Malpaso estrenó “Fielding Sixies”, de Merce Cunningham, pieza breve para ocho bailarines de ambos sexos, sobre música de John Cage. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Con un novedoso programa de estrenos y reposiciones, la joven compañía de danza Malpaso –asociada siempre a Joyce Theater Productions de la ciudad de Nueva York-, se suma a las celebraciones por el centenario del nacimiento de Merce Cunningham, con el estreno de una de sus primeras y sólidas coreografías, “Fielding Sixies”, durante tres jornadas en el habanero Teatro Martí.

Esa temporada primaveral, como lo destaca el programa de mano, es un merecido tributo a la memoria del icónico bailarín (discípulo de Martha Graham) y maestro cubano de danza moderna Ramiro Guerra, que falleció a los 97 años en abril de este año.

La comunidad cubana de danza nunca fue ajena al discurso ideoestético del estadounidense Cunningham en los finales de la década del 50 de la pasada centuria, y fue Ramiro Guerra -autor de más de una docena de libros- el pionero en la asimilación “por la naciente danza moderna” en la isla de la “onda expansiva” de sus búsquedas. Luego, vinieron otras personalidades foráneas con nutrientes que abonaron el terreno en este archipiélago, tales como las norteñas bailarinas Lorna Burdsall y Elfrida Mahler. Ambas fueron maestras de varias generaciones de bailarines cubanos y fundadoras de compañías, las cuales contribuyeron con un valioso legado a las artes escénicas de la Mayor de las Antillas.

Merced a la contribución de la Fundación Merce Cunningham Trust, se hizo realidad para Malpaso el estreno de esta breve pieza de solo 12 intensos minutos, creada para ocho bailarines de ambos sexos, sobre “improvisaciones” de John Cage, su fiel compositor y partenaire de toda una vida. Y gracias al esforzado trabajo de traslación y reposición realizado por Jamie Scott, los danzantes cubanos pudieron vencer en breve tiempo –un 90%-  las dificultades para asimilar las particularidades estilísticas de la escritura poética del gran coreógrafo, tales como los cambios de dirección, las rupturas en la gestualidad, la independencia entre música y movimientos, la abstracción emocional…Todo ello apoyado por las eficaces participaciones de Manuel Da Silva con su diseño de luces y el austero minimalismo de David Quinn en sus diseños de vestuario.

Otro estreno en Cuba, “Face the Torrent”, con coreografía para cuatro parejas concebida para Malpaso por Sonya Tayeh. Foto: Buby. Gentileza Malpaso.

Mediante la observación de esta breve pieza, se pudo comprobar la justeza de la valoración expresada por su eminente compatriota, la coreógrafa Lucinda Childs: “La enseñanza de Merce (Cunningham) y su obra estaba en consonancia con el arte abstracto de esa época. Tal legado cambió completamente las estéticas y el gusto de la danza”.

En la danza moderna –y hasta en la mayoría de los géneros artísticos-, cada generación se ha rebelado contra la precedente. En los primeros años de la década del 60 del pasado siglo, una generación emergente encontró “una nueva y alternativa tradición”, y comenzó a crear lo que luego sería denominado el “postmodern”.

Tras una breve pausa, le sucedió otro estreno en Cuba, “Elemental”, pieza en memoria de Bob Williams, con coreografía de su joven y talentosa nieta Robyn Mineko Williams, para un conjunto mixto de nueve bailarines, quienes entregan un conmovedor discurso dramático coral, no lineal, donde se destacan las interpretaciones rotundas de Daile Carrazana, Fernando Benet y el carismático Abel Rojo (primer bailarín cubano nominado para los premios Benois 2019 en el Bolshoi). Williams contó con una soberbia producción concebida por Burke Brown y Branimira Ivanova (luces y vestuario, respectivamente), y un soporte musical diseñado por Robby Haynes, que incluyó en su “tape” un collage de piezas populares con dos relevantes números del cubano Ernesto Lecuona; de Tim Rutili (su “Zabriskie after Midnight”); de Arvo Part su “Hymn to a Great City” del álbum “Minimalist Dream House”; o el “Tropic of Cancer” por la banda Panda Bear, entre otros.

La presentación de Malpaso y el estreno absoluto de “Elemental” en el Chicago Auditorium se debió, en parte, por el apoyo del Joyce Theater, debido a una iniciativa de The Joyce Foundation y la Sunny Artist Management, que promueve proyectos específicos para su desarrollo, estreno y giras. Esta obra fue posible gracias a la generosidad de Pamela Cruchfield (con el apoyo adicional de otros donantes privados en los Estados Unidos).

“Elemental”, obra en memoria de Bob Williams, con coreografía de su nieta Robyn Mineko Williams.

Después de un largo intermedio llegó la segunda parte del programa, que comenzó con el estreno absoluto de “El otro”. Se trata de un trío concebido para dos bailarinas (María Karla Araújo y Dunia Acosta) y un solista masculino, interpretado por el multifacético Osnel Delgado, a la vez su coreógrafo, diseñador de vestuario y director artístico de la compañía de danza. Ha creado una pieza de 16 minutos estructurada en dos partes: una sonora y la otra muda; con soportes musicales variados, que incluyó grabaciones del “Claro de luna” para piano de Mozart; “El triángulo” de Ile y “Silence”, para piano y cuerdas de Beethoven.

Su escritura coreográfica es intrincada, aunque sin definiciones precisas, con empleo acertado de la técnica del contact,  en la explícita lucha de dos mujeres por ganar los favores de su héroe, que cae en un sendero trillado de tópicos. Delgado, esta vez, no mostró la misma creatividad de obras precedentes, en cambio no defraudó en tanto que bailarín de fuste, con su habitual demonstración de virtuosismo y calidad de movimientos, sin abandonar la expresividad de sus dinámicas.

El programa concluyó con “Face the Torrent”, otro estreno en Cuba (con título en inglés), coreografía coral para cuatro parejas concebida para esta compañía por la californiana Sonya Tayeh, que contó con una producción foránea: la música grabada fue interpretada por Collete Alexander y The Bengsons; las luces y el vestuario fueron diseñados por Nicole Pearce y Karen Young, respectivamente.

La entrega de los intérpretes, como siempre, fue inclusiva y espléndida, en consecuencia, resultó difícil destacar alguna labor en particular. Lo cual quedó validado con la ovación final del nutrido auditorio.

“Historia del soldado” de Igor Stravinsky se presentó en la apertura del Festival Bienal Mozart-Habana, organizado por el Liceo Mozartiano. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

Los conciertos inaugurales de dos festivales internacionales de música: Mozart-Habana y Habana Clásica, utilizaron importantes obras de la danza del siglo XX, con música del ruso Igor Stravinsky como pórticos de lujo para sus sucesivas programaciones diarias en varias salas de la capital cubana. Contó con la participación de talentosos artistas locales y afamados intérpretes extranjeros en el género de la música de cámara.

El Festival Bienal Mozart-Habana está organizado por la oficina habanera del Liceo Mozartiano, con el patrocinio de su homólogo austriaco en Salzburgo y el auspicio fiel de varias instituciones locales y foráneas, entre ellas la Oficina del Historiador de la Ciudad, la Universidad de las Artes (ISA), el Ministerio cubano de Cultura y la New World Symphony, entre otros. Sus curadores eligieron para su concierto inaugural una obra en las antípodas de Mozart: nada menos que “Historia del Soldado” del ruso Igor Stravinsky, en una versión adaptada al reducido escenario del decimonónico Teatro Martí, con puesta en escena concebida por el director teatral Raúl Martín y la directora orquestal cubano-holandesa Libia Hernández, que dirige una pequeña orquesta de cámara compuesta de ocho músicos cubanos y extranjeros (violín, contrabajo, clarinete, fagot, trompeta, trombón y percusión (donde interviene el holandés Lodewyk Johannes Bles) y el narrador a cargo del destacado actor cubano Freddy Maragoto.

Este conjunto fue un vital soporte para una pareja de bailarines, Tahis Suárez y Norge Cedeño, ambo de fuste, carismática presencia, formados en la danza contemporánea. Cedeño es responsable igualmente de la original y creativa escritura coreográfica, donde la improvisación se atiene a la traducción fiel de los textos franceses, para esta afortunada ocasión.

“Historia de un soldado” tuvo su estreno cubano por el Ballet Nacional de Cuba durante las presentaciones en un festival de ballet de La Habana, hace la friolera de dos décadas aproximadamente, en un montaje poco menos que azaroso realizado por Olivier Patey, entonces solista del Ballet de L´Opéra de Paris; tal una reconstrucción vinculada al texto del poeta suizo C. F. Ramuz e inspirada en la coreografía original de 1918, debida a Ludmila Pitoev. La primera represenación en América tuvo lugar en el Jolson Theatre en 1928. Existe en DVD otra versión más reciente creada por el célebe coreógrafo Jirí Kilyan.

Esta composición dodecafónica está escrita para ocho instrumentos, un narrador y bailarines. Todos instalados sobre la escena, empero los bailarines deben desempeñarse en un área central separada. Para ello, es necesario contar con la pericia de un diseñador de luces, considerado un artista de las artes visuales.
La historia de esta pieza fue tomada de un cuento de hadas ruso, que narra cómo un soldado entrega al Diablo el violín que carga en su mochila que era para él un instrumento que “hablaba como su propio corazón”. El soldado regresa de una misión militar a su casa en una aldea en medio de un bosque, después de una larga caminata.

Existe también otro notable ballet, entre los muchos que se han creado con esta partitura, es del norteamericano Eliot Feld, quien abandonó el libreto original por uno nuevo, donde se enfoca en la iniciación sexual del joven soldado al ser manipulado por un proxeneta. Esta obra fue estrenada por el American Ballet Theatre en 1972, y luego, en 1976 fue revisada por Feld para el Shakespeare Festival Public Theatre de Nueva York. Allí se revela el tema de la corrupción con fuerte declaración antiguerrerista. El estilo de la danza fue estilizada al extremo sin devenir mimética.

La responsabilidad de la excelencia en la entrega de la música de Stravinsky en esta inquietante pieza del pasado siglo recayó en directora musical Libia Hernández, poseedora de una formación altamente calificada, quien actualmente, comparte su tiempo en Países Bajos, Estados Unidos y Cuba, como Asistente/Directora de la Sinfónica de Nueva Jersey y Directora/Coordinadora del Proyecto Holanda-Cuba, con la participación de la Fundación Mozarteum de Salzburgo; el Real Conservatorio de La Haya; la Academia Sinfónica Nuevo Mundo, de Miami, y la Universidad de las Artes de La Habana.

Festival Habana Clásica

El Festival habana clásica abrió con “La consagración de la primavera” en versión para piano a cuatro manos y solo del bailarín cubano Abel Rojo. Foto: Kike Smith. Gentileza CUBARTE.

En las Salas de Concierto del Centro Histórico de la Habana Vieja, desde el día 11 de noviembre, se han desarrollado las jornadas musicales internacionales Habana Clásica, bajo la dirección artística y musical del reconocido joven pianista cubano Marcos Madrigal, actualmente con residencia en Italia, quien es también su protagonista y dramaturgo, en eficiente coordinación con el Gabinete de Patrimonio Musical Esteban Salas (dependencia de la Oficina del Historiador de la Ciudad) bajo el liderazgo de la musicóloga Miriam Escudero. El maestro Madrigal ha resultado ser un real mecenas del arte, al convocar a amigos de talento afirmado hasta la Mayor isla de las Antillas, bajo el amparo de múltiples instituciones y personas amantes de la buena música.
Según Escudero, esta temporada de conciertos (más de dos semanas) se fundamenta en la excelencia del “performance”, en la habilidad de convocar y presentar música de alta factura, protagonizada por intérpretes de gran competencia.

Los curadores han tenido el buen tino de inaugurar el evento con la presentación de la primera coreografía integral cubana de la bailarina y coreógrafa Sandra Ramy sobre la “Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky, donde se escuchó por primera vez en Cuba su versión para piano a cuatro manos.

En el mismo programa, ocupó la primera parte del concierto en el mismo escenario del Teatro Martí (1885) el estreno en Cuba de los Tres Preludios Sinfónicos para el “Edipo Rey de Sófocles” del italiano Ildebrando Pizzetti (1880-1968, en una transcripción para piano a cuatro manos de Mario Pilati.
El equipo de producción de este espectáculo único estuvo conformado por artistas muy comprometidos, que demostraron fehacientemente su potencial de talento creativo. Entre ellos, Luis Ernesto Doñas, cineasta autor de laureados documentales, quien puso su impronta en la original puesta en escena, con el efecto dialógico (con el piano sobre la escena) y el especular, con los grandes espejos instalados con pericia por el escenógrafo y diseñador de luces Guido Gali. Y sin duda, la elección de Abel Rojo, bailarín de danza contemporánea (invitado del grupo MalPaso), robusto y carismático, dotado de habilidades para la improvisación y la comunicación sin apartarse de los tempos y los armónicos endiablados de la magistral partitura de Stravinsky, en este material coreográfico minimalista.

Para el final, no por menos importantes, dos protagonistas de excepción, intérpretes relevantes en el Grand concert piano Steinway de este hermoso coliseo habanero, quienes entregaron su poderosa ejecución, coherente y precisa de esta obra portentosa y polémica del siglo XX. Son ellos: el italiano Alessandro Stella y el cubano Madrigal.

La poética conceptual que sostiene esta producción ha sido expresada en el programa de mano por la maestra Ramy: “No recordamos otro estado anterior a nuestro nombre. No conocemos más que ese acto de perpetuo sacrificio y consagración, una y otra vez nos entregamos a la dictadura de los otros, madres, padre, hermanos, amigos, enemigos, fantasmas. Todas ilusiones, entregadas cada uno al mismo gesto repetitivo frente al mismo espejo”. Esto está visualizado en el perpetuum mobile del danzante Abel Rojo.

Como dato curioso, hay otra versión de esta pieza, estrenada en 1980 y creada por Paul Taylor con el soporte musical de esta misma transcripción del autor para piano a dos manos, que denominó “The Rehearsal” (Rite of Spring), con abandono del rito pagano ruso, donde compone un melodrama detectivesco hollywoodense que fue muy bien recibido por la crítica y la audiencia norteamericana.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

De Susana Pous se conocen y se han visto tres importantes producciones: “MalSon”, “Showroom” y “Trade Winds” , siempre con etiquetas anglófonas, las cuales han transitado con éxito de público y de crítica por espacios escénicos en ambos lados del Atlántico.

En el caso del estreno de “Welcome”, tanto la escenografía invasiva como la portentosa música original, creada por jóvenes talentos locales multilaureados, se imponen al material coreográfico en no pocos momentos. La estructura concebida por Pous, no carece de fuerza comunicadora y de claros elementos dramatúrgicos evidentemente contaminados con el posmodernismo (y lo aleatorio) ya mostrados en sus creaciones precedentes.

Hay allí variedad de matices, diversidad y coherencia en la entrega, gracias a los virtuosos y carismáticos intérpretes, en particular Maylín Castillo y Abel Rojo. Aunque ciertas reiteraciones en la gestualidad (voluntarias o no), revelan una longitud temporal innecesaria, que ciertamente en intervenciones posteriores serán pulidas.

El diseño de la instalación fue elaborado ad hoc por la artista plástica Mabel Poblet. Foto gentileza DanzaAbierta.

La instalación elaborada ad hoc por la ingeniosa artista plástica Mabel Poblet -que ya posee un alcance artístico internacional y local debido a su exitosa participación en las Bienales habaneras o foráneas-, exhibe un poder aguzado de interacción a partir de los espacios que se reflejan “menos homogéneos, complejos como la realidad” presente. Al remitirse a una notable instalación reciente, “´Marea Alta”, conformada por miles de pequeños fragmentos de fotografías marinas dispuestas como cortinas atravesadas “in and out”, Poblet ha diseñado una serie de practicables, como paravanes rodantes manipulados por los propios bailarines, según los intereses comunicativos y conceptuales de la coreógrafa. Por cierto, el diseño de luces desempeña un papel prominente, al contribuir a la armonía de su técnica y a la dinámica escénica.

La música original del multipremiado pianista y compositor cubano Aldo López-Gavilán, sorprendió por su cabal comprensión de la necesaria interacción de lo rítmico y lo tímbrico en el discurso poético planteado por Pous. Su jazz sinfónico es un elemento genérico que aporta. Ella logra la coexistencia de géneros y tendencias para finalmente conseguir, en 60 minutos sin interrupción, una atmósfera seductora.

Según el programa de mano elaborado por el especialista Noel Bonilla, la puesta en escena de “Welcome”, en la Sala García Lorca del Gran Teatro Alicia Alonso, se convierte en un sutil pretexto para esbozar una isla imaginaria; la isla que cada uno desee, sueñe o viva (…) Revela una isla sin límites y las almas que la ocupan. (…)El espacio que tal un anfitrión se abre y convida. El abrazo como fuga y atrape. Ser bienvenido a la vida y sus pasarelas (…).