Cartel de “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud”.

La danza tradicional sigue viva, en constante movimiento y transformación por quienes la hacen, reflexionó la reconocida maestra Paula Villaurrutia quien ha creado un montaje que busca reconocer y dar voz a aquellos bailadores y músicos que viven su tradición desde sus propios lugares de origen.

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es el título de la propuesta que la destacada bailarina, coreógrafa, docente, gestora e investigadora hizo en colaboración con dos figuras emblemáticas del arte tradicional de Ometepec, poblado de la Costa Chica de Guerrero: la Banda “De mi tierra”, y el Diablo Mayor “Cuco Mix, a los que conocen desde hace dos décadas.

Tendrá dos funciones peculiares porque se trata de dos escenarios totalmente opuestos entre sí. La primera será el 31 de octubre en la Sala de Conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario, y la segunda el 7 de noviembre en la Cancha de la Ermita de este poblado guerrerense.

Con este montaje, la maestra Villaurrutia consolida su singular estilo de revisitar la danza folklórica y tradicional mexicana, abordándolas como medios de expresión y creación escénica para contar historias, crear mundos y personajes de aquellas emociones y situaciones que la habitan y la conectan con el otro.

Cabe destacar que “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es la segunda obra del proyecto “Pasos Danzantes… Testimonial coreográfico de bailadores tradicionales” por el cual la maestra Villaurrutia obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Artes (SNCA) para crear obras basadas en testimoniales de vida de danzantes y/o bailadores de diferentes géneros tradicionales.

El origen

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es la segunda obra del proyecto “Pasos Danzantes…”

La maestra Villaurrutia -quien se ha presentado en importantes recintos como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM y el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del INBAL-, compartió que este montaje tiene un simbolismo especial para ella, ya que su vínculo con la Costa Chica de Guerrero siempre ha sido estrecho: de ahí es su familia, por lo cual guarda profundos recuerdos. Además, durante toda su vida ha viajado constantemente a esta zona que posee una gran diversidad de manifestaciones culturales.

Para la creadora, es importante dejar en claro que “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” va más allá de ser una representación o mostrar la riqueza cultural de esta región. Alejada de nacionalismos, folklorismos o patriotismos, su interés es trascender los cuadros con fines representacionales: “No me interesa que la gente diga qué bonita máscara o mira cuántos colores. Aunque sé que eso es inevitable quisiera que mejor pensaran en qué hay detrás de esa máscara o esos colores. Es algo más profundo, es ese acercamiento con el ser humano y sus emociones lo que me interesa tratar en esta obra”.

La maestra Villaurrutia realizó constantes viajes de la Ciudad de México a Ometepec para recabar testimoniales de vida de varios músicos, danzantes y bailadores de esta zona de la Costa Chica de Guerrero, un proceso enriquecedor y también profundamente retador, pero necesario para comprender a profundidad cómo viven su tradición desde sus propios lugares de origen. Es importante destacar que este montaje es resultado de todos los años de convivencia, de abrevar y adentrarse en esta región, y de un trabajo en conjunto donde todos los involucrados colaboraron para enriquecerlo.

La propuesta

Testimonial coreográfico de bailadores tradicionales.

“Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” es un recorrido escénico de 50 minutos por la memoria, donde se une la tradición y la creación escénica contemporánea, abordando temáticas en torno a la identidad, la memoria, y la pertenencia.

Está conformado por cuatro escenas. La primera refleja la fe y devoción de quienes danzan a través de Carmelo Javier Otero (Cuco Mix), encargado de “La Danza de Diablos” del barrio de la Ermita. La segunda muestra los recuerdos de orgullo y honor del músico y ex danzante Don Bonfilio Santiago, quien en su juventud fue bailante de La Danza de la Conquista y actualmente uno de los músicos más reconocidos de la región. La tercera exalta el valor y el legado de “La Chilena”, género musical y dancístico de la Costa Chica por medio de los testimonios de bailadoras tradicionales. La cuarta aborda la fiesta, al arraigo y fervor de la danza de El Toro de Petate, característica de este poblado guerrerense. Todas cobijadas por un diseño sonoro, acompañamiento visual, música en vivo, así como dispositivos escénicos que potencian y accionan a diferentes personajes que comparten escena.

Al preguntarle qué significa para estos artistas guerrerenses presentarse en la Sala Elisa Carrillo y en su propio poblado, la maestra Villaurrutia compartió que hay una profunda emoción y compromiso porque es la primera vez que ellos serán los protagonistas; si bien están acostumbrados a presentarse en eventos lo han hecho en conjunto, no de manera individual: “Para ellos es un gran compromiso pues están representando su región y lo que ellos son y hacen. Pero estamos cuidando que sean naturales en escena y no se vean forzados. Los estamos cobijando y potencializando”.

En cuanto al sentir de ella, la creadora expuso: “En mí hay compromiso y nervios pues hablamos de una misma obra, pero dos producciones. Por un lado, la Sala y por otro la cancha que debo transformar en un escenario”. Aunque aclaró que en un principio la obra fue visualizada para ser presentada tanto en espacios convencionales como en espacios alternativos.

La autora de “Arraigo y fervor, caminos de legado y gratitud” señaló que su obra es un reconocimiento a los hacedores de la tradición y una necesidad de acercarnos al ser humano desde sus propios testimoniales, más que ser una pieza monográfica o representativa:

“Me interesa acercar un poco al público al sentir de quienes danzan y tocan en los pueblos, y con ello, comenzar a trascender esa idea de que lo folklórico y/o lo tradicional, es una cosa inamovible, de museo, o hasta enigmática o encasillada sólo a la alegría. Creo que nos falta más ese acercamiento/vínculo desde lo humano, pues desgraciadamente en las ciudades y dentro del sistema capitalista nos han quitado este sentido de comunidad, de legado, de trascendencia, de fe (y lo menciono no desde un sentido religioso). Por eso hablo del arraigo, como aquello que te sostiene a la tierra, aquello que te da pertenencia e identidad, pero también del fervor, que es lo que te conecta con dios, con el universo, con la fuerza creadora. Vivimos entre lo sagrado y lo profano”.

La cofundadora de ARTESA. Tradición. Creación. Escena, está convencida que este tipo de montajes tendrían que dejarse de ver desde ojos “turistas” y saber que aquí y del otro lado del mundo, al ser humano lo mueven por lo general las mismas situaciones: “Los invitaría a ver este montaje porque es un montaje que ha sido hecho desde lo comunitario, desde el amor y sentir de esa región, porque nos acerca a lo que sucede detrás de cada nota que se toca, detrás de cada paso que danza”.

Para la maestra Villaurrutia resultó un reto poner en diálogo a la coreografía y los saberes de las artes escénicas al servicio de la danza tradicional, de aquellos danzantes y bailadores, que desde sus propias historias de vida son los más dignos representantes y promotores de su tradición, entendiendo que cada cuerpo baila con su historia, con su saber, su saber hacer y su saber ser.

Finalmente, la destacada intérprete confesó que este montaje es muy importante dentro de su trayectoria, porque le da la posibilidad de conjuntar los saberes, experiencias búsquedas como coreógrafa: “Es el punto de encuentro entre mi amor por la danza y música tradicional, y la creación escénica contemporánea. Es el poder seguir enunciando lo que me habita y comparto a través de la coreografía y con ello unir géneros, disciplinas, públicos y visiones. Es poder regresar un poco de lo que la danza me ha brindado; pues más allá de “rescatar”, la danza, la creación y la tradición me han rescatado a mí”.

Funciones

*Primera función

Sábado 31 de octubre, 16:00 horas, Sala de Conciertos Elisa Carrillo del Centro Cultural Mexiquense Bicentenario
(Carretera Federal, Los Reyes-Texcoco Km. 14.3, 56250 Texcoco de Mora, Estado de México).

*Segunda función

Sábado 7 de noviembre, 19:00 horas, Cancha de la Ermita de Ometepec, Guerrero
(Calle Niños Héroes y Ermita s/n, Barrio de la Ermita, Ometepec Centro.

“Firebird”, con coreografía de John Taras, protagonizada por Alexandra Hutchinson y Kuouadio Davis. Foto: Rachel Papo. Gentileza WPA.

Washington Performing Arts inauguró su 61.ª temporada con tres funciones de Dance Theatre of Harlem (DTH), su histórico socio artístico, en The National Theatre de Washington, D.C. el 25 y 26 de septiembre. El programa tuvo como eje el regreso de “Firebird”, la aclamada reinterpretación de Geoffrey Holder del cuento popular ruso, e incluyó también “Return”, de Robert Garland, y “Donizetti Variations”, de George Balanchine.

Fundado en 1969 por Arthur Mitchell, el primer bailarín principal afroamericano del New York City Ballet, Dance Theatre of Harlem ha sido durante décadas una destacada compañía de ballet y un espacio de referencia para los bailarines. Hoy, bajo la dirección de Garland, quien se hizo cargo de la compañía en 2022, después de una extensa carrera como bailarín y coreógrafo de DTH.

“Return”, obra creada en 1999 para el 30.º aniversario de DTH, incluye música de James Brown, Aretha Franklin, Alfred Ellis y Carolyn Franklin. En esta obra Garland logra una fusión entre lo neoclásico, lo contemporáneo y lo popular. Los bailarines se contonean, giran, deslizan sus pasos, mueven sus caderas, pero siempre vuelven al lenguaje clásico. Si bien en la actualidad una coreografía con música de ritmos populares bailada en puntas no se ve como una innovación, en 1999 sí lo fue. Y aún hoy, la obra no pierde vigencia.

Con una estructura sólida, “Return” impone velocidad, técnica y precisión a una serie de piezas musicales que abarcan temas de diferente coloratura, ritmo e intensidad. Con solos, dúos, tríos y trabajos grupales, Garland va diseñando secuencias que constituyen un todo compacto a nivel coreográfico.

“Return”, obra creada en 1999 para el 30.º aniversario de DTH, incluye música de James Brown, Aretha Franklin y otros. Foto: Jeff Cravotta. Gentileza WPA.

“Donizetti Variations”, de George Balanchine, se presenta como un gran desafío después de la modernidad de “Return”. Es una obra que pone al desnudo la más pura técnica clásica de la compañía. Alexandra Hutchinson y Kouadio Davis asumieron la variación principal. La técnica y la solidez fueron los pilares de esta pareja, apoyada por un cuerpo de baile sólido y preciso.

Después de más de dos décadas, “Firebird” regresó al repertorio de DTH. Un ícono histórico que se estrenó en 1982 en el City Center de Nueva York con coreografía de John Taras, que optó por situar la historia en el Caribe. Esta versión no se asemeja a ninguna de las precedentes, también basadas en la partitura de Igor Stravinsky. Tanto Michel Fokine -cuya versión se estrenó durante la temporada parisina de los Ballets Russes de Sergei Diaghilev, en la Ópera de París, en 1910- como George Balanchine, en 1949, así como otros coreógrafos contemporáneos, basaron sus versiones en la propuesta literaria del cuento tradicional ruso.

“Firebird” es una historia clásica sobre la lucha entre el bien y el mal, en la que el Príncipe Iván, durante una cacería nocturna, se pierde en el jardín encantado del malvado hechicero Kashchei el Inmortal. Aparece un pájaro que irradia una luz de fuego. El príncipe lo captura y el pájaro le suplica que le perdone la vida. Iván lo libera y, en agradecimiento, el ave le entrega una pluma mágica que le permitirá invocarla en momentos de peligro. En su trayecto Iván encuentra a las princesas que el hechicero mantiene cautivas y se enamora de la más hermosa, la Princesa Tsarevna. Pero aparece el malvado Kashchei, acompañado por sus secuaces, e intenta convertir al príncipe en piedra. Al recordar el regalo, Iván agita la pluma mágica para convocar al Pájaro de Fuego. El ave aparece y lanza un hechizo sobre Kashchei y sus seguidores, obligándolos a ejecutar una frenética danza infernal hasta que caen exhaustos.

En la versión de DTH, la obra comienza con la obertura de “Firebird Suite”, en la última versión arreglada por Stravinsky en 1945. La aparición del Pájaro de Fuego, interpretado por Alexandra Hutchinson, artista de DTH, abre la expectativa sobre esta historia. Hutchinson no parece un ave: es una bailarina-actriz que encarna a este ser sobrenatural y mágico dispuesto a enfrentar con firmeza a sus enemigos.

Derek Brockington interpreta al Joven, que en otras versiones es el Príncipe Iván. No obstante, su interrelación con el pájaro resulta distante. Si bien cumplió su rol de partenaire con sobrado equilibrio, su compromiso actoral quedó desdibujado. Y más aún con un vestuario que distrae y hasta parece fuera de contexto.

La presencia de las doncellas y de la Princesa de Belleza Irreal, interpretada por Kamala Saara, continúa la narrativa de esta historia. Pero la elección de las tonalidades del vestuario de las cautivas rompe nuevamente la armonía de una pieza que no necesita colores estridentes. Saara se adueña de su personaje con solvencia y, junto a Brockington, conforma una buena dupla.

Esta presentación exclusiva en Washington, D.C., marca un nuevo capítulo en más de cincuenta años de colaboración entre Washington Performing Arts y Dance Theatre of Harlem cuya presencia reafirma nuevamente los valores de la danza como expresión universal.

Cuerpo de baile y solistas del Dance Theatre of Harlem en “Donizetti Variations” de George Balanchine. Foto: Rachel Papo. Gentileza WPA.

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Mulan, rol interpretado por Tang Xinyi, con el cuerpo de baile de China Ningbo Performance & Arts Group. Foto: Zhou Huanxin.

Cuenta una antigua leyenda china, cuyos orígenes se remontan a la dinastía Wei del Norte, que Hua Mulan, una joven disfrazada de guerrero se une al ejército para evitar que su padre vaya a la guerra. Algunas versiones atribuyen la composición de esta obra a la dinastía Tang. Pero más allá de sus orígenes, y de las diferentes versiones que llegaron hasta la actualidad, también a través de Disney, “Mulan”, llegó a la danza para instalarse como una mega realización en el ballet contemporáneo de acción.

Una producción deslumbrante, que fusiona la tradicional con lo universal, y que incorpora una alta tecnología es el resultado de esta realización que se presentó del 18 al 20 de septiembre en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. La producción del China Ningbo Performance & Arts Group, concebida por Zhou Liya y Han Zhen, despliega una propuesta coreográfica de extraordinaria riqueza escénica que, a su vez, transita por momentos de profundidad emocional.

La coreografía, cuya narrativa es clara, precisa y consistente, abre un espacio que permite indagar en el alma del espectador. La obra recupera la historia de Mulan, y transita por sus contradicciones más profundas con un ritmo intenso. En esta obra, el drama no reside en las hazañas militares de la protagonista, sino en los cuestionamientos internos sobre la propia identidad, que se debate entre el deber y los sentimientos, entre el heroísmo y la vulnerabilidad.

En esta confluencia de danza clásica china, artes marciales, teatro y ballet de acción, la precisión de los desplazamientos, la uniformidad del cuerpo de baile y la potencia física de los movimientos de combate, contrastan con, sutileza de los movimientos y la delicadeza de los gestos de cada personaje. Momentos de una exquisita delicadeza y de una gran fuerza emocional alternan con una narración épica y heroica. En la coreografía de Zhou Liya y Han Zhen el cuerpo encuentra sus propias palabras, cuenta, dice, respira, sufre y trasciende la anécdota.

Tang Xinyi y Hao Ruoqi, quien alterna con Wang Zeng, dl rol del general Wei, en la producción que se presentó en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. Foto: Zhou Huanxin.

La intérprete de Mulan, Tang Xinyi, es una bailarina capaz de transitar por todos los estilos. Extensiones estupendas, equilibrios impecables y un port de bras refinado. Tang Xinyi respira a Mulan como si fuera propia. Ella es la dueña de ese entrañable personaje. Desde el lirismo de sus movimientos en las escenas más íntimas, en su murada ante el espejo, en su ternura y en su contradicción ante el amor se contraponen con secuencias de una enorme exigencia física. Ella es una guerrera enérgica y decidida que cohabita con la joven que añora su hogar y descubre el horror de la guerra. Con pequeños gestos, Tang Xinyi atraviesa con maestría ambas dimensiones.

Wang Zeng, quien encarna al general Wei, es un bailarín de fuerte presencia escénica, con movimientos firmes y contenidos. Su personaje evoluciona y cambia cuando descubre sus sentimientos más ocultos por Mulan. Los encuentros entre ambos protagonistas alcanzan momentos de gran intensidad y belleza. En sus dúos van transitando desde la energía marcial a la relación corporal más íntima, donde los gestos dicen lo que los personajes callan.

El cuerpo de baile constituye otro de los grandes anclajes de esta producción. Los bailarines ejecutan las complejas secuencias de combate con admirable precisión, mientras las bailarinas aportan delicadeza y dramatismo en algunos momentos de evocación y lirismo. Y en medio del drama, “Mulán” encuentra también lugar para el humor, especialmente cuando Mulan debe convivir con los soldados y al mismo tiempo, preservar su identidad.

Las escenas de conjunto son impactantes, tanto por la destreza física de los bailarines sino también por los desplazamientos y la distribución en el espacio escénico. Los grupos se despliegan y se fragmentan con plasticidad y sincronía admirables, y son el hilo conductor de la narración coreográfica. Cada una de las escenas muestra un cuidadoso trabajo teatral y una inteligente programación de ritmo escénico.

La escenografía de Tan Ze’en y la iluminación de Han Jiang contribuyen a la espectacularidad de cada escena. Una plataforma giratoria diseña los espacios y las escenas, desarrolla acciones simultáneas y le da proyección al paisaje. Y en estos distintos planos escénicos, también, como en una secuencia cinematográfica, aparecen las referencias al pasado, los recuerdos de los personajes y permite una delicada transición entre ambas realidades. De esta manera, “Mulan” se convierte en una pieza escénica de enorme belleza.

La música original de Du Ming acompaña con precisión la narración coreográfica. Su partitura combina sonoridades tradicionales chinas con orquestación sinfónica, y potencia cada momento con presencia.

“Mulan” tiene todos los elementos de un drama contemporáneo con una intensidad poco frecuente. En esta obra se reúnen: una coreografía bella, enérgica y sin lugares comunes, una narración clara, excelentes bailarines-intérpretes, y un despliegue escénico deslumbrante. Pero por sobre todas las cosas, “Mulan” es emoción pura desde el principio hasta el fin.

La producción del China Ningbo Performance & Arts Group, con coreografía de Zhou Liya y Han Zhen. Foto: Zhou Huanxin.

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Durante el primer domingo del festival, la Gare du Midi de Biarritz acogió dos funciones de “Prométhée”, obra en la que el coreógrafo de la localidad vascofrancesa de Bayona aborda el mito de Prometeo, quien desafió a los dioses para proteger a la humanidad. La elección musical de Harriague es un punto clave ya que, aun basándose en la partitura de “Las criaturas de Prometeo” (1801) de Ludwig van Beethoven –única composición para ballet del músico alemán y obra curiosamente también empleada por su predecesor en la dirección del Ballet Biarritz, Thierry Malandain, en “Les Créatures” (2003)-, incluye algunos arreglos adicionales de Fabien Cali para l’Orchestre National Avignon-Provence, que dotan de un halo de contemporaneidad a la propuesta. Lamentablemente, las actuaciones en el festival Le Temps d’Aimer la Danse no pudieron contar con la música en directo, a diferencia del estreno en la Opéra Grand Avignon en diciembre del año pasado.

En el plano coreográfico, se aprecia una evolución en el vocabulario del creador vascofrancés. Si bien su escritura siempre denota la fuerte influencia de su etapa como bailarín inserto en el fenómeno de la danza contemporánea israelí -no en vano formó parte de Kibbutz Contemporary Dance Company entre 2013 y 2018-, hay que resaltar que, en “Prométhée”, se atreve a maridar su lenguaje contemporáneo de extenuante fisicidad con algunas frases de escritura más cercana al neoclásico. Este tímido intento de salir de su zona de confort va a resultarle de utilidad en su próxima etapa como coreógrafo del Ballet Biarritz, una compañía cuyos ejes cardinales se asientan en el estilo neoclásico que Thierry Malandain ha desarrollado durante casi tres décadas en la localidad de la costa vascofrancesa.

Pieza concebida para doce bailarines, los roles principales de “Prométhée” fueron interpretados por Kiryl Matantsau como Prometeo, Evan Inguanez como su hermano Epimeteo, Sylvain Bouvier como Zeus y un elenco coral de diez criaturas. Si en la pasada edición el ensemble del Ballet de l’Opéra Grand Avignon demostró su solidez en la sátira antitrumpista “América”, en esta ocasión, confirmó su cohesión como grupo, aunque sobresalió en el plano individual Matantsau en el rol protagonista.

El Ballet de l’Opéra Grand Avignon en “Prométhée”, de Martin Harriague. Foto: Christophe Bernard. Gentileza Ballet de l’Opéra Grand Avignon.

En cuanto a la producción en sí misma, es importante subrayar la puesta en escena del propio Harriague, cuya teatralidad y dramatismo bien podrían recordar a las realizadas por el consagrado Marcos Morau, coreógrafo residente del Staatsballett Berlin. El espacio en blanco aséptico y con un par de camillas de urgencias, amén de los bailarines ataviados con monos sanitarios, trae a la memoria pasajes de “Oskara” (2016), que el creador español ideó para el grupo guipuzcoano Kukai. Con este impactante inicio, Harriague trae a colación el episodio en el que Prometeo moldea al ser humano con arcilla y el soplo divino de Atenea le dio la vida a las figuras de barro.

También resulta un hallazgo interesante la ficción de convertir la obra dancística en una pieza museística, mediante alocuciones de la megafonía en las que se informa a los visitantes que deben abandonar el recinto y devolver las audioguías. Cargado de ironía, este recurso simboliza que el fuego sagrado que Prometeo robó a los dioses para beneficio de la humanidad -hurto recreado en una cegadora escena-, hoy en día es un producto cultural, sometido a la tiranía de los horarios de la sociedad actual. Desde el punto de vista plástico, situar figuradamente la historia de Prometeo – dividida en los pasajes de la creación del ser humano, el robo del fuego, la evolución y la guerra de la humanidad, y el cruel castigo de Zeus con el encadenamiento para que un águila le devorara el hígado diariamente- en un museo, le permite la licencia de construir una rotunda escena, ejecutada mediante sombras chinas en el fondo del escenario, donde los bailarines hacen las veces de un friso en movimiento que se torna en el frontón de un templo griego. El diseño de iluminación, que firma Harriague, es esencial para la consecución del efecto óptimo.

El fuego de Prometeo contribuyó al desarrollo de la humanidad y, como venganza, Zeus envió la caja de Pandora con el precio por ese progreso: todos los males, desgracias y sufrimientos que hasta ese momento eran desconocidos para el hombre. Como si fuera una manifestación de esa relación causa-efecto entre el fuego de Prometeo y la caja de Pandora, la actuación vespertina de la compañía aviñonesa sufrió un fallo técnico que obligó a interrumpir el arranque y reiniciar la obra. Sin embargo, en contraposición, fue bendecida por el público de la Gare du Midi, que gratificó la actuación del Ballet de l’Opéra Grand Avignon con una calurosa salva de aplausos de tres minutos de duración, además de un gran número de espectadores en pie. A partir de enero de 2027, Martin Harriague asumirá el reto de tomar el testigo de Thierry Malandain al frente del Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz y será el momento para descubrir si los dioses le han favorecido con el fuego de Prometeo.

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“Unforgotten: Butoh for 9/11”. Esta obra colectiva, que cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts. Foto gentileza VT.

El próximo viernes, al cumplirse 25 años del atentado a las Torres Gemelas, en Nueva York, Estados Unidos, rendirán homenaje a las 2.977 víctimas que murieron el 11 de septiembre de 2001 en el World Trade Center. La cifra es apenas una aproximación. Hoy, después de más de dos décadas, han muerto más personas debido a las enfermedades causadas por la toxicidad del aire de aquellos trágicos días y meses que las que murieron el propio día del atentado.

Como parte de esos homenajes que nunca son suficientes para atenuar el dolor, el Vangeline Theater, sede del New York Butoh Institute, presentará el 11 de septiembre a la 1:00 p.m. en Times Square “Unforgotten: Butoh for 9/11”. Esta obra colectiva, que cuenta con el apoyo del National Endowment for the Arts, se creó con el fin de honrar a las víctimas de los atentados del 11 de septiembre en Nueva York, Filadelfia y Washington DC.

Con una duración de 60 minutos, la pieza, de acceso gratuito, cuenta con coreografía de Vangeline y será interpretada por Dani Cole, Yazmin Gonzalez, Alaisha Sharma, Zo Roze, Madelyn Sher, Eilish Henderson y Suyi Xu, con acompañamiento musical en vivo de la reconocida violonchelista Katinka Kleijn.

Desde hace dos décadas, Vangeline Theater realiza en Nueva York funciones públicas en conmemoración del 11 de septiembre y, durante los últimos diez años, estas presentaciones se realizaron en Times Square, con una dedicatoria especial a los bomberos, policías y demás personas que perdieron la vida durante los atentados.

La elección del Butoh para una fecha de esta naturaleza no es casual. Esta forma de danza japonesa, de carácter meditativo y expresivo, surgida en Japón en la década del 50, pocos años después del lanzamiento de las bombas atómicas en Hiroshima y Nagasaki, propone una exploración profunda del cuerpo, la memoria y la transformación. Esta “danza de la oscuridad” tomó forma a través de los bailarines Ohno Kazuo y Hijikata Tatsumi. Ambos crearon una serie de técnicas expresivas que intentaban representar la devastación emocional, física y espiritual posterior a la guerra.

En un espacio de enorme visibilidad y carga simbólica como Times Square, la presentación busca generar un ámbito de duelo colectivo y de reflexión artística sobre la pérdida, la resiliencia y la posibilidad de sanar a través del arte.

Al frente del proyecto está Vangeline, coreógrafa, bailarina y docente radicada en Nueva York y especializada en Butoh japonés. Como directora artística del Vangeline Theater/New York Butoh Institute, ha desarrollado una trayectoria centrada tanto en la investigación de esta disciplina como en su actualización desde una perspectiva contemporánea. Su trabajo combina Butoh, activismo y compromiso social, con especial atención a la diversidad, la inclusión y la incorporación de voces históricamente subrepresentadas.

Al frente del proyecto está Vangeline, coreógrafa, bailarina y docente radicada en Nueva York y especializada en Butoh japonés. Foto: Michael Blaze. Gentileza VT.

Vangeline es también fundadora del New York Butoh Institute Festival y de Queer Butoh, además de creadora de The Dream a Dream Project, un programa que lleva esta disciplina a personas privadas de libertad en instituciones penitenciarias del estado de Nueva York. Para la artista, el Butoh puede funcionar como una herramienta de transformación tanto personal como colectiva, capaz de integrar zonas luminosas y oscuras de la experiencia humana.

Su investigación también ha abordado los vínculos entre el Butoh y la neurociencia. En The Slowest Wave, proyecto distinguido en 2022 por el National Endowment for the Arts, exploró esa relación y encabezó un estudio científico sobre los efectos de esta práctica en el cerebro. Su trabajo ha sido presentado internacionalmente y reseñado por medios como The New York Times y Los Angeles Times.

La dimensión sonora de la obra estará a cargo de Katinka Kleijn, violonchelista de formación clásica e integrante de la Chicago Symphony Orchestra y del International Contemporary Ensemble. Reconocida por desarrollar una práctica interdisciplinaria que cruza improvisación, composición, performance y experimentación sonora, Kleijn ha colaborado con artistas como Yo-Yo Ma y ha presentado proyectos en espacios como Carnegie Hall, Lincoln Center y la Library of Congress.

En “Unforgotten: Butoh for 9/11”, movimiento y música se unen para convertir la conmemoración en una experiencia artística compartida. Más que reproducir el pasado, la obra propone habitar la memoria desde el cuerpo y transformar un espacio emblemático de Nueva York en un lugar de recogimiento, homenaje y resistencia.

Desde hace dos décadas, Vangeline Theater realiza en Nueva York funciones públicas en conmemoración del 11 de septiembre. Foto gentileza VT.

Hao Ruoqi, bailarina principal del China National Opera & Dance Drama Theater, interpreta a Mulan. Foto gentileza de China Ningbo Performance & Arts Group.

Una joven se viste de hombre y ocupa el lugar de su padre en el ejército. Una historia que ha atravesado siglos, fronteras y numerosas versiones. Pero en la versión de “Mulan”, que llega por primera vez a Nueva York, el heroísmo de la legendaria guerrera china constituye solamente una parte de una trama que profundiza otros aspectos poco explorados en otras versiones.

Una versión coreográfica premiada que mezcla técnicas y estilos. Esta vez, “Mulan”, tendrá su estreno en Nueva York del 18 al 20 de septiembre en el David H. Koch Theater del Lincoln Center. Creada por las coreógrafas Zhou Liya y Han Zhen, la producción combina danza clásica china, artes marciales, música original y una puesta de carácter épico que recupera la antigua leyenda desde una mirada centrada en la identidad, la vulnerabilidad y el deseo de paz de su protagonista.

Producida e interpretada por el China Ningbo Performance & Arts Group y presentada por China Arts and Entertainment Group (CAEG), la obra es ganadora del China Dance Lotus Award, máximo reconocimiento de la danza china.

En esta versión de Zhou Liya y Han Zhen, Mulan no aparece únicamente como la guerrera valiente capaz de enfrentarse al peligro. Detrás de la armadura sobreviven la joven que extraña a su familia, la mujer que siente miedo ante la guerra, que duda y que sueña con recuperar su vida cotidiana. Este perfil del personaje fue el que más atrajo a Hao Ruoqi, bailarina principal del China National Opera & Dance Drama Theater, cuyo protagónico camina con ella desde hace varios años.

“Primero -comentó-, profundicé en el texto escrito para desentrañar la personalidad de Mulan y comprender cómo evoluciona a lo largo de su recorrido. Investigué las normas sociales y el contexto histórico de su época para entender qué fuerzas moldearon su temperamento y sus decisiones. Más allá del estudio del personaje, también trabajé para dominar las exigencias técnicas: las secuencias de danza clásica, la coreografía de artes marciales y la interpretación de emociones complejas y superpuestas. Me siento increíblemente afortunada de que mi personalidad esencial tenga muchos puntos en común con la Mulan que he llegado a conocer. Desde mi primera función, cada presentación me acercó un poco más a ella. Después de interpretarla durante años, siento que he crecido junto a este personaje”.

La mujer detrás de la guerrera

Los bailarines principales, Hao Ruoqi, del China National Opera & Dance Drama Theater y Xia Tian, del Ningbo Song and Dance Theater.

Uno de los mayores desafíos físicos de la obra es pasar de la fluidez de la danza clásica china a la energía cortante del combate sin quebrar la continuidad del movimiento. Mulan no se instala todo el tiempo en la furia, pero tampoco es una heroína invulnerable. Extraña a su familia, teme al campo de batalla y atraviesa momentos de inseguridad.

Hao Ruoqi buscó esos matices en pequeños detalles. De la misma manera que el protagonista masculino, Xia Tian, bailarín principal de Ningbo Song and Dance Theater, quien interpreta al general Wei, se convierte en un símbolo de humanidad y paz dentro del recorrido de Mulan. “En el plano emocional -afirmó Xia Tian-, le otorgo una actitud protectora contenida y un profundo respeto. En lo artístico, recurro a una corporalidad equilibrada, suave pero poderosa, para transmitir ese afecto no expresado. Esta base me permite dejar entrever una preocupación silenciosa, incluso en medio de brutales secuencias de batalla, lo cual aporta a mi interpretación tanto una fuerza intensa como una cálida delicadeza”.

La composición del personaje del general Wei trasciende el estereotipo del “líder del ejército”. En este caso, él es quien comprende el espíritu de Mulan. Su personalidad apunta a una óptica compasiva en medio de la guerra y, a su vez, a la defensa de una paz duradera.

Para la protagonista, presentar esta propuesta de “Mulan” en Nueva York supone además un diálogo entre culturas. “Es mucho más que presentar una obra de danza”, señaló.

La coreografía utiliza elementos contrastantes que se agudizan entre las destrezas de las batallas y los pas de deux entre ambos protagonistas.

“En nuestras escenas a dúo, reduzco el ritmo y suavizo el lenguaje corporal -aseguró Xia Tian-. Mi mirada pasa de ser intensa y autoritaria a profunda y contemplativa, e incorporo pausas deliberadas y miradas prolongadas durante mis momentos en solitario. Estas decisiones permiten revelar su conflicto interior y su capacidad de reflexión, y aportan una gran profundidad emocional bajo su apariencia heroica”.

El hecho de que la obra se construya fundamentalmente a través del movimiento adquiere una importancia particular al presentarse ante públicos que no necesariamente conocen la danza clásica china.

Para Hao Ruoqi, esa distancia cultural no representa un obstáculo. “El espectador -aseguró- no necesita conocimientos previos para entender el dolor de una despedida, la angustia de una batalla o el alivio del regreso a casa. El dolor, la nostalgia y el coraje son universales”.

La escenografía, la música y el cuerpo de los bailarines constituyen el lenguaje que permite entrar al mundo interior de “Mulan”. La dimensión visual de este ballet se apoya en un gran dispositivo escénico giratorio de 15 metros, que modifica continuamente el espacio y acompaña tanto las escenas de batalla como los momentos de mayor intimidad. Más que un simple elemento escenográfico, la plataforma funciona como una presencia dramática y como una imagen de los ciclos de la vida, la guerra y la memoria.

Los trajes de época y el diseño de iluminación completan una puesta que combina referencias tradicionales con recursos de la escena contemporánea. A su vez, la música original cumple también una función fundamental. En su partitura se entrelazan instrumentos tradicionales de la música popular china con una orquestación sinfónica, que establece un puente entre pasado y presente. De este modo, danza, música, iluminación y espacio trabajan como partes de una misma dramaturgia.

Una leyenda antigua en el presente

En “Mulan”, con coreografía de Zhou Liya y Han Zhen, el bailarín Xia Tian interpreta al general Wei. Foto gentileza de China Ningbo Performance & Arts Group.

Aunque pertenece a una tradición muy antigua, “Mulan” tiene resonancias contemporáneas. La protagonista desafía los estereotipos de género. Su sacrificio no implica renunciar a su identidad, sino iniciar un recorrido que finalmente le permite comprender quién es.

Para Xia Tian, la obra formula una pregunta insoslayable: hasta qué punto las etiquetas que la sociedad impone determinan la identidad. “La identidad no es una estructura fija, sino un camino que construimos nosotros mismos”, sostuvo.

Familia, deber, sacrificio, identidad y libertad personal atraviesan así una historia que busca ir más allá de la hazaña de una legendaria guerrera. “Mulan rompe con los estereotipos de género -reflexionó Hao Ruoqi-, y demuestra que todas las personas pueden ir más allá de las etiquetas restrictivas y perseguir con valentía su propio valor y singularidad. La historia de Mulan tiene una profunda vigencia contemporánea. Nos enseña que el deber nace del amor sincero y no de las ataduras impuestas por las expectativas externas”.

En esta “Mulan”, la batalla exterior convive con otra, más íntima: la de una joven que atraviesa la guerra sin dejar de preguntarse quién es y qué vida desea recuperar cuando finalmente pueda quitarse la armadura.

Información
Equipo creativo
Dirección general / Coreografía: Zhou Liya, Han Zhen
Dramaturgia: Zhu Hai
Composición musical: Du Ming
Dirección ejecutiva: Li Chao, Lv Zimin
Diseño escenográfico: Tan Leen
Diseño de iluminación: Han Jiang
Diseño de vestuario: Wang Yukuan
Diseño de maquillaje: Jia Les
Coreografía: Han Zhen, Zhou Liya, Lv Zimin, Li Chao, Liu Wei

Roles principales (el elenco está sujeto a cambios)
Mulan: Hao Ruoqi
General Wei: Xia Tian
Rou’er: Wu Wei
Padre de Mulan: Wang Zheng
Mulan niña: Liu Siyu
Eunuco: Du Boyan

“MULAN” se presentará del 18 al 20 de septiembre de 2026 en el David H. Koch Theater, Lincoln Center for the Performing Arts, Nueva York. Habrá funciones el viernes y sábado a las 7:30 p. m., sábado a la 1:30 p. m. y domingo a las 2:30 p. m. Las entradas comienzan en 30 dólares.

Entradas: https://www.davidhkochtheater.com/tickets-and-events/mulan.

Yolanda Romero Hume, fundadora de Argentine Tango Society of Greater Washington, con el bailarín y maestro, Martín Maldonado. Foto: Danzahoy.

La Argentine Tango Society of Greater Washington presenta Yolanda’s 80th Birthday Tango Festival Celebration, en homenaje a su fundadora, Yolanda Romero Hume. Un festival de tango de cuatro días, del 9 al 12 de septiembre, con reconocidos artistas vinculados con esta asociación sin fines de lucro que comenzó a funcionar formalmente en 2023. Cuatro milongas en diferentes espacios del área metropolitana de Washington con las presentaciones de las parejas de bailarines integradas por Sol Orozco y Marcelo Gutiérrez; Virginia Cutillo y Juan Cantone y Martín Maldonado y Maurizio Ghella. Un encuentro que despierta la pasión tanguera del área y que a su vez, es una vía para la recaudación de fondos destinado a apoyar residencias profesionales de tango, talleres y eventos de tango.

La Argentine Tango Society of Greater Washington se dedica a promover el tango argentino como expresión artística y cultural en el área de Washington, DC. El objetivo de las residencias de artistas profesionales es enriquecer a la comunidad mediante la formación continua en la danza del tango argentino, su música y su historia.

Yolanda Romero Hume empezó a bailar tango a los 59 años. Hasta entonces, el deseo de bailar la había acompañado durante toda su vida, desde aquellas pocas clases que tomó de niña y que, por diferentes razones, no pudo continuar. “Fui una bailarina frustrada durante toda mi vida. Siempre quise bailar”, confesó.

Los bailarines argentinos Martin Maldonado y Maurizio Ghella, residentes en Viena, Austria, se presentarán el 10 de septiembre. Foto gentileza M&M.

Muchos años después, fue su hija quien volvió a acercarla a ese mundo. Bailarina formada y vinculada al Washington Ballet, comenzó a bailar tango en 2006 y llevó a sus padres a una milonga. Para Yolanda, aquella primera experiencia estuvo lejos de ser sencilla. El profesor hablaba de giros y molinetes y, aunque ella hablaba algo de español, no conocía esa jerga tanguera tan particular. “Cuando terminó la clase pensé: ‘O soy demasiado vieja o soy demasiado tonta para bailar esto’”, contó.

Pero se observando a las parejas que bailaban en la milonga y descubrió que, a diferencia de otros bailes, el tango proponía una suerte de libertad poco frecuente. “Todos bailaban tango, pero cada uno se veía diferente. Pensé: ‘Esto es maravilloso’”, recordó.

Juan Cantone y Virginia Cutillo compartirán la escena con Heyni Solera’s Penny Tango Orchestra. Foto gentileza JC&VC.

La música terminó de conquistarla y cuando llegó la Navidad, le pidió a su marido un regalo poco habitual: que fuera con ella a bailar. Él aceptó. Y curiosamente, fue él quien terminó eligiendo el tango. La razón era sencilla y profundamente familiar: quería aprender para poder bailar también con su hija. Así comenzaron sus primeras clases en Eastern Market. “El tango cambió por completo nuestra vida”, afirmó. Después llegaron las clases privadas, las milongas, los amigos y los viajes a festivales.

Del baile a la comunidad

Sol Orozco bailará en la apertura del Festival con Marcelo Gutiérrez en Pablo’s Práctica. Foto gentileza SO.

En 2010, la muerte de su marido volvió a cambiar radicalmente su vida. Durante un tiempo, Yolanda encontró en el tango una manera de atravesar esa nueva realidad. “No sabía qué hacer. Mi vida había cambiado de una manera tan radical y tan rápida que hice lo único que sabía hacer: salía a bailar todas las noches”, recordó. Dos años después se mudó a otra casa, y fue entonces

cuando surgió la idea de abrir su casa a los maestros de tango que llegaban a Washington.

“No quería convertirse en productora ni organizar sus clases. Quería simplemente ofrecerles un lugar donde vivir durante sus estadías. Mi interés no era lucrar con eso. Yo recibo a los profesores por amor. Por amor al tango. Y al mismo tiempo, brindar un servicio a la comunidad”.

Con los años, aquella experiencia informal fue creciendo. La necesidad de facilitar las residencias de artistas, colaborar con los complejos procesos de obtención de visas y sostener económicamente la llegada de maestros llevó finalmente a la creación de la Argentine Tango Society of Greater Washington, con Yolanda como presidenta.

La organización se dedica a promover el tango argentino como expresión artística y cultural en el área de Washington, DC, mediante residencias profesionales, talleres y diferentes actividades vinculadas con la danza, la música y la historia del tango.

Ahora, cuando Yolanda cumple 80 años, los bailarines que forman parte de esta “familia adoptiva” y la comunidad tanguera celebran, probablemente, de la mejor manera que la representa: bailando tango. Desde lejos, con sus ojos negros y brillantes, aquella niña que quería bailar, mira con complicidad ese sueño hecho realidad.

Las milongas: cuándo y dónde

Miércoles 9 de septiembre, de 7:30 a 10:30 p. m.
Pablo’s Practica / Lyon Village
1920 N Highland St, Arlington, VA 22201
Actuación de Marcelo Gutiérrez & Sol Orozco.
DJs: Martin Maldonado & Maurizio Ghella.

Jueves 10 de septiembre, de 9:00 p. m. a 1:00 a. m.
Evento especial de recaudación de fondos de ATS
Ludmila Dance Studio / El Bulín
18 Roth Street, Alexandria, VA
Actuación de Martin Maldonado & Maurizio Ghella.

Viernes 11 de septiembre, de 8:00 p. m. a 12:00 a. m. – ¡Día del cumpleaños!
Milonga Abrazándote (Vienna Tango School)
303 Mill St. NE, Suite C, Vienna, VA 22180
Actuación de Juan Cantone & Virginia Cutillo, con la participación de Heyni Solera y la Penny Tango Orchestra.

Sábado 12 de septiembre, de 9:00 p. m. a 1:30 a. m.
Maleva Milonga (Chevy Chase Ballroom)
5207 Wisconsin Ave, Washington, DC 20015
Actuación sorpresa; medialunas y café.

“Femme Federico…” espectáculo que da voz a los personajes femeninos de Federico García Lorca en el 90 aniversario de su muerte. Foto gentileza Teatro Flamenco Sevilla.

Teatro Flamenco Sevilla en su compromiso con la difusión, la formación y la creación artística y con el fin de dar una mayor difusión al flamenco como parte fundamental del Patrimonio Cultural de España ha diseñado una serie de “especiales Flamencos” para La Bienal de Flamenco de 2026. Este encuentro se realizará en Sevilla del 9 de septiembre al 3 de octubre.

Dos espectáculos, “Femme Federico…” y “Así pasen 100 años”, convertirán Teatro Flamenco en un punto de encuentro vivo donde el arte flamenco se aprende, se comparte y se celebra activamente durante la celebración de este hito cultural. La programación especial del Teatro incluye, además de estas dos propuestas, la participación de artistas invitados de primer nivel dentro del marco de “Pasión”, entre los que se destacan nombres como María Moreno, Rafael Campallo, Estela Alonso o Juan José Villar.

Los días 10 y 11 de septiembre se podrá disfrutar de “Femme Federico: Las mujeres de Lorca” a través del flamenco y los días 17 y 18 de septiembre. “Así pasen 100 años: Úrsula López, Rosa Belmonte y Ramón Martínez. Un reencuentro sobre las tablas”.

“Femme Federico…” es un espectáculo diseñado para dar voz a los personajes femeninos de Federico García Lorca en el 90 aniversario de su muerte. El espectáculo rescata sus pasiones, luchas y anhelos mediante la unión del baile y la palabra. En esta propuesta escénica, el baile flamenco se entrelaza directamente con fragmentos de la obra lorquiana gracias a la interpretación de artistas multidisciplinares como Ana Salazar o Julia Acosta. El resultado es un viaje emocional marcado por la fuerza, la poesía y el simbolismo, y rinde un homenaje al legado de Lorca desde una mirada contemporánea, intensa y profundamente femenina

El espectáculo “Así pasen 100 años” reúne sobre las tablas a los bailaores y creadores Úrsula López, Rosa Belmonte y Ramón Martínez. Tras haber iniciado juntos su trayectoria profesional en los comienzos de la Compañía Andaluza de Danza y acumular años de carreras y experiencias individuales, los tres artistas vuelven a encontrarse para bailar conjuntamente. A pesar del paso del tiempo, la complicidad, la inspiración y la admiración compartida entre ellos permanecen intactas. Esta obra se presenta como una celebración flamenca de la amistad, la memoria y aquellos vínculos que ni el transcurso de un siglo puede borrar.

Ambos espectáculos convivirán de manera armónica con el flamenco diario que ofrece el teatro a través de su espectáculo habitual “Pasión”.

La propuesta de Teatro Flamenco Sevilla cuenta con dirección artística de José Galvañ, destacado bailaor malagueño con más de 15 años de trayectoria en el flamenco. Su pasión por el flamenco lo ha llevado a formar parte de diversas compañías como la de Mario Maya y Rafael Aguilar entre otras. Actualmente, Galvañ es el director artístico de Teatro Flamenco Madrid, Sevilla y Barcelona, donde se encarga de crear y dirigir espectáculos que combinan la esencia del flamenco tradicional con una puesta en escena teatral.

Sus producciones permiten que la improvisación del tablao se mantenga viva, mientras que los detalles visuales, como la iluminación y el vestuario, añaden un toque contemporáneo.

Información:
teatroflamencosevilla.com
“Femme Federico…” Las mujeres de Lorca a través del flamenco.
10 y 11 de septiembre 20:45 hs.

“Así pasen 100 años” Un reencuentro sobre las tablas. Úrsula López, Rosa Belmonte y Ramón Martínez
17 y 18 de septiembre 20:45 hs.

Invitados “Pasión”
Septiembre. Un encuentro con artistas que acompañarán el espectáculo principal.
María Moreno 4 al 6
Rafael Campallo 12, 13 y 16
Estela Alonso 19 y 20
 José Villar 28 al 29
17:00 hs., 19:00 hs., 20:45 hs.

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“OYA”, de Tobias Staab y la artista brasileña Black Pearl de Almeida Lima, está concebida para una bailarina holográfica. Foto: captura de pantalla de OYA, por Tobias Staab.

La instalación de realidad extendida creada por Tobias Staab junto con la artista brasileña Black Pearl de Almeida Lima llegará al Ars Electronica Festival, que se realizará del 9 al 13 de septiembre en Linz, Austria. Concebida para una bailarina holográfica dentro de un entorno de realidad mixta, la obra explora el cuerpo, la identidad y la transformación a través de una experiencia coreográfica inmersiva.

Después de presentarse durante junio y julio en el Holland Festival de Ámsterdam, la Art Basel Week y el Festival of the Future de Múnich, “OYA”, la instalación XR creada por el artista y curador Tobias Staab, continuará su recorrido internacional en el Ars Electronica Festival 2026, uno de los principales encuentros dedicados al cruce entre arte, tecnología y sociedad.

La obra podrá verse en una edición que se desarrollará bajo el lema Future Begins – Negotiating Humanity. La presencia de “OYA” parece especialmente vinculada con ese eje conceptual: la pieza indaga precisamente en aquello que significa transformarse, habitar un cuerpo cambiante y construir una identidad en permanente movimiento.

Desarrollada en colaboración con el estudio de realidad extendida govar, “OYA” es una instalación de realidad mixta de 13 minutos protagonizada por la artista, bailarina y modelo brasileña Black Pearl de Almeida Lima. En ella, su cuerpo aparece convertido en una presencia holográfica que atraviesa diferentes capas visuales y espaciales, borrando progresivamente los límites entre lo registrado y lo generado digitalmente, el recuerdo y el presente.

En el centro de la obra radica la experiencia de transición de Black Pearl, desarrollada a lo largo de varios años. Pero “OYA” no propone una narración documental ni intenta explicar ese proceso. Por el contrario, utiliza esa experiencia como punto de partida para abordar preguntas más amplias: ¿qué significa cambiar?, ¿de qué manera una transformación se manifiesta en el cuerpo?, ¿cómo intervienen el tiempo y la mirada en la construcción de una identidad?

El material visual parte de imágenes filmadas en 2020, cuando la apariencia de Black Pearl todavía era leída en términos masculinos, y concluye con registros realizados en 2025, en los que aparece en su cuerpo femenino. Entre ambos momentos se despliega un territorio de transformación que la pieza convierte en experiencia sensorial.

El estudio govar es responsable de la estructura técnica y del sistema inmersivo de la instalación donde se utiliza técnica 3D. Presentación de OYA en el OMG, Franck! Festival, Art Week Basel. Foto: Torsten Podraza.

El cuerpo no aparece entonces como una imagen estable ni como una identidad cerrada, sino como una materia en devenir, atravesada por el tiempo, la respiración, la mirada y aquello que todavía no ha adquirido una forma definitiva. La pregunta que atraviesa la obra remite a una conocida reflexión de Spinoza: “Todavía no sabemos lo que puede un cuerpo”.

Nacida en Brasil en 1994 y radicada actualmente en Alemania, Black Pearl de Almeida Lima desarrolla su trabajo entre la danza, la coreografía, el cine, la educación y la moda. Forma parte de la comunidad ballroom y compite en las categorías EU Runway y Vogue Fem. Es integrante del colectivo House of Brownies y participa también en House of Saint Laurent. En 2024 presentó el cortometraje “Pearl en Nowness” y, un año después, estrenó “Just Love”, proyecto de danza queer creado sobre el “Boléro” de Ravel.

Por su parte, Tobias Staab trabaja en la intersección de la danza contemporánea, la música y el arte digital. Desde 2020 ha profundizado especialmente en la relación entre los seres humanos y las tecnologías de aprendizaje automático. Desde 2025 es director artístico del International Dance Festival München y actualmente desarrolla Everybody Dance Now, otra experiencia coreográfica de realidad mixta centrada en la interacción corporal entre los mundos virtual y analógico.

A lo largo de “OYA”, la transformación se extiende desde lo corporal hacia lo simbólico. Imágenes de archivo y nuevas filmaciones de Black Pearl se combinan con un universo digital desarrollado junto con la diseñadora 3D Warja Rybakova y el estudio govar, responsable también de la estructura técnica y del sistema inmersivo de la instalación.

Las tecnologías desarrolladas por govar permiten que el cuerpo humano en movimiento aparezca como una presencia holográfica capaz de desplazarse entre distintas capas de un entorno de realidad mixta. Esos planos no permanecen aislados: se superponen, se deslizan unos sobre otros y terminan desdibujando las diferencias entre cuerpo físico, imagen registrada y construcción digital.

De ese modo, el proceso de transición adquiere la forma de una coreografía poética entre desaparición y renacimiento, pérdida y aparición. El compositor berlinés Heiko Tubbesing completa la experiencia con una creación sonora que oscila entre arquitecturas abstractas, saturación sensorial y momentos cercanos a la euforia de la música de club.

Black Pearl de Almeida Lima e imagen de Revolution Ball, por iheartBerlin.

Ars Electronica Festival 2026
Del 9 al 13 de septiembre

University of Arts Linz
Brückenkopfgebäude West
Hauptplatz 8, Linz, Austria

Miércoles a sábado, de 16:00 a 20:00
Domingo, de 14:00 a 18:00
No requiere reserva previa.

Actividades paralelas
 La presentación en Ars Electronica estará acompañada por un programa de actividades reunidas bajo el título OYA Relationscapes.

El viernes 11 de septiembre, de 11:00 a 13:00, Black Pearl de Almeida Lima ofrecerá fem(with)me, un taller de danza dedicado a la cultura ballroom en la University of Arts Linz.
El sábado 12 de septiembre, a las 13:30, se realizará Embodied Futures, un encuentro entre artistas y público para reflexionar sobre el cuerpo, la tecnología y las posibilidades de transformación.
Durante el fin de semana, los visitantes también podrán experimentar un prototipo interactivo de Everybody Dance Now (EDN.ALPHA) y participar en una clase virtual de ballroom en la que tanto las secuencias de movimiento como las voces de los avatares fueron modeladas a partir de Black Pearl de Almeida Lima.

Ficha técnica
Instalación XR de Tobias Staab

Dirección: Tobias Staab
Intérprete: Black Pearl de Almeida Lima
Dirección técnica: Stefan Göppel (govar)
Diseño 3D: Warja Rybakova
Música: Heiko Tubbesing
Diseño de iluminación: Torsten Podraza
Producción: govar GmbH

Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea sube al escenario del Teatro Raúl Flores Canelo con una propuesta multidisciplinaria. Foto: Octavio Amador. Gentileza DC.

La salud espiritual de los seres humanos está endeble; la Modernidad ha roto el puente que siempre ha existido entre la humanidad y el Universo. Por ello, sería importante reconstruir dicho lazo a través de una herramienta tan valiosa como la Astrología que, más allá de su función predictiva, posee una mirada introspectiva en torno a la psique humana.

Tal es la reflexión que inspiró al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear “Héroes y Leyendas”, una propuesta dancística con toques multidisciplinarios que se estrenará mundialmente del 27 al 30 de agosto en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes (Cenart).

Se trata de una pieza simbólica para el destacado bailarín y coreógrafo mexicano. Por un lado, porque él es parte del reparto y le genera un enorme gozo pisar el escenario. Por el otro, porque dicha obra forma parte de una trilogía por la cual obtuvo la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, la cual ha recibido en cuatro ocasiones.

Cabe destacar que este montaje también es un proyecto apoyado por el Programa de Residencias Artísticas en Danza (PRAD) de la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

El origen

La obra “Héroes y Leyendas”está inspirada en la Astrología más popular en Occidente, la llamada greco-caldea, cuya esencia gira en torno a mitos y arquetipos que establecen un sistema de organización del Universo y de la correspondencia de éste con el ser humano.

Sobre la conexión que el coreógrafo tiene con este tema explicó: “La Astrología siempre ha sido un campo de fascinación y misterio en mi vida. Desde niño, los símbolos, los nombres y las imágenes del zodíaco me han intrigado”.

En la actualidad, Ruvalcaba -quien fue maestro durante más de tres décadas en la Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello-, encuentra un profundo sentido al conocimiento astrológico:

“Hoy la Astrología, como punto de reflexión sobre los arquetipos y su organización estructurada, me parece un excelente marco de referencia para dirigir el aprendizaje del inconsciente personal. No me parece tan importante en su parte predictiva, pero sí en su aspecto simbólico y arquetípico, pues provee de un modelo sobre el cual reflexionar pues, como dijo Joseph Campbell, el mito es el mapa del alma humana”.

“Héroes y Leyendas” forma parte de una trilogía cuyo tema central es la Astrología en sus diferentes aspectos. Foto: Octavio Amador. Gentileza DC.

La propuesta

“Héroes y Leyendas” es un montaje de 75 minutos que será interpretada por Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea. La temática gira en torno a la Astrología vista como un cuerpo de conocimiento organizado con base en mitos y arquetipos. Es una analogía de la estructura fundamental de la psique humana, narrando el viaje del alma desde Aries hasta llegar a Piscis. Es un viaje escénico de autodescubrimiento y perfección.

La propuesta está integrada por tres secciones: “La Madre Tierra pariendo a los Dioses”, “El nacimiento de la Humanidad”; así como “El Zodiaco y las Estrellas”. Sobre esta división, su autor explicó que quiso establecer una línea de tiempo y de narrativa como todas las mitologías, donde hay un principio y un momento actual.

Con relación a la elección del título, el multipremiado creador tapatío explica: “El camino del alma humana es el camino del héroe, y se explica mejor, se entiende mejor, desde las leyendas”.

En escena aparecerán ocho bailarines encabezados por el maestro Ruvalcaba Pérez: Antonio Soria, Paulino Medina, Diego Emilio Labra Cajero, Luis Reséndez, Marco Martínez, César Cortés y Rafael Gómez.

Lectura

Más allá de las predicciones, para este creador la Astrología es un campo de conocimiento que puede arrojar, en medio de un mundo caótico, un rayo de luz en torno al misterio del alma humana: “En este momento de consumismo vacuo, la Astrología propone una mirada más amplia e inteligente del misterio de los seres humanos. La Astrología es un mapa organizado y estructurado de la psique humana y así se debe asumir”.

Desde su experiencia propia y de las lecturas que ha hecho en torno al tema, el coreógrafo considera que la Astrología propone alternativas de acción dentro de arquetípicos que existen dentro de todos nosotros y que nos permiten extender nuestro marco de referencia hacia algo mucho más grande e inclusivo: “Realmente, lo que la Astrología hace es referirnos hacia el mapa del universo organizado en una serie de mitos que lo humanizan”.

“Héroes y Leyendas” forma parte de una trilogía que el maestro Ruvalcaba Pérez propuso para obtener la beca del Sistema Nacional de Creadores de Artes en su emisión 2025 y que lleva por nombre “Historias e Intersecciones”. El tema central de las tres obras es la Astrología. La primera está inspirada en la Astrología greco-caldea; la segunda estará basada en la Astrología Azteca y la tercera en la Astrología Maya.

Al preguntarle qué lectura le gustaría que se llevara el espectador después de la función, el maestro respondió: “Que el ser humano tiene capacidad de trascender su tiempo y sus límites proyectándose hacia las estrellas porque, finalmente, somos polvo de estrellas”.

Cuatro funciones en el Teatro Raúl Flores Canelo del Cenart.

Funciones

Obra: “Héroes y Leyendas”
Intérprete: Óscar Ruvalcaba Cía., Danza Contemporánea
Fechas: Jueves 27, viernes 28 y sábado 29 de agosto, 19:00 horas. Domingo 30 de agosto, 18:00 horas
Sede: Teatro Raúl Flores Canelo del Cenart
(Av. Churubusco s/n, colonia Country Club. Cerca de la estación General Anaya de la Línea 2 del Metro).

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