La edición 2026 del Flamenco Festival New York presenta a Eva Yerbabuena en la Gala Flamenca. Foto: Laura León. Gentileza FFNY.

Nueva York, ciudad donde laten diferentes idiomas, acentos y culturas, ha sido desde hace más de un siglo territorio fértil para el flamenco. Figuras como Trinidad Huertas “La Cuenca”, Carmencita, La Argentinita, Carmen Amaya, Sabicas, Vicente Escudero y Mario Escudero encontraron en la Gran Manzana un espacio que transformó su expresión artística. La ciudad resonó en sus cuerpos y guitarras, inspiró nuevas lecturas del arte jondo y consolidó un diálogo creativo que permanece a través de diferentes generaciones de artistas.

Este año, el Flamenco Festival New York celebra su 25º aniversario evocando esa profunda historia de amor entre el flamenco y la ciudad. Del 25 de febrero al 15 de marzo, más de 80 artistas de 16 compañías cruzarán el Atlántico para presentar sus más recientes creaciones en una edición que se anuncia como memorable.

Entre los grandes nombres invitados se destacan Manuel Liñán, Eva Yerbabuena, Sara Baras, Olga Pericet, Andrés Marín, Rocío Márquez, Ángeles Toledano, Dani de Morón, Gerardo Núñez y Antonio Rey, entre muchos otros. Cada uno de ellos despierta recuerdos imborrables que han quedado plasmados en los ojos y en el alma.

Más de veinte compañías se reúnen para ofrecer un total de 40 funciones en 20 escenarios diferentes de Nueva York, Miami, Tampa, Chicago y Boston.

Homenajes: “Tributo a Sabicas”, convoca a Olga Pericet junto a Gerardo Núñez, Antonio Rey. Foto: Paco Villalta. Gentileza FFNY.

Los espacios habituales en la Gran Manzana: New York City Center, Jazz at Lincoln Center, Joe’s Pub y Roulette, junto a sedes emblemáticas como el Baryshnikov Arts Center, el Guggenheim Museum, el Metropolitan Museumof Art y la New York Public Library for the Performing Arts.
La edición 2026 incluye propuestas que dialogan con la tradición y la experimentación: Gala Flamenca convoca a la inolvidable Eva Yerbabuena, Manuel Liñán y El Farru. Sara Baras y su compañía, llegan con el espectáculo “Vuela”, mientras “Landscape + Silencios”, de Estévez / Paños y Compañía, propone una exploración del flamenco a través del ritmo, el movimiento y la composición experimental. Propuesta interpretada por Rafael Estévez y Yoel Vargas, se inspira en el feroz zapateado de Carmen Amaya y en las radicales obras percusivas del inolvidable John Cage.

Entre los homenajes más destacados figuran “Tributo a Sabicas”, con Gerardo Núñez, Antonio Rey y Olga Pericet, y “Tributo a Manuel de Falla”, en el 150º aniversario de su nacimiento.

“El 25º aniversario celebra la verdadera historia de amor entre Nueva York y el flamenco -afirmó el fundador Miguel Marín-. Este año reunimos artistas cuya contribución al arte flamenco es legendaria. La diversidad de escenarios es igualmente deslumbrante. No hay duda: la edición 2026 será inolvidable”.

Fundado en 2001 en Nueva York por Miguel Marín, Flamenco Festival se ha consolidado como la mayor plataforma internacional del flamenco. Ha presentado más de 170 compañías y realizado 1.350 funciones en 112 ciudades del mundo, y ha posicionado el flamenco en algunos de los teatros más prestigiosos.

Habrá espectáculos en el Metropolitan Museum of Art y en el Guggenheim, programas de residencias “In Progress” y laboratorios creativos “glo-cal”, que apuestan por la experimentación y el flamenco como herramienta de transformación individual y social.

Con el apoyo de INAEM, el Ministerio de Cultura de España, el Instituto Cervantes y diversas instituciones culturales, Flamenco Festival New York 2026 reafirma su lugar como uno de los grandes acontecimientos culturales dedicados al arte español en Estados Unidos.

Entradas e información completa: www.flamencofestival.org

Sara Baras y su compañía, llegan a Nueva York con el espectáculo “Vuela”. Foto: Sofía Wittert. Gentileza FFNY.

FLAMENCO FESTIVAL DE GIRA

Miami
Vuela
Sara Baras
Sábado 28 de febrero a las 7:30PM y domingo 1 de marzo a las 3PM | KnightConcert Hall, Arsht Center
https://www.arshtcenter.org/tickets/2025-2026/flamenco-festival/sara-baras/

En concierto
Ángeles Toledano
Jueves 5 de marzo a las 8PM | Miami Beach Bandshell
https://miamibeachbandshell.com/event/angeles-toledano/

Tampa
Vuela
Sara Baras
Martes 3 de marzo a las 7:30PM | Straz Center
https://www.strazcenter.org/events/2526-season/dance/sara-baras-vuela/

Chicago
RAW
Irene Morales
Domingo 1 de marzo a las 6PM | Instituto Cervantes Chicago
https://chicago.cervantes.es/en/default.shtm

Carte Blanche
Dani de Moron
Viernes 6 de marzo a las 7PM | Instituto Cervantes Chicago
https://chicago.cervantes.es/en/default.shtm

Boston
Tributo a Sabicas
Gerardo Núñez, Antonio Rey, Álvaro Martinete. Invitada especial: Olga Pericet
Viernes 13 de marzo a las 8:00PM | Berklee Performing Arts Center
https://www.berklee.edu/BPC/events/tribute-to-maestro-sabicas-featuring-gerardo-nunez-antonio-rey-alvaro-martinete-olga-pericet

“Circo Kósmico”, un relato inspirado en las enseñanzas del astrónomo José Maza. Foto gentileza Circo Jumbo.

La magia del circo y la exploración del universo se unen en “Circo Kósmico”, el nuevo espectáculo que ya está recorriendo Chile con una propuesta que combina acrobacias, música y divulgación científica. La iniciativa, impulsada por Jumbo y la Fundación Inversión Cultural (FINC) y acogida a la Ley de Donaciones Culturales, reúne a artistas de Rusia, Ucrania, Colombia, Brasil, Alemania y Chile en una producción de gran formato que integra ciencia, arte y reflexión ambiental.

La gira comenzó el 10 de octubre en Santiago y se extenderá hasta el 16 de noviembre en Arica, con 57 funciones en 18 ciudades del país.

“Circo Kósmico” forma parte de la tradicional iniciativa “Circo Jumbo”, que desde hace más de dos décadas lleva espectáculos gratuitos o de bajo costo a distintas regiones del país. En esta edición, más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el espacio y, al mismo tiempo, reflexionar sobre el cuidado del planeta.

El actor y cantante chileno Augusto Schuster protagoniza la historia en el papel de Astro, un piloto que emprende un viaje intergaláctico junto a Celeste y Jumbito para salvar un planeta en peligro. “Es un privilegio compartir escenario con artistas nacionales e internacionales de gran nivel y llevar este espectáculo a lugares donde pocas veces se vive algo así”, señaló Schuster. “Cantar en este show es también una forma de agradecer y devolver a la gente todo el cariño que me ha entregado a lo largo de mi carrera”, agregó.

El espectáculo cuenta además con la participación especial del astrónomo José Maza, quien, como un guía del espacio, explica de manera cercana los secretos del universo y las claves para comprender la fragilidad de la Tierra. Su intervención conecta el asombro del público con la reflexión científica.

El relato, inspirado en las enseñanzas del propio Maza, sigue la travesía de los protagonistas por distintos mundos sostenibles. Durante el viaje se enfrentan al Monstruo Basura, un personaje que representa la contaminación y que, tras descubrir la belleza de la naturaleza, logra transformarse y devolver la esperanza al planeta.

El argumento de “Circo Kósmico”, basado en ideas de Maza, narra la travesía espacial de Celeste y Jumbito, guiados por Astro (Schuster), quienes emprenden una misión para salvar un planeta en peligro. Durante su viaje visitan distintos mundos sostenibles y aprenden sobre el cuidado del medioambiente. El relato incorpora al personaje Monstruo Basura, que representa la contaminación y se transforma al descubrir la importancia de proteger la naturaleza.

Más de 30 artistas dan vida a un montaje que invita a mirar el cosmos y a reflexionar sobre el cuidado del planeta. Foto gentileza Circo Jumbo.

El espectáculo busca generar conciencia ambiental a través del arte, destacando acciones cotidianas como ahorrar agua, reciclar, proteger la naturaleza y reducir la contaminación.

La producción artística está a cargo de un equipo creativo canadiense, con destacados profesionales del mundo del espectáculo internacional. Entre ellos se cuentan Paul Bisson, cantante y compositor con experiencia en “Notre-Dame de Paris” y el Cirque du Soleil; James Lavoie, diseñador de vestuario y escenografía; Marlise McCormick, directora y coreógrafa; y Robert Massicotte, diseñador de escenografía con más de 30 años de trayectoria.

“Este año queremos sorprender y emocionar con una propuesta que entretiene e inspira una reflexión sobre cómo, a través de acciones simples, podemos cuidar el medioambiente y construir un futuro mejor para todos”, afirma Luiz de Rizzo, gerente de Marketing de supermercados Cencosud, uno de los patrocinadores de estas presentaciones.

Con funciones que ya han reunido a miles de personas en distintas regiones, “Circo Kósmico” se consolida como una experiencia familiar que invita a descubrir el universo y, desde allí, a mirar con nuevos ojos el planeta.

“Circo Kósmico” es un espectáculo para compartir en familia que combina divulgación científica con lenguaje circense. Foto: Ann Kathrin Bocks. Gentileza Circo Jumbo.

La gira nacional continuará en las siguientes fechas y lugares:

Valparaíso – Parque Cultural de Valparaíso: sábado 1 de noviembre / 15:30 hrs

Valdivia – Gimnasio Azurmendy: martes 4 de noviembre / 17:30 hrs

Osorno – Coliseo María Gallardo: jueves 6 de noviembre / 15:30 hrs

Puerto Montt – Arena Puerto Montt: viernes 7 de noviembre / 15:00 hrs

Temuco – Gimnasio UFRO: domingo 9 de noviembre / 12:30 hrs

Concepción – Gimnasio Municipal: martes 11 de noviembre / 17:30 hrs

Iquique – Casa del Deportista: viernes 14 de noviembre / 15:30 hrs

Arica – Gimnasio Pedro Lagos: domingo 16 de noviembre / 17:30 hrs

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El “brunch” anual de recaudación de fondos incluirá una subasta silenciosa, bebidas temáticas y shows. Foto gentileza FoAT.

Enmarcado en la celebración del Día de los Muertos, el domingo 2 de noviembre, de 12:00 a 16:00 horas, la organización Friends of Argentine Tango (FoAT) realizará su tradicional “brunch” anual de recaudación de fondos. El encuentro será en el emblemático restaurante Chez Josephine, ubicado en el corazón de Midtown Manhattan.

El evento combinará arte, gastronomía y solidaridad en una jornada dedicada a apoyar los programas gratuitos de danza que la fundación impulsa en Nueva York.

El encuentro ofrecerá una comida de tres tiempos, música en vivo a cargo del pianista y compositor Emiliano Messiez, nominado al Latin Grammy, y presentaciones especiales de docentes y artistas vinculados a FoAT. La propuesta incluirá también una subasta silenciosa, bebidas temáticas y la posibilidad de conversar con los fundadores de FoAT, Walter Pérez y Leonardo Sardella, junto al equipo docente que lidera las actividades de la institución.

El valor del boleto es de 100 dólares y todos los fondos recaudados se destinarán a los programas de danza social latina y ejercicio adaptado que Friends of Argentine Tango desarrolla en centros de adultos mayores y comunidades de la ciudad.

Desde su creación en 2013, Friends of Argentine Tango trabaja para acercar los beneficios físicos, emocionales y sociales del tango y de otras danzas sociales latinas a las personas que, de otra manera, no tendrían acceso a ellas. Sus actividades están dirigidas a adultos mayores, niños y personas con condiciones crónicas (Parkinson, Alzheimer y otros transtornos) o discapacidades, promoviendo el bienestar integral a través del movimiento, la música y la conexión humana.

Durante el último año, FoAT ha expandido su alcance con nuevos programas gratuitos en distintos centros de la ciudad y ha completado su primer taller de certificación en AdapTango Fundamentals, una iniciativa pionera orientada a la enseñanza del tango adaptado para adultos mayores y personas con condiciones neurodegenerativas. Este logro consolida el trabajo interdisciplinario de la fundación, que combina arte, ciencia y salud comunitaria.

Los fundadores de Friends of Argentine Tango, Leonardo Sardella y Walter Pérez lideran cerca de 17 clases semanales para adultos mayores. Foto gentileza FoAT.

La filosofía de Friends of Argentine Tango parte de la idea de que el tango es una práctica inclusiva y multigeneracional, capaz de derribar barreras de edad, género o capacidad física. En sus clases y encuentros, la danza se entiende como un espacio de respeto, comunicación y expresión, donde el abrazo y la música se convierten en herramientas de encuentro y sanación. La Fundación ofrece 17 clases semanales
en los cuatro distritos de Nueva York: Manhattan, Queens, Brooklyn y Bronx.

El lugar elegido para la gala, Chez Josephine, es un clásico de la escena cultural neoyorquina. Fundado en 1986 por Jean-Claude Baker como homenaje a la legendaria artista Josephine Baker, el restaurante recrea el espíritu parisino de los años treinta, con música en vivo y una atmósfera íntima que invita a celebrar la vida con arte y alegría.

El “brunch” anual de FoAT busca no solo recaudar fondos, sino también generar conciencia sobre el valor del movimiento y la danza como formas de bienestar social. Cada paso en la pista, cada abrazo y cada nota musical reflejan la misión de la organización: construir comunidad, promover la inclusión y mantener viva la tradición del tango como un lenguaje universal.

Informes

Las reservas y donaciones pueden realizarse a través de
www.friendsofargentinetango.org
Por correo electrónico a info@friendsofargentinetango.org.

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“Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7 de septiembre. Foto: Gerardo Castillo.

La danza es un arte para todos, más cuando a través de esta disciplina artística se abordan temas cruciales que tocan el corazón del espectador, reflexiona la bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia quien, convencida del poder social de esta expresión corporal, se postuló para ser parte de la programación del programa Escenarios IMSS-Cultura, logrando su objetivo.

Será durante el mes de septiembre cuando la destacada artista escénica ofrecerá seis funciones gratuitas de su obra “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) en el Teatro Legaria los días 5, 6 y 7, y en el Teatro Tepeyac el 16 y 17, ambos recintos emblemáticos de toda la red Teatral del IMSS en el país.

Para Villaurrutia, ser parte de este programa es un honor, ya que son muchos los artistas escénicos que se postulan debido a los alcances sociales que tiene: “Haber sido aceptada representa un logro para mí como artista. Estoy agradecida con el IMSS por permitirme llegar a otras poblaciones con estas flores blancas que están renaciendo para seguir sanando a más gente”.

Cabe destacar que Escenarios IMSS-Cultura es un proyecto que busca difundir expresiones artísticas, garantizando que más personas puedan acceder a actividades culturales de calidad. Es impulsado por el Instituto Mexicano del Seguro Social (IMSS) y la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, a través del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

Bailarina y coreógrafa mexicana Paula Villaurrutia. Foto: Liliana Velazquez

Las expectativas que tiene la bailarina con estas funciones son grandes, ya que está convenida que la danza, al igual que todas las artes escénicas, tiene el poder de conectar con cualquier espectador que tenga la posibilidad de ocupar una butaca: “A mí me cambió la vida ir a un teatro; gracias a mis papás que me llevaron al teatro fue que descubrí la danza, la magia del arte escénico. En ese sentido, quiero compartir con la gente esa magia que se vive en el teatro, que experimente desde la butaca desde que se abre el telón. Mi arte jamás lo he hecho con un afán clasista. Todo lo contrario, el arte es para todos”.

Para estar a la altura del programa Escenarios IMSS-Cultura, Villaurrutia -quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores-, eligió su coreografía “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede) porque es una de las obras que más satisfacciones le ha dado en la escena mexicana; desde su estreno en 2018, se ha presentado en los principales escenarios de nuestro país como la Sala Miguel Covarrubias de la UNAM, el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque del Inbal y el Centro Nacional de las Artes, entre otros.

Se trata de un unipersonal que nace desde la danza tradicional con una mirada y tratamiento contemporáneo para abordar los conflictos surgidos entre una mente y cuerpo alterados por estados de ansiedad, estrés y/o depresión, que hacen referencia al padecimiento que, entre las culturas indígenas, es conocido como “Tiricia” (enfermedad del alma).

La pieza está basada en los textos “La Tiricia” de Rubén Luengas y “Trenzaré mi tristeza” de Paola Klug, así como en diferentes géneros musicales tradicionales de México (como el son jarocho, huasteco, arribeño y la chilena). Se cuenta que las personas que tienen la enfermedad de la tiricia no pueden llorar, se les va el hambre y suelen tener pesadillas. Entre sus remedios se encuentran el ir a recoger flores blancas y tirarlas a un río para que este se lleve la tristeza.

Al preguntarle a la creadora cuál es el simbolismo de elegir esta pieza para los teatros del IMSS explica: “’Flores blancas’ es una obra que quiero mucho. Desde su estreno, la gente ha conectado con ella porque todos hemos enfrentado enfermedades del alma, como la depresión y la ansiedad. Me entusiasma poder brindar una obra que plantea la esperanza del renacer y el mensaje de que sí se puede salir adelante. Es una visión muy humana que conecta. Quiero que mi obra tenga esta utilidad, de tocar almas, de tocar corazones. Estoy convencida que hay piezas que curan el alma. Creo en el poder sanador de las artes, de la danza y he tratado de brindar con mi arte momentos de liberación, de catarsis, de experiencias sensitivas”.

Finalmente, Villaurrutia reiteró su agradecimiento a Escenarios IMSS-Cultura porque le permite seguir cumpliendo su sueño de girar esta coreografía y llegar a más espectadores.

FUNCIONES “Flores blancas” (Cuando llorar no se puede)

Teatro Legaria
Viernes 5 de septiembre, 18:00 horas; sábado 6 y domingo 7 de septiembre, 13:00 horas.
(Calzada Legaria esquina Lago Gran oso, colonia Pensil, alcaldía Miguel Hidalgo)

Teatro Tepeyac
Martes 16 de septiembre, 10:00 horas; miércoles 17 de septiembre, 10:00 y 16:00 horas.
(Calzada de Guadalupe 497, colonia Estrella, alcaldía Gustavo A. Madero)

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Coreógrafos y bailarines que participan en la gala de los cien años de los elencos estables del Teatro Colón. Foto gentileza BNC.

La cita es esta noche a las 20:00 horas, en la sala mayor del Teatro Colón. Una celebración que honra la jerarquía de este teatro fundado en 1908. Ahora, los elencos estables, el Ballet, el Coro y la Orquesta celebran sus 100 años con una gala que convoca bailarines argentinos destacados en el exterior y figuras internacionales. La función, única, contará también con la participación de la Orquesta Estable y el Coro Estable del Teatro, con la dirección musical de Manuel Coves y Beatrice Venezi. Entradas agotadas para un programa mixto que incluye clásicos y contemporáneos.

En la primera parte, se realizará un desfile con alumnos de la carrera de danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón y luego, una serie de pas de deux y escenas de los grandes clásicos. Así desfilarán fragmentos de “Paquita”, “La Sylphide”, “Gopak”, “El lago de los cisnes”, “Tchaikovsky Pas de Deux”, “Diamonds”, “El adagio de la rosa”, “Carmen” y “Carmina Burana”. La segunda parte está reservada en gran parte a creaciones contemporáneas como “Chacona”, “Romance del Diablo”, “From Earth”, “After the Rain”, mientras que el cierre será con “Don Quijote”.

Herman Cornejo, del ABT y Tiler Peck, del NYCB, presentan “Tchaikovski pas de deux” (1960) de George Balanchine. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Entre los artistas argentinos invitados figuran Marianela Núñez (The Royal Ballet), María Celeste Losa (Teatro alla Scala), Herman Cornejo (American Ballet Theatre), Ludmila Pagliero (Opéra National de Paris) y Sergio Neglia (Neglia Ballet Artists), entre otros. También se presentarán Nicola Del Freo (Teatro alla Scala), Tiler Peck (New York City Ballet) y Viengsay Valdés (Ballet Nacional de Cuba).

Valdés, directora general del Ballet Nacional de Cuba, interpretará escenas de “Carmen”, con coreografía de Alberto Alonso, junto al argentino Emmanuel Vázquez, primer bailarín del Ballet Municipal de Santiago de Chile.

Viengsay Valdés, directora del Ballet Nacional de Cuba, interpretará un fragmento de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: Nancy Reyes. Gentileza BNC.

El programa incluye además la participación de Daniel Proietto (Know Nation), María Eva Prediger (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín) y Rodrigo Colomba (Ballet Folklórico Nacional), junto con los integrantes del Ballet Estable del Teatro Colón.

Desde su fundación oficial en 1925, el Ballet Estable se consolidó como un eje central en la vida artística del Colón. Su primer director fue el coreógrafo ruso Adolph Bolm, y por su historia pasaron figuras como Michel Fokine, Bronislava Nijinska, George Balanchine, Leonide Massine, William Dollar, Anthony Tudor, Jack Carter, Rudolf Nureyev, Pierre Lacotte y Natalia Makarova.

La cubana Alicia Alonso montó su versión de Giselle en 1958, y entre 2001 y 2004, Martha García asumió la dirección de la compañía y creó el ballet “Lady Caroline”.

El Teatro, a su vez publicó el libro “Cien años de los Elencos Estables del Teatro Colón”, una edición conmemorativa que reúne la historia del Ballet, el Coro y la Orquesta, y es un homenaje a las generaciones de artistas que construyeron el legado artístico de la institución.

Programa

PARTE I

Marianela Núñez, del Royal Ballet de Londres, bailará “Cenicienta” en la version de Mario Galizi. Foto. Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Desfile
Alumnos de la Carrera de Danza del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón.
Música: Mijaíl Glinka, Polonesa del Acto II de Una vida por el zar.
Dirección musical: Beatrice Venezi

Paquita
Mazurca
Cuerpo de baile masculino del Ballet Estable
Coreografía: Luis Ortigoza según Marius Petipa (2010)
Música: Édouard Deldevez y Ludwig Minkus
Dirección musical: Beatrice Venezi
Arreglos musicales: Albena Dobreva
Diseño de iluminación: Rubén Conde

Gopak
Intérprete: Ciro Tamayo
Coreografía: Ciro Tamayo según Rostislav Zakharov
Música: Vasili Soloviov-Sedoi
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Irma Motta y Rosario Acuña

La Sylphide (1836)
Acto II. Pas de deux
Intérpretes: Wilma Giglio y Facundo Luqui
Coreografía: August Bournonville
Música: Herman Severin Løvenskiold
Dirección musical: Manuel Coves

El lago de los cisnes (1877)
Fragmentos del Acto II
Pas de deux: Luana Brunetti Mattion y Federico Fernández
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Producción del Teatro Colón

Chaikovski pas de deux (1960)
Intérpretes: Tiler Peck y Herman Cornejo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Manuel Coves
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

Carmen (1967)
Fragmentos
Intérpretes: Viengsay Valdés y Emmanuel Vázquez
Coreografía: Alberto Alonso
Música: Rodion Shchedrin sobre Carmen de Georges Bizet
Diseño de escenografía y vestuario: Salvador Fernández
Dirección musical: Manuel Coves

Jewels: Diamonds (1967)
Dúo: María Celeste Losa y Nicola Del Freo
Coreografía: George Balanchine
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario: Barbara Karinska
Diseño de iluminación: Ronald Bates

La bella durmiente (1890)
Entrada de Aurora y Adagio de la rosa
Aurora: Marianela Núñez. Reina: Silvia Bazilis. Rey: Raúl Candal.
Príncipes: Vagram Ambartsoumian, Edgardo Trabalón, Alejandro Parente, Jorge Amarante y Julián Galván
Coreografía: Mario Galizzi
Música: Piotr I. Chaikovski
Dirección musical: Beatrice Venezi
Vestuario de reyes y príncipes: Gino Bogani
Producción del Teatro Colón

Carmina Burana (1998)
Fortuna Imperatrix Mundi
Cuerpo del baile y solistas del Ballet Estable. Coro Estable.
Coreografía: Mauricio Wainrot
Música: Carl Orff (1895-1982)
Dirección musical: Beatrice Venezi
Asistente coreográfico: Alexis Mirenda
Producción del Teatro Colón

PARTE II

Romance del diablo (2001)
Intérpretes: María Eva Prediger y Rodrigo Colomba
Coreografía: Ana María Stekelman
Música: Ástor Piazzolla
Dirección musical: Beatrice Venezi
Músico invitado: Pablo Mainetti, bandoneón
Maestra repositora: Cecilia Figaredo

Chacona (2010)
Fragmento
Cuerpo de baile del Ballet Estable
Coreografía: Goyo Montero
Música: Johann S. Bach
Maestros repositores: Carlos Lázaro y François Petit
Diseño de iluminación: Goyo Montero y Nicolás Fischtel
Diseño de vestuario: Verena Hemmerlein y Goyo Montero
Supervisión general: Carlos Iturrioz
Grabación interpretada por Miguel de Olaso (guitarra), Rafael Marrero (violín) y Fernanda Morello (piano)

…and Carolyn (2008)
Intérpretes: Ludmila Pagliero y Daniel Proietto
Coreografía: Alan Lucien Øyen
Música: Thomas Newman para American Beauty

From Earth (2014)
Intérpretes: Sergio Neglia y Emily Bromberg
Coreografía: Viktor Plotnikov
Música: Wolfgang Mozart, Concierto para piano n.º 23 en la mayor, K. 488
Dirección musical: Beatrice Venezi
Piano: Iván Rutkauskas
Diseño de iluminación: Dyan Burlingame
Diseño de vestuario: Viktor Plotnikov

Partita
ESTRENO MUNDIAL
Coreografía: Oscar Araiz
Música: Lukas Foss. Phorion (Variación sobre el Preludio de la Partita en mi mayor para violín solo, BWV 1006 de J. S. Bach)
Diseño de iluminación: Oscar Araiz
Asistente: Yamil Ostrovsky
Diseño de vestuario: Martina Nosetto

After the rain (2005)
Dúo: Natalia Pelayo y Matías Santos
Coreografía: Christopher Wheeldon
Música: Arvo Pärt. Spiegel im Spiegel
Violín: Freddy Varela Montero
Piano: Iván Rutkauskas
Maestro repositor: Jason Fowler
Diseño de vestuario: Holly Hynes
Diseño de iluminación: Mark Stanley

Video conmemorativo del primer centenario del Ballet Estable del Teatro Colón

Don Quijote (2014)
Fragmentos
Seguidilla: David Gómez, Emiliano Falcone, Sebastián Bustos, Juan Luis Fernández, Lautaro Bisognio, Luciano García, Yosmer Carreño, Martín Vedia, Yoshino Horita, Txaro Manen, Caterina Stutz, Sofía Di Núbila, Stephanie Kessel, Laura Domingo, Magdalena Cortés y Sofía Ramela. Toreros: Alan Pereyra, Antonio Leborans, Gerardo Wyss, David Juárez, Paulo Marcilio, Fernando González, Francisco Rojas y Franco Noriega. Acompañantes: Analía Sosa Guerrero, Marisol López Prieto, Florencia Albareti, Iara Fassi, Constanza Colombo, Cecilia Lucero, Oana Hutusoru y Rocío Prina. Grand Pas: Luisina Rodríguez, Julieta Urmenyi, Selena Briso, Mora Capasso, Elena Duarte y Romina G. Vázquez. Amigas: Victoria Wolf y Beatriz Boos. Torero: Lucas Matzkin. Mercedes: Milagros Niveyro. Gitano: Valentín Batista. Gitana: Maricel De Mitri. Kitri: Ayelén Sánchez, Camila Bocca y Rocío Agüero. Basilio: Juan Pablo Ledo y Jiva Velázquez

Coreografía: Silvia Bazilis y Raúl Candal
Música: Ludwig Minkus
Dirección musical: Manuel Coves
Maestra repositora:  Lorena Fernández Sáez
Diseño de escenografía y vestuario: Hugo Millán
Diseño de iluminación: Pablo Pulido
Producción de escenografía y vestuario: Ballet Nacional Sodre (Uruguay)

Lidya Romero en una función que busca mostrar parte de su legado artístico. Foto: Emanuel Adamez. Gentileza INBAL.

Ha sido testigo de momentos cruciales en la historia de la danza nacional, pero también, de hechos que han marcado el rumbo del país, los cuales ha sabido plasmar en su quehacer como creadora escénica desde hace medio siglo. Por ello, la bailarina, coreógrafa y maestra Lidya Romero celebrará en grande su paso por este arte a través de una función inolvidable que busca mostrar una parte de su legado artístico.

Será el máximo recinto cultural de México, el Palacio de Bellas Artes, el que abra sus puertas a la maestra Romero y a su compañía El Cuerpo Mutable/teatro de movimiento el próximo sábado 19 de julio, a las 19:00 horas. Una noche donde la creadora celebrará su trayectoria con el estreno de dos coreografías de su autoría que refrendan su estilo dancístico: “Luna de Shanhai” y “Libre pastoreo”.

La función se realizará en el marco de la temporada “Diversas danzas, diversos cuerpos”, organizada por la Coordinación Nacional de Danza del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (Inbal).

El nombre de la maestra Romero es una referencia obligada para entender el movimiento dancístico de México. Con su compañía como aliada, la bailarina ha logrado mantenerse única y vigente por su capacidad de transformación y adaptabilidad; cualidades que ha demostrado en sus más de setenta obras e intervenciones en el espacio público.

Quien ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en diferentes ocasiones, hace una introspección sobre lo que ha significado mantenerse en el panorama cultural: “Han pasado más de seis sexenios y como creadora me ha tocado vivir la alternancia en el poder, los cambios de política cultural, así como diferentes visiones sobre la cultura y el arte. Desde mi perspectiva puedo decir que la producción artística es una actividad humana esencial, que se ha plasmado a lo largo de la historia desde la cueva de Lascaux, las pirámides y las catedrales góticas, porque el arte nos hace más humanos y por ello el arte es imprescindible”.

El Cuerpo Mutable/teatro de movimiento se presenta en el ciclo “Diversas danzas, diversos cuerpos”. Foto: Octavio Amador. Gentileza INBAL.

La reconocida bailarina y coreógrafa –ganadora de la Medalla de Bellas Artes por 25 años de su compañía, el Premio José Limón, el Premio Guillermina Bravo y la Medalla Una Vida en la Danza–, está convencida de que su danza es un oficio que se ha refinado con el hacer en el tiempo.

“El virtuosismo y la maestría se adquieren a través de experimentar con la materia de la danza; con distintos conceptos, técnicas y aproximaciones, así como de la observación y la reflexión. La danza se piensa, es una actividad inteligente que tiene mucho de intuición. Lo que en la juventud es un despliegue y derroche de fisicalidad y energía, se va depurando para dar paso a gestos y acciones esenciales cargadas de sentido”, afirmó.

Los estrenos

Para esta gran celebración, la maestra Romero eligió dos de sus nuevas creaciones: “Luna de Shanhai” y “Libre pastoreo”, propuestas que, si bien son disímiles entre sí, tienen algo en común que tocará los sentidos del público.

“En medio de la prisa, la inmediatez, el imperio de las redes sociales, el tráfico y Trump… (como bien lo reflexiona Byung Chul Han), somos seres agotados por esta modernidad tardía y avasallados por la autoexplotación. Así que, como contrapartida, yo propongo con estas dos obras la calma, la tranquilidad del slow art; sugiero detenernos a contemplar para que las obras se desplieguen y se propicie el espacio para el diálogo sensible con el espectador”, explicó.

“Luna de Shanghai”, surge de la fascinación que ha demostrado la coreógrafa por el “exotismo del lejano oriente”, un tema que ha trabajado desde el año 2000. Se trata de una narración cinematográfica (donde los sucesos no respetan la linealidad) con imágenes evocadoras que, de manera abstracta con un dejo de melancolía, sugieren relaciones y desencuentros, eventos afortunados, intriga, decadencia y erotismo. Aparecen personajes decadentes, outsiders o transgresores que hurgan en las profundidades de la condición humana.

Cabe destacar que esta coreografía forma parte de “Chinoiserie”, un proyecto concebido como una hexalogía que se compone de tres obras de mediano formato y tres unipersonales. Esta idea fue tomando forma desde hace muchos años, guiada por la fascinación personal de la maestra Romero por el lejano oriente: “Las culturas china y japonesa me atraen por su refinamiento, su historia y su producción artística”.

En lo que respecta a “Libre pastoreo”, la propuesta surge del deseo de compartir el escenario y homenajear a amigos y colegas de la maestra Romero que -como ella-, han dedicado su vida a este fantástico e inagotable oficio. A decir de su creadora, esta pieza es un guiño, una provocación. Las grandes leyendas que se reencontrarán esa noche en el Palacio de Bellas para disfrutar del gesto mínimo y la complicidad son María Elena Anaya, Mirta Blostein, Miguel Ángel Palmeros, Elisa Rodríguez, Orlando Scheker y Coral Zayas.

Martín Maldonado y Maurizio Ghella, dos figuras de la escena internacional del tango residentes en Viena, Austria. Foto gentileza M&M.

El domingo 29 de junio, los tangueros del área metropolitana de Washington, D.C., tienen una cita imperdible con la danza, la música y la solidaridad. De 2 a 7 de la tarde, el histórico salón Colvin Run Dance Hall, en Great Falls, Virginia, será escenario de un evento especial a beneficio de la Argentine Tango Society of Greater Washington (ATSGW). Esta organización sin fines de lucro, fundada en 2023 por Yolanda Romero Hume, ofrece apoyo a los artistas de tango argentino en su tránsito por Estados Unidos.

“Bailar tango fue siempre un sueño para mí, algo que postergué durante años -comentó Yolanda Romero Hume-. Empecé a bailar en 2007 con mi esposo y mi hija, Cassandra, y el tango nos cambió la vida. En 2012 comencé a hospedar en mi casa a artistas que venían desde Argentina, y desde entonces acompañé a casi 40 maestros en sus giras por Estados Unidos. En 2023 sentí que era necesario formalizar ese esfuerzo y así nació la Sociedad, que hoy funciona como una red de apoyo concreta para quienes trabajan por el tango desde la raíz”.

Bajo el lema: Dress to Impress: Summer Flowers, la milonga, además de danza de principio a fin, también trae sorpresas. Este año, ATSGW lanza una rifa que consiste en clases privadas con reconocidos maestros. La jornada empezará con una clase de milonga a cargo de Marcelo “Chino” Gutiérrez, y luego, continuará la milonga, con musicalización de la reconocida DJ Corina.

Los bailarines argentinos Martín Maldonado y Maurizio Ghella, dos figuras de la escena internacional del tango, quienes colaboran con la ATSGW desde sus comienzos, serán los protagonistas de la jornada con una presentación escénica al caer la tarde. Ambos llegaron por primera vez a la costa este para participar en el Baltimore Tango Festival, y desde entonces, el área metropolitana de Washington DC se ha convertido en una cita habitual para ellos.

“Estados Unidos tiene una sociología muy distinta a Europa -remarcó Maldonado-, pero desde la primera vez que vinimos, en 2010, vimos un entusiasmo auténtico. La gente acá se conecta con el tango más allá de los estilos o las modas. Hay deseo de aprender y se vuelve contagioso”.

Maurizio Ghella Yolanda Romero Hume y Martín Maldonado. Foto gentileza ATSGW.

Según Ghella, el tango argentino genera una mezcla de introspección intelectual y anímica. “La gente se encuentra con las emociones que, sin darse cuenta, se convierte en es una suerte de introspección y de comunicación con uno mismo. Empecé a bailar tango en 1996 y todavía estoy aprendiendo. La comunicación y la escucha es algo es algo particular del tango que te obliga a estar atento”.

La ATSGW facilita el acceso a maestros de tango argentino en festivales, talleres, clases comunitarias locales y clases privadas, brindando una residencia desde donde pueden desarrollar su trabajo tanto en DC como en muchas otras comunidades tangueras de la costa este.

Todo lo recaudado en este encuentro se destinará a sostener la misión de la Sociedad: ofrecer residencias y ayudar en el proceso de obtención de visas a los bailarines de tango que viajen a los Estados Unidos. “Los bailarines que vienen a este país a hacer sus presentaciones, sin duda, colaboran a difundir el tango argentino y abren un camino para fortalecer los lazos entre los artistas de tango y la comunidad local”, afirmó Romero Hume.

Una tarde para celebrar el tango en todas sus dimensiones: la artística, la comunitaria y la humana. Vestirse de flores, abrazarse al compás de una milonga y apoyar un proyecto que hace del tango una verdadera forma de encuentro.

INFORMACIÓN DEL EVENTO

Evento a beneficio de la Argentine Tango Society of Greater Washington
Cuándo:
Domingo 29 de junio, de 2 a 7 PM

Dónde:
Colvin Run Dance Hall:  Colvin Run Rd, Great Falls, VA
Entrada: $25 (solo efectivo en puerta)

Programa
Clase de milonga a las 2 pm – Marcelo Gutiérrez
Milonga: DJ Corina
Show: Martín Maldonado & Maurizio Ghella
Rifa: Clases privadas con reconocidos maestros

Vestuario sugerido: Summer Flowers

Donaciones: info.atsgw@gmail.com (vía Paypal)

Global Water Dances en Sunshine Coast, BC, Canadá. Foto gentileza GWD.

Una cita inevitable, casi obligatoria. Para bailarines y no bailarines. El día: 14 de junio. En más de 100 lugares de seis continentes, sus habitantes se unirán a través de la danza para honrar, proteger y alzar la voz por uno de los recursos más vitales de la Tierra: el agua. Desde las grandes ciudades hasta las aldeas remotas, Global Water Dances (GWD) convoca a este evento internacional donde artistas, científicos, jóvenes, ancianos y activistas unen fuerzas para defender el derecho de acceso al agua limpia.

Según datos de la UNESCO, World Water Assessment Programme, solo el 2,5 % del agua en la Tierra es dulce, y menos del 1 % está disponible para consumo humano; el resto está en glaciares o aguas subterráneas profundas. La información de los organismos internacionales especializados sigue siendo alarmante. De acuerdo con un informe de 2023 de la Organización Mundial de la Salud (OMS), más de 2.200 millones de personas en el mundo carecen de acceso al agua potable segura. Por otra parte, en un informe conjunto entre UNICEF y la OMS, más de 500.000 niños menores de 5 años mueren en el mundo debido a enfermedades relacionadas con el agua contaminada, como diarrea o cólera. El cambio climático intensifica sequías, reduce la disponibilidad de agua dulce y aumenta la contaminación de fuentes hídricas por fenómenos extremos como inundaciones.

Global Water Dances parte de la premisa de que tanto el agua como el movimiento son fuerzas que conectan el mundo. Utilizar el arte como eje para transformar la conciencia en acción a nivel local y global es parte del propósito de este evento.

Desde sus comienzos en 2008, en la conferencia sobre Danza y Medio Ambiente en Schumacher College, en Inglaterra, Global Water Dances promueve la unidad y la conexión a través del movimiento. El primer evento se realizó en junio de 2011, cuando 57 localidades se unieron en un movimiento global de 24 horas alrededor del mundo.

Todo comenzó como una idea colectiva de un grupo internacional certificado por el Laban/Bartenieff Institute of Movement Studies (LIMS), con décadas de experiencia en la producción de Coros de Movimiento. Es decir, en eventos que utilizan la danza comunitaria para crear cohesión social a través de la comunicación no verbal. El grupo original incluye a Karen Bradley, Richard Bell, John Chanik, Gretchen Dunn, Martha Eddy, Ellen Goldman, Marylee Hardenbergh, Antja Kennedy, Tara Stepenburg, Simone Hoever y Daniela Schlemm.

Cada evento comparte una estructura en la que los bailarines de todo el mundo interpretan los mismos movimientos con la misma música, el mismo día, en lugares cercanos a cuerpos de agua, desde playas oceánicas hasta las fuentes en plazas. Esto crea una experiencia global unificada que trasciende el idioma y envía un mensaje sincronizado de urgencia y esperanza.

Activistas en el encuentro en Morelos, México, 2015, en defensa del acceso al agua limpia. Foto gentileza GWD.

“Nosotros trabajamos sobre la conexión entre el cuerpo y el planeta —dijo la directora artística de GWD, Vannia Ibarguen—. El arte y la acción, lo local y lo global. La danza nos ayuda a contar la historia del agua de formas que la gente puede sentir y recordar. Ahora más que nunca, necesitamos que los artistas cuenten historias que inspiren a las personas a actuar”.

Global Water Dances moviliza a los creadores o intérpretes como líderes en la conversación sobre la protección del agua, empoderándolos como catalizadores del cambio. Los coreógrafos inician colaboraciones con grupos comunitarios, líderes indígenas, científicos, jóvenes y organizaciones medioambientales para crear eventos impactantes que trascienden el día de la presentación e inspiran una defensa continua, educación y colaboración en las comunidades que tocan.

Desde su lanzamiento, Global Water Dances ha organizado y promovido este evento gratuito y abierto al público que se realiza cada dos años. También se graban y transmiten en vivo para aumentar su visibilidad y hacer posible que cualquier persona, en cualquier parte del mundo, pueda presenciar y participar de este encuentro que involucra a todos.

La participación en Global Water Dances está abierta a cualquier persona que ame moverse. Su misión es conectar y apoyar a una comunidad global de coreógrafos y bailarines para inspirar la acción y la colaboración internacional en torno a los problemas del agua, a través del lenguaje universal de la danza.

De esta forma, Global Water Dances se convierte en una plataforma eficaz de incidencia, educación y empoderamiento, que impacta a miles de personas y recuerda que el agua es vida y que el arte puede movernos a la acción.

Información:

Fecha del evento: 14 de junio de 2025
Lugar donde se realiza. Mapa interactivo: https://globalwaterdances.org/international-event/#participation-map
Conocé más, encontrá una sede cercana o registrate para organizar un evento: https://globalwaterdances.org/
Explorá el proyecto hermano Water is Love, un viaje cinematográfico que complementa la narración en vivo y localizada de GWD: https://www.waterislovefilm.org/
Web: globalwaterdances.org
Instagram: instagram.com/gwdances
Facebook: facebook.com/globalwaterdances

“Frenkeltronic (la performance)”, es una creación del músico y performer Diego Frenkel que se presenta en el Centro Cultural Borges. Foto gentileza CCB.

Una propuesta que funde los límites entre los diferentes lenguajes que aborda el arte en general, y que a su vez apuesta por el cruce interdisciplinario. “Frenkeltronic (la performance)”, es una creación del músico y performer Diego Frenkel que se presenta en el Centro Cultural Borges.

Con entrada gratuita y funciones los días 22, 23, 29 y 30 de mayo a las 20 hs, la obra se inscribe en una línea de pensamiento escénico contemporáneo que no busca ilustrar la música a través del cuerpo, sino producir un verdadero encuentro entre disciplinas.

Doxa Morfa y Andrea Pollini son las bailarinas-performers de este espectáculo, con coreografía de Josefina Gorostiza, Carla Rímola, Victoria Delfino y el propio Frenkel.

Según Frenkel, para crear esta obra se propuso concebirla como un alter ego. No buscó hacer un álbum de su autoría, sino más bien uno creado por un alias.

La puesta en escena y el diseño de luces están a cargo de Matías Sendón, mientras que Diego Frenkel se encarga también de la dirección general, además de intervenir en vivo con teclados, voz y presencia escénica. Completan el equipo artístico-técnico Martín Paladino en la producción general.

Frenkel convocó a Josefina Gorostiza después de ver su obra “Coreomanía: No Puedo Parar”, una obra que lo volvió a conectar con un sentido y esencia de la danza que hacía mucho tiempo no experimentaba, y que además, estaba directamente relacionada con la caída de la cuarta pared y la posibilidad de fusionar y mezclar.

Frenkel es cantante, músico y compositor, lideró el grupo de pop-rock La Portuaria, con el que desarrolló un sonido de fusión, en el que incorporó ritmos latinos sobre una base con influencias del jazz y el R&B. El grupo editó más de diez álbumes y tuvo gran presencia en la escena musical argentina en los años 90′. Frenkel formó también la banda Bel Mondo y actualmente despliega su proyecto solista con varios discos editados como “Diego Frenkel”, “El día después”, “Música para bebés”, “Célula” y “Medusas”.

En 2019 Frenkel editó “Frenkeltronic”, primer álbum de música electrónica con diez canciones. El proyecto se completa con esta presentación en vivo. Esta fusión de danza y música que provoca un efecto especial en el cuerpo del espectador y lo incita a la contemplación introspectiva o al movimiento rítmico de su cuerpo.

“Mi objetivo principal era crear un disco puramente electrónico después de muchos años de discos y canciones basadas principalmente en la guitarra -confesó Frenkelñ-. Al principio, no sabía qué iba a ser exactamente, y terminó siendo un disco principalmente de canciones con bases electrónicas”.

Después, la temática se fue desarrollando. En aquel momento parecía una propuesta futurista, o una observación de una realidad que luego se instaló de manera diferente, a través de un proceso social impactante que se relacionó con la pandemia.

Las funciones se realizan en el Espacio Infinito, segundo piso del Borges (Viamonte 525, CABA). Las entradas se retiran media hora antes de cada función, hasta dos por persona, por orden de llegada. El ingreso a sala es puntual.

“Arquitecturas del derrumbe” del binomio Lesgart-Binetti en el Centro Cultural Borges. Foto gentileza CCB.

El primer viernes de mayo, en el Centro Cultural Borges se presentó por primera vez en escena “Arquitecturas del derrumbe”. Esta obra de danza está basada en las ideas de construcción, demolición, ruina y reconstrucción. La obra toma como punto de partida el primer trabajo en colaboración de Gustavo Lesgart y Quío Binetti, “Notas para la montaña”, en la cual un cuerpo accionador relata un mundo poético a través de la manipulación minuciosa de objetos de uso cotidiano. De esta forma crean diversas configuraciones espaciales y temporales de sofisticado diseño.

Con diseño sonoro de Diego Vainer e iluminación de Paula Fraga la obra continúa el viernes 28 y el sábado 29 de marzo a las 20 horas en el Centro Borges con entrada gratuita. Las entradas se retiran una hora antes de la función en Informes (primer piso) y se entregan hasta dos entradas por persona. El ingreso a la sala es por orden de llegada. Los espectáculos comienzan puntualmente

A partir de “Notas para la montaña”, de sus residuos, de lo remanente surge la pregunta sobre cómo sería volver a un material escénico que tenía sentido hace seis años. O cómo se resignifican las ideas, los afectos que componían aquella obra en este nuevo encuentro. Desde estos y otros interrogante se genera un dispositivo y práctica compartida para poner en movimiento estos asuntos, pararse sobre los escombros de aquel primer recorrido y preguntarse qué viene después del derrumbe.

Lesgart es bailarín, coreógrafo y maestro de danza contemporánea de extensa trayectoria. Cursó estudios de arquitectura antes de dedicarse por completo a la danza, siendo este cruce de imaginarios una fuerte impronta en su carrera.

Binetti es creadora, investigadora y gestora cultural en el sector de la danza y las artes. Indaga sobre materiales situados en la frontera del concepto danza, articulando con otros lenguajes desde una mirada transdisciplinaria.

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