Danzahoy » Academia Vaganova de San Petersburgo

Una versión ejemplar

mgueler — Sun, 01 Dec 2024 01:11:11 +0000

“La sílfide” tuvo como protagonistas a Jakob Feyferlik y a Ksenia Shevtsova. Foto: Katja Lotter. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

Con las primeras nieves del otoño ha llegado a Múnich “La sílfide”, una pieza que puede ser considerada como la obra fundacional del ballet clásico-romántico. Fue el primer ballet bailado íntegramente sobre puntas y el primero que incluyó un acto blanco completo, con la consiguiente consagración del tutú del mismo color. De “La sílfide” existen dos versiones. La original, con coreografía de Filippo Taglioni y música de Jean-Madeleine Schneitzhoeffer, fue estrenada en París en 1832 y pese a su inmenso éxito y a haber sido una obra que marcó el camino del ballet clásico, dejó paulatinamente de representarse. Desaparecida de los escenarios durante aproximadamente un siglo, fue reconstruida en 1972 por Pierre Lacotte, quien para su labor se basó en testimonios gráficos, literarios y musicales que daban fe del ballet original de Taglioni. La segunda versión es la de Antoine Bournonville, con música de Herman Severin Løvenskiold, creada en Copenhague en 1836 y que desde entonces sigue en el repertorio del Ballet Real Danés y que ha sido adoptada por otras compañías.

“La sílfide” que acaba de ser estrenada en Múnich es la de Taglioni y Schneitzhoeffer reconstruida por Lacotte, con el añadido de un número musical compuesto por Ludwig Wilhelm Maurer. En realidad, más que de un estreno se trata de un regreso tras una muy larga ausencia, pues a partir de 1840 “La sílfide” de Taglioni fue representada en la Ópera de Baviera durante más de dos décadas. La reconstrucción de Pierre Lacote forma parte del repertorio de la Ópera de París, teatro del que fue danseur etoile el actual director del Ballet del Estado de Baviera, Laurent Hilaire.

El italiano Robin Strona da vida a la bruja Madge. Foto: Katja Lotter. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

Lo primero que se advierte en esta nueva producción es la pulcritud y la seriedad con la que ha sido abordada. Llama la atención el minucioso trabajo de puesta en escena y realización coreográfica, llevado a cabo por Anne Salmon y el propio Laurent Hilaire, sin duda muy bien secundados por los maestros de la compañía. Evidentemente se ha puesto gran empeño en reproducir el estilo de danza de tiempos de Taglioni, manteniendo, en la medida de lo posible, su pureza y sus características propias. De este modo se advierte una consciente renuncia a alardes virtuosísticos superfluos, incluso limitando parte de las posibilidades técnicas de los bailarines actuales, bastante mayores que la de sus antecesores de hace casi dos siglos.

También es evidente la enorme atención con la que se han tratado los pormenores no sólo coreográficos, sino también escénicos, característicos del lenguaje romántico. Muy loable es el relativamente alto grado de tensión dramática que se logra, sobre todo, en el primer acto, algo sorpendente dadas las características de la acción. El único punto débil es la luminotecnia en el segundo acto. El fondo resulta demasiado claro, lo que tiene dos consecuencias negativas: la pérdida del ambiente sobrenatural que le es propio y la falta de contraste entre los tutús blancos y el decorado. A ello se añade una iluminación demasiado dura que cae inmisericorde sobre los solistas y el cuerpo de baile. Es una pena, pues tanto la danza como los hermosos efectos escénicos pierden gran parte de la magia que en una pieza como ésta debería ser inexcusable. Así, por ejemplo, en el vuelo de las sílfides los cables de los que cuelgan son escandalosamente visibles debido a la errónea iluminación.

En el plano coreográfico lo más llamativo es la cohesión, la precisión y la homogeneidad del cuerpo de baile. Ya el anterior director de la compañía, Igor Zelenski, había elevado su nivel, labor que Laurent Hilaire ha continuado con éxito. Esto es especialmente meritorio si tenemos en cuenta que el Ballet del Estado de Baviera es una compañía formada por bailarines de procedencias muy diversas. En esta Sílfide se puede admirar un cuerpo de baile disciplinado, perfectamente sincronizado, con alto nivel técnico, dominio estilístico y mucho donaire.

Toda la obra gira entorno a la figura protagonista, la Sílfide, sobre quien recae el peso de la representación de modo mucho más intenso de lo que es habitual. Su intérprete, Ksenia Shevtsova, formada en la Academia Vaganova de San Petersburgo, luce una gran musicalidad que se concreta en una excelente línea de danza. Sus movimientos fluyen melódicos, limpiamente fraseados, sin aristas. A ello contribuye un blando y siempre bien redondeado port de bras, típico de la escuela petersburguesa. La danza de Shvetsova es, por decirlo de algún modo, bel canto coreográfico, adecuadamente romántico en su gestualidad. Sus giros, sobre ejes perfectamente centrados, son impecables. Sus puntas bordan pulcramente cada uno de los pasos. Ver a Ksenia Shvetsova bailar este papel es una delicia para los ojos.

Sin embargo, esta belleza material no logra ocultar un serio déficit expresivo que deja a la figura de la Sílfide convertida en una hermosa forma con muy poco contenido. Aunque no es ésta una pieza dramática, sino claramente lírica, no deja de ser un ballet argumental y por lo tanto con una fuerte vertiente teatral. El personaje protagonista es especialmente complejo: por una parte se trata de un ser numinoso, sobrenatural; por otra, está poseída por una pasión amorosa y una melancolía muy humanas. Reflejar estos aspectos sin renunciar al lirismo romántico es el gran desafío de “La sílfide”. Y es precisamente aquí donde la interpretación de Shvetsova falla claramente. Su Sílfide es superficialmente coqueta, pero nada más. En ningún momento de la función se manifiesta el trabajo intelectual de profundizar en el personaje y darle una configuración concreta, así como tampoco la intensa implicación emocional que esta figura exige de la bailarina. La Sílfide de Ksenia Shvetsova ni refleja ideas ni conmueve. Su interpretación es muy bonita, pero también muy banal y uniforme, incapacaz de emocionar o al menos de tensar un poco el ánimo del espectador: es una experiencia placentera, pero que pasa sin dejar huella.

Ksenia Shevtsova y Jakob Feyferlik. Foto: Katja Lotter. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

Muy diferente es la actuación del austríaco Jakob Feyferlik en el papel de James. Siguiendo los usos del ballet romántico, que hace del varón sobre todo un acompañante subordinado a la estrella femenina, la reconstrucción de Pierre Lacotte ofrece a James sólo discretas ocasiones de lucimiento. Jakob Feyerlik las resuelve más que correctamente y con buen gusto. Pero sobre todo demuestra ser capaz de dar a su personaje el relieve psicológico que echamos de menos en su compañera. James aparece como un personaje psicológicamente desestabilizado por la aparición de la Sílfide, situado en una trágica encrucijada, indeciso, tal vez enloquecido por una alucinación. Jakob Feyferlik logra transmitir todos estos estados de ánimo con una gran economía de medios, sobriamente, sin exageraciones. Su danza es viril y su configuración dramática de James es del todo verosímil y convincente.

La seguna figura femenina, Effie, es encarnada por Carollina Bastos, una bailarina brasileña formada en Múnich. Su interpretación es muy satisfactoria y contiene el justo grado de vivacidad y de romanticismo que exige la figura. El italiano Robin Strona da vida a la bruja Madge con una muy eficaz combinación de truculencia e ironía y demuestra ser un mimo inspirado y con gran comprensión de su papel. También Matteo Dilaghi convence en el papel de Gurn. Una mención especial merece la pareja formada por Margarita Fernandes y Antonio Casalinho. Sin ninguna duda estos bailarines portugueses son dos de las figuras más interesantes del Ballet de Baviera. Su interpretación del paso a dos escocés en el primer acto es un derroche de energía, frescura, gracia y entrega a la danza, y constituye uno de los momentos más logrados de esta velada.

La dirección orquestal del veterano Myron Romanul se adapta perfectamente a las necesidades de la danza y obtiene muy buenos resultados también en el aspecto puramente musical. La partitura de Schneitzhoeffer y Maurer suena muy agradablemente, poniéndose de manifiesto todas sus virtudes melódicas, rítmicas y teatrales. Los diversos afectos y ambientes (fantasía, magia, tensión, alegría, etc.) están muy bien logrados. Sólo en la introducción del segundo acto se advierte una cierta falta de cohesión y una poco afortunada intervención de los metales, defectos solamente puntuales y que son rápidamente corregidos.

El Ballet del Estado de Baviera presentó en Múnich “La Sílfide”. Foto: Katja Lotter. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

Donde siempre triunfa el amor

mgueler — Mon, 14 Oct 2019 20:57:20 +0000

Un final feliz y a toda pompa en la “Paquita” de Yuri Smekalov que subió a escena en el Kennedy Center de DC con tres intérpretes diferentes. Foto: Darian Volkova. Gentileza JFKC.

Una nueva “Paquita” llegó con el Mariinsky Ballet al Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Ya no se trata de la original estrenada en 1846 en la Opera de París con coreografía de Joseph Mazilier ni de la reposición de Pierre Lacotte. Tampoco de la versión que hizo en 1847 Marius Petipa para el Ballet Imperial en San Petersburgo, ni la que mantuvo el Mariinsky Ballet hasta 1926. Esta “Paquita” es algo así como una suerte de “homenaje” al ballet clásico o, simplemente, un homenaje a aquella primera “Paquita”.

Un ballet narrativo en el que prevalecen más las danzas de carácter que las variaciones clásicas, con situaciones dramáticas y gran preponderancia de los elementos del ballet d’ action. Recién en el tercer y último acto el coreógrafo Yuri Smekalov, segundo solista de la compañía dirigida por Valery Gergiev, recupera gran parte de aquel Grand Pas Classique que fue durante muchos años el elemento más representativo de este ballet. Es precisamente en este punto donde el ballet retoma y reconstruye la versión de Petipa.

La historia se basa en “La Gitanilla”, una novela de Miguel de Cervantes, que comienza cuando un grupo de gitanos rapta a una niña de familia noble y la incorpora a su tribu, sin revelarle su identidad. Luego, ya convertida en una cautivante bailarina, se gana el corazón de un aristócrata al que le pide, como prueba de su verdadero amor, que se una a la troupe de gitanos. La trama se complica con intrigas, celos, envidias, trampas y falsas acusaciones, hasta que finalmente el joven enamorado cae preso. A partir de allí comienza a desvelarse la verdadera historia de Paquita. Y desde luego, un final feliz donde el bien triunfa sobre el mal.

El Grand Pas Classique de la reciente producción de “Paquita” retoma la puesta de 1847 creada por Marius Petipa para el Ballet Imperial en San Petersburgo. Foto: Valentin Baranowsky. Gentileza JFKC.

Pero más allá de una escenografía portentosa, y de bellos y coloridos trajes, “Paquita” se reafirma en el tercer acto, donde la compañía puede hacer un verdadero despliegue de su indiscutible fama. Allí aparecen las virtudes de la escuela rusa, generadora de grandes artistas y poseedora de bailarines con una técnica impecable.

En la noche de apertura el protagónico lo cubrió Viktoria Tereshkina, rol que fue alternando con Maria Khoreva y Nadezhda Batoeva. Pero el personaje en sí mismo no es lo suficientemente interesante como para que las protagonistas puedan mostrar sus amplias posibilidades dramáticas y técnicas.

Maria Khoreva y Nadezhda Batoeva, primeras solistas, que encarnaron a Paquita el 11 y el 12 de octubre por la noche, son dos bailarinas magníficas, con estupendo port de bras, sólidas piernas y veloces giros. Sin embargo, no lograron cautivar con su personaje. No obstante, la segunda solista, Maria Shirinkina, como Cristina en las dos funciones, mostró una personalidad arrolladora, intensa y vibrante, entusiasta, con una cuidada técnica y enorme sutileza. Especialmente, en la variación del ballet “Camargo” en el tercer acto.

El cuerpo de baile masculino, al igual que los solistas mostraron una sólida formación. Konstantin Zverev y Xander Parish, partenaires de Khoreva y Batoeva, hicieron un atractivo despliegue de saltos y giros, y fueron sólidos partenaires. Pero la pasión estuvo ausente.

Donde realmente apareció el entusiasmo y una fresca energía fue en el grupo de alumnos de la Academia Vaganova de San Petersburgo que hicieron una estupenda mazurca, brillante y precisa.

Más allá de la narrativa, lineal y esperable, “Paquita” muestra a una compañía que no ha perdido esa perfección que la caracterizó a lo largo de la historia, pero ha opacado a las grandes estrellas que seguramente han dejado al duende entre las bambalinas.

Entusiasmo y energía en el grupo de alumnos de la Academia Vaganova de San Petersburgo que bailaron la mazurca del tercer acto de “Paquita”. Foto: Darian Volkova. Gentileza JFKC.