Danzahoy

Un nuevo desafío

mgueler — Tue, 23 Jun 2026 17:21:20 +0000

Miu Kim, de South Korea, presenta “SRAA”, obra que explora las sensaciones del cuerpo y su relación con la conducta y el movimiento. Foto: Sung-Kim. Gentileza QBF.

Cuando ya se cumple una década de espectáculos en los que la base fue la experimentación corporal, el Queer Butoh Festival regresa a la ciudad de Nueva York con cuatro noches de propuestas interdisciplinarias que exploran el panorama en constante evolución del butoh en Nueva York y en el mundo. La edición de este año, que se realiza desde el 24 al 27 de junio en el The Brick Theater, en Brooklyn, reúne a artistas locales e internacionales que llegan de México, Bélgica, Corea del Sur, Singapur, Chile y distintas regiones de Estados Unidos. Cada uno de estos intérpretes tiene como objetivo destacar el butoh como una forma artística global y en permanente transformación, basada en la experimentación, la presencia escénica y el cambio.

Durante las cuatro jornadas el Festival propone presentaciones de Fana Muñoz y Moisés Regla (México), Camille Raséra (Bélgica), Miu Kim (Corea del Sur) y Dani Cole (Nueva York).

Entre los artistas invitados también figuran los neoyorquinos Milo Longenecker (24 y 25 de junio), Zo Roze (24 y 27 de junio), Oscar Suh-Rodriguez (25 y 26 de junio), Eric Lichtenstein (26 de junio) y Robyn Wong Min Xuan (27 de junio).

Detrás de este Festival está Vangeline, docente, coreógrafa y bailarina radicada en Nueva York, especializada en butoh japonés, dirige el Vangeline Theater y el New York Butoh Institute, y es reconocida por su enfoque riguroso de investigación y por su trabajo para ampliar la relevancia contemporánea del butoh en el siglo XXI.
Esta expresión artística japonesa de danza-teatro japonesa impulsada a fines de la década de 1950 por Tatsumi Hijikata y Kazuo Ohno, surgió como una reacción a las formas tradicionales japonesas y a la influencia de la danza occidental. Sus pioneros buscaron una forma de expresión que permitiera explorar aspectos profundos de la condición humana: la memoria, el dolor, la transformación, la muerte, el deseo, la fragilidad y la relación con la naturaleza.

El 25 de junio Oscar Suh-Rodriguez sube a escena “Butterfly Harvest” (Cosecha de mariposas). Foto: Ava Pellor. Gentileza QBF.

Sin alejarse en absoluto de esa base originaria, Vangeline, desde su propia producción promueve activamente la diversidad y la inclusión, con el fin de generar espacios para voces históricamente subrepresentadas y proyectar el legado del butoh a través de la investigación, el activismo y la creación contemporánea.

Al frente de una compañía integrada exclusivamente por mujeres, Vangeline desarrolla obras coreográficas que articulan el butoh con problemáticas sociales. Es fundadora del New York Butoh Institute Festival, dedicado a visibilizar a las mujeres dentro de esta disciplina, y también creadora del Queer Butoh Festival, centrado en las voces LGBTQ+. A su vez, impulsa el proyecto “Dream a Dream”, un programa premiado que desde hace dieciocho años lleva prácticas de butoh a instituciones penitenciarias del estado de Nueva York.

En el centro de su filosofía artística se encuentra la convicción de que el butoh puede funcionar como una herramienta de transformación tanto individual como colectiva. Su trabajo busca integrar la totalidad de la experiencia humana -la belleza y la oscuridad- al tiempo que recupera voces históricamente marginadas.

Las coreografías de Vangeline han sido presentadas en Chile, Alemania, Italia, Francia, Finlandia, Dinamarca, Reino Unido, México, Hong Kong, Singapur y Taiwán. Entre sus reconocimientos recientes: dos becas del National Endowment for the Arts para su próxima obra “Unforgotten: Butoh for 9/11” y otra en 2022 por “The Slowest Wave”, un proyecto dedicado a explorar la relación entre el butoh y la neurociencia. También recibió una residencia Gibney Dance (2022-2023), una beca de coreografía de New York Foundation for the Arts y del New York State Council on the Arts (2018), el Gibney Dance Social Action Award (2015) y el Janet Arnold Award de la Society of Antiquaries of London (2019). Recientemente obtuvo una prestigiosa beca académica en Wadham College para el ciclo 2026-2027.

Es autora del libro “Butoh: Cradling Empty Space”, donde analiza los vínculos entre el butoh y la neurociencia. También lideró el primer estudio científico dedicado a medir los efectos del butoh sobre el cerebro, en el marco del proyecto The Slowest Wave. Su nueva creación, “MAN WOMAN”, realizada junto a Machine Dazzle y Ray Barragan Sweeten, tuvo su estreno en el La MaMa Moves Festival y será presentada en septiembre en el Schwarzman Centre de la Universidad de Oxford. Asimismo, interpretará su nuevo solo Naiad Metal en el Lincoln Center entre el 5 y el 8 de agosto de 2026.

2026 Queer Butoh Festival

Vangeline Theater / New York Butoh Institute tiene como misión preservar la integridad y el legado del butoh japonés, proyectándolo hacia el futuro mediante programas de educación, justicia social, investigación y archivo. A través de la danza, el ritual, el sonido y la actuación interdisciplinaria, el Festival reafirma su compromiso con la expresión queer, la exploración artística y el intercambio cultural.

2026 Queer Butoh Festival

Desde el 24 al 27 de junio a las 8pm

The Brick Theater
579 Metropolitan Ave,
Brooklyn, 11211

Entradas: hacer clic aquí.
Más información:
https://www.bricktheater.com/event/queer-butoh-festival-2026/2026-06-24/

Por una mirada

mgueler — Sat, 20 Jun 2026 00:11:26 +0000

Graziella Pulvirente y Rino Fraina en el Catania Summer Tango Week. Foto gentileza CSTW.

Todo pasó en un año: 2010. Un encuentro inesperado en Catania, Sicilia. Interminables y profundas miradas. Diálogos cortados entre los descansos. Eso fue todo.

Durante dos días, Graziella Pulvirente y Rino Fraina fueron jurados de una competencia de baile. Cada uno en su rol, Fraina en Ballroom Dance y Pulvirenti en Tango. Luego, la despedida. Largos meses de silencio. Hasta que Rino se animó: “No puedo dejar de pensar en ti”, decía ese mensaje que cambió la vida de los dos, para siempre.

Un romance a la distancia. Como en las películas. Ella en Catania. Él en Éboli. Eran jurados en diferentes concursos de baile, daban clases durante la semana. Imposible verse. Y los momentos de encuentro se reducían a una nueva despedida. Un hueco con sabor a ausencia. Hasta que Rino lanzó la pregunta inevitable: “¿Y por qué no bailamos juntos?”. La respuesta fue contundente: “Sí, podemos. Pero no quiero dejar el tango”. Rino aceptó el desafío.

Hoy, tienen una de las escuelas de tango más importantes del sur de Italia y un festival anual, Catania Summer Tango Week, que este año empieza el 25 y termina el 28 de junio. Una propuesta de abarca tango y folclore, y reúne reconocidos maestros internacionales como Gustavo Naveira, Omar Ocampo y Monica Romero, Pablo Tegli y Emilie Caron y Marco Nodari y Claudia Cavagnini.

En julio, la cita es en Chicago, Estados Unidos, del 2 al 6, y del 9 al 12, en Portland (Oregon) con seminarios y shows. Shangai será del 10 al 25 de agosto y en octubre abren la escuela Tango Studio en Catania. En noviembre, del 7 al 14, el crucero Tango love Boat.

Para Graziella y Rino, el amor se mezcló con el tango. Cuando se conocieron, Graziella llevaba años con el tango. Había montado su propia escuela en Catania después de estudiar en Buenos Aires con los mejores maestros, después de ganar el Campeonato Italiano de Danza Argentina y de haber llegado a la final del Mundial de Tango de Buenos Aires. Había comenzado a bailar cuando era niña. Primero fue la danza clásica, la natación sincronizada y los bailes de salón, y a los 17 descubrió el tango. “En el tango encontré algo diferente: la improvisación -comentó-. Los bailes de salón tenían una coreografía muy rígida y me sentía presa. En cambio, el tango me daba libertad”. Sin embargo, el trayecto se le hizo cuesta arriba: viajes anuales a Buenos Aires, clases y más clases privadas, y empezar de cero.

Rino se lanzó a bailar a los diez años y desarrolló una exitosa carrera en el Ballroom Dance. En 1998 ganó su primer Campeonato Italiano y durante años compitió internacionalmente en Inglaterra, Austria, Bélgica, Polonia, Rusia, Lituania y España. Más tarde se fue jurado profesional. Y allí encontró a sus dos amores, Graziella y el tango. “Para mí fue todo muy rápido -afirmó Rino-. Mi interés al principio era Graziella y después me enamoré del tango por la libertad de expresión del baile, por la música, la interpretación. Cosa que no encontraba en el ballroom donde todo era esquemático. Y para mí fue fácil porque ella era ya una bailarina reconocida en el mundo. Fue más sencillo entrar en la comunidad”.

Los bailarines italianos, Graziella y Rino, fueron nominados a los premios Tango Buenos Aires como mejor pareja internacional. Foto gentileza CSTW.

No obstante, su desafío fue transitar esos nuevos códigos y nuevas formas de bailar. Se fueron a Buenos Aires a tomar clases con Gustavo Naveira y Giselle Anne y empezó el descubrimiento. Rino y Graziella hicieron su primera presentación juntos en un show en Buenos Aires.

La familia se agrandó. Hoy tienen dos hijas, tangueras de pura cepa, una de 14 años que ya baila, y la más pequeña, de 4, que sueña con bailar y “hacer los ocho con falda amplia”.

Rino y Graziela, nominados a los premios Tango Buenos Aires como mejor pareja internacional, fundaron y dirigen la Asociación En tus brazos y son coreógrafos y creadores del espectáculo “Which Tango Are You?”. Los viernes organizan milongas y hacen dos giras largas durante el año, una a Estados Unidos y otra a China.

“Nosotros vivimos el tango todo el día -acotó Rino-. Escuchamos tango, bailamos tango y seguimos aprendiendo. Vivimos juntos 24 horas, damos clase, ensayamos, viajamos”. Con el tiempo, Graziella y Rino crearon una técnica propia de enseñanza, que tiene como base 30 años de trabajo como bailarines y docentes. Cuando empezaron con el tango ya eran profesores con experiencia.

“Nosotros queremos transmitir el tango de una manera simple -aclaró Graziella-. La clase tiene que ser abierta para principiantes y también para avanzados. Eso es lo más importante. Sabemos que la técnica y la estética lleva tiempo. Pensamos en la coordinación y en la música para que el baile sea algo natural y sencillo. Y no queremos que nuestros alumnos bailen todos de la misma manera”.

Convertidos en referentes de una de las expresiones culturales más profundamente asociadas con la identidad argentina y rioplatense, ambos proponen una visión integral que se funde con la poesía, el lunfardo, la música, sus letras, y esas conversaciones interminables después de una milonga. Madrugadas compartidas con amigos porteños, el café, las medialunas.

Dieciséis años después de aquel encuentro en Catania, Graziella Pulvirenti y Rino Fraina continúan recorriendo el mundo y encontraron en el tango un idioma compartido sobre el que construyeron una vida juntos.

A través de la Asociación En tus brazos Pulvirente y Fraina organizan clases y milongas en Catania. Foto gentileza CSTW.

Información:

https://www.rinoygraziella.com

Un arte sin etiquetas

mgueler — Tue, 09 Jun 2026 20:54:55 +0000

“Ay, amor, amor!”, dirigido por José Galvañ, un espectáculo rompe con los códigos visuales y escénicos más tradicionales. Foto gentileza Red de Teatros Flamencos de Artesred.

El flamenco ha sido históricamente mucho más que un género musical; ha sido el eco de las alegrías y también el refugio de las resistencias. Tras el éxito del pasado año, la red de Teatros Flamencos de Artesred vuelve a programar su producción “Ay, amor, ¡amor!”. Este espectáculo, que nació con el firme propósito de demostrar que el flamenco es un arte sin etiquetas, regresa a los escenarios para celebrar la diversidad emocional y el derecho a amar libremente. La gira comenzará el 23 de junio en el Teatro Flamenco Sevilla, continuará el 30 de junio en el Teatro Flamenco Madrid, y llegará a la Ciudad Condal el 15 de julio, con el estreno del espectáculo en el Teatro Flamenco Barcelona.

Concebido bajo la premisa de que el flamenco ha sido históricamente un territorio de refugio, vanguardia y resistencia, el espectáculo se articula como un profundo homenaje a figuras que desafiaron las convenciones de su tiempo, tales como Miguel de Molina, Antonio el Bailarín y Federico García Lorca.

No es una propuesta elegida al azar: es un homenaje directo a figuras que utilizaron su arte para abrir caminos de libertad en épocas donde el silencio era la norma. Hoy, en pleno siglo XXI, “Ay, amor, amor!” recoge ese testigo para recordar que, aunque los tiempos han cambiado, la visibilidad sigue siendo un acto de justicia artística.
José Galvañ, director del espectáculo comentó que se trata de un espectáculo muy necesario. “No tanto para reivindicar, sino para normalizar todos los tipos de amor que existen entre todas las personas que hay en el mundo. En el espectáculo no hay un argumento, simplemente son las historias de diferentes personas que se comunican y que se enamoran entre sí, sin importarle su sexo, ni nada y nos enfrenta a una realidad que existe y que nos encantaría que fuera la normalidad más absoluta”.

El espectáculo rompe con los códigos visuales y escénicos más tradicionales. Aquí, las fronteras de género se difuminan: el bailaor se atreve con el cante, la cantaora se acerca al toque y la bata de cola deja de ser un atuendo femenino para transformarse en un símbolo de libertad absoluta. Es una explosión de talento multidisciplinar, donde la rabia, la dulzura y la verdad se encuentran para lanzar un mensaje claro: el flamenco también es orgullo.
El elenco, compuesto por cinco artistas multidisciplinares de una calidad técnica incuestionable, vuelve a estar encabezado por el polifacético Alberto Sellés (Candidato a Mejor Intérprete Masculino de Danza – Premios Max 2023). “Ay amor, amor” es un espectáculo flamenco en el que se suceden una serie de coreografías, de paso a dos y de paso a tres que refleja todos los tipos de amores y todos los tipos de pareja que existe, toda la diversidad con referencia musicales y artísticas de todos aquellos artistas que rompieron y que confiaron en manera de amar, de ser y de sentir -comentó Sellés-. Espero que el público se emocione y disfrute mucho porque nosotros nos emocionamos mucho haciendo este espectáculo”.

El cuadro flamenco transita por la emoción pura durante sesenta minutos de entrega. Tras el rotundo éxito de la pasada edición en las sedes de Madrid y Sevilla, este año se ampliará el alcance de esta reivindicación artística. Por primera vez, el espectáculo viajará también a su nueva sede en Barcelona, reafirmando el compromiso de la red de teatros por llevar la cultura inclusiva a todos sus rincones.

“Ay, amor, amor!” no es solo un espectáculo de flamenco: es una invitación a celebrar que, como dice su lema, no importa a quien ames, sino hacerlo.

Grandes artistas del colectivo estarán presentes en esta reposición de Teatros Flamencos de Artesred, que en enero de este año comenzó una colaboración con Queer Destinations para convertir sus teatros en los primeros espacios de flamenco con el distintivo oficial de espacio seguro para la comunidad LGTBIQ+. Este acuerdo, refuerza el compromiso de los teatros con la inclusividad y el respeto.

La gira:

Teatro Flamenco Sevilla (C/ Cuna, 15) – 23 de junio.
Teatro Flamenco Madrid (C/ del Pez, 10) – 30 de junio.
Teatro Flamenco Barcelona (C/ Abaixadors. 10) – 15 de julio.
Todas las funciones darán comienzo a las 20:45h. y las entradas podrán adquirirse a través de las webs oficiales de cada teatro.

Todo empieza por un abrazo

mgueler — Sun, 07 Jun 2026 19:19:18 +0000

Paul Ferrío, docente, bailarina y autora de “El tango es un superpoder”, un libro digital que abre nuevas opciones para bailar. Foto gentileza PF.

¿Qué sucede en la vida de las personas cuando el tango deja de ser una danza para convertirse en una experiencia de vida, en un camino de ida sin regreso?

¿Qué sucede cuando se quiebran los miedos, los mandatos familiares, los preconceptos, y el tango comienza a sentirse como la propia respiración?

En la extensa bibliografía dedicada al tango abundan los libros históricos, los estudios musicológicos, las biografías de artistas, las investigaciones sociológicas y los manuales de enseñanza. Sin embargo, son mucho menos frecuentes aquellas obras que intentan abordar el tango como una exploración psicológica y física de las propias habilidades.

“El tango es un superpoder”, un libro para bailar sin miedos.

Desde esa perspectiva Paula Ferrío plantea su libro “El tango es un superpoder”, una propuesta que se aparta deliberadamente de los caminos tradicionales para proponer una mirada íntima, autobiográfica y pedagógica sobre el universo tanguero. Publicado en formato digital PDF, el volumen reúne diecinueve historias reales de transformación acompañadas por ejercicios prácticos que la autora denomina “CREOTANGO”, una metodología propia desarrollada a partir de más de tres décadas de enseñanza.

Bailarina y docente Ferrío lleva más de treinta años enseñando tango y quince vinculada al Centro Cultural Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires. Su recorrido incluye trabajo comunitario, organización de milongas, docencia internacional y una sostenida reflexión sobre el potencial pedagógico del tango.

A través de su libro, Ferrío no escribe desde la teoría académica ni desde la crítica especializada, sino desde la observación diaria de sus alumnos. Desde el prólogo deja en claro que el libro nace de esa experiencia acumulada, de haber sido testigo de amistades, vocaciones, parejas y comunidades surgidas alrededor de una pista de baile.

La estructura del libro es sencilla y dinámica, pero enternecedoramente personal. Cada capítulo presenta una historia concreta —un alumno que atraviesa un cáncer, una adolescente que encuentra en el tango una herramienta de afirmación personal, amistades que perduran durante décadas, personas que transforman limitaciones físicas o emocionales en fortalezas— y concluye con una propuesta de reflexión o ejercicio práctico. El esquema se repite a lo largo de las más de cien páginas en las que combina relato, inspiración y participación del lector a través de ejercicios prácticos de exploración interior.

Uno de los mayores aciertos del libro es precisamente esa dinámica. Ferrío comprende que el centro de la experiencia no está en la anécdota en sí misma, sino en el significado que cada lector puede extraer de ella. Por eso los relatos funcionan como disparadores para una reflexión más amplia sobre los vínculos, el duelo, la autoestima, la amistad, la resiliencia o la vocación.

Paula Ferrío. Foto gentileza PF.

“Vi vidas transformarse por completo”, “Vi personas volver de la sombra”, “Vi parejas encontrarse y reencontrarse”, afirma Ferrío en su prólogo para luego afirmar que, a través del tango, comunidades enteras tejieron “la red del abrazo”. Un libro que desafía, induce, propone, y deja al lector en libertad.

Su escritura privilegia lo emocional por encima de cualquier pretensión estilística. El tono es cálido y directo. La autora interpela al lector, le formula preguntas en las cuales, seguramente, se identifica. Desde sus clases Ferrío se convierte en docente, mentora, guía, y “El tango es un superpoder” la refleja a pie juntillas.

Quienes busquen un manual sobre cómo bailar el tango en cinco clases, seguramente no encontrarán en este libro lo que buscan. Tampoco se trata de un tratado sobre la técnica, la historia o la estética tanguera. Pero sí es un libro que apunta al desarrollo personal a través del movimiento. Aquí el tango es una metáfora de la vida: el abrazo como entrega, la improvisación como adaptación al cambio, la escucha como base de toda relación humana.

Las historias reunidas en “El tango es un superpoder” constituyen un registro de algo que rara vez queda plasmado en publicaciones especializadas: el impacto social del tango en la vida real de las personas. No de las figuras célebres ni de los campeones, sino de los alumnos que encuentran en la danza una herramienta para reconstruirse.

En algunos capítulos, la reiteración de algunas ideas centrales que dan una especial sensación de circularidad no son producto del azar sino una elección que forma parte de la identidad del proyecto. Al mismo tiempo, son la reafirmación de una convicción profunda de la autora.

“El tango es un superpoder” no pretende explicar el tango: busca demostrarlo a través de experiencias humanas. Su principal mérito consiste en recordar algo que los bailarines conocen desde hace décadas pero que pocas veces aparece reflejado en los libros: que detrás de cada abrazo hay una historia, y que muchas veces la verdadera transformación no ocurre en los pasos que se ven desde afuera, sino en aquello que cambia silenciosamente dentro de quienes bailan.

Dónde encontrar “El tango es un superpoder”
Instagram: @tangopixi
Whatsapp: +5491157192597

Cuatro días al compás del dos por cuatro

mgueler — Thu, 14 May 2026 17:06:58 +0000

El 14th. Philadelphia Tango Festival tendrá como tema central “Improvisación consciente”, orientada al tango danza y la música. Foto gentileza PATS.

Para iniciados, y no tanto, para exploradores de nuevas experiencias y para fanáticos. Para enamorados. Para soñadores. La cita es insoslayable: cuatro días a puro tango, a pura danza argentina. La 14.ª edición anual del Philadelphia Tango Festival se lanza, como es tradicional, el fin de semana de Memorial Day en Estados Unidos, del 22 al 25 de mayo. Patrocinado por la Escuela de Tango Argentino de Filadelfia (PATS), el festival reúne a entusiastas del tango de toda la región y del mundo y se convierte, en cuatro días, en una celebración de la música y la danza.

Aquí se reúnen, todos los años, bailarines, músicos, docentes e investigadores que llegan de distintas partes. Este año, de Argentina, Italia y otras ciudades de Estados Unidos. El programa incluye cerca de 40 actividades entre clases, seminarios, conferencias, conciertos, prácticas, milongas con música en vivo y talleres para distintos niveles, desde principiantes hasta bailarines avanzados.

“El tema del festival de este año es la ‘Improvisación Consciente’ -afirmó Meredith Klein, directora del festival-. Al estudiar la estructura del baile y la música del tango, podemos lograr una mayor libertad, fluidez y musicalidad en nuestro baile social. Este espíritu de improvisación lúdica nos sitúa en el momento presente, crea conexión y genera alegría para bailarines de todos los niveles”.

La pareja de bailarines Ignacio Ondartz y Meredith Klein ofrecerán talleres adicionales durante los cuatro días del festival. Foto gentileza PATS.

Klein, cofundadora junto a Andrés Amarilla de PATS, fue distinguida en 2024 como “Académica Correspondiente” por la Academia Nacional del Tango de Buenos Aires, una designación otorgada a referentes internacionales vinculados a la difusión e investigación del tango. Klein es actualmente la única estadounidense residente en Estados Unidos que recibió ese reconocimiento por parte de la institución argentina.

Entre los artistas invitados este año figuran las parejas de bailarines Octavio Fernández y Carolina Giannini, de Argentina, y Rino Fraina y Graziella Pulvirenti, de Italia. También participarán Pablo García Gómez e Iwona Ionescu, que impartirán un ciclo de cuatro talleres progresivos para principiantes (no se requiere experiencia ni pareja). Andrés Amarilla y Olesya Kershaw, e Ignacio Ondartz junto a Meredith Klein ofrecerán talleres adicionales. Además, cada milonga contará con exhibiciones de baile.

A los cuatro conciertos que están programados durante el festival, se suman actuaciones en vivo en las milongas. Entre las presentaciones anunciadas: el Dúo Villarreal Crom, de Argentina, y la orquesta Típica Messiez, una de las agrupaciones de tango más populares de los Estados Unidos. Además, el festival incluirá cuatro conciertos.

Uno de los ejes de esta edición será la presentación de nuevos lanzamientos del sello Bochinche Records, fundado en 2023 en Filadelfia por iniciativa de la PATS. El objetivo de este sello es producir nueva música de tango argentino para bailar. A partir de temas como “De Vidrio”, de Emiliano Messiez (“Psicoporteño”, 2023), bailado y presentado internacionalmente, Bochinche Records obtuvo sus primeros reconocimientos.

Este año, el pianista Mariano Castro presentará el álbum “Urban Tango”, grabado en enero de 2026 en la sede de la PATS. El disco incluye, entre otras obras, “Little Italy 1930”, de Astor Piazzolla. También se presentará “Cruce”, grabado en Buenos Aires por el pianista Emiliano Messiez y el cantor Juan Villarreal. Ambos discos serán editados por Bochinche Records durante 2026 y cuentan con participación exclusiva de músicos argentinos.

En el último año, Bochinche Records recibió cuatro nominaciones a premios internacionales, entre ellas una nominación al Latin Grammy en la categoría “Best Tango Album” por el trabajo “La inevitable tentación de ir a contramano”, del Sexteto Fantasma. Ese material obtuvo además un 21st Century Tango Award a la mejor canción de tango.

El festival incluirá además una conferencia sobre tango y género a cargo del historiador y poeta Matías Mauricio, llegado desde Argentina. Como novedad, la programación incorporará talleres de música y danzas folklóricas argentinas que concluirán con una peña participativa.

Con este despliegue de propuestas la Philadelphia Argentine Tango School, fundada en 2008 por Meredith Klein y Andrés Amarilla, sigue abriendo puertas al tango en todas sus expresiones y a su vez, permite el desarrollo de actividades de formación, conciertos, milongas y difusión cultural vinculadas al tango argentino en la región de Filadelfia.

14th. Philadelphia Tango Festival. Foto gentileza PATS.

Un año más con el tango “a toda máquina”. Y como decía Homero Expósito “A bailar, a bailar que la orquesta se va”.

Información sobre el festival

Dónde:
Lithuanian Music Hall de Filadelfia
2715 E Allegheny Ave
Philadelphia, PA 19134

Cuándo:
Del 22 al 25 de mayo

Programación: Philadelphia Tango Festival

Entre dos mundos

mgueler — Tue, 05 May 2026 12:32:27 +0000

The Sa Dance Company llega al New York Live Arts Inc. Con “Rise”, propuesta que fusiona lo clásico con lo contemporáneo. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

El ensamble The Sa Dance Company llega a Nueva York para presentar la última etapa de su gira nacional con “Rise”, un espectáculo de danza de gran formato que promete cautivar al público. Las funciones serán el 7 y 8 de mayo a las 7:30 p.m., y el 9 de mayo a las 2:00 p.m. y 7:30 p.m., en New York Live Arts Inc., ubicado en el 219 W. 19th Street. Estas funciones forman parte del programa Independent Works.

“Rise” es una obra visualmente impactante que fusiona tradiciones clásicas y folclóricas de la India con narrativas contemporáneas. De esta forma la propuesta va creando una experiencia teatral inmersiva. A través de una coreografía que incluye relatos personales, la pieza explora temas como la resiliencia, la identidad y la fuerza necesaria para salir adelante. Con una escala que oscila entre lo íntimo y lo épico, “Rise” trasciende géneros y generaciones.

La compañía, liderada por Payal Kadakia, fundadora y directora artística del ensamble ha adquirido presencia propia en el campo de la danza india contemporánea. Integrada por un elenco exclusivamente femenino, la compañía combina historias y movimientos de la India y de Estados Unidos, y el resultado es una experiencia transformadora.

Kadakia inició su formación en danzas folclóricas tradicionales de la India a los tres años bajo la guía de su mentora de toda la vida, Usha Patel. Su formación también incluye Kathak, Bollywood, jazz, danza contemporánea y ballet, lo cual le permitió explorar un estilo coreográfico distintivo que combina influencias orientales y occidentales.

Dirigido por Payal Kadakia, el ensamble es un referente cultural dentro de la comunidad del sur de Asia. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

Su trabajo se ha presentado en escenarios de prestigio como Lincoln Center, el Ailey Citigroup Theater y la celebración inaugural de Diwali en la Casa Blanca, además de colaboraciones con Disney, Art Basel y la Semana de la Moda de Nueva York. Kadakia también aparece en la antología Global Bollywood, junto a la reconocida coreógrafa Farah Khan. Además de su carrera artística, Kadakia es fundadora de ClassPass, una plataforma global de bienestar.

Las producciones de The Sa Dance Company celebran la identidad indo-estadounidense, abordan temas que se enfocan en la comunidad y en la feminidad, su espíritu y sus misterios. A través de una propuesta que rescata las tradiciones clásicas y las funde con técnicas contemporáneas, la compañía crea un lenguaje artístico que trasciende fronteras culturales. Sus espectáculos, que han agotado entradas en diversas ciudades del país, logran conectar profundamente con el público a nivel emocional y espiritual.

Bajo la dirección de Kadakia, la compañía se ha convertido en un referente cultural dentro de la comunidad del sur de Asia. Su nombre, “Sa”, proviene de la música clásica india y simboliza la nota fundamental de la octava, que refleja su compromiso con la unión entre tradición y modernidad.

Con “Rise”, The Sa Dance Company reafirma su misión: celebrar la identidad, fortalecer la comunidad y explorar las infinitas posibilidades de la expresión humana a través de la danza.

Informes: https://www.sadancecompany.com

The Sa Dance Company posee un estilo coreográfico distintivo que combina influencias orientales y occidentales. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

Una historia de amor con la ciudad

mgueler — Tue, 24 Feb 2026 13:06:22 +0000

La edición 2026 del Flamenco Festival New York presenta a Eva Yerbabuena en la Gala Flamenca. Foto: Laura León. Gentileza FFNY.

Nueva York, ciudad donde laten diferentes idiomas, acentos y culturas, ha sido desde hace más de un siglo territorio fértil para el flamenco. Figuras como Trinidad Huertas “La Cuenca”, Carmencita, La Argentinita, Carmen Amaya, Sabicas, Vicente Escudero y Mario Escudero encontraron en la Gran Manzana un espacio que transformó su expresión artística. La ciudad resonó en sus cuerpos y guitarras, inspiró nuevas lecturas del arte jondo y consolidó un diálogo creativo que permanece a través de diferentes generaciones de artistas.

Este año, el Flamenco Festival New York celebra su 25º aniversario evocando esa profunda historia de amor entre el flamenco y la ciudad. Del 25 de febrero al 15 de marzo, más de 80 artistas de 16 compañías cruzarán el Atlántico para presentar sus más recientes creaciones en una edición que se anuncia como memorable.

Entre los grandes nombres invitados se destacan Manuel Liñán, Eva Yerbabuena, Sara Baras, Olga Pericet, Andrés Marín, Rocío Márquez, Ángeles Toledano, Dani de Morón, Gerardo Núñez y Antonio Rey, entre muchos otros. Cada uno de ellos despierta recuerdos imborrables que han quedado plasmados en los ojos y en el alma.

Más de veinte compañías se reúnen para ofrecer un total de 40 funciones en 20 escenarios diferentes de Nueva York, Miami, Tampa, Chicago y Boston.

Homenajes: “Tributo a Sabicas”, convoca a Olga Pericet junto a Gerardo Núñez, Antonio Rey. Foto: Paco Villalta. Gentileza FFNY.

Los espacios habituales en la Gran Manzana: New York City Center, Jazz at Lincoln Center, Joe’s Pub y Roulette, junto a sedes emblemáticas como el Baryshnikov Arts Center, el Guggenheim Museum, el Metropolitan Museumof Art y la New York Public Library for the Performing Arts.
La edición 2026 incluye propuestas que dialogan con la tradición y la experimentación: Gala Flamenca convoca a la inolvidable Eva Yerbabuena, Manuel Liñán y El Farru. Sara Baras y su compañía, llegan con el espectáculo “Vuela”, mientras “Landscape + Silencios”, de Estévez / Paños y Compañía, propone una exploración del flamenco a través del ritmo, el movimiento y la composición experimental. Propuesta interpretada por Rafael Estévez y Yoel Vargas, se inspira en el feroz zapateado de Carmen Amaya y en las radicales obras percusivas del inolvidable John Cage.

Entre los homenajes más destacados figuran “Tributo a Sabicas”, con Gerardo Núñez, Antonio Rey y Olga Pericet, y “Tributo a Manuel de Falla”, en el 150º aniversario de su nacimiento.

“El 25º aniversario celebra la verdadera historia de amor entre Nueva York y el flamenco -afirmó el fundador Miguel Marín-. Este año reunimos artistas cuya contribución al arte flamenco es legendaria. La diversidad de escenarios es igualmente deslumbrante. No hay duda: la edición 2026 será inolvidable”.

Fundado en 2001 en Nueva York por Miguel Marín, Flamenco Festival se ha consolidado como la mayor plataforma internacional del flamenco. Ha presentado más de 170 compañías y realizado 1.350 funciones en 112 ciudades del mundo, y ha posicionado el flamenco en algunos de los teatros más prestigiosos.

Habrá espectáculos en el Metropolitan Museum of Art y en el Guggenheim, programas de residencias “In Progress” y laboratorios creativos “glo-cal”, que apuestan por la experimentación y el flamenco como herramienta de transformación individual y social.

Con el apoyo de INAEM, el Ministerio de Cultura de España, el Instituto Cervantes y diversas instituciones culturales, Flamenco Festival New York 2026 reafirma su lugar como uno de los grandes acontecimientos culturales dedicados al arte español en Estados Unidos.

Entradas e información completa: www.flamencofestival.org

Sara Baras y su compañía, llegan a Nueva York con el espectáculo “Vuela”. Foto: Sofía Wittert. Gentileza FFNY.

FLAMENCO FESTIVAL DE GIRA

Miami
Vuela
Sara Baras
Sábado 28 de febrero a las 7:30PM y domingo 1 de marzo a las 3PM | KnightConcert Hall, Arsht Center
https://www.arshtcenter.org/tickets/2025-2026/flamenco-festival/sara-baras/

En concierto
Ángeles Toledano
Jueves 5 de marzo a las 8PM | Miami Beach Bandshell
https://miamibeachbandshell.com/event/angeles-toledano/

Tampa
Vuela
Sara Baras
Martes 3 de marzo a las 7:30PM | Straz Center
https://www.strazcenter.org/events/2526-season/dance/sara-baras-vuela/

Chicago
RAW
Irene Morales
Domingo 1 de marzo a las 6PM | Instituto Cervantes Chicago
https://chicago.cervantes.es/en/default.shtm

Carte Blanche
Dani de Moron
Viernes 6 de marzo a las 7PM | Instituto Cervantes Chicago
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Boston
Tributo a Sabicas
Gerardo Núñez, Antonio Rey, Álvaro Martinete. Invitada especial: Olga Pericet
Viernes 13 de marzo a las 8:00PM | Berklee Performing Arts Center
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El conjuro de dos notables

mgueler — Wed, 18 Feb 2026 14:11:13 +0000

En “Siempre vuelvo” la coreógrafa Rosario Cárdenas explora los códigos estéticos de la artista plástica Belkis Ayón. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

La coreógrafa Rosario Cárdenas (Premio nacional de danza) esta vez se implica y se adentra, desde su narrativa, en los códigos estéticos de una malograda joven creadora de las artes visuales, Belkis Ayón, cuya corta vida sembró misterio y desconcierto. Al decir de la laureada poetisa cubana Nancy Morejón, “hasta hoy, nos deja con la boca abierta y la respiración cortada”. A partir de la experiencia (y la intensa investigación de campo de la también autora de la puesta en escena), Cárdenas aplica acertadamente sus recursos intelectuales y las herramientas de su llamada tesis “danza combinatoria” en los cuerpos danzante de sus 14 bailarines. De esta manera consigue la solución al desafío de “perpetuar los arcos de belleza y rebeldía que habitan en las obras de Belkis”.

La coreógrafa logra entregarnos un deslumbrante espectáculo nada descriptivo de lo pictórico, sino una apropiación de los signos fundamentales en la obra plástica de esta mujer negra criolla en la plenitud de su etapa creativa. Su arte, retador y patético, desafía los cánones ancestrales regidores de lo onírico en los rituales afrocubanos vigentes en el “hic et nunc” de la Mayor de las Antillas. Ayón plasma una intención subyacente de activismo racial: lo femenino ante la masculinidad dominante, doquiera fuera su “origen de clase o condición racial”.

En su obra pictórica Belkis Ayón plasma cierto activismo racial y de género. Foto: Argel González. Gentileza CRC.

Cárdenas tuvo el buen tino de rodearse de un equipo de producción de lujo, con colaboradores de excelencia tanto en lo académico como en la tecno-escena: luces, maping, escenografía o vestuario (con audaces estilismos). Sin embargo, el soporte musical en vivo ejecutado por uno de los más calificados MC o DJ, Iván Lejardi, en ciertos momentos asumió un inusitado protagonismo con el apoyo eficaz del eminente compositor Juan Piñera. El ritmo sincopado domina la escena para subrayar la cadencia natural de los isleños: “con los componentes africanos de nuestra identidad”, según se consigna en las notas al programa de mano.

Rosario Cárdenas afirmó -en previos encuentros con la prensa-, que no pretendía trasladar en movimientos coreográficos las imágenes de los grabados o colografías de Ayón, sino una interpretación muy personal de la creación ético-artística de sus objetivos visuales. Por consiguiente, “Siempre Vuelvo” es de una abundante e intrigante complejidad ideo-estética, que para los especialistas del tema ha sido un reto expresar una valoración acuciosa a partir de una sola presentación en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba.

La espectacularidad deslumbrante de la secuencia final, con la aparición impactante del gigantesco pez como representación de Sikán -fundamento esencial de la Sociedad Secreta Abakuá solo para hombres-, manipulado por los bailarines en un diseño coreográfico inmersivo. Una razón lógica para provocar la sonora respuesta aprobatoria del auditorio en pie.

“Siempre vuelvo” reúne un equipo de producción de lujo, tanto en lo académico como en la tecno-escena. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

Un imprescindible de la danza

mgueler — Sun, 08 Feb 2026 22:12:59 +0000

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”, de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.