Malpaso subió a escena “La última canción”, un estreno de la coreógrafa Daile Carrazana. Foto gentileza Malpaso.

La compañía cubana de danza Malpaso, después de un largo período ausente de los escenarios de la mayor de las Antillas, debido a diversos compromisos en ciudades europeas y estadounidenses, retorna a su habitual sede habanera, el hermosamente remozado decimonónico Teatro Martí (seriamente afectado el pasado año por la explosión accidental de los depósitos de gas de un vecino hotel de lujo).

Este coliseo capitalino los acoge, esta vez, con un conjunto ampliado numéricamente, con jóvenes bailarines de ambos sexos, junto con un cuerpo de baile formado con las técnicas contemporáneas avanzadas dispuesto a ofrecernos una reclamada reposición y dos estrenos absolutos.

Malpaso, es una “ong” cultural sin ánimo de lucro fundada en diciembre de 2012 por el joven teatrista y productor Fernando Sáez, junto con los bailarines y coreógrafos Daile Carrazana y Osnel Delgado. En sus orígenes, consiguieron el generoso coauspicio de la Fundación Luwig de Cuba (sede matriz en Alemania), sin duda fundamental para su actual andadura internacional.

Por su experiencia en cuanto a la colaboración con la danza contemporánea, Malpaso se define como “una compañía de repertorio la cual, como parte esencial de su misión, promueve el trabajo de los coreógrafos cubanos emergentes”.

Otro principio básico, apuntan los directores artísticos de la agrupación, es la colaboración con prestigiosos artistas músicos (con Chico OFarrill), coreógrafos, o diseñadores de luces y vestuario. Este conjunto cubano está asociado, en el presente, al Joyce Theatre Productions de NYC.

Sobre las obras y los coreógrafos en cartel

En la primera parte: “Vals Indomable” (en reposición) es una creación de Azure Barton (Canadá/USA). Barton nació en Alberta, luego marchó a estudiar a la Escuela nacional de ballet de Toronto, donde recibió su formación profesional. Hasta la fecha ha colaborado con prestigiosas compañías tales como el Bolshoi Ballet, el ABT, el Houston Ballet, la Martha Graham Dance Co., el Netherlands Dans Theatre, BBaños, benefiada con grand piano Steinway en escena.

La joven Asherie es una b-girl, coreógrafa y bailarina. Afincada en NYC y laureada con el Premio Bessie 2016, por sus logros innovadores en danza”, ha recibido igualmente reconocimientos por sus trabajos, así como dos becas de estudios. El pasado año recibió el Premio del Proyecto Nacional de Danza para apoyar el desarrollo y puesta en escena de su nueva obra, “Odeon”, por parte de la Universidad de Wisconsin-Milwaukee obtuvo una maestría en Bellas Artes, donde investigó acerca de las raíces de la danza vernácula de jazz en los bailes callejeros y de clubes contemporáneos.

Actualmente, imparte cursos como docente de danza en varias universidades norteamericanas, y enseña en el Broadway Dance Centre. Asherie es miembro co-fundadora del colectivo femenino de la “house dance” (MAWU) siempre vinculada con la comunidad de danza “underground”.  Para esta obra y la precedente los diseños de luces y vestuario fueron por el imaginativo Guido Gali.

Como cierre del programa vino una gratificante pieza de la coreógrafa y directora artística Daile Carrazana como estreno absoluto, donde tuvo como soporte musical conocidas obras popularizadas por María Teresa Vera y Lorenzo Hierrezuelo y del catalán Jorge Sabatés, servidas por Carolina Baños al piano.

Aquí las luces fueron aseguradas por Gali, empero los diseños del colorido vestuario se debieron a Rachel Forbes. Carrazana nos regaló el plato fuerte de la noche. La pieza posee una intensidad holística que contribuye a enfatizar la característica identitaria del discurso coreográfico. En su desarrollo nada lineal y el eclecticismo de formas y estilos logra una sostenida coherencia en este trabajo coral intenso, conformado por los bisoños miembros del conjunto.

Las miniaturas coreográficas precedente, dejaron patente la vitalidad y atletismo distintivos de Malpaso, con promisorios futuros proyectos, aunque sentimos la ausencia de las impactantes entregas de su estelar bailarín Osnel Delgado.

RM.

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El primer bailarín de ABT, Herman Cornejo, en una filmación de ABTKids 2020. Photo: Clinton Luckett. Gentileza ABT.

A es para arabesque, B es para Baryshnikov, C es para Coppélia y otros tantos nombres más se reúnen en este libro ilustrado con rimas y lleno de estrellas de ballet, bailes, posiciones y terminología. Presentado por el American Ballet Theater (ABT) a través de su programa ABTKids, el libro para niños “B is for Ballet: A Dance Alphabet”, forma parte de la colección de Random House Children’s Books. El libro saltará de sus páginas en papel a las pantallas de todo el mundo con una versión digital especial el sábado 24 de octubre a las 11:00 am.

Este programa familiar de 30 minutos, que se transmitirá de forma gratuita en el canal de YouTube de ABT, incluirá imágenes de celebradas actuaciones de la compañía, así como segmentos recientemente grabados con bailarines de ABT.

ABTKids 2020, que ha reducido a la virtualidad sus actividades de este año debido a la pandemia, presenta este libro diseñado para llevar a los niños en un viaje alfabético a través del mágico mundo del ballet. El autor, John Robert Allman, ya incursionó en este género a través de los libros “A is for Audra: Broadway’s Leading Ladies from A to Z” y “Boys Dance!”. Vive en la ciudad de Nueva York, donde trabaja en marketing para televisión y teatro, se graduó de la Universidad Northwestern, en la Escuela de Negocios Stern de la Universidad de Nueva York y  en el Taller de Teatro Musical de BMI.

Ilustrado por Rachael Dean, “B is for Ballet: A Dance Alphabet”, fue publicado en la editorial Doubleday Books for Young Readers, de Random House Children’s Books. El libro de 48 páginas está destinado especialmente para niños entre 3 y 7 años y viene en versión de tapa dura como también, digital.

Este encuentro en el que “B is for Ballet: A Dance Alphabet” hará su debut virtual se transmitirá desde una librería y café de historias improbables de Plainville, una ciudad de Norfolk County, Massachusetts, librería asociada con ABTKids. El evento virtual en vivo abre una posibilidad para comprar los libros en línea. Un regalo perfecto para cualquier fanático del ballet, desde niños que recién comienzan a bailar hasta adultos que siguen con avidez esta elegante forma de arte.

El programa virtual ABTKids 2020, organizado en asociación con Random House Children’s Books, incluirá también presentaciones de los bailarines de ABT Herman Cornejo, Courtney Lavine, Lauren Post, Cory Stearns y Devon Teuscher, así como de estudiantes de la escuela ABT Jacqueline Kennedy Onassis. ABTKids tendrá como narradora a la actriz, emprendedora y activista de la primera infancia, Jennifer Garner.

“B is for Ballet: A Dance Alphabet”, de John Robert Allman con ilustraciones de Rachael Dean se presenta el 24 de octubre en YouTube de ABT. Gentileza ABT.

ABTKids se distribuirá sin costo alguno entre las organizaciones asociadas de ABT, incluido el Children’s Museum of Manhattan, Keen NYC, The Fresh Air Fund, Harlem School of the Arts, Lincoln Center’s Passport to the Arts, Memorial Sloan Kettering Cancer Center, Mount Sinai Kravis Children’s Hospital y todos los nuevos profesores de danza de las escuelas públicas del Departamento de Educación de la ciudad de York. A esto se sumará un conjunto de actividades, juegos y herramientas educativas con temas de ballet creados por el personal de educación de ABT y los artistas docentes.

Por otra parte, ABTKids es el espacio del ABT para que las familias y los educadores descubran contenido digital para sus aulas virtuales. Todos los días presentan un bailarín de la compañía, y los niños pueden interactuar con los artistas y profesores, aprender datos divertidos y disfrutar de actividades con temas de ballet desde la comodidad de su hogar.

El programa ABTKids está respaldado por Bloomberg Philanthropies y producido por Matador Content. Los productores ejecutivos de ABTKids son Kara y Dov Barnett, Vicki y Lloyd Goldman, Jennifer y David Millstone y Nancy Walker. Y entre los patrocinadores de ABTKids se incluyen Aditi Davray y Neil Barve, Robyn y Paul Goldschmid, y Elizabeth y Reynold Levy.

Contactos:

Para paquetes de patrocinadores, experiencias VIP únicas y actividades especiales para niños y familias, comuníquese con Eventos Especiales de ABT en specialevents@abt.org.

Enlace ABTKids:
https://www.youtube.com/channel/UCHWzHQb-KlMeAU9t2uANQhA

En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

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En la vigésimo sexta edición del se presentó la versión de “Carmen” de Alberto Alonso, con Gretel Morrejón en el protagónico. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En esta vigésimo sexta edición, el Festival internacional de ballet de La Habana adquiere el nombre de su cofundadora Alicia Alonso, prima ballerina assoluta siempre directora general del Ballet Nacional de Cuba (BNC), la compañía anfitriona de estos mega-eventos bienales que ha decidido festejar por lo alto los 70 años de su fundación.

Bajo la presidencia de la Alonso, el comité organizador ha convocado para esta cita del 28 de octubre al 6 de noviembre –como en ediciones precedentes- una impresionante cifra de invitados, entre estrellas internacionales y conjuntos (23), provenientes de algo más de 20 países.

Este festival, considerado como el de mayor envergadura en el hemisferio occidental, se mantiene como un encuentro de artistas y creadores sin carácter competitivo ni de lucro, por lo cual el máximo galardón que reciben es el aplauso entusiasta y sincero del público cubano, conocedor del arte de Terpsícore.

Desde su creación, en 1960 (de 1974 a 2016 fue establecido su carácter bienal), han participado 61 países de los cinco continentes. En la presente edición, ha culminado exitosamente, hemos podido disfrutar y valorar cinco estrenos mundiales: tres concebidos por coreógrafos foráneos y dos por cubanos (una bailarina del BNC y otro residente en el exterior). Igualmente, fueron representados más de 30 estrenos en Cuba. A todo ello sumamos la presencia de personalidades relevantes, tales como la argentina Paloma Herrera (ex-estrella del ABT y actual directora del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires); Kara Medoff Barnett, directora ejecutiva del ABT; el bailarín y coreógrafo sueco Pontus Lidberg, director artístico del Danish Dance Theatre; el francés Pierre-Francois Heuclin, consejero personal del Director de la Ópera de París, entre otros.

Hee Seo interpretó “Giselle” con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns, ambos del ABT. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza ABT.

Es un esfuerzo agónico el resumir, con las justas valoraciones, lo sucedido sobre los diferentes espacios escénicos –esta vez fueron cinco salas de la capital, diariamente-, sin excluir los salones de clase de la Escuela nacional de ballet “Fernando Alonso”, donde maestros cubanos de reconocida valía impartieron clases magistrales, con aplicación metodológica de la vigente y vital “escuela cubana de ballet”-In memoriam al Maestro paradigmático-, que incluyó a algunos residentes en Estados Unidos (formados en dicha escuela), como Lorna Feijóo (de gran rigor en sus correcciones) y Marcos Madrigal, o Víctor Gilí, así como Aurora Bosch (una de las llamadas “cuatro joyas”).

Una mención especial a los diversos eventos colaterales, organizados con tino por la Oficina de prensa y comunicaciones del BNC, que incluyó -entre otros- las inauguraciones de muestras fotográficas (dos significativas de Ani Collier de Florida y la cubana Nancy Reyes), presentaciones de libros (el dedicado a la escritura coreográfica de Alonso por la académica Ivette Fuentes, y el volumen enjundioso sobre la vida y obra de Marius Petipa editado en Madrid por Jesús Rivera Rosado); además, dos importantes exhibiciones por premios nacionales de artes plásticas: Zaida del Río y Nelson Dominguez.

Este festival habanero se ha caracterizado por un hito particular. Teniendo en cuenta los cambios ocurridos en las leyes migratorias y ciertas flexibilidades en el sistema político del país, fueron invitados (mediante otras coyunturas particulares y de posturas fraternales, bailarines afincados con éxitos en distintos sitios de la geografía planetaria), a bailar en este evento: algunos, en décadas, anhelaban esta ocasión, y también los aficionados locales que han seguido con pasión el desarrollo de sus carreras. Otros no pudieron asistir –como era su deseo-, por obligaciones contractuales con sus compañías de ballet, coincidentemente en temporadas y estrenos.

Una situación menos eufórica y más preocupante ha marcado esta edición: la ausencia física de la tan apreciada leyenda viva de la danza mundial, Alicia Alonso. Una repentina y transitoria afección pulmonar la ha mantenido en reclusión domiciliaria, por orden de los médicos que la atienden. Hacemos votos por su pronto restablecimiento para festejarle, como se merece, sus 98 primaveras el próximo 21 de diciembre.

Los programas

Se estrenó en el Festival “Ciudad de Luz”, de Pepe Hevia, dedicada al medio milenio de La Habana, con Gretel Morejon y Aram León. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Una acertada estructura en la programación general de los espectáculos –que atribuyo a los esfuerzos ingentes del Coordinador general Heriberto Cabezas y del subdirector técnico y diseñador Salvador Fernández, con veteranía en estas lides-, quienes concibieron dos Galas como pórticos: la inaugural (con el Desfile de las escuelas y la compañía, así como el primer discurso en este evento por el nuevo Presidente de la República de Cuba, Miguel Díaz-Canel Bermúdez) y la de Clausura (donde flotaba un sentimiento de tristeza, reforzado por la ausencia de una orquesta en vivo que produjera un elemento climático con la obra no elegida para el colofón).

Y como puentes climáticos de esta dramaturgia, fueron las galas dedicadas a dos significativas efemérides en los anales de la danza: el homenaje al gran maestro marsellés Marius Petipa en su bicentenario, y al aniversario 75 del debut consagratorio de Alicia Alonso en el rol titular del ballet “Giselle”, en el antiguo Met de Nueva York. El cuerpo de baile del BNC recibió las ovaciones merecidas por la impecable ejecución del segundo acto, con el afinado acompañamiento musical de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Giovanni Duarte.
Exitosas fueron en la escena del Teatro Mella, las del Ballet del Teatro Nacional de Praga, y las del Ballet del Gran Teatro de Ginebra (con una espléndida producción de “Carmina Burana” de Karl Orff, en la elogiada versión de Claude Brumachon), también sorprendió por su creatividad y expresividad teatral el Danish Dance Theatre en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba, con “Siren”, la más reciente pieza de Lidberg, inspiración poética de ciertos pasajes del viaje de Ulises en la Odisea de Homero.

“Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven coreógrafa inglesa Cathy Marston. Foto: Kike Smith. Gentileza KS..

Muy aplaudida con final en pie, el conjunto “ad hoc” de Estados Unidos Stars of the American Ballet, liderado por el virtuoso bailarín Daniel Ulbricht, integrado por “principals” y solistas del New York City Ballet. Estas producciones se alternaban con noches de concierto (los llamados “highlights programs”), donde algunos de ellos deslumbraron por su virtuosismo técnico, aunque los estilos sufrieran en su autenticidad, tales como Rasta Thomas, María Kochetkova, Joaquín de Luz, Isabella Boyston, Teresa Reichlen, Aram Bell, la italiana de La Scala Petra Conti, y la sudamericana Mary Carmen Catoya, con mención aparte para la coreana del ABT, Hee Seo, en una entrega fenomenal como Giselle, con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns.
La razonable desmesura fue la respuesta de las audiencias que asistieron a las únicas presentaciones de Rolando Sarabia, Taras Domitro, Marizé Fumero, Adiarys Almeida, Lissi Báez, Carlos Quedit. Particular destaque par a dos representantes de una cultura tan distante de nuestro ámbito: de Mongolia Altan Khuyag-Dugara (un divo en su país) y Anujin Otgontugs. Reconocemos el desarrollo artístico de la pareja cubana en Australia, Yanela Piñera y Camilo Ramos, así como el carisma exhibido por Arionel Vargas, Javier Torres y Dayesi Torriente (laureados en tierras europeas).

“La forma del rojo” de Ely Regina, fue otra de las novedades coreográficas que se presentaron en el festival. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Entre los estrenos absolutos, los más relevantes ora por su creatividad o por la entrega de los artistas en su desempeño fueron, “Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven artista inglesa Cathy Marston donde se destacó Daniela Gómez; “Ciudad de Luz”-dedicado al medio milenio de La Habana- es un intenso dúo de ocho minutos de Pepe Hevia, ejecutado con musicalidad y pericia por Gretel Morejon y Aram León (lo mejor de la gala de cierre); “La forma del rojo” de Ely Regina, metáfora poética demostrativa de los talentos evidentes de la autora en próximos proyectos, y el solo “Ánima” de la española María Rovira para el primer bailarín del BNC Dani Hernández, rotundo y dueño de la escena en la Sala Lorca.

Por primera vez, participa como sala teatral del festival el primorosamente restaurado Teatro Martí, joya arquitectónica de la capital, el cual fue literalmente invadido con el arte del flamenco por tres compañías de fuste invitadas. Este coliseo decimonónico a la italiana con aforo para acomodar a 800 personas, sirvió de adecuada vitrina a Rafael Amargo y su grupo (su única actuación dejó muy mal sabor de boca en los asistentes y los organizadores, por incidentes extra-artístico), luego fue una delicia asistir al espectáculo didáctico y auténtico ofrecido por la Fundación Antonio Gades; finalmente, la función de lujo ofrecida por la notable bailaora –diz que del nuevo flamenco- María Juncal, que ya se le sitúa como la más juvenil entre otros eminentes de este arte, tales Joaquín Cortés, Antonio Canales , o Eva Yerbabuena. Para su “Suite Flamenca”, ella se hizo acompañar del excelente bailarín Alfonso Losa y de un espectacular par de cantaores.

El 6 de noviembre en la noche, en el prestigioso escenario del Gran Teatro Alicia Alonso, tuvo lugar el espectáculo de clausura con un programa concierto donde se repitieron piezas por artistas invitados y con coreografías de autores foráneos mayormente, y ninguna con el soporte musical en vivo. Finalmente, el solo interpretado por Viengsay Valdés, un brillante tour de force ( venía directamente del Teatro Nacional donde había interpretado con el BNC la producción en dos actos de “Giselle”), “ParAlicia”, creado por la cubana Tania Vergara (ahora residiendo en Estados Unidos) y estrenado hace varios años por la misma intérprete, siempre acompañada al piano por el propio compositor y reconocido pianista Frank Fernández , pieza para piano y banda magnetofónica, y secuencias de imágenes de la Alonso capturadas del filme “Giselle” y otros documentales cubanos, consiguió un mitigado climax de cierre. Las ovaciones en pie por varios minutos gratificaron a todos los intérpretes de esta noche. Sin embargo, el rostro de muchos aficionados al abandonar el coliseo mostraba una expresión poco festiva: el adorado icono cubano de la danza universal no estuvo allí.

Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

Isabella Boylston, Joseph Gorak y Stella Abrera, del ABT, en “Monotones I y II”, de Frederick Ashton. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Con la caída de las hojas otoñales, también llegaron al teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, las obras prometidas para esta temporada del American Ballet Theatre (ABT). Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía dirigida por Kevin McKenzie comenzó el ciclo de presentaciones con obras nuevas en su repertorio.

Una de las primeras piezas que subió a las tablas del Koch, fue nada más ni nada menos que “The Brahms-Haydn Variations”, compuesta por la clásico-moderna coreógrafa Twyla Tharp, que muchos galones ha ganado con su excelente trabajo. La obra cerró la gala del 21 de octubre y formó parte de los programas de las semanas subsiguientes.

Marcelo Gomes como la muerte en uno de los íconos de Kurt Jooss, “La mesa verde”. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Las magníficas variaciones de Haydn sirvieron para que Brahms lograra un precioso trabajo musical. Partitura que desde el año 2000, sirvió de base para esta estupenda creación de Tharp, en donde aparecen siete parejas. Entre ellas, se destacan grandemente la formada por Maria Kochetkova y el maravilloso bailarín clásico Herman Cornejo; Christine Shevchenko y el elegante Joseph Gorak, y la graciosa Sarah Lane junto a Daniil Simkin, entre otras.

El programa continuó con la maravillosa y diminuta pieza original del grandioso coreógrafo Frederik Ashton (1904-1998) que tituló “Monotones I and ll” con música de Erik Satie. Misteriosa y emotiva. Un delicioso regalo para el espíritu.

“Monotones I”, compuesto primeramente, lleva dos bailarinas Stella Abrera con Isabella Boylston y un bailarín, Joseph Gorak. Mientras en “Monotones II”, los intérpretes son una bailarina (la eterna Veronika Part) y dos bailarines, Thomas Forster y Cory Stearns. Ambos trabajos pueden llamarse fascinantes.

Esa noche la velada terminó con un ballet de una época muy parecida a la actual,” La Mesa Verde”. Danza de muerte en ocho escenas. En la primera, la mesa aparece rodeada de personajes europeos que cada uno discute sus responsabilidades para evitar lo indeseable: la guerra y hambruna. Ambas situaciones amenazantes. Sin embargo, no parece que logren el triunfo.

Pronto aparece en escena el personaje principal, la muerte. Rol que encarna con total dominio Marcelo Gomez, tan buen bailarín como actor. Parecía que sus enormes pisadas y total dominio de sus pasos imponen.

Cuando esta pieza fuera estrenada (1932), Europa estaba sufriendo aun lo que la Primera Guerra Mundial había dejado atrás. Se anunciaba la llegada del holocausto que era imposible de detener. Por ese entonces Kurt Jooss, autor de la coreografía creada para su propio grupo bailable, partió de Europa hacia América.

Con Gomes de cabecilla en tan duro papel, ha sido el que ha cargado con bien merecidos aplausos, sin posible diferencias. La música, de la que es autor F.A. Cohen fue interpretada a dos pianos por David LaMarche y Daniel Waite.

Gillian Murphy y James Whiteside en “The Brahms-Haydn Variations”, de Twyla Tharp. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Un estreno

“After you”, el único estreno de la temporada, integró otro de los programas del ABT en el teatro Koch. Con coreografía de Mark Morris y la exquisita música del “Septeto en Do mayor, N° 2 Op. 114″, original de Johann Nepomuk Hummel, y los diseños de vestuario de Isaac Mizrahi, la obra es una bella puesta desde distintos aspectos.

La ropa que visten las seis parejas, de tela fina y transparente, promueven una composición única y delicada. Los principales Isabella Bollston y Herman Cornejo, hicieron un magnífico trabajo. El bailarín argentino se destaca especialmente por su finura y su expresividad que ha comenzado a aflorar de una manera notoria.

Con orquesta de cámara en vivo, y al piano, Barbara Bilach, quien acompañó las atractivas danzas creadas por Morris. No podía faltar un conjunto de violín, cello, bajo, flauta, clarinete y trompeta, que con gran ritmo lograron enaltecer la obra.

Entre los coreógrafos más conocidos no podía faltar la representación de Paul Taylor, representado por el conocido “Company B”, sobre música de las Hnas. Andrews. Sumamente divertido.

“After you”, el único estreno de la temporada, integró otro de los programas del ABT en el teatro Koch. Con coreografía de Mark Morris. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El programa finalizó con el coreógrafo en residencia ABT Alexei Ratmansky, que escogió su arreglo del “Piano Concerto N° 1″ de Shostakovich. Bailado con especial brillantez por el conjunto  y muy en especial por las dos parejas solistas: Gillian Murphy con Cory Stearns, y Maria Kochetkova con Daniil Simkin. Dos parejas magníficas, que siempre producen lo mejor. El vestuario a cargo de Keso Dekker es sencillamente estupendo. Bilach, al piano, puso lo mejor de su arte en su interpretación de la hermosa y difícil música de Shostakovich.

Paloma Herrera se despide del público argentino en el Teatro Colón de Buenos Aires el sábado 17 de octubre. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza Teatro Colón.

El sábado 17, Paloma Herrera se despidió del escenario del Teatro Colón de Buenos Aires acompañada por el español Gonzalo García, primer bailarín del New York City Ballet y por las primeras figuras del Ballet Estable del Teatro Colón,  dirigido por Maximiliano Guerra. La bailarina hizo su última función en el teatro donde bailó por primera vez cuando era niña, interpretando el rol de Julieta, en la versión coreográfica de Guerra de “Romeo y Julieta”. Bajo una lluvia de pétalos, y una sala llena que no dejaba de aplaudir de pie, Herrera compartió este final con sus padres, en un intenso abrazo.

Luego de la función, el Director General y Artístico del Teatro Colón Darío Lopérfido le entregó una plaqueta a modo de reconocimiento a una trayectoria inolvidable de 25 años.

Despedida Paloma Herrera, sábado 17, transmisión desde la Plaza del Vaticano. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Más de 70 mil personas disfrutaron de esta histórica despedida a través de www.teatrocolon.org.ar en todo el país y el mundo, y superó la cifra del concierto brindado por Daniel Barenboim, Martha Argerich y la Orquesta West-Eastern Divan en el marco del Festival de Música y Reflexión que había obtenido un total de 62.636 conectados concurrentes.

Además, la función pudo seguirse en vivo por la pantalla gigante de la Plaza del Vaticano que estuvo colmada de espectadores que se acercaron a disfrutar de este evento, gracias a la predisposición y generosidad de Herrera que autorizó e impulsó a compartir junto a todo su público esta transmisión en directo de su función despedida.

El Director General del Teatro Colón, Darío Lopérfido, entrega una plaqueta a a Paloma Herrera. Foto; Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Herrera comenzó sus estudios de danza clásica con Olga Ferri y se graduó con las más altas calificaciones en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. A los 15 años fue contratada por el American Ballet Theatre (ABT), y fue la bailarina más joven en alcanzar a los 19 años el rango de Principal Dancer de la compañía, en sus 75 años de la historia. Como primera bailarina del ABT fue estrella invitada de compañías tales como el New York City Ballet, el Tokio Ballet, el Kirov Ballet de San Petersburgo, , el ballet del Teatro Alla Scala de Milán, entre otros. Y la revista Dance Magazine la destacó entre los 10 mejores bailarines del siglo.

En la Argentina recibió los premios Konex de Platino, María Ruanova y Clarín, entre otros y fue declarada Personalidad Destacada de la Ciudad de Buenos Aires en el Teatro Colón. En 2010, el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires le entregó la Medalla del Bicentenario 1810-2010.

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La presentación de Marianela Núñez junto a James Whiteside en el Metropolitan Opera House de Nueva York, cerró la temporada del ABT: Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Con música de Sergei Prokofiev y con la sutil y minuciosa coreografía de Frederick Ashton, basada en el cuento tradicional de Charles Perrault, “La Cenicienta”, cerró la temporada primavera-verano del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House. La compañía dirigida por Kevin McKenzie presentó la obra desde el 29 de junio al 4 de julio con distintos repartos.

Tres principales del ABT, Hee Seo, Gilliam Murphy y Stella Abrera (recién ascendida) compartieron protagónicos con la bailarina invitada del Royal Ballet of London, la argentina Marianela Núñez, cuya trayectoria es más conocida en Europa y Sudamérica que en los Estados Unidos. Como pez en el agua, Núñez retomó una obra que forma parte del repertorio de la compañía a la que pertenece y en el que ha incursionado en varias temporadas en el Coven Garden de Londres.

En esta versión tan especial Frederic Ashton, visionario en su época, utilizó un elemento simbólico importante: hombres interpretando el rol de las hermanas de Cenicienta. Esta puesta realizada en 1948, y estrenada por el Sadler’s Wells Ballet en el Coven Garden, tuvo como protagonistas a Moira Shearer y a Michael Sornes, y el mismo Ashton, junto con Robert Helpman, cubrió el papel de las hermanastras.

James Whiteside del ABT y Marianela Núñez del Royal Ballet of London en los protagónicos de “La cenicienta” de Frederick Ashton. Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Para el ABT, Mikhail Baryshnikov montó su coreografía en 1983, y le siguieron otras dos producciones, la de Ben Stevenson (1996) y la de James Kudelka (2006). Esta puesta de Ashton comenzó a integrar el repertorio de la compañía en junio de 2014.

La presentación de Marianela Núñez en el rol de Cenicienta creó cierta expectativa, ya que fue la primera presentación con la compañía estadounidense. Junto a ella, James Whiteside, que fue quien estrenó esta versión para el ABT en 2014.

Núñez, dueña de una gran plasticidad y musicalidad, brilló en el segundo acto, en la escena del palacio, con sus magníficos giros, sus pirouettes y sus sólidas puntas. Pero a la impecable y sutil técnica se suma una encantadora personalidad que se ajusta al rol y la convierte en un personaje real. Su delicado trabajo actoral permite descubrir cada uno de sus estados de ánimo, especialmente en las escenas en las que debe defenderse de sus brutales hermanastras, o en las que se aferra a la protección de un padre debilitado y sometido a sus hijas adoptivas.

Ashton, con sus delicadas coreografías y ambientaciones, tiene una paleta mágica para pintar personajes y delinear situaciones. La armonía de los pasos que ha creado, son dibujados por Núñez y Whiteside con perfección y fortaleza.

El resto del reparto contó con Veronika Part como el hada madrina, prolija y discreta. Sarah Lane, cubrió el rol del hada de primavera; Stephanie Williams, el hada de verano; Luciana Paris, fue el hada de otoño, y el hada de invierno, April Giangeruso, miembro del cuerpo de baile. Las cuatro hadas, entre ellas Paris, recién ascendida a solista, después de un desempeño más que meritorio durante largas temporadas, hicieron un estupendo y delicado trabajo en cada una de las variaciones.

El Bufón que animó la fiesta del palacio, interpretado por Craig Salstein, hizo un excelente desempeño. Brillante en sus “split-jetés” y en su graciosa gestualidad.

Y un capítulo especial merecen Kenneth Easter y Thomas Forster que tejieron maravillas en la composición de las hermanastras. Ambos dejaron fluir sus cualidades de clowns y construyeron dos personajes magníficos, divertidos y atractivos. Imperdibles.

Ormsby Wilkins, al frente de la orquesta, logró hacer maravillas con la intrincada partitura de Prokofiev. Con maestría, hizo sonar la orquesta con brillantez y precisión.

El alto nivel de danza de la última noche de la temporada y el magnífico vestuario de David Walker, se amalgamaron con una bella escenografía, creada por Brad Fields, en la que cada escena adquiere personalidad propia.

El último saludo de Julie Kent en el Met, el sábado 20 de junio durante su despedida del ABT. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Julie Kent, una de las tres heroínas de las últimas dos décadas del American Ballet Theatre (ABT), el sábado 20 de junio dijo “adiós” a la compañía con la que bailó durante 29 años. Y también, al escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, sede de la temporada de primavera del ensamble dirigido por Kevin McKenzie.

Para su despedida Kent escogió una de las obras clave de su repertorio, “Romeo y Julieta”, de Kenneth MacMillan, estrenada por el Royal Ballet of London en 1965 y por el ABT en 1985. La bailarina, que fue la primera estadounidense en recibir el Benois de la Dance, eligió al italiano Roberto Bolle como su Romeo.

Semanas atrás, Bolle fue también partenaire de Paloma Herrera, otra de las grandes heroínas que se despidió este año del ABT, y de Aurelie Dupont, cuando se retiró del Ballet de la Opera de París. Un bailarín excepcional que logra combinar una técnica impecable con una asombrosa, contagiosa y conmovedora intensidad actoral, y cualidades superlativas como partenaire.

A teatro lleno, se alcanzaba a escuchar en la platea: “mi Julie”, “mi pequeña Julie”, “ella es maravillosa”, “la vamos a extrañar”… Y una emoción incontenible explotó en el primer acto -en su primera aparición en escena-, con un aplauso prolongado que no dejaba escuchar la música, y al final, durante más de 20 minutos.

Kent comenzó su preparación con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet. Asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de unirse al ABT como aprendiz en 1985. En 1987, estelarizó la película “Dancers” con Mikhail Baryshnikov. En 1990 fue promovida al rango de solista de la compañía y a principal en 1993. Toda una vida con el ABT.

Kent y Bolle supieron narrar esta maravillosa historia de amor y odio, pintada con la maestría de Shakespeare, y por la increíble sensibilidad de MacMillan. Encarnar a estos personajes simbólicos que han quedado en la memoria colectiva como ideales del amor es un reto permanente para cualquier bailarín, dado que implica un desafío técnico y al mismo tiempo, interpretativo.

MacMillan hace transitar al cuerpo de baile con elocuencia y propone escenas intensas marcadas por la melodía incomparable de Sergei Prokofiev. Pero es en los bellos los pas de deux donde los bailarines principales juegan entre la danza y el dilema de esos dos jóvenes, víctimas del odio y el resentimiento de las familias. Kent y Bolle, se internaron en estos entrañables y trágicos personajes con absoluta y delicada sutileza e intensidad.

El primer acto, en la plaza de Verona: el enfrentamiento de Montescos y Capuletos. Un conflicto que se plantea a través de las figuras de Romeo, Mercutio (un magnífico Herman Cornejo), Benvolio (Blaine Hoven) y Tibaldo (Patrick Ogle), sobrino de los Capuletos.

Mientras que Julieta -en la segunda escena del primer acto-, con la Nodriza (Susan Jones), muestra a Kent encantadora y fresca. La adolescente juega con una muñeca semejante a la que, al final de la función, llegó de manos de un espectador y la bailarina se la entregó a su pequeña hija Josephine.

El Romeo de Bolle, cuyos saltos y giros precisos y seguros muestran su solidez como bailarín, adquiere un especial magnetismo y compone un personaje del que cualquier Julieta se enamoraría.

Pero más allá del trabajo de la pareja principal, en esta despedida de Kent, el Mercutio de Cornejo adquirió un protagonismo especial que despertó ovaciones en cada una de sus variaciones. Sus impecables saltos, su musicalidad, su técnica y su interpretación se convirtieron en algo memorable dentro de esta noche inolvidable.

El cuerpo de baile lució preciso en las danzas de palacio, con un vestuario bello, sobrio y atractivo creado por Nicholas Georgiadis, también responsable de la escenografía.

Luciana Paris, una bailarina con de amplio rango, se destacó especialmente en el trío de las prostitutas con un trabajo seductor y encantador, y con una descollante de energía que la distinguía de sus compañeras.

Kent y Bolle, en la crucial escena de El balcón lucieron impecables. Bolle, partenaire sólido e intérprete encantador, supo ensamblarse a Kent con apasionamiento y candor. Un encuentro en el que ambos mantuvieron perfección técnica y tocaron el corazón.

Roberto Bolle y Julie Kent del ABT en “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan, en el Met de Nueva York. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Con mayor dramatismo e igual desafío técnico, MacMillan recrea su pas de deux del dormitorio, en la última y primera noche que los jóvenes pasan juntos antes de que Romeo sea condenado al destierro, y antes también, de la tragedia final. Kent y Bolle, nuevamente, marcaron la intensidad de este momento. Al igual que en el pas de deux en la cripta de los Capuletos, donde Romeo, en su desesperación, baila con Julieta inerte.

Cuando cayó el telón, una ovación tronó en la sala y una lluvia de flores llego desde la platea y desde el escenario. Por allí comenzaron a desfilar uno a uno sus compañeros de ruta, mientras Kent dejaba aflorar su incontenible emoción.

Alessandra Ferri, Paloma Herrera, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, Xiomara Reyes, y bailarinas solistas y del cuerpo de baile de la compañía subieron a escena para el último adiós. También lo hicieron sus antiguos partenaires, José Manuel Carreño, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg y Robert Hill, y su director, Kevin McKenzie. Casi al final, Victor Barbee, su esposo y director asistente de la compañía, y sus dos hijos, William y Josephine, a abrazaron a Julie Kent, contagiados por sus lágrimas. Antes de que se cerrara definitivamente el telón, Kent corrió hacia la platea y lanzó tres enormes besos como tratando de alcanzar a cada uno de los espectadores que esa noche la acompañaron en su despedida.

Herman Cornejo y Sarah Lane protagonistas de la nueva producción del ABT de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

George Balanchine cuenta en su  libro “New Complete Stories of the Great  Ballets”, la forma en que tanto el escritor como quien crea los pasos de una obra coreográfica realizan su trabajo. El gran maestro estimaba que podían variarse la combinación de palabras o de los pasos usados al tratar de revivir una joya.

Este caso se aplica al nuevo trabajo de Alexei Ratmansky en su más reciente obra coreográfica; “La bella  durmiente”. Ratmansky,  como otros maestros, ha puesto sus manos en una joya que data de 1890. Original de Marius Petipa, con música del glorioso compositor Piotr I. Tchaikovsky, se presentó por primera vez en el Teatro  Mariinsky de San Petersburgo, y está basada en el cuento de Charles Perrault, “La Belle au bois dormant”.

Sobriedad y elegancia caracterizan a este nuevo ballet que Ratmansky creó para el American Ballet Theatre (ABT) en esta temporada, y que hizo su debut en Los Ángeles y en Washington, DC, antes de llegar al Metropolitan Opera House de Nueva York. Ratmansky conservó el título que le dio Petipa, y también la estructura de estricto clasicismo.

Un gran acierto ha conseguido Richard Hudson (escenógrafo y vestuarista) con sus pinturas, inspiradas en las de Leon Bakst. La escenografía, egregia y señorial, se caracterizó por bellos decorados, y magníficos telones que servían de nexo, en algunos casos, entre escena y escena. Todos los telones de boca dieron al enorme escenario del Met más profundidad y anchura. El vestuario, por su parte, obliga a insistir en la belleza.

La terminación de las fiestas de la boda de “La bella durmiente”, permitió al ABT mostrar el alto nivel de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Buen gusto y elegancia, sin exageraciones, caracterizó la coreografía de este clásico que llega a este siglo XXI con gran pureza. El coreógrafo no necesitó excentricidades en las vueltas, ni en la elevación de las piernas en los arabesques para hacer una puesta deslumbrante. El elenco femenino que estrenó la obra en el siglo XIX, con Carlota Brianza y Pavel Gerdt en los papeles principales, pasaría sus apuros con las puntas y otros pasos de esta versión.

Sarah Lane tuvo a su cargo el rol de Aurora en la noche del jueves 10 de junio. Lane es menuda, no obstante puede dominar sus brazos con total facilidad y delicadeza. Por otra parte, puede girar sin exageraciones y con precisión.

El príncipe Desiree fue Herman Cornejo, un verdadero príncipe en la danza. Ya Cornejo ha sido reconocido por su elegancia, y por el dominio que puede tener en los roles que interpreta. Un bailarín preciso, con magníficos saltos y una delicadeza al caer pocas veces vista.

Un beso que el príncipe dio a la durmiente Aurora sirvió para despertarla del castigo que le impuso el hada mala, Carabosse.

La celebración de los esponsales en el acto final, dio oportunidad a infinidad de danzas diferentes. Entre las más importantes pueden incluirse las del pas de trois. Entre las hadas que llegan a entregar sus ofrendas y cualidades para la recién nacida, y que la protegen durante su tránsito de cien años dormida en el palacio, se destacaron el hada de plata, Luciana Paris, y el hada de Zafiro, Gemma Bond.

El famoso pas de deux del pájaro azul estuvo representado por  Gabe Stone Shayer, acompañado por Misty Coopeland.

La terminación de las fiestas de la boda dio la oportunidad a que Aurora y su Desiree también bailaran. Aquí la danza llegó a su máxima expresión por la excelente calidad de los intérpretes.
Ratmansky no cambio los pasos, sólo los trajo la era moderna, y dejó paso a la tecnología que después de más de un siglo desplazó a la artesanía.

La orquesta, bajo la batuta de David Lamarche recibió muy merecidos aplausos, también dirigidos al ABT completo y a Kevin McKenzie, su director artístico.