtha, la reina de las wilis, celebra su iniciación en la cofradía y le ordena bailar con el duque hasta que muera. Entre tanto, las wilis apresaron a Hilarión. Pero su amor por el duque ha sobrevivido a su muerte, y trata de salvarlo. La aurora anuncia su llegada, el duque es salvado, las wilis se disipan con la luz del día y Albrecht se lanza sobre la tumba penando por siempre.

Sin duda, el cuerpo de baile femenino reiteró su profesionalismo y disciplina en sendos actos, pero demostró ser incomparable, referencial, en sus elegantes “maniobras” del espectral segundo acto: impecables en el tránsito de las wilis en posición de arabesque -desde coté cour a coté jardín -; las dos diagonales con una asombrosa precisión y sincronía en sus port des bras y los port des tetes, que incitaron cerrados aplausos -por  sólo mencionar lo más relevante.

Los protagonistas

Sadaise Arencibia y Raúl Abreu interpretaron los roles principales en la primera función de “Giselle”, el 31 de mayo en el Opera House. Foto: Nancy Reyes. Gentileza JFKC.

Tres principales alternaron el rol titular, dos consagradas como Viengsay Valdés (electrizante por su fiabilidad en la ejecución y la pasión de su proyección escénica) y Sadaise Arencibia (un despliegue de lirismo y elegancia en la línea); además Grettel Morejón (juvenil debutante refinada y con una fresca y personal entrega). Cada una mostró sus distintivas personalidades al regalarnos a la aldeana traicionada en todos sus matices, en sus tesituras acordes con las demandas dramatúrgicas del rol: incluso en la figura espectral de la wili danzante hasta la muerte. Aquí, cada una exhibió su pericia en las difíciles batteries, o en los soubresauts italiano, o en los ligados petits battements.

El BNC demostró, en esta ocasión, que posee una infantería masculina de altos quilates, si bien interpretativamente algunos se revelan bisoños (con la madurez y el aprendizaje en este aspecto lograrán nuevos desarrollos). Notables  estuvieron los alternantes en el papel de Albrecht. Dani Hernández (el único “étoile” del BNC hasta hoy), con su porte de “danseur noble” y de hermosas piernas y trabajados empeines; los bailarines principales Raúl Abreu y Patricio Revé (talentos evidentes en ciernes, a un paso de la nominación como “principals”). Dos excelentes bailarines  “démi´charactére” alternaron en el desempeño del importante personaje de Hilarión, fue el caso de Ernesto Díaz, con confirmada veteranía, y el joven debutante Ariel Martínez, ambos revelaron sus cualidades histriónicas  y el atletismo propio de un guardabosques.
Destacaremos el notable rigor en la entrega de las variaciones virtuosas de Ginett Moncho (intimidante reina de las wilis con elevados grands jetés y puntas portentosas), o la dupla alternante formada por las wilis Moyna y Zilma, en la piel de las juveniles Chavela Riera, Ivis Díaz o Ely Regina y Bárbara Fabelo (deslumbrantes en los renversés o los assemblés respectivos).

En esta versión, Alonso ha remplazado el tradicional pas de paysain por un festivo y brillante “pas de huit”,  donde destacan los solistas por su técnica, justeza y musicalidad;  en tanto los personajes de composición adquieren una relevancia no otorgada por otras versiones, ora Bathilde, la prometida del duque  o Berthe, la madre de Giselle.
Reconozcamos, antes de concluir, que si bien algunos “props” y “costumes” del primero se muestran fatigados, susceptibles de renovación, ya sea en sus colores y sus figurines; el resto de la producción mantiene las adecuadas condiciones escénicas. En cuanto al segundo acto, la maestría de su factura sigue mereciendo el Grand Prix de la Ville de Paris, recibido hace varios lustros en el Festival de danza del Teatro de los Campos Elíseos.

No será ocioso apuntar la excelente entrega musical de The Kennedy Center Opera House Orchestra, esta vez bajo la batuta del maestro cubano Giovanni Duarte, el cual se benefició con las estupendas ejecuciones de la sección viento-metal y de la arpista solista Susan Robinson. Cada uno de los elementos que integraron estas funciones de “Giselle” colaboraron para que las imágenes de estos bailarines queden en la memoria para siempre.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, se presenta con “El Corsario” en el Teatro Colón junto al Ballet Estable. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza HC.

Estaba en su casa, en Nueva York, cuando recibió el llamado de Paloma Herrera, su antigua compañera del American Ballet Theatre (ABT) con quien compartió escenarios durante casi 15 años. En ese preciso momento se mezclaron sentimientos, recuerdos, deseos, ilusiones, sueños… Era volver a Buenos Aires, al Teatro Colón, donde se había formado desde niño. Era hacer “El Corsario”, una obra que había hecho infinidad de veces con el ABT y que, sin dudarlo, se convertía en una ventana para mostrar lo que mejor puede hacer: bailar.

Herman Cornejo, ese niño que se deslumbró con la danza desde que tenía 8 años cuando vio por primera vez a Maximiliano Guerra haciendo “Espartaco”, regresa por segunda vez al Teatro Colón, para interpretar el protagónico en este clásico ballet inspirado en el poema de Lord Bayron que narra una historia de amor, de aventuras, de piratas…

Esta producción, con música de Adolphe Adam, Riccardo Drigo y Leo Delibes, realizada en 2013 en el Teatro Colón con coreografía de Anne-Marie Holmes, y reposición de Julio Bocca, estrena el domingo 8 de abril con Cornejo, María Kochetkova, principal del San Francisco Ballet, y Daniil Simkin, también del ABT.

Herman Cornejo, en “El espectro de la rosa”, con el ABT, la compañía de sus sueños. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Considerado el Nijinsky del siglo XXI por la crítica de los Estados Unidos y del mundo, Cornejo, fue primer bailarín de la compañía de Julio Bocca cuando tenía 14 años, y fue el mismo Bocca quien pidió una excepción en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú, para que este adolescente, que no cumplía con la edad mínima requerida, probara su suerte ante un riguroso tribunal. Y se llevó la medalla de oro, la misma que había ganado Bocca a los 19 años. En 2014 recibió el premio Benois de la Danza, el Oscar de los bailarines, y hoy, es el único primer bailarín hispano que queda en el ABT luego del gran boom de la década anterior, cuando comenzaba el nuevo siglo. Y en 2019, celebrará sus 20 años con la compañía en la que forjó su carrera de bailarín internacional.

Danzahoy: ¿Qué significa volver al Colón?

Herman Cornejo: Haber hecho el ISA (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) hace sentir que el teatro es tu casa, y realmente, es como volver a casa. Me gustaría estar más seguido en la Argentina y trabajar más en el Colón en estos próximos cinco años, que son los más importantes de mi carrera. El llamado de Paloma (Herrera) fue una gran emoción. Imagino que su idea, desde que ella asumió la dirección, es seguir trayendo a los argentinos que estamos en el exterior; hacer que vuelvan a casa. Es decir, lo que ella hizo como bailarina, lo está haciendo ahora con nosotros. Y sin duda, bailar en el teatro es muy especial.

D: ¿Cómo es mirar hacia atrás después de todos estos años, de tantos viajes, de tanta experiencia acumulada?

HC: Es emocionante. Especialmente cuando se empieza tan joven, como fue mi caso, porque en esa etapa uno es una máquina que mira solo hacia adelante. Y después de un tiempo, cuando uno vuelve la mirada hacia atrás, recién toma conciencia de lo que hizo. Cuando Julio (Bocca) fundó el Ballet Argentino -esa compañía para jóvenes de la que formé parte-, se abrieron muchas puertas para los bailarines. Desde entonces hasta hoy, a veces me pregunto: ¿me está pasando a mí?

D: Nueva York-Argentina, ¿cómo son los sentimientos de pertenecer a dos lugares?

HC: Cuando vine a Nueva York no fue con la intención era hacer carrera en Nueva York, sino porque era el ABT. Y cuando regreso a casa, en la Argentina, me siento como un turista. Es una sensación linda, porque es volver con más libertad.

HC: La idea surgió en cierta forma, por Julio. Conocí el ABT porque Julio bailaba allí, y después fue Paloma. De alguna manera fue como seguir los pasos de Julio. Él fue un ejemplo para todos los argentinos. Lo cual no significó, ni significa, copiar lo que él hizo, sino que él fue un modelo por el respeto al trabajo, a lo que representa y es esta carrera. Tanto Julio como Maximiliano Guerra, impusieron su nombre en el mundo de la danza a nivel internacional y nos representaron a través del arte casi a un mismo plano que nos reconocen por el deporte. Ellos dos lograron romper esa barrera, y también hicieron que la danza no fuera algo perteneciente a una elite en la Argentina.

Los hermanos Erica y Herman Cornejo en “Diana y Acteón”. Hace 20 años viajaron a Nueva York y se integraron al ABT Foto: Arnaldo Colombaroli. Archivo Danzahoy. Gentileza TC.

D: ¿De qué manera te insertaste en Nueva York?HC: La suerte fue estar con mi hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y a los dos nos pasó este “sueño americano”. Y el apoyo familiar fue fundamental. Mi madre viajó con nosotros los primeros tres meses y se encargó de que estuviéramos bien ubicados, y además, quiso comprobar que realmente estábamos seguros de que era eso lo que queríamos. Mi padre se ocupó de que pudiéramos hacerlo. Y si bien es cierto que el talento te lleva a estos niveles tan altos, también es cierto que además de talento hay que tener dos dedos de frente y mantener el respeto por la profesión. Todos los días de mi vida tomo clases como si fuera un principiante, es mi trabajo. Además, no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York, tengo ese arrastre de la vida campesina. Nací en San Luis y me crié en Buenos Aires, y esa vida familiar con mis padres ayudó. Soy más casero, me gusta ir al cine, no me gusta ir de fiesta…

D: ¿Y cómo empezaste a relacionarte con la ciudad y su gente?

HC: Era muy tímido con todo y con todos. Y mi timidez me llevó a no hablar inglés por dos años. Por otra parte, en aquella época en el ABT había como veinte hispanos en la compañía, por lo tanto, no necesitaba hablar mucho inglés. Ahora, me empiezo a olvidar palabras en castellano. En realidad, he pasado 20 años en los Estados Unidos y 16 en la Argentina, y me hice ciudadano estadounidense porque sentí que tenía que honrar al país que me había dado todo en mi carrera.

D: ¿Cómo habría sido tu carrera si hubieras vivido en la Argentina?

HC: Volver a lo de los padres es cómodo, al menos por un tiempo. Cuando vuelvo al Colon, me miman, y luego regreso a mi casa de todos los días en Nueva York, al lugar que construí con mi carrera, desde que entré como aprendiz. Ahora, con Paloma, subió un poco más el número de espectáculos. Con el ABT hacemos cerca de 100 funciones al año, mientras en el Colon hacen entre 20 y 40. Eso me impulsó a irme. En mi época era casi imposible pensar en una carrera como bailarín en la Argentina, especialmente por problemas de contratación. Partir fue casi obligatorio, y era muy común en nuestra generación. No te podías quedar a depender de un contrato.

D: ¿Alguna vez pensaste dejar el ABT por otra compañía o para convertirte en bailarín independiente?

HC: Mi sueño fue llegar al ABT y cuando lo conseguí fue decir: “este es mi sueño”. Trabajar como bailarín invitado es bueno, pero me gusta sentirme parte de una compañía estable. Creo que Kevin McKenzie -director artístico del ABT- maneja el grupo de una manera en la que la gente se siente como en una familia. Si bien puede haber cosas complejas, todo se maneja desde un lugar muy humano. Poder trabajar y hablar con el director en un mismo nivel es importante porque se asemeja a la relación que uno tiene con su propia familia.

Arraigado a las costumbres, Herman Cornejo no se despega de su mate en ningún lugar del mundo. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza HC.

D: Después de los rusos y de los hispanos que fueron estrellas en las últimas décadas en los Estados Unidos, ¿quiénes son los que predominan ahora?

HC: Creo que son olas de generaciones diferentes. Ahora la compañía está llena de asiáticos, algo que también se puede ver en las competiciones. La danza rusa es la cuna de la danza y siempre que veas a un ruso de alto nivel vas a ver un buen show. El hispano no es tan estudiado como el ruso y en cierta forma la explosión de un hispano tapa un poco el espectáculo de los rusos porque se mezcla lo humano y lo técnico. No sé si es culpa de los concursos, pero ahora es todo muy técnico y la expresividad queda de lado. El hispano, en cambio, reúne la técnica y el conocimiento de varias escuelas. Por ejemplo, en el ISA se estudian casi todas las escuelas, lo cual nos hace más abiertos para interpretar la danza desde otro nivel. Y tal vez porque en Sudamérica no hay muchas facilidades para estudiar seriamente, los hispanos valoramos más las oportunidades que se nos brindan. En Nueva York hay estudios impresionantes de primer nivel, en cambio en nuestros países, hacer danza es una pasión. No vamos a clase por que sí, sino porque tenemos ganas de ir y de ensayar. Por eso, el permanecer como estable, me hace sentir que sigo manteniendo esa antorcha encendida. Esa antorcha que también en cierta forma me pasó Julio cuando hizo su último “Don Quijote” en su despedida Japón. Al día siguiente hice mi primer protagónico en “Don Quijote” porque un bailarín se había lesionado. Entonces sentí que Julio me estaba asando la antorcha. Así que, hasta que no venga otro argentino, no me retiro…

“El Corsario” en escena

Programa

Coreografía: Anne-Marie Holmes

Reposición Coreográfica: Julio Bocca

Asistente Reposición Coreográfica: Lorena Fernández

Música: Adolph Adam, Riccardo Drigo, Leo Delibes

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Directora: Paloma Herrera

Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

Directora: Tara Simoncic

Parejas protagónicas

Función del 8 y 10 de abril:

María Kochetkova – Herman Cornejo

Función del 13 y 15 de abril:

Nadia Muzyca – Federico Fernández

Función del 12 y 14 de abril:

Macarena Giménez – Juan Pablo Ledo

El Ballet de Camagüey presentó “Giselle” en La Habana con Yanny García en el rol de Albrecht y un cuerpo de baile de jóvenes bailarines. Foto: Buby. Gentileza BC.

El Ballet de Camaguey, con sede en la homónima provincia, es considerada la más importante compañía clásica del país después del afamado Ballet Nacional de Cuba, y está bajo la conducción de la ex bailarina Regina Balaguer por más de dos décadas. Esta agrupación, después de superar muchos avatares y de realizar ingentes esfuerzos para conseguir los recursos necesarios, ha logrado presentarse con su producción de “Giselle” en el principal y codiciado escenario capitalino de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso” entre el 1 y el 3 de julio.

Su equipo promocional puso énfasis en los medios informativos –para atraer a la fanaticada habanera–, en el hecho de que, al bailar esta obra “en la casa del trompo”, se imponían un reto aquí, donde existe la referencia viva paradigmática de la notable versión coreográfica de Alicia Alonso. Pues ellos también bailarían sobre la original de este decimonónico ballet romántico en dos actos de Jean Coralli y Jules Perrot con música del francés Adolphe Adam. Basado en la leyenda popular recogida por el poeta alemán Heinrich Heine, la cual inspiró el libreto estructurado por Théophile Gautier, Vernoy de Saint-George y el propio Coralli.

Esta versión “otra”, está firmada por el bailarín y coreógrafo local José A. Chávez y fue estrenada hace más de una década, con la misma producción, algo retocada, entonces diseñada por Otto Chaviano, en los figurines del ya fatigado vestuario, y el artista Raúl Font, para la no siempre impecable escenografía.

El coreógrafo Chávez, también maestro de ballet del cuerpo de baile, se lanzó al ruedo corajudamente al realizar “su” versión en un verdadero “tour de force”. Presentarla en este teatro es comparable con “el foso de los leones” del ballet cubano. Antes de exponer nuestros criterios sobre esta puesta en escena, prefiero plantear algunas interrogantes (que comparto con lo comentado por algunos aficionados en la audiencia): ¿por qué realizar otra versión, si contamos con una icónica consagrada internacionalmente con lauros relevantes? Este ballet estrenado en París hace unos 175 años, premió la versión cubana de la Alonso y, por diez años, el Ballet de L´Opéra la incorporó a su repertorio activo? ¿Qué nos aporta ahora esta versión camagüeyana, en cuanto a creatividad y enriquecimiento cultural? Algunas escenas dramáticas muestran pantomimas bien elaboradas, pero otras se nos ocurre son algo “demodées”, o tal vez “old fashion”.

La puesta

En el primer acto, la dramaturgia transcurre fiel al original, en cambio los movimientos escénicos y la actuación los vimos sobreactuados en Hilarión el guardabosque; el duque Albrecht, la madre de Giselle, la Corte de Bathilde, o los campesinos exhiben variantes, al compararlos con las versiones de este título bailado por importantes compañías de ballet. El momento más desconcertante aquí se nos reveló en el Paisant pas de deux, tanto por los diseños coreográficos, como por la apoyatura musical. De este fragmento, la variante de Alicia Alonso con la inclusión de un “pas de huit”, fue muy eficaz e inteligente para la visión del espectador contemporáneo.

En cuanto al llamado ballet blanco del segundo acto, puedo decir que logró una entrega elegante y musical, donde los reproches no son perceptibles en gran medida en su ejecución técnica, aunque puedo señalar algunos acentos de mal gusto, y no muy impecables los port de bras “en couronne”, o en la búsqueda de las correctas alineaciones durante el ejercicio de las dos magistrales diagonales de las wilis.

La primera solista Sara de Miranda protagonizó a Giselle en la versión de este clásico que llevó a La Habana el Ballet de Camagüey. Foto: Buby. Gentileza BC.

Los intérpretes

En general, las interpretaciones fueron aceptables, si consideramos que el cuerpo de baile está integrado, en su mayoría, por bisoños efectivos, tanto en lo femenino como en lo masculino, si tenemos en cuenta las deserciones recientes de sus elementos más experimentados, hacia otros grupos del país o del extranjero. Particularmente, puedo elogiar la labor desplegada en sendos actos por la primera solista Sara de Miranda, y el galante soporte de su partenaire, Yanny García, único primer bailarín de la compañía, así como las notables intervenciones de dos intérpretes de Myrtha, reina de las wilis (Elizabeth Pagés y Oleydi Labrada). El propio coreógrafo Chávez, al encarnar el papel del príncipe de Courtland, demostró su veteranía en las posibilidades de algo tan breve.

Según el editor y teórico de danza estadounidense, Francis Mason, existen muchos importantes ballets en la historia: el ballet en el cual la bailarina principal se despojó por vez primera de sus zapatos de tacones; el ballet en el cual ella se paró por primera vez sobre la punta de sus dedos y el ballet en el cual saltó peligrosa y cómodamente desde una altura de 20 pies, para luego ser atrapada en los brazos de su amado. Pero estos ballets, a pesar de todas sus innovaciones, nunca han llegado hasta nosotros; son importantes en un sentido estrictamente académico. “Giselle”, en cambio, ha llegado a nosotros, ha sido interpretado por sucesivas compañías de ballet, desde su primera representación (1841), porque combina la innovación con el drama y el baile, que nos hacen olvidar lo que cuenta su argumento.

La innovación de “Giselle” reside en su síntesis de lo que conocemos como ballet romántico. Para que esto ocurra requiere de la magia. Los poderes misteriosos y sobrenaturales que la poesía romántica invocaba para asegurar su ideal, súbitamente convertido en algo natural al teatro (…). Para Balanchine y Mason, “Giselle” es al ballet,  lo que “Hamlet” es para el teatro dramático.

El Ballet Bolshoi de Bielorrusia inicia una gira por cinco ciudades de España con “Giselle” en la versión de Marius Petipa. Foto gentileza BBB.

El próximo domingo 29 de noviembre, el Ballet Bolshoi de Bielorrusia inicia una mini gira en España con cinco únicas representaciones en los principales teatros delas ciudades de Murcia, Alicante, Pamplona, Logroño y Terrasa. La compañía de danza de uno de los tres únicos teatros a nivel mundial con el título Bolshoi, el Teatro Académico Bolshoi de Ópera y Ballet de Bielorrusia (Minsk), fue galardonada con el Premio UNESCO “Cinco Continentes” en 2014.

En esta visita a España, el Ballet Bolshoi de Bielorrusia pondrá en escena “Giselle”, joya del ballet clásico y obra maestra del romanticismo por su concepción dramática y coreográfica. Amor, muerte y fantasía son los motivos argumentales de Giselle, la mujer que ama demasiado, dispuesta a enloquecer y morir de amor, y dispuesta a amar incluso después de la muerte.

“Giselle”  es un  ballet en dos actos con una duración de 102 minutos que la compañía rusa presentará por primera vez en España, después de haber recorrido los principales coliseos de todo el mundo. Con música de Adolphe Adam, sobre un libreto de Vernoy de Saint-Georges, Théophile Gautier y Jean Coralli, la coreografía de “Giselle” se basa en la versión de Coralli, Jules-Joseph Perrot y Marius Petipa. La puesta en escena es del Artista del Pueblo de la Unión Soviética,  Nikita Dolgushin, y el diseño, del Artista del Pueblo de Rusia, laureado del Premio Estatal de la República de Bielorrusia, Vyacheslav Okunev.

Tres elencos diferentes del Ballet Bolshoi de Bielorrusia interpretarán “Giselle” en España. Foto gentileza BBB.

Fundado  en 1920, el Ballet Bolshoi de Bielorrusia ocupa en Minsk un espectacular teatro, recientemente reformado, donde trabajan más de 1.200 personas entre artistas de ballet, ópera, orquesta, administración y personal técnico. La compañía tiene un extenso repertorio que incluye los más importantes títulos de ballet de todos los tiempos. En los últimos años han visitado más de 30 países de todo el mundo.

El cuerpo de baile, de 50 bailarines, bajo la dirección artística de Uriy Troyan,  director artístico de esta compañía de ballet, de reconocido prestigio internacional por su talento plástico, primero como bailarín y posteriormente en su faceta como coreógrafo.

En 1996 la agrupación recibió el premio “Benois de la Danse” por su prestigio a nivel internacional.

Además, abierto al público y coincidiendo con estas representaciones, los alumnos y escuelas de danza de toda la Región de Murcia, Comunidad Valenciana, Navarra, La Rioja y Cataluña  recibirán clases magistrales y talleres impartidas por los primeros bailarines de la compañía.

En España

Domingo 29 de noviembre: Teatro Romea de Murcia

Martes 1 de diciembre: Teatro Principal de Alicante

Miércoles 2 de diciembre: Baluarte de  Pamplona

Jueves 3 de diciembre: Riojaforum de Logroño

Sábado 5 de diciembre: Centro Cultural de Terrasa

Paloma Herrera y Juan Pablo Ledo protagonizan “Giselle” con el Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza JPL.

Con un clásico insoslayable, Paloma Herrera se presenta nuevamente en el Teatro Colón de Buenos Aires, Argentina, con “Giselle”. Después de anunciar su retiro en 2015, Herrera, que a los 19 años fue bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) ha comenzado su despedida. Y esta vez, su partenaire será el argentino Juan Pablo Ledo. Junto al ensamble del Ballet Estable del Teatro Colón, Herrera se presentará el 2, 4, 8 y 11 de octubre.

“Giselle”, ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy, se basa en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine. En la versión que sube a escena en el Colón, la música estará a cargo de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires dirigida por Emmanuel Siffert, el diseño de iluminación de Rubén Conde, y la versión coreográfica sobre la de Marius Petipa es de la directora del Ballet Estable del Teatro Colón, Lidia Segni.

En las funciones del 3, 5 y 9 de octubre, Giselle será interpretada por Nadia Muzyca, primera bailarina del Ballet Estable del Teatro Colón, y el 3 y el 5, el rol de Albrecht estará a cargo del primer bailarín Federico Fernández. En la función del 9 de octubre, Edgardo Trabalón será Albrecht.

“Estoy feliz de poder hacer ‘Giselle’ en el Teatro Colón. Es un ballet que quiero y que lo he bailado muchísimo, y cada vez ha sido única. Igual en los ensayos, porque siempre es diferente”, dijo la bailarina. Esta es la primera vez que Ledo y Herrera bailan juntos, un proyecto que empezaron a planear hace varios meses.

“Giselle”, una obra de la era romántica por excelencia, se estrenó en 1841 en la Ópera de París convirtiéndose en pieza pura y fundamental de la danza clásica, tanto por el tratamiento de los ideales románticos como por sus características de ballet d’ action propias siglo XIX.

La trama se desarrolla en una aldea de la Renania medieval, donde Hilarion, el cazador, ama a Giselle y muere de celos por el duque Albretch quien, con ropas de campesino, enamora a joven campesina. Hilarion descubre la mentira y la joven enloquece y muere.

Paloma Herrera comenzó a bailar a los 7 años y a los 19 fue bailarina principal del ABT. Foto gentileza
Galicia-Éminent.

En la temporada de primavera del ABT en el Metropolitan Opera House, Herrera le dijo adiós a “su” Kitri en “Don Quijote”, y bailó su última “Bayadera”. Todos estos ballets la acompañaron en su carrera y como siempre confesó, le dieron los mejores momentos de su vida profesional.

Al terminar “Giselle”, Herrera volverá a Nueva York para la temporada de otoño del ABT donde interpretará un repertorio mixto. Y a fines de octubre hará su despedida en el Festival Internacional de Ballet de La Habana que se realiza desde el 28 de octubre hasta el 7 de noviembre.

Cuando en mayo de este año Herrera anunció que dejaría de bailar en 2015, “con gran emoción y sentimientos encontrados”, aseguró que esta carrera es su vida, su pasión, su burbuja, su amor. “Ni el sueno más increíble hubiese imaginado que pudiera vivir esta vida, esta carrera maravillosa es muchísimo más de lo que pude haber imaginado, y por eso sólo agradezco. También siempre supe que quería retirarme joven exactamente con la misma pasión, ganas y energía que tenía a los 7 años, cuando empecé. ¡¿Y por qué no seguir cumpliendo mi sueño?!
Siempre supe que esta carrera era corta (sin embargo al empezar tan temprano para mí fue larga) y por eso disfruto cada segundo”.

Herrera, comenzó a bailar con Olga Ferri, su maestra y su mentora, para luego ingresar a los 15 años al cuerpo de baile de la compañía a la que siempre quiso pertenecer, el ABT. Por allí había pasado uno de sus ídolos, Mikhail Baryshnikov, y llegar hasta ahí fue parte de su sueño.

Paloma Herrera y Cory Stearns, del ABT, protagonizaron “Giselle” en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

En la historia de “Giselle”, hubo pocas realmente memorables. Paloma Herrera, en la noche del viernes 20 de junio, logró engrosar la escasa lista de intérpretes que encontraron esa delicada y sutil combinación entre el arte y la perfección técnica. En su Giselle, supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más descarnada al descubrir el engaño de su amado. Y fue etérea al convertirse en espíritu. Desde el principio hasta el final Herrera jugó con la emoción más profunda.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, pieza emblemática, desafío no sólo para primeros bailarines sino también para cuerpo de baile y solistas. Intrincada, con fuertes connotaciones psicológicas, con valores morales, y un mundo de seres sobrenaturales en el que el perdón y la justicia se debaten, al igual que el amor.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su temporada del Metropolitan Opera House, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, es atractiva, bella, y permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios y principales.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine donde aparecen las Willis, personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda.

El ABT la presentó por primera vez en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre fue la que catapultó a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch. La puesta que se ve actualmente es del director del ABT sobre la original.

Una “Giselle” memorable interpretada por Paloma Herrera en la temporada de verano del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor, e Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

Esta es una de las pocas versiones en las que Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, combina una gran demanda de actuación y danza con igual intensidad. Forster compuso un personaje creíble, enérgico, y mostró interesantes cualidades como bailarín.

En el primer acto, Herrera y Cory Stearns, como Albretch, hacen una pareja entrañable. Frescos, enamorados, ambos bailan juntos como si fueran uno. Stearns ha crecido como bailarín y como intérprete, y ha adquirido mayor presencia escénica. Sólo necesita dejar que surja completamente el artista que aún esconde.

Herrera, magnífica, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. Su escena de la locura quedará en la memoria y en el corazón de los miles de espectadores que aquella noche llenaron el Metropolitan. Su Giselle, transformada en Willis, fue, sencillamente, impecable y tremendamente conmovedora.

El cuerpo de baile de la compañía, fue atractivo y dinámico en el primer acto, y sublime en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, etéreas sobre el escenario en ese bosque encantado. Verónika Park, como Mirtha, hizo un buen trabajo, al igual que Misty Copeland (Moyna) y Yuriko Kajiya (Zulma).

Cabe destacar el pas de deux de paisanos del primer acto, donde Luciana Paris lució su calidad como bailarina, delicada, precisa y, por sobre todo, mostró su entusiasmo visceral y su pasión en todo lo que baila. Una bailarina que merecería pasar de cuerpo de baile a solista, dado que en cada presentación muestra su intensidad y su buena técnica. Luis Ribagorda fue un buen partenaire, aunque en sus variaciones dejó ver ciertas imprecisiones en los cierres.

El final, una ovación de pie. Y también, lágrimas de emoción para esta “Giselle” inolvidable.

El Bolshoi Ballet llegó a Washington DC con su versión de “Giselle”. Foto: Damir Yusupov. Gentileza JFKC.

Una historia de amor donde las diferencias de clase se hacen insoslayables, y el engaño es la clave de un desenlace trágico. “Giselle”, el emblema del ballet romántico del siglo XIX, conjuga todos estos elementos, y deja entrever aspectos psicológicos y morales de cada uno de los personajes protagónicos.

Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, este ballet, incomparable en su género, muestra a la joven aldeana Giselle enamorada de un “supuesto” campesino, que es en realidad el Duque Albrecht, prometido de Bathidle, hija del Duque de Courtland. Y en el otro lado del triángulo, el guardabosques, Hilaríon, también enamorado de Giselle, que descubre el engaño del noble y lo desenmascara. Traicionada en sus sentimientos, la joven pierde la razón y muere en brazos de su madre.

El Ballet Bolshoi, dirigido por Sergei Filin (director al que hace algunos años, miembros de la compañía le tiraron ácido en la cara por no estar de acuerdo con su forma de conducir el ensamble) trajo al Kenendy Center, su versión de “Giselle”. Con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, Marius Petipa, y Yuri Grigorovich, quien fue director de la compañía durante la era soviética, este ballet dejó ver una nueva generación de bailarines.

Svetlana Zakharova y David Hallberg –desde 2011 principal del Ballet Bolshoi–, fueron los protagonistas en la noche del estreno en el Opera House. Ambos compusieron una buena dupla, no sólo desde lo visual sino también, por el nivel de comunicación entre ambos.

Zakharova, deslumbra con sus magníficos pies y sus asombrosas extensiones en las que sus piernas, literalmente, llegan a rozar su oído. No obstante, su port de bras no logra el mismo refinamiento que sus piernas. Por momentos, sus brazos se alejan del clásico estilo que siempre caracterizó la escuela rusa.

Musical y más enérgica que etérea, la Giselle de Zakharova, cobró encanto en el acto blanco, donde la doncella engañada, convertida en Willi, salva de la muerte a su amado Albretch.

Con una puesta en tonos ocres, el primer acto, que se desarrolla en una campiña renana, tuvo como principal atractivo el trabajo de los bailarines solistas y del ensamble. Dinámicos y frescos, mostraron un cuadro campesino atractivo, pero estuvo ausente ese compromiso actoral particular del Bolshoi de otros tiempos.

Daria Khokhlova e Igor Tsvirko, en el pas de deux de los campesinos, hicieron un fantástico trabajo. Con energía, convicción y estilo. Khokhlova, precisa y vital, encaró sus variaciones con solidez y consistencia. Tsvirko, a pesar de algunas imprecisiones en los cierres, mostró sus habilidades para los saltos y los battements.

En esta versión de Grigorovich, Hilarion, convertido en Hans, el guardabosques enamorado de Giselle, no tiene demasiado lucimiento como bailarín. Su Hans, requiere a un actor. Vitaly Biktimirov, cumplió su rol con poca convicción, pero en el segundo acto dejó vislumbrar al bailarín.

Y fue también en el segundo acto donde la tradición de perfección de la compañía marcó su presencia para componer un acto blanco sublime. Si bien al comienzo, en la tumba de Giselle, unas luces intermitentes (que asemejaban a un arbolito de navidad) rompieron la magia de ese bosque sombrío donde moran las almas de las jóvenes doncellas traicionadas antes de su boda.

Luego, todo fue encantamiento. Especialmente en el pasaje de entrada de las willis, en arabesque penchée, cuya perfección y sincronización fueron parte del embrujo.

Zakharova, quizás demasiado enérgica para ser un espíritu, pero deslumbrante en sus posiciones. Maria Allash, como Mirtha, reina de las willis, magnífica en sus saltos, hizo una precisa composición de su personaje, sin exageraciones ni excesivas asperezas. Mientras Hallberg, por su parte, ha logrado, desde su incorporación en el Bolshoi, encontrar al actor y al partenaire comprometido con su compañera.

Con la conducción de Pavel Klinichev, la Opera House Orchestra del Kennedy Center, hizo sonar la música de Adam con maestría y calidez, y convirtió cada pasaje de este ballet en un momento particular y único.