The Sa Dance Company llega al New York Live Arts Inc. Con “Rise”, propuesta que fusiona lo clásico con lo contemporáneo. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

El ensamble The Sa Dance Company llega a Nueva York para presentar la última etapa de su gira nacional con “Rise”, un espectáculo de danza de gran formato que promete cautivar al público. Las funciones serán el 7 y 8 de mayo a las 7:30 p.m., y el 9 de mayo a las 2:00 p.m. y 7:30 p.m., en New York Live Arts Inc., ubicado en el 219 W. 19th Street. Estas funciones forman parte del programa Independent Works.

“Rise” es una obra visualmente impactante que fusiona tradiciones clásicas y folclóricas de la India con narrativas contemporáneas. De esta forma la propuesta va creando una experiencia teatral inmersiva. A través de una coreografía que incluye relatos personales, la pieza explora temas como la resiliencia, la identidad y la fuerza necesaria para salir adelante. Con una escala que oscila entre lo íntimo y lo épico, “Rise” trasciende géneros y generaciones.

La compañía, liderada por Payal Kadakia, fundadora y directora artística del ensamble ha adquirido presencia propia en el campo de la danza india contemporánea. Integrada por un elenco exclusivamente femenino, la compañía combina historias y movimientos de la India y de Estados Unidos, y el resultado es una experiencia transformadora.

Kadakia inició su formación en danzas folclóricas tradicionales de la India a los tres años bajo la guía de su mentora de toda la vida, Usha Patel. Su formación también incluye Kathak, Bollywood, jazz, danza contemporánea y ballet, lo cual le permitió explorar un estilo coreográfico distintivo que combina influencias orientales y occidentales.

Dirigido por Payal Kadakia, el ensamble es un referente cultural dentro de la comunidad del sur de Asia. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

Su trabajo se ha presentado en escenarios de prestigio como Lincoln Center, el Ailey Citigroup Theater y la celebración inaugural de Diwali en la Casa Blanca, además de colaboraciones con Disney, Art Basel y la Semana de la Moda de Nueva York. Kadakia también aparece en la antología Global Bollywood, junto a la reconocida coreógrafa Farah Khan. Además de su carrera artística, Kadakia es fundadora de ClassPass, una plataforma global de bienestar.

Las producciones de The Sa Dance Company celebran la identidad indo-estadounidense, abordan temas que se enfocan en la comunidad y en la feminidad, su espíritu y sus misterios. A través de una propuesta que rescata las tradiciones clásicas y las funde con técnicas contemporáneas, la compañía crea un lenguaje artístico que trasciende fronteras culturales. Sus espectáculos, que han agotado entradas en diversas ciudades del país, logran conectar profundamente con el público a nivel emocional y espiritual.

Bajo la dirección de Kadakia, la compañía se ha convertido en un referente cultural dentro de la comunidad del sur de Asia. Su nombre, “Sa”, proviene de la música clásica india y simboliza la nota fundamental de la octava, que refleja su compromiso con la unión entre tradición y modernidad.

Con “Rise”, The Sa Dance Company reafirma su misión: celebrar la identidad, fortalecer la comunidad y explorar las infinitas posibilidades de la expresión humana a través de la danza.

Informes: https://www.sadancecompany.com

The Sa Dance Company posee un estilo coreográfico distintivo que combina influencias orientales y occidentales. Foto: ChristopherDuggan. Gentileza: The Sa Dance Company.

La edición 2026 del Flamenco Festival New York presenta a Eva Yerbabuena en la Gala Flamenca. Foto: Laura León. Gentileza FFNY.

Nueva York, ciudad donde laten diferentes idiomas, acentos y culturas, ha sido desde hace más de un siglo territorio fértil para el flamenco. Figuras como Trinidad Huertas “La Cuenca”, Carmencita, La Argentinita, Carmen Amaya, Sabicas, Vicente Escudero y Mario Escudero encontraron en la Gran Manzana un espacio que transformó su expresión artística. La ciudad resonó en sus cuerpos y guitarras, inspiró nuevas lecturas del arte jondo y consolidó un diálogo creativo que permanece a través de diferentes generaciones de artistas.

Este año, el Flamenco Festival New York celebra su 25º aniversario evocando esa profunda historia de amor entre el flamenco y la ciudad. Del 25 de febrero al 15 de marzo, más de 80 artistas de 16 compañías cruzarán el Atlántico para presentar sus más recientes creaciones en una edición que se anuncia como memorable.

Entre los grandes nombres invitados se destacan Manuel Liñán, Eva Yerbabuena, Sara Baras, Olga Pericet, Andrés Marín, Rocío Márquez, Ángeles Toledano, Dani de Morón, Gerardo Núñez y Antonio Rey, entre muchos otros. Cada uno de ellos despierta recuerdos imborrables que han quedado plasmados en los ojos y en el alma.

Más de veinte compañías se reúnen para ofrecer un total de 40 funciones en 20 escenarios diferentes de Nueva York, Miami, Tampa, Chicago y Boston.

Homenajes: “Tributo a Sabicas”, convoca a Olga Pericet junto a Gerardo Núñez, Antonio Rey. Foto: Paco Villalta. Gentileza FFNY.

Los espacios habituales en la Gran Manzana: New York City Center, Jazz at Lincoln Center, Joe’s Pub y Roulette, junto a sedes emblemáticas como el Baryshnikov Arts Center, el Guggenheim Museum, el Metropolitan Museumof Art y la New York Public Library for the Performing Arts.
La edición 2026 incluye propuestas que dialogan con la tradición y la experimentación: Gala Flamenca convoca a la inolvidable Eva Yerbabuena, Manuel Liñán y El Farru. Sara Baras y su compañía, llegan con el espectáculo “Vuela”, mientras “Landscape + Silencios”, de Estévez / Paños y Compañía, propone una exploración del flamenco a través del ritmo, el movimiento y la composición experimental. Propuesta interpretada por Rafael Estévez y Yoel Vargas, se inspira en el feroz zapateado de Carmen Amaya y en las radicales obras percusivas del inolvidable John Cage.

Entre los homenajes más destacados figuran “Tributo a Sabicas”, con Gerardo Núñez, Antonio Rey y Olga Pericet, y “Tributo a Manuel de Falla”, en el 150º aniversario de su nacimiento.

“El 25º aniversario celebra la verdadera historia de amor entre Nueva York y el flamenco -afirmó el fundador Miguel Marín-. Este año reunimos artistas cuya contribución al arte flamenco es legendaria. La diversidad de escenarios es igualmente deslumbrante. No hay duda: la edición 2026 será inolvidable”.

Fundado en 2001 en Nueva York por Miguel Marín, Flamenco Festival se ha consolidado como la mayor plataforma internacional del flamenco. Ha presentado más de 170 compañías y realizado 1.350 funciones en 112 ciudades del mundo, y ha posicionado el flamenco en algunos de los teatros más prestigiosos.

Habrá espectáculos en el Metropolitan Museum of Art y en el Guggenheim, programas de residencias “In Progress” y laboratorios creativos “glo-cal”, que apuestan por la experimentación y el flamenco como herramienta de transformación individual y social.

Con el apoyo de INAEM, el Ministerio de Cultura de España, el Instituto Cervantes y diversas instituciones culturales, Flamenco Festival New York 2026 reafirma su lugar como uno de los grandes acontecimientos culturales dedicados al arte español en Estados Unidos.

Entradas e información completa: www.flamencofestival.org

Sara Baras y su compañía, llegan a Nueva York con el espectáculo “Vuela”. Foto: Sofía Wittert. Gentileza FFNY.

FLAMENCO FESTIVAL DE GIRA

Miami
Vuela
Sara Baras
Sábado 28 de febrero a las 7:30PM y domingo 1 de marzo a las 3PM | KnightConcert Hall, Arsht Center
https://www.arshtcenter.org/tickets/2025-2026/flamenco-festival/sara-baras/

En concierto
Ángeles Toledano
Jueves 5 de marzo a las 8PM | Miami Beach Bandshell
https://miamibeachbandshell.com/event/angeles-toledano/

Tampa
Vuela
Sara Baras
Martes 3 de marzo a las 7:30PM | Straz Center
https://www.strazcenter.org/events/2526-season/dance/sara-baras-vuela/

Chicago
RAW
Irene Morales
Domingo 1 de marzo a las 6PM | Instituto Cervantes Chicago
https://chicago.cervantes.es/en/default.shtm

Carte Blanche
Dani de Moron
Viernes 6 de marzo a las 7PM | Instituto Cervantes Chicago
https://chicago.cervantes.es/en/default.shtm

Boston
Tributo a Sabicas
Gerardo Núñez, Antonio Rey, Álvaro Martinete. Invitada especial: Olga Pericet
Viernes 13 de marzo a las 8:00PM | Berklee Performing Arts Center
https://www.berklee.edu/BPC/events/tribute-to-maestro-sabicas-featuring-gerardo-nunez-antonio-rey-alvaro-martinete-olga-pericet

En “Siempre vuelvo” la coreógrafa Rosario Cárdenas explora los códigos estéticos de la artista plástica Belkis Ayón. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

La coreógrafa Rosario Cárdenas (Premio nacional de danza) esta vez se implica y se adentra, desde su narrativa, en los códigos estéticos de una malograda joven creadora de las artes visuales, Belkis Ayón, cuya corta vida sembró misterio y desconcierto. Al decir de la laureada poetisa cubana Nancy Morejón, “hasta hoy, nos deja con la boca abierta y la respiración cortada”. A partir de la experiencia (y la intensa investigación de campo de la también autora de la puesta en escena), Cárdenas aplica acertadamente sus recursos intelectuales y las herramientas de su llamada tesis “danza combinatoria” en los cuerpos danzante de sus 14 bailarines. De esta manera consigue la solución al desafío de “perpetuar los arcos de belleza y rebeldía que habitan en las obras de Belkis”.

La coreógrafa logra entregarnos un deslumbrante espectáculo nada descriptivo de lo pictórico, sino una apropiación de los signos fundamentales en la obra plástica de esta mujer negra criolla en la plenitud de su etapa creativa. Su arte, retador y patético, desafía los cánones ancestrales regidores de lo onírico en los rituales afrocubanos vigentes en el “hic et nunc” de la Mayor de las Antillas. Ayón plasma una intención subyacente de activismo racial: lo femenino ante la masculinidad dominante, doquiera fuera su “origen de clase o condición racial”.

En su obra pictórica Belkis Ayón plasma cierto activismo racial y de género. Foto: Argel González. Gentileza CRC.

Cárdenas tuvo el buen tino de rodearse de un equipo de producción de lujo, con colaboradores de excelencia tanto en lo académico como en la tecno-escena: luces, maping, escenografía o vestuario (con audaces estilismos). Sin embargo, el soporte musical en vivo ejecutado por uno de los más calificados MC o DJ, Iván Lejardi, en ciertos momentos asumió un inusitado protagonismo con el apoyo eficaz del eminente compositor Juan Piñera. El ritmo sincopado domina la escena para subrayar la cadencia natural de los isleños: “con los componentes africanos de nuestra identidad”, según se consigna en las notas al programa de mano.

Rosario Cárdenas afirmó -en previos encuentros con la prensa-, que no pretendía trasladar en movimientos coreográficos las imágenes de los grabados o colografías de Ayón, sino una interpretación muy personal de la creación ético-artística de sus objetivos visuales. Por consiguiente, “Siempre Vuelvo” es de una abundante e intrigante complejidad ideo-estética, que para los especialistas del tema ha sido un reto expresar una valoración acuciosa a partir de una sola presentación en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba.

La espectacularidad deslumbrante de la secuencia final, con la aparición impactante del gigantesco pez como representación de Sikán -fundamento esencial de la Sociedad Secreta Abakuá solo para hombres-, manipulado por los bailarines en un diseño coreográfico inmersivo. Una razón lógica para provocar la sonora respuesta aprobatoria del auditorio en pie.

“Siempre vuelvo” reúne un equipo de producción de lujo, tanto en lo académico como en la tecno-escena. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”,  de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.

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Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres y Dani Hernández (BNC) en “Don Quijote”, versión de Alicia Alonso. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, patrimonio cultural de la Nación, tradicionalmente programa en fiestas navideñas el ballet “Cascanueces” (coincidente con otras grandes compañías foráneas), pero en esta ocasión decidió reponer su producción integral de “Don Quijote”. Su justificación para tal cambio sería la afortunada posibilidad de que una estrella del ballet mundial como es la argentina Marianela Núñez aceptara ajustar su apretada agenda con el Royal Ballet, y viajara hasta la Mayor de las Antillas para cumplir una añorada desiderata: bailar como Kitri junto los bailarines cubanos (sic).

Así sucedió. Y pudimos admirarla en dos magistrales entregas, siempre acompañada de manera notable, como su Basilio, por el primer bailarín cubano Patricio Revé -laureado en 2018 por la crítica local-, incorporado como “principal dancer” del Royal Ballet para la temporada 2026-2027, según el anuncio de su director Kevin Ohare.

Un poco de historia

Antes de tratar de exponer aquí mis criterios sobre lo bailado, creo necesario ofrecer algunas referencias históricas de esta versión integral del “Don Q” del BNC, y para ello -con mis agradecimientos-, me auxiliaré con los valiosos textos elaborados preciosamente por el editor e investigador Ahmed Piñeiro, para el lujoso programa de mano gratuito, de muy limitada tirada para la gran Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

Como es tal vez conocido por muchos, la novela homónima de Miguel de Cervantes pasó a la danza con el título de “Las bodas de Camacho” (perteneciendo su narrativa a los capítulos XXI y XXII de dicha novela), que inspiraron al coreógrafo y bailarín marsellés Marius Petipa y al compositor Ludwig Mikus. En 1869 se produce el estreno de la primera versión en cuatro actos y ocho escenas en el teatro Bolshoi de Moscú. Y como dato interesante; Petipa acostumbraba a revisar (o revisitar) varias veces sus realizaciones, y de una de ellas, el ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en1900, cuyo resultado se ha tomado como fuente original para los montajes que han llegado hasta nuestros días, con las variantes resultantes de la mayor o menor fidelidad de los repositores.

El ballet “Don Quijote” fue admirado por primera vez por los habaneros, de manera integral, el 21 de agosto de 1987 (si bien mucho antes se conoció el grand pas de deux o algunos fragmentos con bailables), mediante un montaje colectivo en el que intervinieron maestros y ensayadores del BNC bajo la égida de la bailarina y “maitre” Laura Alonso (entonces jefa del Departamento de Docencia en la compañía), sobre la base de Petipa y Gorsky, con pinceladas provenientes de otras versiones al uso. Igualmente, el Ballet de Camaguey incorporó la versión completa en 2003, con coreografía del bailarín Iván Monreal Alonso y, en 2013, se realizó otra versión debida al coreógrafo cubano residente en Alemania Gonzalo Galguera. Otras versiones contemporáneas desfilaron por los escenarios de la isla, con mayor o menor éxito pasando al cajón del olvido.

En julio de 1988, en el hoy Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso”, con libreto, diseños escenográficos y vestuario acreditados a Salvador Fernández, el BNC estrenó su versión integral actual del “Don Q”, con una coreografía desarrollada a partir de Petipa-Gorsky por las primeras bailarinas Marta García, María Elena Llorente y maestra Karemia Morena (quién partió al extranjero y luego, desde 1997, después de ejecutar algunas variantes en los bailables del cuerpo de baile, su nombre fue eliminado de los créditos).

El BNC convocó a Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

Protagonistas de excelencia

Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio, no más instalados en un lujoso hotel vecino a la sede del BNC, se entregaron en cuerpo y alma a su entrenamiento, y a familiarizarse con la puesta en escena de esta versión quijotesca del BNC. Muchas horas dedicaron a incorporar las instrucciones de los maestros ensayadores para vincularse con las acciones dramáticas y sus personajes, así como la relación y ajustes necesarios con el maestro Yhovani Duarte, responsable del soporte musical con una partitura adecuada a las coreografías ya fijadas para el elenco cubano. Encomiable fue el resultado de tal esfuerzo en tan poco tiempo para enfrentarse a un público conocedor y exigente, y una orquesta actualmente constituida por una mayoría de jóvenes recién graduados en sus instrumentos, y estrenarse con una difícil partitura para ballet con orquestaciones sobre variados aires de danzas españolas tradicionales.

La Sala Avellaneda del TNC, con un aforo de unas tres mil localidades, se mantuvo a teatro lleno en todas las nueve funciones ofrecidas por el BNC de este título de los grandes clásicos del favor de los amantes de la danza académica, que agradeció con una respuesta continuada de ovaciones en ocasiones. y al final en pie durante varios minutos el vibrante espectáculo brindado por solistas y cuerpo de baile. Sin embargo, no todo fue de excelencia en los bailables, con las seguidillas, las jotas o los pasodobles, algo menos precisos en su gestualidad. En cambio, los personajes importantes en las pantomimas encarnados por notables bailarines de carácter, como el Quijote de Dani Hernández, el tabernero Lorenzo de Ernesto Díaz o el Sancho Panza de Dairon Darias.

Ahora nos detendremos a señalar las sobresalientes calificaciones de los protagonistas, tanto por la magistral ejecución técnica por la limpieza en cada paso, tanto en solos como en los pasos a dos, así como la cuidadosa demostración del dominio escénico sin histrionismo al extremo. De la Kitri argentina, modélica figura de la escuela inglesa, fueron ejemplares el legato de sus evoluciones en los giros y los grand jetés con sus distinguidos port des bras al acentuar las líneas melódicas del soporte musical (algunas disonancias emergieron del foso), así como el poderío demostrado en el trabajo con las puntas, sin descuidar el “en dehors” en los momentos de gran virtuosismo. Su gran clase sin duda la coloca entre las más brillantes bailarinas del momento.

Estamos seguros de que Patricio Revé, con una formación consolidada sobre la base de la escuela cubana de ballet, fue la mejor elección para este Basilio como partenaire atlético y elegante de Marianela Núñez, con el cual consiguió la confianza necesaria para la correcta terminación de sus retadoras cargadas, el maridaje de las dos escuelas académicas resultó excepcional, por la complicidad emergente en sus pas de deux. Un solo reproche de poca monta para Revé: su expresividad dramática es una asignatura pendiente.

La entrega artística de estos portentosos bailarines fue vibrante, como fueron también evidentes las ovaciones prolongadas al cierre de cortinas. La audiencia en pie no se detenía al exclamar vivas a “Nela, Nela”.

Una dupla ovacionada, Marianela Núñez y Patricio Revé, en la sala Avellaneda del TNC. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

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El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real. 

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

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“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

“Circo Kósmico”, un relato inspirado en las enseñanzas del astrónomo José Maza. Foto gentileza Circo Jumbo.

La magia del circo y la exploración del universo se unen en “Circo Kósmico”, el nuevo espectáculo que ya está recorriendo Chile con una propuesta que combina acrobacias, música y divulgación científica. La iniciativa, impulsada por Jumbo y la Fundación Inversión Cultural (FINC) y acogida a la Ley de Donaciones Culturales, reúne a artistas de Rusia, Ucrania, Colombia, Brasil, Alemania y Chile en una producción de gran formato que integra ciencia, arte y reflexión ambiental.

La gira comenzó el 10 de octubre en Santiago y se extenderá hasta el 16 de noviembre en Arica, con 57 funciones en 18 ciudades del país.

“Circo Kósmico” forma parte de la tradicional iniciativa “Circo Jumbo”, que desde hace más de dos décadas lleva espectáculos gratuitos o de bajo costo a distintas regiones del país. En esta edición, más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el espacio y, al mismo tiempo, reflexionar sobre el cuidado del planeta.

El actor y cantante chileno Augusto Schuster protagoniza la historia en el papel de Astro, un piloto que emprende un viaje intergaláctico junto a Celeste y Jumbito para salvar un planeta en peligro. “Es un privilegio compartir escenario con artistas nacionales e internacionales de gran nivel y llevar este espectáculo a lugares donde pocas veces se vive algo así”, señaló Schuster. “Cantar en este show es también una forma de agradecer y devolver a la gente todo el cariño que me ha entregado a lo largo de mi carrera”, agregó.

El espectáculo cuenta además con la participación especial del astrónomo José Maza, quien, como un guía del espacio, explica de manera cercana los secretos del universo y las claves para comprender la fragilidad de la Tierra. Su intervención conecta el asombro del público con la reflexión científica.

El relato, inspirado en las enseñanzas del propio Maza, sigue la travesía de los protagonistas por distintos mundos sostenibles. Durante el viaje se enfrentan al Monstruo Basura, un personaje que representa la contaminación y que, tras descubrir la belleza de la naturaleza, logra transformarse y devolver la esperanza al planeta.

El argumento de “Circo Kósmico”, basado en ideas de Maza, narra la travesía espacial de Celeste y Jumbito, guiados por Astro (Schuster), quienes emprenden una misión para salvar un planeta en peligro. Durante su viaje visitan distintos mundos sostenibles y aprenden sobre el cuidado del medioambiente. El relato incorpora al personaje Monstruo Basura, que representa la contaminación y se transforma al descubrir la importancia de proteger la naturaleza.

Más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el cosmos y a reflexionar sobre el cuidado del planeta. Foto gentileza Circo Jumbo.

El espectáculo busca generar conciencia ambiental a través del arte, destacando acciones cotidianas como ahorrar agua, reciclar, proteger la naturaleza y reducir la contaminación.

La producción artística está a cargo de un equipo creativo canadiense, con destacados profesionales del mundo del espectáculo internacional. Entre ellos se cuentan Paul Bisson, cantante y compositor con experiencia en “Notre-Dame de Paris” y el Cirque du Soleil; James Lavoie, diseñador de vestuario y escenografía; Marlise McCormick, directora y coreógrafa; y Robert Massicotte, diseñador de escenografía con más de 30 años de trayectoria.

“Este año queremos sorprender y emocionar con una propuesta que entretiene e inspira una reflexión sobre cómo, a través de acciones simples, podemos cuidar el medioambiente y construir un futuro mejor para todos”, afirma Luiz de Rizzo, gerente de Marketing de supermercados Cencosud, uno de los patrocinadores de estas presentaciones.

Con funciones que ya han reunido a miles de personas en distintas regiones, “Circo Kósmico” se consolida como una experiencia familiar que invita a descubrir el universo y, desde allí, a mirar con nuevos ojos el planeta.

“Circo Kósmico” es un espectáculo para compartir en familia que combina divulgación científica con lenguaje circense. Foto: Ann Kathrin Bocks. Gentileza Circo Jumbo.

La gira nacional continuará en las siguientes fechas y lugares:

Valparaíso – Parque Cultural de Valparaíso: sábado 1 de noviembre / 15:30 hrs

Valdivia – Gimnasio Azurmendy: martes 4 de noviembre / 17:30 hrs

Osorno – Coliseo María Gallardo: jueves 6 de noviembre / 15:30 hrs

Puerto Montt – Arena Puerto Montt: viernes 7 de noviembre / 15:00 hrs

Temuco – Gimnasio UFRO: domingo 9 de noviembre / 12:30 hrs

Concepción – Gimnasio Municipal: martes 11 de noviembre / 17:30 hrs

Iquique – Casa del Deportista: viernes 14 de noviembre / 15:30 hrs

Arica – Gimnasio Pedro Lagos: domingo 16 de noviembre / 17:30 hrs

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El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

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El “brunch” anual de recaudación de fondos incluirá una subasta silenciosa, bebidas temáticas y shows. Foto gentileza FoAT.

Enmarcado en la celebración del Día de los Muertos, el domingo 2 de noviembre, de 12:00 a 16:00 horas, la organización Friends of Argentine Tango (FoAT) realizará su tradicional “brunch” anual de recaudación de fondos. El encuentro será en el emblemático restaurante Chez Josephine, ubicado en el corazón de Midtown Manhattan.

El evento combinará arte, gastronomía y solidaridad en una jornada dedicada a apoyar los programas gratuitos de danza que la fundación impulsa en Nueva York.

El encuentro ofrecerá una comida de tres tiempos, música en vivo a cargo del pianista y compositor Emiliano Messiez, nominado al Latin Grammy, y presentaciones especiales de docentes y artistas vinculados a FoAT. La propuesta incluirá también una subasta silenciosa, bebidas temáticas y la posibilidad de conversar con los fundadores de FoAT, Walter Pérez y Leonardo Sardella, junto al equipo docente que lidera las actividades de la institución.

El valor del boleto es de 100 dólares y todos los fondos recaudados se destinarán a los programas de danza social latina y ejercicio adaptado que Friends of Argentine Tango desarrolla en centros de adultos mayores y comunidades de la ciudad.

Desde su creación en 2013, Friends of Argentine Tango trabaja para acercar los beneficios físicos, emocionales y sociales del tango y de otras danzas sociales latinas a las personas que, de otra manera, no tendrían acceso a ellas. Sus actividades están dirigidas a adultos mayores, niños y personas con condiciones crónicas (Parkinson, Alzheimer y otros transtornos) o discapacidades, promoviendo el bienestar integral a través del movimiento, la música y la conexión humana.

Durante el último año, FoAT ha expandido su alcance con nuevos programas gratuitos en distintos centros de la ciudad y ha completado su primer taller de certificación en AdapTango Fundamentals, una iniciativa pionera orientada a la enseñanza del tango adaptado para adultos mayores y personas con condiciones neurodegenerativas. Este logro consolida el trabajo interdisciplinario de la fundación, que combina arte, ciencia y salud comunitaria.

Los fundadores de Friends of Argentine Tango, Leonardo Sardella y Walter Pérez lideran cerca de 17 clases semanales para adultos mayores. Foto gentileza FoAT.

La filosofía de Friends of Argentine Tango parte de la idea de que el tango es una práctica inclusiva y multigeneracional, capaz de derribar barreras de edad, género o capacidad física. En sus clases y encuentros, la danza se entiende como un espacio de respeto, comunicación y expresión, donde el abrazo y la música se convierten en herramientas de encuentro y sanación. La Fundación ofrece 17 clases semanales
en los cuatro distritos de Nueva York: Manhattan, Queens, Brooklyn y Bronx.

El lugar elegido para la gala, Chez Josephine, es un clásico de la escena cultural neoyorquina. Fundado en 1986 por Jean-Claude Baker como homenaje a la legendaria artista Josephine Baker, el restaurante recrea el espíritu parisino de los años treinta, con música en vivo y una atmósfera íntima que invita a celebrar la vida con arte y alegría.

El “brunch” anual de FoAT busca no solo recaudar fondos, sino también generar conciencia sobre el valor del movimiento y la danza como formas de bienestar social. Cada paso en la pista, cada abrazo y cada nota musical reflejan la misión de la organización: construir comunidad, promover la inclusión y mantener viva la tradición del tango como un lenguaje universal.

Informes

Las reservas y donaciones pueden realizarse a través de
www.friendsofargentinetango.org
Por correo electrónico a info@friendsofargentinetango.org.

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