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Dos estrellas y una escena

mgueler — Mon, 26 Jan 2026 21:36:14 +0000

Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres y Dani Hernández (BNC) en “Don Quijote”, versión de Alicia Alonso. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba, patrimonio cultural de la Nación, tradicionalmente programa en fiestas navideñas el ballet “Cascanueces” (coincidente con otras grandes compañías foráneas), pero en esta ocasión decidió reponer su producción integral de “Don Quijote”. Su justificación para tal cambio sería la afortunada posibilidad de que una estrella del ballet mundial como es la argentina Marianela Núñez aceptara ajustar su apretada agenda con el Royal Ballet, y viajara hasta la Mayor de las Antillas para cumplir una añorada desiderata: bailar como Kitri junto los bailarines cubanos (sic).

Así sucedió. Y pudimos admirarla en dos magistrales entregas, siempre acompañada de manera notable, como su Basilio, por el primer bailarín cubano Patricio Revé -laureado en 2018 por la crítica local-, incorporado como “principal dancer” del Royal Ballet para la temporada 2026-2027, según el anuncio de su director Kevin Ohare.

Un poco de historia

Antes de tratar de exponer aquí mis criterios sobre lo bailado, creo necesario ofrecer algunas referencias históricas de esta versión integral del “Don Q” del BNC, y para ello -con mis agradecimientos-, me auxiliaré con los valiosos textos elaborados preciosamente por el editor e investigador Ahmed Piñeiro, para el lujoso programa de mano gratuito, de muy limitada tirada para la gran Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

Como es tal vez conocido por muchos, la novela homónima de Miguel de Cervantes pasó a la danza con el título de “Las bodas de Camacho” (perteneciendo su narrativa a los capítulos XXI y XXII de dicha novela), que inspiraron al coreógrafo y bailarín marsellés Marius Petipa y al compositor Ludwig Mikus. En 1869 se produce el estreno de la primera versión en cuatro actos y ocho escenas en el teatro Bolshoi de Moscú. Y como dato interesante; Petipa acostumbraba a revisar (o revisitar) varias veces sus realizaciones, y de una de ellas, el ruso Alexander Gorsky reconstruyó la obra en1900, cuyo resultado se ha tomado como fuente original para los montajes que han llegado hasta nuestros días, con las variantes resultantes de la mayor o menor fidelidad de los repositores.

El ballet “Don Quijote” fue admirado por primera vez por los habaneros, de manera integral, el 21 de agosto de 1987 (si bien mucho antes se conoció el grand pas de deux o algunos fragmentos con bailables), mediante un montaje colectivo en el que intervinieron maestros y ensayadores del BNC bajo la égida de la bailarina y “maitre” Laura Alonso (entonces jefa del Departamento de Docencia en la compañía), sobre la base de Petipa y Gorsky, con pinceladas provenientes de otras versiones al uso. Igualmente, el Ballet de Camaguey incorporó la versión completa en 2003, con coreografía del bailarín Iván Monreal Alonso y, en 2013, se realizó otra versión debida al coreógrafo cubano residente en Alemania Gonzalo Galguera. Otras versiones contemporáneas desfilaron por los escenarios de la isla, con mayor o menor éxito pasando al cajón del olvido.

En julio de 1988, en el hoy Gran Teatro de La Habana “Alicia Alonso”, con libreto, diseños escenográficos y vestuario acreditados a Salvador Fernández, el BNC estrenó su versión integral actual del “Don Q”, con una coreografía desarrollada a partir de Petipa-Gorsky por las primeras bailarinas Marta García, María Elena Llorente y maestra Karemia Morena (quién partió al extranjero y luego, desde 1997, después de ejecutar algunas variantes en los bailables del cuerpo de baile, su nombre fue eliminado de los créditos).

El BNC convocó a Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

Protagonistas de excelencia

Marianela Núñez y Patricio Revé, los artistas invitados a encarnar a Kitri y Basilio, no más instalados en un lujoso hotel vecino a la sede del BNC, se entregaron en cuerpo y alma a su entrenamiento, y a familiarizarse con la puesta en escena de esta versión quijotesca del BNC. Muchas horas dedicaron a incorporar las instrucciones de los maestros ensayadores para vincularse con las acciones dramáticas y sus personajes, así como la relación y ajustes necesarios con el maestro Yhovani Duarte, responsable del soporte musical con una partitura adecuada a las coreografías ya fijadas para el elenco cubano. Encomiable fue el resultado de tal esfuerzo en tan poco tiempo para enfrentarse a un público conocedor y exigente, y una orquesta actualmente constituida por una mayoría de jóvenes recién graduados en sus instrumentos, y estrenarse con una difícil partitura para ballet con orquestaciones sobre variados aires de danzas españolas tradicionales.

La Sala Avellaneda del TNC, con un aforo de unas tres mil localidades, se mantuvo a teatro lleno en todas las nueve funciones ofrecidas por el BNC de este título de los grandes clásicos del favor de los amantes de la danza académica, que agradeció con una respuesta continuada de ovaciones en ocasiones. y al final en pie durante varios minutos el vibrante espectáculo brindado por solistas y cuerpo de baile. Sin embargo, no todo fue de excelencia en los bailables, con las seguidillas, las jotas o los pasodobles, algo menos precisos en su gestualidad. En cambio, los personajes importantes en las pantomimas encarnados por notables bailarines de carácter, como el Quijote de Dani Hernández, el tabernero Lorenzo de Ernesto Díaz o el Sancho Panza de Dairon Darias.

Ahora nos detendremos a señalar las sobresalientes calificaciones de los protagonistas, tanto por la magistral ejecución técnica por la limpieza en cada paso, tanto en solos como en los pasos a dos, así como la cuidadosa demostración del dominio escénico sin histrionismo al extremo. De la Kitri argentina, modélica figura de la escuela inglesa, fueron ejemplares el legato de sus evoluciones en los giros y los grand jetés con sus distinguidos port des bras al acentuar las líneas melódicas del soporte musical (algunas disonancias emergieron del foso), así como el poderío demostrado en el trabajo con las puntas, sin descuidar el “en dehors” en los momentos de gran virtuosismo. Su gran clase sin duda la coloca entre las más brillantes bailarinas del momento.

Estamos seguros de que Patricio Revé, con una formación consolidada sobre la base de la escuela cubana de ballet, fue la mejor elección para este Basilio como partenaire atlético y elegante de Marianela Núñez, con el cual consiguió la confianza necesaria para la correcta terminación de sus retadoras cargadas, el maridaje de las dos escuelas académicas resultó excepcional, por la complicidad emergente en sus pas de deux. Un solo reproche de poca monta para Revé: su expresividad dramática es una asignatura pendiente.

La entrega artística de estos portentosos bailarines fue vibrante, como fueron también evidentes las ovaciones prolongadas al cierre de cortinas. La audiencia en pie no se detenía al exclamar vivas a “Nela, Nela”.

Una dupla ovacionada, Marianela Núñez y Patricio Revé, en la sala Avellaneda del TNC. Foto: Maykel Espinosa. Gentileza BNC.

Con la historia a flor de piel

mgueler — Wed, 29 Oct 2025 16:52:29 +0000

El Centro Prodanza de Cuba, capitaneado por Laura Alonso, subió a escena “Giselle”, en la versión de su directora. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

El ballet “Giselle”, obra paradigmática de la danza en el período romántico del arte, ostenta una trascendencia capital en la historia del ballet cubano y, por extensión, en toda la cultura de la Mayor de las Antillas. Con esta pieza decimonónica y la versión coreográfica de la eximia prima bailarina Alicia Alonso y “su excepcional intérprete y repositora”, la marca Cuba adquiere una calificación de excelencia, por primera vez, en el parnaso internacional de la danza.

Estoy obligado a reiterar aquí algunos elementos históricos (en su mayoría de dominio público), como el caso de la anécdota de cómo Alonso sustituyó a la titular del rol en el entonces Ballet Theatre, Alicia Markova, por indisposición repentina, en la temporada de noviembre de 1943, lo que dio nacimiento a uno de los grandes mitos del arte coreográfico del siglo XX: Alonso-“Giselle”.

Esta producción adquiere un valor adicional, en cuanto a la veracidad de la versión realizada titánicamente por la experimentada maestra y antigua solista del BNC, Laura Alonso, heredera carnal de dos pilares de este arte: Alicia y Fernando Alonso, y heredera intelectual de las versiones reeditadas por su progenitora, hasta lograr una de las versiones más coherentes en el aspecto dramático teatral. Fue significativo que la propia Alonso fuera invitada a situar su “Giselle” en el repertorio del Ballet de la Ópera de París. En sus anales, “Giselle” o “Les Willis” (su título original), fue estrenada en el Teatro de la Academia Real de la Música (edificio destruido por un incendio) el 28 de junio de 1841. Este fue reemplazado por el actual Palais Garnier. La célebre Carlota Grisi fue entonces Giselle, con 89 representaciones.

Sin caer en el didactismo, pudiera sintetizar el argumento para enriquecer los conocimientos historicistas de los nuevos espectadores. El tema fantástico de “Giselle” proviene de la imaginación popular. Una antigua leyenda germánica relataba cómo las Willis eran los espíritus de las muchachas muertas antes de sus bodas, y emergían de sus tumbas para bailar a la luz de la luna. Unos seres fantasmales y aéreos que eran para los hombres tan peligrosos como irresistibles. A su permanencia contribuyó el poeta francés Théophile Gautier, al descubrir la leyenda de las Willis en la edición francesa del libro “Espíritus elementales” (1837) del poeta alemán Heinrich Heine. Con la contribución del libretista Jules Henri Vernoy, encontraron la fórmula exitosa de la ópera: engaño, locura y muerte. La música de Adolphe Adam, compositor de éxito en esa época, fue fundamental para hacer creíble la historia. Jules Perrot, excelente bailarín y amante de Grisi, concibió la coreografía con la contribución creativa de Jean Coralli, quien participó en escena como Hilarión, el rival de Albrecht. Perrot, varios años como maître de ballet en San Petersburgo, traspasó a su alumno y sucesor, Marius Petipa, sus saberes con respecto a “su obra maestra”. Desde entonces, el marsellés montó, revisó y readaptó la obra en numerosas ocasiones. La muy aplaudida variación de “Giselle”, en el primer acto, es de su autoría en 1887, con música de Ricardo Drigo.

Las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet integraron las filas en el ballet blanco. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

Es precisamente en la versión de Petipa que “Giselle” desembarca en Occidente, por medio de los ya célebres Ballets Russes de Serge Diaghilev. (El acucioso investigador y productor del mejor programa de televisión dedicado a la danza, Ahmed Piñeiro, nos desvela un dato fundamental: “la definitiva reposición que realizó Nicholas Sergeiev”, con “un gran cuidado filológico”, en 1924 para la Ópera de París, donde debutó en el titular la excelsa Olga Spessitseva. Es conocido que Sergeiev partió a Occidente llevando en su equipaje todos los carnets y apuntes de Petipa sobre sus creaciones, como consecuencia de la Revolución Bolchevique de octubre de 1917).

Puesta en escena en la versión de Laura Alonso

Laura Alonso encarna a Berthe, la madre de Giselle en esta puesta en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional. Fotos gentileza Centro Prodanza Cuba.

La experimentada maestra de ballet y directora del Centro Prodanza de Cuba, Laura Alonso, ha diseñado su propia versión “Giselle”, a partir del evidente legado transmitido por sus padres y maestros formadores, Alicia y Fernando Alonso, incorporado a partir de años en la participación artística activa y profesional de los procesos creativos en el Ballet Nacional de Cuba, del cual fue miembro como solista principal y “coach”. La “grand ballet mistress” -como la califican las notas al programa de mano de su compañía-, y Premio Nacional de Danza 2021, ha expresado recientemente que “se trata de una producción renovada, que respeta y honra la coreografía de Alicia Alonso, a la que se le han añadido ciertos matices y ajustes sutiles en su construcción dramática visual”. La coherencia dramática lograda por AA, tan laureada y elogiada por la crítica internacional, está evidentemente aquí y ahora. Los momentos histriónicos de las pantomimas, que lo requieren en el primer acto, fueron enfatizados por la propia repositora, que personalmente subió a escena para encarnar el rol de Berthe, madre de Giselle (como vimos en una de las tres representaciones programadas). Observamos los matices definitorios del porqué de cada acción dramática, propios de la formación primera de Alonso en las escuelas coreográficas ruso-soviéticas, donde fue becaria en la pasada centuria.

Para ejecutar los diseños del ballet blanco, la ballet mistress se vio obligada a importar las juveniles bailarinas de los últimos años de la Escuela Nacional de Ballet. Muchos ensayos consiguieron una digna entrega: las diagonales en arabescos del segundo acto fueron ovacionadas. También muy aplaudidas las variaciones de Myrtha, reina de las wilis, en cada función. Una digna entrega del icónico ballet blanco. Igualmente, para el vestuario, atrezzos y telones, hubo que recurrir a los almacenes de antiguas producciones, así como a generosas donaciones de academias foráneas. En resumen, podríamos calificarlo de una hazaña teatral con resultados plausibles.

Una década con alto voltaje

mgueler — Mon, 13 Oct 2025 18:54:41 +0000

“De punta a cabo”, una icónica obra de Acosta Danza con coreografía de Alexis Fernández y Yaday Ponce. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Después de una larga ausencia de los escenarios de la capital cubana, retornó a su Habana natal el ennoblecido Sir Carlos Acosta, eximio ídolo de oro del ballet cubano, para recibir los merecidos reconocimientos por haber mantenido con “alto voltaje” la compañía Acosta Danza. Fundada hace ya una década, la agrupación siguió demostrando, con pasión y sólida formación técnica, su rigor y ductilidad en la ejecución de la diversidad de propuestas coreográficas, no exentas de dificultades. Sin embargo, Acosta Danza ha logrado sostener la madurez profesional del elenco y el interés del público en el repertorio.

Carlos Acosta sorprendió con su espíritu artístico perseverante, si tenemos en cuenta que hace algunos años era director artístico de una importante compañía inglesa, el Royal Birmingham Ballet. Superado todo encumbramiento, Acosta se comprometió en ofrecernos (solo tres funciones) un programa sugerente conformado por reposiciones y estrenos, de creadores locales y foráneos, necesariamente interpretados por 14 bailarines bisoños, nacionales, recién egresados de la academia de la propia compañía.

En septiembre, el Teatro Nacional de Cuba acogió las presentaciones de “Una década en movimiento” en su sala mayor, la Avellaneda, con un aforo para unos tres mil espectadores, que desbordaron las capacidades y respondieron con ovaciones en pie cada noche, curiosamente un público juvenil, más allá de los fans habituales del género.

Carlos Acosta en el saludo final de su compañía exhibe un cuadro simbólico de una de las deidades cubanas. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Sin embargo, hubo luces y sombras en las calificaciones del valor artístico y creativo de los títulos presentados, que se pudieron etiquetar de desiguales. Como dato curioso, se afirmaba en ellos el hecho del trabajo coreográfico coral, cuando en el programa de mano se omitió el apellido de los danzantes. ¿Acaso algunos de ellos serían los solistas del mañana?

La pieza de apertura, tal vez la de más altos quilates, “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes (también diseñador teatral), había sido estrenada previamente por miembros de Danza Contemporánea de Cuba. En ella, tres bailarinas y un bailarín demostraron con sólida técnica y precisión musical (música de X Alfonso) el apego del creador a los elementos matemáticos al elegir como base el cubo de Rudolf Laban, autor de la “Labanotation”, para transformarlo en la mente humana y, a partir de ahí, filosofar desde el movimiento: “sobre la existencia del ser humano y la eterna búsqueda de la verdad personal”. La iluminación, por el diseño de luces de Erik Grass, fue fundamental para su éxito.

A continuación, el público se enfrentó a otro discurso coreográfico minimalista, debido a un creador invitado de la península ibérica, el joven Javier de Frutos, en ascenso entre los talentos europeos del arte coreográfico de vanguardia, quien se mostró desafiante con su obra “98 días”, para conseguir una entrega lírica y conmovedora del poema “Son de negros en Cuba”, de Federico García Lorca, donde reflejó los momentos culminantes de sus 98 días en la mayor de las Antillas en 1920. La obra tuvo un acertado soporte musical donde intervino Estrella Morente, según versiones de Michael Nyman, sobre poemas de Juan de la Cruz: “El pregón de las moras” y “Calle del aire”. La iluminación diseñada por el propio Frutos y Pedro Benítez se transformó en protagonista. No obstante, su intención primaria de “imaginar” lo que había sucedido entonces, con total libertad, param entregarnos el “paisaje impresionista” de aquellos momentos, no fue conseguida.

Como segunda parte del programa, Acosta Danza ofreció la creación del español Goyo Montero, “Llamada”, con la cual retornó a la escena cubana con un discurso revelador de su fibra sensible, casi mágica, algo así como una segunda parte de su pieza precedente “Imponderable”, donde trajo a discusión el concepto de género, entonces “cada vez más diversificado”, donde se añadieron las múltiples maneras de vivir, al aceptar la diversidad sexual en todos sus matices. Su título mismo subrayaba “un término del baile flamenco que define el momento en el cual se producirá un cambio”. En la puesta en escena, con la manipulación eficaz del vestuario de Ángelo Alberto, se sugiere el interrogante: ¿por qué el mundo se sigue viendo masculino y femenino? ¿Hasta qué punto ser diferente es un ataque a las costumbres sociales?

Para el cierre, Carlos Acosta y su equipo de producción eligieron el título “De punta a cabo”, en versión de Yaday Ponce (bailarina y maestra principal) sobre la original de Alexis Fernández (Maca). Una suerte de movimientos vinculados a la fusión musical de la banda sonora, que fue desde lo más tradicional hasta lo actual (Kumer, Kike Wolf, a partir de “La Bella Cubana” de White, X Alfonso y Omar Sosa). Las realidades de lo cotidiano en la vida del cubano se vieron más sintetizadas, con su imbricación lograda con las proyecciones de imágenes en video de X Alfonso localizadas en el Malecón habanero, como contribución inteligente al ritmo dancístico urbano. Es decir, estuvimos en presencia de un coherente divertimento donde se reflejaron los conceptos fundamentales de esta agrupación, como la variedad de diferentes técnicas y estilos que dieron nacimiento a la compañía Acosta Danza. Su permanencia en la escena cubana e internacional depende de la vitalidad creativa de su fundador, Carlos Acosta, y de los futuros reconocimientos de sus coterráneos.

Acosta Danza abrió sus presentaciones con “La Ecuación”, del notable coreógrafo cubano George Céspedes. Fotos: Yuris Nórido. Gentileza Acosta Danza.

Qué hay detrás del brillo

mgueler — Thu, 12 Jun 2025 00:46:27 +0000

Danza y patinaje en una presentación de Sophia Dayan. Foto: MZL.com Deportes. Gentileza de SD.

Cuando la gente piensa en el patinaje artístico, imagina deslizamientos elegantes, saltos que desafían la gravedad y trajes brillantes. Pero, debajo del brillo, se esconde una disciplina tan exigente como hermosa. Cada movimiento debe llevar no sólo precisión técnica, sino también peso emocional. El patinaje artístico es un deporte que combina el atletismo y el arte. Los patinadores entrenan para dominar pasos complejos, saltos explosivos y trompos rápidos con cuchillas que son apenas más anchas que la mina de un lápiz. También entrenan cómo mantener una fuerte conexión con la música mientras completan sus complejos elementos.

Desde los 3 años llevo los patines en el alma. Mi personalidad se forjó con el patinaje artístico, mi vida entera se formó con él. Participar en múltiples campeonatos nacionales y ser la Campeona Nacional Argentina fue el premio al esfuerzo y a la dedicación. Fueron innumerables entrenamientos, piernas que tiemblan después de las prácticas, fracturas por estrés que te dejan sin competir por meses, lesiones por las caídas y ampollas en los pies que igualmente deben entrar cada día en botas que apenas dejan lugar para los dedos.

Competir internacionalmente para Argentina me llena de inigualable orgullo. Escuchar mi nombre representando a mi país es una emoción tan enorme que no se puede explicar. Estar entre todos aquellos que compiten por sus banderas, compartir con ellos su cultura, su diversidad y, a la vez, esta pasión que nos une a todos los patinadores. Esa pasión que va más allá de quién obtiene su medalla es una experiencia única e irrepetible.

En la pista todos tenemos nuestras luchas, nuestras caídas o nuestros premios. No basta con ser fuerte o rápido, sino que también hay que contar una historia a través del movimiento. Cada secuencia de pasos y cada deslizamiento está coreografiado con intención, como en la danza. Trabajamos con coreógrafos para construir rutinas que le den vida a la música. A veces esto implica inspirarse en el ballet clásico, el movimiento contemporáneo o estilos de danza tradicionales de todo el mundo. He patinado una diversidad de estilos, desde la música clásica de Vivaldi hasta música moderna cinematográfica, y cada vez me convierto en un personaje diferente sobre el hielo. Es ahí donde reside la magia del patinaje.

Tomo clases regulares de danza en la pista con una bailarina profesional, lo cual me ayuda a refinar la forma en que me muevo y a expresar emociones a través del patinaje. Los bailarines comprenden cómo una inclinación de la cabeza o el subir y bajar del torso pueden cambiar el significado de un movimiento, y esos principios se aplican con la misma fuerza en el hielo.

Pero detrás de ese brillo, está la técnica, la repetición sistemática de saltos y trompos, los moretones de las caídas, las horas dedicadas a perfeccionar transiciones que duran solo segundos. Esa conjunción que involucra elementos tan diversos hace que el patinaje sobre hielo sea más que un deporte, sino también un arte. Es una mezcla maravillosa de movimiento, música y emoción que transforma una superficie helada y dura en un escenario vivo y ardiente, cargado de sensibilidad, pasión, entusiasmo y sentimiento.

El día a día

En Usuhaia, Argentina, Sophia Dayan y su medalla de campeona Nacional Argentina. Gentileza de SD.

Generalmente le dedico entre tres y cinco horas por día al entrenamiento. Cuando llego a la pista por la mañana, empiezo con mi rutina de calentamiento, que suele durar alrededor de una hora. Es fundamental para mí preparar bien el cuerpo antes de entrar al hielo. Comienzo estirando todos los músculos de las piernas y, poco a poco, voy subiendo hasta terminar en el cuello y la cabeza, asegurándome de que cada parte del cuerpo esté lista para entrenar.

Después salto la soga, hago saltos simples, en una pierna, en ambas, luego dobles y triples. Todo esto para activar bien los músculos que uso para saltar sobre el hielo. Una vez que termino de saltar la soga, hago rotaciones de saltos para afinar la técnica y entrenar el cuerpo.

Finalizada mi rutina en el suelo, me pongo los patines y comienzo mi entrenamiento en la pista. Empiezo con ejercicios de filos para sentir el contacto con el hielo y acomodar bien la posición de mis pies en las botas. Después de unos 30 minutos de trabajo técnico, paso a los saltos. Arranco con ejercicios básicos, luego saltos simples, y después los dobles. Más adelante incorporo las combinaciones y los saltos triples. Esta parte del entrenamiento en el hielo me lleva entre una hora y una hora y media, según el día.

Una vez que los saltos están trabajados, caliento los trompos y me enfoco en los programas. A veces los hago enteros, otras los divido por secciones. Hay días en los que trabajo ambas cosas: primero el programa completo, y luego partes específicas que quiero perfeccionar, ya sea una coreografía, un salto específico o una transición complicada.

Antes de salir de la pista, dedico al menos media hora más a practicar los trompos. Generalmente, termino mi entrenamiento y salgo corriendo para llegar a mis clases o a mi pasantía. El resto del día sigue con esas responsabilidades, y cuando llego a casa, hago mis deberes mientras estiro, masajeo las piernas y uso mis botas de compresión para recuperar. Esa parte de la rutina me lleva entre 30 minutos y una hora. Algunos días, si el tiempo me lo permite, también voy al gimnasio a la tarde para trabajar la fuerza muscular.

Sophia Natalie Dayan es patinadora artística sobre hielo. En 2023 y 2024 ganó el título de Campeona Nacional en Argentina, y desde hace seis años representa a la Argentina en competencias internacionales. En forma paralela a su actividad deportiva, Dayan estudia Relaciones Internacionales en la George Washington University en Washington, D.C.

Un buen principio de temporada

mgueler — Mon, 24 Mar 2025 21:23:40 +0000

El estreno de “Purple Fools”, del coreógrafo invitado Mauro de Candia, cerró el programa presentado por Danza Contemporánea de Cuba. Foto: gentileza DCC.

La mayor y más antigua compañía de danza no académica del archipiélago cubano, siempre bajo la dirección general de Miguel Iglesias, Premio nacional de danza 2018, presentó un doble programa en su sede fundacional, el Teatro Nacional de Cuba. En esta ocasión en su gran sala Avellaneda, el programa incluyó en su primera parte, “Súlkary” (1971), la más emblemática pieza de su repertorio activo, creada por su estelar bailarín Eduardo Rivero y, para cerrar, puso en consideración el estreno de “Purple Fools” (Tontos Morados), del coreógrafo invitado Mauro de Candia (Italia, 1981).

Fundada en 1960 por el eminente maestro y coreógrafo Ramiro Guerra -ex discípulo de la icónica Martha Graham-, con el nombre entonces de Danza Moderna de Cuba, hace dos décadas la compañía fue re-bautizada como Danza Contemporánea de Cuba.

“Súlkary” fue reconstruida por el maestro y bailarín del conjunto Yoerlis Brunet, con asesoría de Luz María Collazo (una de las estrellas del estreno absoluto) y montada con esmero para seis parejas de bisoños bailarines físicamente ajustados a las ideales esculturas modélicas de origen africano, según la concepción del coreógrafo Rivero. Las dinámicas y el sensual erotismo inherente a los movimientos provocados por una vibrante música del grupo de percusión (de manera no presencial, con detrimento a la apasionada entrega de los danzantes). La respuesta gratificante de la numerosa audiencia fue notable, si tenemos en cuenta que una buena parte de los presentes en las funciones tienen los referentes de los rotundos bailarines precedentes aún vivos en su memoria.

Debemos en gran medida a la dirección artística de DCC, el haber seleccionado este nuevo título para integrar su repertorio que, si bien no es una pieza magna, es notorio su discurso inteligente y cáustico y, sobre todas las cosas su evidente recurso dramatúrgico de exigencia teatral, a los jóvenes diez integrantes de “Purple Fools”, para conseguir una pujante entrega de histrionismo -nada habitual en este y otros conjuntos de la vanguardia dancística-, sin duda excelentes como ejecutantes preocupados por la demostración virtuosa de su formación técnica y las particulares dinámicas de esta pieza de 28 minutos creada por el joven invitado italiano Mauro de Candia.

Aquí, De Candia evoca particularmente el humor disparatado y el carácter absurdo de la narrativa en los célebres filmes de su coterráneo Federico Fellini. A ello contribuye la personificación de las cinco aparejas ataviadas con vestuario propio de la etiqueta acostumbrada en salones de baile de alta burguesía; rostros y cabellos empolvados con harina blanca, donde se evidencia un guiño a cierta pieza de la divina Pina Bausch, cual si fuera “en jeu” interpretativo de desafíos, seducción y ostentación, apoyado con un diverso soporte musical, donde emergen singulares versiones musicales conocidas de canónicos autores: en Shostakovich o Bach, a medida que avanzaba el motivo coreográfico en su distopía y la hilaridad se incrementaba. Lógicamente, la respuesta de aprobación fue unánime en sus tres únicas representaciones.

“Purple Fools” se caracteriza, además, por una musicalidad sui generis que, de manera orgánica, logra combinar secciones grupales de enérgicas dinámicas con fragmentos silenciosos (o mudos) y otros de refinado lirismo. En suma, el poderío de la música domina esta puesta en escena de 2012.

Sobre el autor

Mauro de Candia nació en Italia en 1981, y en 1998 ingresó en la Academia Princesse Grace de Montecarlo, como ganador de la Beca John Gilpin, otorgada entonces por la princesa Antoinette de Mónaco. Y en 2001 termina su formación profesional y se traslada a Alemania, donde bailó cinco temporadas con el Hanover Opera Ballett en obras de famosos coreógrafos como Balanchine, Béjart, Forsythe, Kilián, Mats Ek, Naharin, Goecke. En 1997 retornó a su ciudad natal italiana, donde fundó un proyecto, Arte and Balletto (sin fines de lucro), que generó varios programas de danza educativa hasta formar su propia compañía. En 2019 realizó el ballet Claveles negros, comisionado para los alumnos de la Royal Ballet School de Amberes. Fue condecorado ese año con la Medalla de Plata del Gobierno de Italia. En América Latina se le conocía poco hasta el éxito conseguido por su producción para el Festival Danza Maracaido, de Venezuela. De 2012 hasta 2021 fue director artístico y coreógrafo principal del Dance Theater Osnabruck de Alemania, igualmente trabajó con Introdans; Royal Ballet de Flandes; el Washington Ballet y el Staats Ballett de Berlin.

Contra viento y marea, y a toda vela

mgueler — Tue, 10 Dec 2024 14:10:37 +0000

Viengsay Valdés y Marcelo Gomes, en una escena de la reposición de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: PanchitoGL.

Intensos negros nubarrones no apocaron las voluntades de los organizadores, ni siquiera intensificaron la incertidumbre general de una “quasi” imposible celebración o aplazamiento de la edición 28 del Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso, como estaba previsto para el 28 de octubre, (coincidente perpetuo con la fecha de fundación del BNC en 1948), que duraría hasta el 10 de noviembre.

Sin embargo, la tenacidad contribuyó a vigorizar los empeños de los ejecutantes de este ambicioso, diverso, inclusivo e inmersivo programa de eventos, que utilizó tres salas teatrales y otras instalaciones de la capital del país, en horarios dobles algunos días. Tampoco opacó la realización de eventos colaterales: conferencias, exposiciones o presentaciones de libros.

Observemos, sin entrar en detalles, las incidencias naturales como antesala al evento anual cultural: dos huracanes azotaron, en breves intervalos, los extremos de la mayor de las Antillas. Primero las provincias orientales y luego las provincias del extremo occidental. El país se recuperaba apenas de las afectaciones sufridas por un fallo crítico en el Sistema Electroenergético Nacional, que dejó a casi toda la isla en un “black out” general durante varios días. Mas la resiliencia acometida por las máximas autoridades, junto con la pasión por la danza demostrada por sus hacedores y los fieles balletómanos superaron los avatares climatológicos. Por tanto, el Festival llegó a buen puerto, con inusitada brillantez y a teatro lleno en la mayoría de las funciones ofrecidas.

Veamos, con ayuda de los datos aportados por la Oficina del Historiador del BNC y el Servicio de prensa, cómo se comportó esta edición en curso. La variada oferta coreográfica incluyó 76 títulos de la mayor diversidad estilística. Entre ellos seis estrenos absolutos y 34 estrenos en Cuba, creados por 61 coreutas provenientes de 15 países. Se ofreció un total de 20 funciones: en el Teatro Nacional de Cuba, nueve en la Sala Avellaneda con capacidad para no menos de tres mil espectadores; cinco en la sala menor Covarrubias con aforo de 800 localidades y en decimonónico coliseo Martí seis, con butacas para poco menos del millar.

Esta vez las compañías visitantes fueron dos latinoamericanas: la Anajun Veatem ensamble de danzas judías mexicanas y el Incolballet de Colombia.

Además, disfrutamos las entregas destacadas de 35 estrellas solistas de prestigiosas compañías -dos vibrantes “Muerte del cisne”, de Fokine; dos duetos de “Espartaco”; varias versiones del conocido pas de deux, adagio del Segundo acto de “Lago de los cisnes”, de “Paquita”, de “Don Quijote”; de ballets de Balanchine; de Grigorovich, entre otros-, aplaudimos tres rusas y tres de Alemania; así como representantes de primer rango de Les Grands Ballets Canadiens; de Francia el Ballet de Bordeaux y la Compañía Angeljn Preljocaj; de Venzuela del Ballet del Teatro Teresa Carreño y el mexicano Ballet de Monterrey; el Joven Ballet de Puerto Rico; también del Birmingham Royal Ballet o del Queensland Ballet de Australia, entre otras.

Por supuesto, se incluyó la participación de los principales grupos cubanos invitados por el BNC como anfitrión: Danza Contemporánea de Cuba, el Ballet de Camaguey, el Conjunto Folklórico Nacional, el Ballet de Laura Alonso, Acosta Danza, Lizt Alfonso Dance Cuba, Ortolado, Malpaso y Micompañía.

La música, en esta ocasión, alcanzó niveles notorios con las ejecuciones de los instrumentistas en escena como soporte medular, con partituras de grandes exigencias técnicas.

Como ejemplos destacados mencionaría el pianismo de excelencia por los maestros Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán, el talento evidente de la joven Daniela Rivero y las magistrales interpretaciones de la flautista Niuka González Núñez junto a la bailarina Kaenia Ovsyanick. Y sería imperdonable no destacar las participaciones de Nicolay Schugaev tanto con su vibrante ejecución del cello como en su desempeño en el foso como director de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro Alicia Alonso para acompañar las cinco representaciones por el BNC de su conocida versión Alonso de “Lago de los cisnes”, con una responsabilidad agravada por las alternancias de elencos en cada función. Bravo, Maestro.

Además, considero mención aparte, el mérito de Norge Cedeño al elegir la música del joven Pepe Gavilondo para su “Ritual Garden”. Como dato curioso señalaría el hecho de invitar al venezolano Daniel Gil, otro joven ascendente en la dirección orquestal, para acometer por primera vez la tímbrica partitura de Rodión Schedrin, según Bizet, para la reposición del ya icónico ballet “Carmen” de Alberto Alonso, interpretado en la gala de clausura por Viengsay Valdés y el invitado brasileño Marcelo Gomes en los roles protagonistas junto a solistas y cuerpo de baile del BNC.

Momentos trascendentes

La bailarina mexicana Elisa Carrillo, presentó “Tué”, de Marco Goecke; “Kazimir´s colors”, de Mauro Bigonzetti y “Multiplicidad”, de Nacho Duato. Foto: PanchitoGL.

Con el riesgo de pasar por alto algunas presencias de altos quilates creativos, estéticos y con entregas de notable virtuosismo técnico, tanto en lo académico como en lo contemporáneo, señalaré lo de mayor impacto, a mi sano juicio. Es necesario considerar los desniveles en la maduración de sus estatus de estrellas, tanto los foráneos como los locales, así como aquellos jóvenes bailarines cubanos que desarrollan sus carreras en el exterior y que mostraron su deseo de volver a brindar su arte en los escenarios donde debutaron.

Hemos apreciado, evidentemente, las interpretaciones de los artistas de la danza consagrados por su quehacer riguroso, con una hoja de ruta pletórica de lauros. Las menciones podrían encabezarlas Marcelo Gomes, Joaquín de Luz, Elisa Carrillo, Semyon Chudin, Daniil Simkin, y una constelación de bailarines del archipiélago cubano, tales como la propia Valdés, Dani Hernández, Grettel Morejón, Anette Delgado, Ernesto Díaz, Yankiel Vázquez, y los talentos ascendentes como Anyelo Montero, Gabriela Druyet, Alianed Moreno o Luis Fernández. (Los cinco “Lagos…” bailados y gratificados con aplausos en pie, sirvieron de vitrina para desvelar los talentos formados por la escuela cubana de ballet que han decidido probarse en su país, ante el éxodo de otros egresados). La presencia y entrega del bailarín portugués Antonio Casalinho, laureado en cuanto concurso ha podido participar, mostró que es un fruto de la “escuela cubana de ballet”, egresado de una Academia de su natal Lérida que imparte la metodología del maestro cubano Fernando Alonso. Dos bailarines con firme desarrollo artístico, en los primeros rangos de las agrupaciones foráneas donde fijaron su futuro, fueron Patricio Revé y Esnel Ramos.

Con positiva sorpresa, este observador regular por décadas de las producciones en la isla, ha apreciado la respuesta favorable del público muy aficionado a la danza académica con respecto a las entregas de obras contemporáneas, algunas con discursos provocadores en sus dramaturgias como es el caso de títulos por Susana Pous, Osnel Delgado, Norge Cedeño o los foráneos de Uwe Scholz, Peter Quanz, Juliano Nunes, José Carlos Martínez, Cathy Marston, Elisa Carrillo, Patricia Donn, Kaenia Ovsyanick o el propio de Luz.

Elena Vostrotina y Brandon Lawrence (Ballet de Zúrich) en Festival Internacional de Ballet de La Habana 2024. Foto: PanchitoGL.

Estrenos y Reposiciones

Como momentos cimeros entre las obras clasificadas como estrenos se me ocurre situar la pieza “Faun(E)” del inglés David Dawson, “Mondo” de Susana Pous de origen española; “Multiplicidad” del ibérico Nacho Duato; “Ara” de Osnel Delgado; “Ritual Garden” del tándem Norge Cedeño-Gavilondo. Memorable resultó el homenaje al gran bailarín argentino Julio Bocca como preámbulo a la serie de “Lagos…” y la reposición del balle “Carmen” de Alberto Alonso, con Viengsay Valdés y Marcelo Gomes. A su vez, el estreno de “Gitanerías”, para la gala de clausura, con su coreógrafo e intérprete Joaquín de Luz y Valdés, sobre música cubana ejecutada en vivo por dos pianistas notables: Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán.

La ejecutoría, en la realización de esta edición 28 del FIBH AA, de la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, puede ser calificada de titánica -difícil llegar a la plenitud con las condiciones actuales difíciles del país-, y con un equipo de colaboradores dirigido por Heriberto Cabezas, veterano en estas lides. Y no olvido las participaciones -con notables prestaciones-, de Valdés, en cuatro títulos exigentes, con diversos estilos y temáticas. No por dejar los agradecimientos al final, menos merecidos al trabajo ingente y concienzudo de los maestros de danza y profesores, y los “coaches”, bajo la coordinación de la maestra Svetlana Ballester, y los valiosos aportes artísticos por parte de afamadas personalidades tales como Maina Gielgud, Azari Plisétski, José Manuel Careño, Johan Kobborg o Victor Gilí.

John Cranko y su exuberante inspiración

mgueler — Wed, 20 Nov 2024 15:38:23 +0000

“Cranko”, la película dirigida por Joachim A. Lang, muestra diferentes momentos creativos del coreógrafo.

Sólo muy de vez en cuando la gente de cine muestra interés por el ballet. Aún más raro es que se dedique un largometraje a la biografía de un famoso coreógrafo. “Cranko”, la película dirigida por Joachim A. Lang, protagonizada por Sam Riley y estrenada en Alemania en octubre, es una rara excepción. La cinta narra los últimos doce años de la vida del gran coreógrafo John Cranko, es decir, el periodo que va de 1961 a 1973, en el que fue director del Ballet de Stuttgart y en el que realizó las coreografías que le dieron fama mundial. Desde luego, el propósito de pintar un retrato cinematográfico de esos años en la vida del artista sudafricano establecido en Alemania es una empresa arriesgada y bastante difícil. Por una parte, y al margen de la fantástica explosión de creatividad artística que fue la colaboración de Cranko con el Ballet de Stuttgart, la vida del coreógrafo en ese tiempo no fue especialmente novelesca: fueron años de exuberante inspiración y de intenso trabajo artístico, en los que por supuesto no faltaron conflictos, tensiones, decepciones, etc., pero en los que no hay acontecimientos espectaculares, como no sea su rapidísimo ascenso al Olimpo del ballet clásico. Así pues, el material biográfico disponible no es el más apto para el cine. Por otra parte, comprimir en 133 minutos de película más de una década de incesantes y complejísimos procesos creativos es una tarea prácticamente imposible.

Teniendo en cuenta estos factores no es extraño que “Cranko” se quede en intento fallido. El primer elemento que falla es el guión y lo hace por partida doble. En primer lugar Joachim A. Lang, a la vez director y guionista, no es capaz de trazar una línea narrativa clara y bien centrada. Quiere contarlo todo y acaba por contar muy poco, sin llegar a profundizar en la labor artística de Cranko, ni en su vida privada, ni en sus conflictos psicológicos. De todo ello se nos dice algo, pero de nada se dice lo suficiente. A esta fundamental debilidad del guión se suman unos diálogos artificiales y muy poco verosímiles. Este mismo guión tiene otra faceta problemática. Según el escritor Thomas Aders, la película de Joachim A. Lang sería alo así como un plagio de su novela biográfica titulada “Seelentanz” (Danza del alma), afirmación que Joachim A. Lang niega, aduciendo que las semejanzas se deben a que ambos se documentaron en las mismas fuentes para realizar sus respectivas versiones de la vida de Cranko.

En cuanto al contenido en sí del largometraje, el primer problema es la indecisión que ya señalábamos en el guión. Si lo que aquí interesa es Cranko como artista, no hace falta poner énfasis en su homosexualidad e insistir en ella escenificando anécdotas reales, pero también muy banales, superfluas y, por qué no decirlo, gratuitamente indiscretas. Sin duda Cranko fue un hombre de enorme sensibilidad, pero presentarlo llorando continuamente y por cualquier trivialidad lo convierte en una figura bastante ridícula. Sus conflictos psicológicos, que lo llevaron hasta intentar el suicidio, no alcanzan en la película la hondura que los haría creíbles. La evolución de Cranko como coreógrafo es una faceta del personaje que a este guión parece quedarle grande: el espectador que no esté muy familiarizado con su obra coreográfica saldrá confundido y lleno de ideas falsas, tal vez incluso con muchas más perplejidades que certezas. No es nada fácil plasmar en cine la actividad creativa de un artista como Cranko. A pesar de algunos recursos ingeniosos (por ejemplo las coreografías que Cranko imagina aparecen reflejadas en sus ojos o danzadas en un lugar cualquiera, en el que se encuentra el protagonista en el instante de sentirse inspirado), el proceso creativo no es captado de modo satisfactorio. A ello contribuye la imagen edulcorada, casi idílica, que la película da de los ensayos, incluso en los momentos conflictivos, algo inverosímil para cualquiera que conozca el trabajo en la sala de ballet.

Pero quizá lo más decepcionante en este largometraje es el mezquino minutaje que se dedica al ballet propiamente dicho. Un espectador que no conozca la obra de Cranko se irá del cine sin tener una idea siquiera aproximada de cómo son sus ballets. Las secuencias de danza son muy breves, tanto que prácticamente no puede llegar a apreciarse ni una frase coreográfica entera. El encuadre es mayoritariamente defectuoso, fijado en partes del cuerpo, en los rostros de los bailarines (con mímica facial claramente sobreactuada), dando muy raramente una imagen completa del bailarín en movimiento.

Tampoco la perspectiva ayuda: demasiado a menudo las escenas de danza están filmadas desde atrás del escenario, con los focos contra la cámara, de modo que, si por una parte se tiene la sensación de compartir el punto de vista “íntimo” que se tiene desde las bambalinas, por otra se pierde totalmente el sentido del ballet, concebido para ser visto por el público desde la sala. Por lo demás, la fotografía es de muy buena calidad, incluso excelente, si bien resulta demasiado “publicitaria”.

La película fue rodada en la Ópera de Stuttgart, en los jardines que la rodean y en otros “escenarios naturales” de la vida de Cranko. Todos ellos están muy bien fotografiados, incluso demasiado bien, pues todo es muy estético y espectacular y los lugares filmados resultan bastante más bellos de lo que son en la realidad. En algunos momentos pareciera que la biografía de Cranko no es más que un pretexto para hacer publicidad de la Ópera de Stuttgart y su compañía de ballet. En otros, en cambio, nos parece estar viendo una vieja película pseudobiográfica de Hollywood, como “El fabuloso Andersen”, “El gran vals” o “El maravilloso mundo de los hermanos Grimm”. Tal es el caso del episodio en el que Cranko explica a su escenógrafo Jürgen Rose cómo ha de ser la muerte de Mercutio en “Romeo y Julieta”, una escena muy espectacular tanto por su localización (un suntuoso salón de la Ópera de Stuttgart), como por la actuación de bailarines solistas y del cuerpo de baile (todos enfundados en los trajes que imagina Rose) y por el movimiento de la cámara. Quien no conozca esta coreografía no entenderá gran cosa de lo que aquí explica Cranko, pero quedará deslumbrado por las imágenes y la música.

Sam Riley, en el papel de John Cranko, demuestra ser un actor estupendo y muy dúctil. Ahora bien ¿es Cranko ese personaje bonachón y llorón que nos muestra Joachim A. Lang? Cuesta creerlo. No conocí personalmente a Cranko, pero sí a gente que trabajó con él y no tengo la sensación de que el Cranko de la película coincida demasiado con el Cranko del que oí hablar a quienes lo trataron. Lo mismo sucede con las demás figuras. Los bailarines son interpretados por los actuales miembros del Ballet de Stuttgart. Personalidades como Richard Cragun, Birgit Keil o Reid Anderson apenas son esbozadas sumariamente. Solamente Marcia Haydée, Ray Barra y Heinz Clauss alcanzan un cierto relieve. Pero también aquí la imagen que se ofrece de ellos resulta poco convincente. A la Marcia que encarna Elisa Badenes le falta el carisma de la que fue musa de Cranko. A Ray Barra, el bailarín que creó el personaje de “Onegin” en la obra maestra del coreógrafo, lo conocí personalmente muchos años más tarde y debo decir que me resulta imposible hallar algo de él en el personaje interpretado por Jason Reilly, lo cual no puede explicarse sólo por el tiempo transcurrido. No sé si la imagen que se da aquí de otro personaje clave en la trayectoria de Cranko, su protector y director de la ópera de Stuttgart Erich Schäffer, es históricamente correcta, pero en todo caso la interpretación que de él hace Hanns Zischler es uno de los mejores aspectos del largometraje.

Sería injusto negar a esta película uno de los mayores méritos a los que puede aspirar una obra cinematográfica y que ésta, sin ninguna duda, tiene: es divertida. Quien conozca un poco el mundo del ballet y, sobre todo, coreografías de Cranko como “Onegin” o “Romeo y Julieta”, no se aburrirá. Y puesto que el relato resulta algo confuso, antes de ir al cine no estaría de más consultar la biografía de John Cranko en la Wikipedia…

Una energía que no cesa

mgueler — Sun, 28 Jul 2024 15:43:32 +0000

“Ramblin Suite”, una creación de Diane Coburn Bruning con la actuación en vivo de los Red Clay Ramblers. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

Como siempre ocurre, cada vez que Chamber Dance Project (CDP) sube a escena, su propuesta, novedosa y desestructurada, permite la integración de la danza, la música de cámara en vivo y elementos audiovisuales. Esta vez, del 27 y 29 de junio, el Harman Hall de Washington DC volvió a explotar de energía. Esa energía que dispara su directora, Diane Coburn Bruning, desde la espina dorsal de su compañía.

En la segunda parte, el estreno mundial de “Books of Stones” con coreografía de Christian Denice, creación especial para Chamber Dance Project, reafirmó la intención temática de la compañía. La obra explora temas de la naturaleza y la espiritualidad con un lenguaje contemporáneo. La coreografía y la música de Jack Herrick y Bland Simpson, crean una narrativa que conduce a una experiencia sensorial particular.

Denice, con notable inventiva y sensibilidad, utiliza el espacio escénico de manera efectiva, al tiempo que cada bailarín retrata, a través de sus movimientos, la riqueza emocional de la música. La partitura transita desde la calma y la suavidad hasta la intensidad desbordante.

Los bailarines, con una técnica impecable y gran sensibilidad, capturan la esencia poética de la obra. Mientras, una cantante recorre la escena y se entremezcla con los bailarines. Con su voz reproduce las voces de la naturaleza y todo se convierte en un vibrante espacio conectado con la tierra y sus misterios. De esta manera, “Book of Stones” no solo demuestra la sutileza coreográfica de Denice, sino también, la capacidad de CDP para encarar producciones estéticamente ricas y emocionalmente fuertes. Esta obra invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre el arte y la naturaleza y sobre el mundo que habitamos.

El estreno mundial de “Books of Stones”, de Christian Denice, una cantante y músicos en escena. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

La obra que abrió el programa, “Sur”, de Jorge Amarante, se estrenó en 2014, y resultó un acierto volver a visitarla. Tango contemporáneo y ballet, se funden en esta pieza donde la música de Astor Piazzolla y de Pēteris Vasks permiten explorar diferentes texturas. Desplazamientos, cargadas, secuencias en el piso, y ciertos códigos propios del tango se desgranan en dúos, variaciones en parejas y estructuras grupales. Los bailarines logran captar la propuesta del coreógrafo y van delineando una obra compacta que propone distintas intensidades.

Ataviadas en tonos naranja con líneas serpenteadas y zapatillas de punta, las bailarinas Iris Davila, Fuki Takahashi y Sophie Miklosovic, aparecen en el escenario con movimientos estilizados y giros, impulsadas por la penetrante música de Caroline Shaw. “Weave the Wind”, una pieza contemplativa creada por Coburn Bruning, deja que los bailarines sean protagonista de la belleza. Por esta obra transitan secuencias de tríos, solos, dúos de exquisito tramado, donde todo fluye como en una respiración continua.

“Ramblin Suite”, con la actuación en vivo de los Red Clay Ramblers, banda ganadora del premio Tony, fue el estreno de la temporada y cerró el programa. La obra creada por Diane Coburn Brining combina elementos de música folk y bluegrass con una coreografía dinámica que transita por diferentes climas y texturas y que demanda de una alta capacidad técnica por parte de los bailarines. Sofisticada y atractiva es esta propuesta que lleva a escena una mezcla de danza contemporánea con diversas influencias y una música desbordante de energía.

Coburn Bruning es una coreógrafa cuyo trabajo se caracteriza por su capacidad para conectar la danza con otras formas artísticas, y su compromiso con la exploración de nuevas posibilidades expresivas. Pero por sobre todo, se caracteriza por tener una intuición sutil y especial para elegir a sus bailarines, y también, a los músicos con los que trabaja. De esta forma, Chamber Dance Project reverencia la emoción, la creatividad y la danza en su estado esencial.

“Sur”, con coreografía de Jorge Amarante, abrió el programa de Chamber Dance Project en el Harman Hall. Foto: Rachel Malehorn. Gentileza CDP.

Una mirada sobre el planeta

mgueler — Sun, 24 Mar 2024 15:19:22 +0000

“Mondo”, presentado por Mi compañía, es una experimentación provocadora para hacer reflexionar al espectador. Foto gentileza de Mi compañía.

“Mondo” es la más reciente creación coreográfica de Susana Pous -española afincada en Cuba por más de dos décadas-, concebida para la compañía de “variadanza” contemporánea Mi Compañía que ella misma dirige hace varios años en su sede habanera. Es una pieza coral de danza-teatro para toda una noche, unos 55 minutos sin pausas, producida en el hermoso teatro Martí de la capital cubana, donde se desempeña un elenco mixto de cuatro parejas de virtuosos bailarines, dotados con una natural vocación dramática.

Afortunadamente, para este cronista, la maestra Pous concedió, previo al estreno, varias entrevistas a la prensa local, en las cuales nos iluminó las incógnitas del sugerente título de su obra, y así descartamos otras posibles interpretaciones erráticas. ¿Por qué eligió el término mondo para denominar a esta pieza? Propone en su discurso escritural “ir a la esencia” en su nueva coreografía, pues considera más importante el enfocarse en “lo auténtico” en un contexto en el cual los habitantes de este planeta “nos rodeamos constantemente de objetos para poder sobrevivir”. Y explicó que “Mondo” significa la esencia de todo aquello que está desprovisto de cosas superfluas, “es ir un poco a lo interno, a lo más profundo”.

En su catálogo coreográfico siempre está presente la experimentación provocadora para hacer reflexionar al espectador (generalmente pasivo ante lo que ocurre en escena) y que se emocione (una tesis ejecutada antaño por la icónica diva germana Pina Bausch). Bien es cierto que ninguna de sus piezas precedente se le parece, pues aquí tiene en cuenta objetos que “manipulamos en la escena en situaciones reales”, según ha confesado la creadora, que se tomó 5 años para retornar a las tablas con su agrupación.

Los logros de “Mondo” no están concentrados en el discurso coreográfico no lineal, están diseminados en los diversos talentos participantes de la producción general, como la excelente música original de Eme Alfonso (integrante de la afamada banda de música afro Síntesis), colaboradora de Pous en otras piezas precedentes, y la dupla formada con Guido Gali, responsable del diseño escénico y el vestuario, y el importante apoyo del actor y director Caleb Casas en la asesoría teatral, en tanto que pieza poliédrica contó con la contribución para las proyecciones de fondo: ilustraciones y animaciones, de Sergio Valencia y Fabio Vázquez. Sin duda, para conseguir resultados de alto nivel artístico hubo que recurrir a los proveedores locales y foráneos, ante la crisis de recursos que golpea las artes escénicas nacionales, como admitió la autora.

El ímpetu en el “Mondo” de Pous

Con música original de Eme Alfonso, y diseño escénico y vestuario de Guido Gali, la coreógrafa de Susana Pous estrenó “Mondo”. Foto gentileza de Mi compañía.

En esta coreografía de Pous el ímpetu escritural es un destilado de las precedentes, donde el rigor y coherencia del discurso poético está subrayado por la provocación, por ello se nos antoja autorreferencial. En “Mondo”, el “juego” dramático cobra importancia por la interpretación conseguida por los danzantes. Sin duda, por el ingente trabajo del destacado actor-director escénico Caleb Casa, y no se diluye ante la demostración atlética desplegada por aquéllos en su finalidad de comunicar las distopías del mundo en su “hic et nunc”.

La producción escénica no se limita a los efectismos tecnológicos, que se convierten en colaboradores de los ejecutantes manipuladores, con la destreza y precisión indicada, de los objetos que componen el fantasioso mobiliario concebido por sus diseñadores, para provocar una mayor emotividad en las intenciones de los dos personajes con destacada ejecutoria, en medio de los asedios por figurantes en negro. Súbitamente, ocurre del desconcertante final abierto señalado por un “blackout” total, previo al cierre de telones. La audiencia tardó en replicar con nutridos aplausos en pie.

Rompiendo barreras

mgueler — Mon, 12 Feb 2024 17:58:04 +0000

Malpaso presentó “Vértigo”, de la coreógrafa española Susana Pous en el Teatro Martí. Foto: Julio Larramendi. Gentileza Teatro Martí.

Este primer maridaje de la danza y el jazz -en todas sus modalidades-, aconteció en la Habana en enero durante la celebración del macro Festival internacional jazz-Plaza, en su trigésima novena edición. Un hito para los apasionados aficionados del género jazzístico de la Mayor de las Antillas y de muchos, más allá de sus fronteras.

El público consumidor habitual de este tipo de convocatorias musicales pluridisciplinarias fue testigo de tres impactantes entregas creativas generadas por talentosos coreógrafos con formación en la danza contemporánea, a partir del crisol que le aporta la joven compañía Malpaso y, por otra parte, el Ballet Nacional de Cuba, con una brillante veteranía de 75 años. Las producciones contaron, afortunadamente, con el soporte musical en vivo ejecutado por el conjunto instrumental Cubadentro, beneficiado con dos pianistas de excelencia, Alejandro Falcón y el neoyorkino de origen cubano Arturo O’Farrill, con la participación del virtuoso saxofonista estadounidense Ted Nash.

Mientras que, en el estreno absoluto por el BNC, el protagonista musical fue el electrizante tecladista y compositor Roberto Fonseca, director artístico del evento internacional (activas 12 sedes, con 184 espectáculos en la capital y 74 en Santiago de Cuba, con participación de invitados de 17 países de tres continentes, de China por primera vez).

Estas mencionadas agrupaciones de danza de renombre defendieron con brío y emotividad los honores de inaugurar el evento. Malpaso en el elegante y acogedor Teatro Martí, y el BNC en la gran sala modernista Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, con sus directores artísticos respectivos en escena: Osnel Delgado y Viengsay Valdés, para beneplácito de las multitudinarias audiencias.

Malpaso regaló tres piezas de su catálogo, entre ellas “A dancing Island”, de Osnel Delgado, como estreno en Cuba, pues su premier mundial -siempre con música en vivo- fue en Filadelfia el pasado año. Luego se presentó en la sede neoyorkina de la compañía, el Joyce Theater, al cual están asociados hace varios años.

Igualmente, tuvimos ahora la oportunidad de apreciar “Vértigo”, la más reciente creación de la exbailarina española Susana Pous, afincada en Cuba hace varias décadas. Agradecemos la reposición revisitada de la miniatura coreográfica de la bailarina y directora Daile Carrazana, “Nana para un insomnio”, estrenada con éxito de la crítica especializada hace dos años, sobre música instrumental original de Jordi Sabatés, con arreglos de temas del gran músico cubano Bola de Nieve (Ignacio Villa), ejecutada en vivo al piano por O’Farrill. Es un solo para Osnel Delgado, que nos entregó una estupenda demostración de virtuosismo técnico e interpretativo, para situarlo entre los mejores de su generación,

Estreno de “A Dancing Island”

Viengsay Valdés y Anyelo Montero en “Love Fear Loss”, de Ricardo Amarante. Foto Frank Dominguez. Gentileza BNC.

Como ha desvelado recientemente a la prensa Delgado, por once años líder de Malpaso, “A Dancing Island” proviene “de una verdad de pueblo, de un barrio, de una tonada o tumbao”, es “cada vez más importante tomar de las raíces, beber de esa agua”.

Y no es menos cierto que lo mostrado en escena por los atléticos bailarines de ambos sexos con un desenfado de autenticidad sincera que confirma su aseveración: “La danza no es más que una recreación simbólica de la vida, y cada baile es una estilización de cómo nos movemos de manera ordinaria”. El coreógrafo realiza pues un repaso de su herencia transcultural al pasar de la rumba al chachachá, al mambo, al son, la conga, al bolero o la salsa, en un flujo y reflujo; acentuada por elementos provenientes de las vivencias de los propios intérpretes.

También ha sido necesario conocer como influyó en las improvisaciones iniciales la visita a las obras del más eminente artista plástico nacional, Wifredo Lam, que atesora el Museo Nacional de Bellas Artes. En esta creación ha sido fundamental la participación del afamado pianista de jazz y compositor Arturo O’Farrill, que contribuyó en la integración del proyecto al pianista Alejandro Falcón y Cubadentro. La música, esta vez, fue creada exclusivamente para “A Dancing Island”, donde escuchamos una amalgama de géneros cubanos bailables y con raíces afros, fusionados con el jazz y la improvisación. Según O’Farrill, esta oportunidad “era un motivo para salir de las zonas de confort y ser un músico un poco más completo”.

La dirección artística tuvo el buen tino de elegir para abrir el espectáculo con la pieza “Vértigo”, de la coreógrafa española afincada en la isla hace décadas, Susana Pous, con formación primera en la danza académica. Su discurso coreográfico minimalista nos hace penetrar en las zonas más íntimas de la “poética del vivir”, emocionantes sus intérpretes mixtos. Con el apoyo de un ingenioso empleo de las iluminaciones con sus correspondientes artefactos escénicos aéreos manipulados por los bailarines, con austero vestuario monocromático que contribuye a la atmósfera dramática sugerente por el soporte musical del compositor Boris Kovac. El público demoró unos segundos antes de estallar en un largo aplauso cerrado.

El 28 de enero (coincidente con el natalicio José Martí) concluyó esta edición del macro festival anual de jazz, con el habitual concierto que ofrece el pianista y director artístico del evento Roberto Fonseca, y esta vez con la participación especial del Ballet Nacional de Cuba. Con esta invitación, el Festival Jazz Plaza aprovecha la ocasión para rendir homenaje la compañía por sus 75 años de fundación (por Alicia, Fernando y Alberto Alonso en 1948).

Por tal motivo se produjo el estreno absoluto de la obra “Apparatus”, -diez minutos intensos para 21 bailarines mixtos de la sección más joven del conjunto-, creada por el bailarín y coreógrafo de Acosta Danza, Raúl Reinoso. Se confiesa el coreógrafo como un creador del movimiento a partir de la música. La danza, después, según creaba el icónico Balanchine. En este caso se ha inspirado en una elogiada pieza de jazz de Fonseca, “Contradanza del espíritu” (el autor y su ensemble los interpretan en escena), para crear este “ballet” coral donde lúdicamente deconstruye las poses y gestualidades de los grandes clásicos decimonónicos empleando diagonales y círculos, con retadoras cargadas de chicas en tutú ruso. Y llega hasta sorprendernos con un guiño a la inclusividad de los géneros: un joven bailarín sale de la fila y se coloca un tutú, para ejecutar una deslumbrante variación y coda. Finalmente, hace un fugaz mutis.

Igualmente, Fonseca acompañó al piano el pas de deux que cerró la gala, “Love, Fear, Loss”, un homenaje a Edith Piaff por el coreógrafo brasileño Ricardo Amarante con música de Charles Dumont. Este tercer tema de la pieza se benefició con una vibrante interpretación de la primera bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, acompañada con eficacia y atletismo por el juvenil solista principal Anyelo Montero. Varios minutos duraron los saludos de cortina con ovaciones en pie por más de tres mil espectadores.