BALLET BOLSHOI
Sencillamente indestructible
Por Martiza Gueler (USA)

Más allá de la crisis posterior a la caída de la Unión Soviética, más allá de las dificultades económicas por las que atravesó la compañía durante la década del ’90, más allá de los cambios de dirección y de la incertidumbre que ello implica, el Ballet Bolshoi sigue siendo uno de los mejores del mundo. Una escuela única e irrepetible, el Bolshoi da cátedra de la mejor danza. Luego de 15 años de ausencia en el área de la Bahía de San Francisco (California) -tiempo excesivo para una región que se precia de promover la danza-, la compañía rusa llegó al escenario del Zellebach Hall de UCBerkeley con uno de los principales títulos del repertorio clásico, "El lago de los cisnes".

La primera versión incompleta de esta obra se presentó en 1877 en el Teatro Bolshoi con Pauline Karpakova en el rol principal. Este fue el primer ballet de la trilogía de clásicos compuesta por Piotr Ilych Tchaikovsky ("Cascanueces", 1892 y "La bella durmiente", 1890). Sin embargo, la obra completa recién se estrenó, con coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov, en 1895 en el Teatro Mariinskii de San Petersburgo. Entonces, la célebre Pierina Legnani fue la protagonista del doble rol de Odette-Odile y Pavel Gerdt fue el príncipe Sigfrido. La obra realizada por la irrebatible dupla Petipa-Ivanov se convirtió inmediatamente en uno de los grandes éxitos del ballet. Diversas modificaciones posteriores, siempre sobre la base de la original de 1895, alzaron vuelo a lo largo de estos dos siglos.

La versión de Yuri Grigorovich, alma máter del Ballet Boshoi durante tres décadas, tuvo sus bemoles y contradicciones ideológicas. Más inclinado a la visión impuesta por Tchaikovsky en su partitura, Grigorovich basó su coreografía en la de Petipa-Alexander Gorsky (1901) y puso un sello trágico al final conciliador de ciertas versiones anteriores. No obstante, el gobierno soviético censuró esa puesta, en busca de una resolución feliz para esta historia que pone en juego el bien y el mal como ejes simbólicos del argumento. Finalmente, el estreno llegó en diciembre de 1969. En los roles principales: Natalia Bessmertnova, Nikolai Fadeyechev y Boris Akimov, actual director artístico de la compañía.

El Ballet Bolshoi recuperó la versión original de Grigorovich. Con una atractiva y moderna puesta en escena, ingenioso vestuario y una armónica combinación de colores propuesta por Simon Virsaladze, la obra lució en todo su esplendor. Excelente desempeño del cuerpo de baile que exhibe, en el primer acto, la destreza de sus integrantes a través de los bailes de salón y "divertissement"que se desarrollan durante la celebración del cumpleaños del príncipe Sigfrido. Cabe destacar el magnífico desempeño, a través de "pirouettes" y saltos acrobáticos a una velocidad sobrehumana -perfectamente a "tempo"- del bufón, Morihiro Ivata. Fantástico en su papel. Por su parte, Elena Andrienko y Marianna Alexandrova, mostraron sutileza y alto nivel interpretativo en el "pas de trois" con el príncipe. María Alexandrova hizo una seductora y atractiva princesa española que intentaba, en vano, seducir al príncipe.

En la escena segunda del primer acto, Sigfrido, seguido por el "Genio maléfico" -nombre con el que Grigorovich bautiza al malvado mago Rothbart de las versiones anteriores-, descubre un misterioso lago donde moran las jóvenes-cisnes. El acto blanco, donde el príncipe descubre a Odette y le promete amor y fidelidad eterna, es una extraordinaria muestra de la perfección que siempre caracterizó al Bolshoi. Su sello indiscutible. El cuerpo de baile es, sencillamente, impecable. Una sola mano, una sola línea, una sola bailarina. Sincronización, perfecta simetría y delicadeza. La serenidad y la precisión con la que el director de orquesta, Alexander Sotnikov, conduce a los músicos de la Berkeley Symphony Orchestra en este acto, es una clase de dirección de orquestal para ballet. Una maravillosa fusión entre la danza y la música.

Espléndida, Nadezhda Gracheva en la temblorosa Odette y su estático abandono de mujer-cisne. Lejos de buscar el efectismo fácil, esta delicada y fina bailarina -de la más pura escuela rusa- hace una conmovedora interpretación y, al mismo tiempo, una magnífica muestra de precisión técnica y sutileza interpretativa. Maravillosos brazos -que por momentos, parecen alas reales- y brillante composición actoral. Su frío y distante personaje de mujer encantada se transforma en malévolo fuego cuando, con su traje negro, entra en el palacio como una seductora y desafiante Odile, en la escena tres del segundo acto. Arrolladora destreza y refinada interpretación en el pas de deux que es la piedra angular para cualquier bailarina.

Por su parte, Andrey Uvarov, como Sigfrido, es un bailarín que se destaca por la facilidad con que realiza sus saltos, la precisión en sus caídas y su excelente desempeño como partenaire. Como bailarín, crece y se reafirma en su papel cuando encuentra a Gracheva. Dmitry Belogolovtsev es un fantástico genio maligno cuyo rol se desarrolla a medida que transcurre la obra.

Si bien la versión de Grigorovich puede tener ciertos aspectos coreográficos y argumentales cuestionables, quizás lo más desconcertante sea el final, donde deja al príncipe solo en su condenado destino de vivir después de haber traicionado su promesa de fidelidad a Odette. En esta síntesis perfecta de danza académica, donde se pone en juego el virtuosismo de los bailarines, se ensambla la poética historia que trasciende el mundo de la fantasía y se introduce en el terreno del mito. Una obra de extraordinaria belleza, que el Ballet Bolshoi se encarga de convertirla en una invalorable joya.

AMERICAN BALLET THEATRE
De Bizet a The Beatles
Por Célida P. Villalón (USA)

Varias novedades anunció el American Ballet Theatre (ABT) para su acostumbrada corta temporada otoñal del City Center. Con cuatro estrenos, dos reposiciones ("Orpheus in the Underworld" y "The Garden of Villandry"), tres obras de repertorio ("Fancy Free", "Clear" y "Symphony in C") y variados Pas de Deux, no es de extrañar que el teatro estuviera lleno en casi todas las funciones, aunque se hizo notar la ausencia de algunas de las principales estrellas regulares de la compañía.

Sobre los estrenos, "Sin and Tonic", el primero de la temporada, es una nueva composición de James Kudelka, actual director del Ballet Nacional de Canadá y poseedor de un currículum impecable en ese campo. La obra está montada sobre el "Concierto para Volín" de Edgar Meyer (ese día fue interpretado por la violinista Bonnie Terry Warner), y cuenta con vestuario de Scott Zelinski. "Sin and Tonic" tiene un texto escondido que resulta ser complicado y que el público debe discernir por su cuenta: Una pareja, Julie Kent y Marcelo Gomes, se encuentran fortuitamente y son inducidos al amor por un Cupido habilidoso y romántico, que además, llevaba sobre la espalda unas alas que fueron motivo de risa para el público menos sofisticado.

Este personaje le dio oportunidad a su intérprete, ese dinamo humano que se llama Ángel Corella, a girar vertiginosamente como muy pocos pueden hacerlo, y a elevarse por los aires como si estuviera en su morada natural, mientras trataba de unir a los presuntos amantes. Hay otros dos personajes identificados con el título de la obra, a cargo de Carlos López y el recién llegado Craig Salstein, que personifican a un par de traviesos sátiros responsables también por la coreografía más estelar y sobre quienes recae la desagradable tarea de desunir a los amantes, aparte de bailar magníficamente. Aparecen además otras cinco figuras masculinas, lúgubres en sus atavíos de color negro, Julio Bragado Young, David Hallberg, Carlos Molina, Dartanion Reed y Ricardo Torres, que el programa describe como La Pared, y se mueven con la lentitud de una cinta fílmica rodada en cámara lenta. En resumidas cuentas, "Sin and Tonic" es una pieza con insinuaciones de ballet, pero enfrascada en problemas psicológicos de resoluciones violentas, que termina con una silenciosa bofetada que la Kent planta en la cara de Gomes. Con esto, se apagan los reflectores y cae el telón.

"Within You Without You: a tribute to George Harrison", el llamado Beatle silencioso, es el sugestivo título que los coreógrafos Stanton Welch, Ann Reinking, NatalieWeir y David Parsons concertaron para entregar al magnífico reparto –vestidos por Catherine Zuber–, rutinas trémulas y vertiginosas que de pronto cambian a pura ensoñación amorosa. Para ello usaron las composiciones de Harrison y de los otros miembros del fabuloso cuarteto durante la era de sus mayores triunfos.

En solos, dúos, tríos y conjuntos de todos los tamaños, ya fuera en estilo "funky", "rock’n roll", "hip.hop", o como simples actos de acrobacia, ya que hubo pocas muestras de ballet en su más puro estado, los que más se destacaron fueron, sin duda alguna, Ángel Corella, Joaquín De Luz, Herman Cornejo y la pareja formada por Sandra Brown y José Manuel Carreño. La excelencia de las técnicas individuales de estos portentosos bailarines ha servido para darle la pauta al coreógrafo para idear una pieza de gran intensidad, muy "a lo Broadway". No obstante, se utilizan algunos movimientos demasiado vulgares que no lucen bien ni en lo moderno, y mucho menos en una compañía de ballet. Al final, sin convertirlo en melodrama, la cara de Harrison se proyecta sobre el telón de fondo, para ser saludada por Julie Kent con un gesto sencillo de la mano: un simple tributo de afecto al Beatle menos famoso que, donde quiera que ahora se encuentre, debe haber recibido con extrema simpatía.

Las melosas inspiraciones de Richard Rodgers han dominado las ondas sonoras y los corazones de los estadounidenses desde la tercera década del siglo XX. En esta instancia, unidas a las galas que se llevan a cabo en todo el país para celebrar el centenario de su nacimiento, el coreógrafo Lar Lubovitch concertó una serie de danzas al estilo de bailes de salón que ha titulado "…smile with my heart". Un grupo de seis bailarines en parejas que, a través de sus movimientos, entregan al público las palabras que no se vocalizan de las más gustadas composiciones de Rodgers. El acompañamiento musical, compuesto por un sexteto formado por tres violonchelos, flauta, oboe y piano, fue situado en una plataforma sobre el escenario, y los arreglos musicales sonaron a música de cámara. El vestuario de Ann Whitley es contemporáneo, lo cual permite situar a los bailarines en una era indefinida. No obstante, el resultado es agradable y elegante, y las parejas en cuestión, Sandra Brown y Marcelo Gomes (en un "My Funny Valentine" para la historia), Erica Cornejo y Ángel Corella (tan deliciosos como "The Sweetest Sounds"), al igual que Elisabeth Gaither con Ethan Stiefel (quienes recuerdan momentos idos en "Where or When"), llevaron el montaje a una feliz realización. No en balde los asistentes no solo aplaudieron a rabiar, sino que al final se hicieron oír varios bravos estruendosos. Charles Barker, David Lamarche y Ormsby Wilkins se intercambiaron la batuta durante el curso de la temporada.

TANGO A MEDIA LUZ
Lección de tango
Por Martiza Gueler (USA)

Desde el gran "boom" del tango en los Estados Unidos -a principios de los ’80 con el espectáculo "Tango Argentino"-, pocos, o mejor dicho, casi nadie, osó escaparse de la veta comercial de este tipo de propuesta. La taquilla cerraba con "localidades agotadas" y cifras atractivas para los productores. Cambiar el repertorio frente a un público totalmente embriagado por la sensualidad de esta danza implicaba e implica aún hoy, un riesgo que pocos empresarios están dispuestos a correr. Ahondar en las raíces más profundas del tango y, como consecuencia, de las danzas tradicionales argentinas, representa un gran desafío a la hora de pensar en las cifras.

Pampa Cortés, reconocido bailarín y gran maestro de tango y folklore, cuya experiencia se remonta a la época de los grandes maestros de la danza argentina como Santiago Ayala "El Chúcaro", Mario Machaco y hasta el mismísimo Juan Carlos Copes, supo encontrar esta síntesis con acabado estilo. "¡Argentina! Tango y malambos" es una conjunción delicada y respetuosa donde se funden el tango y el folklore de manera inteligente y atractiva. Cada una de las danzas se instala en el escenario con su carácter distintivo, con su encanto y su diafanidad.

El espectáculo, dividido en dos partes, hace un recorrido histórico sutil por las diferentes etapas por las que transitó el tango y también, por los ritmos tradicionales que aún hoy, prevalecen en el interior del país. Bellas danzas, poco conocidas en el exterior -también en el propio país, dada la desvinculación de las nuevas generaciones con el folklore-, muestran a un grupo de bailarines entrenado para abordar diferentes géneros. Cortés diagramó un show que comienza con una escena en la que un gaucho desarrolla las frases de un malambo para luego transformarse en un compadrito que baila el tango. Un símbolo interesante e ingenioso para introducir al espectador en los orígenes de las danzas argentinas. Así comienza una sucesión de escenas, algunas con cierta ambientación y secuencias semi teatrales, que permiten pintar el espíritu de la sociedad de la época. Otras, en cambio, están dedicadas específicamente a la danza, sin metáforas ni simbolismos.

Por allí desfilan las milongas del 1900 y los estilos tangueros que evolucionaron a través de las diferentes décadas entre los años ’20 y los ’40; épocas en las que el tango tuvo su evolución desde el punto de vista musical y, al mismo tiempo, fue ganando mercados internacionales para, luego, caer en un misterioso ostracismo. Escenas de conjunto, parejas de baile y trabajos individuales, permiten advertir diferentes estilos. Sabio maestro de ceremonias, director del espectáculo y coreógrafo de los trabajos grupales, Cortés permite el lucimiento de cada uno de sus bailarines, enaltece su trabajo y sus habilidades y logra un espectáculo armónico, equilibrado, con toques de humor y un espíritu muy especial.

Las parejas formadas por Fabián y Marión Acosta, Gastón Cena y Gloria Otero, Claudio Otero y Elizabeth Rochella y Alde Sarmiento y Lisette Perelle, se inclinan hacia un tango más acrobático y efectista que apela más al llamado "tango fantasía". No obstante, Pampa y Valeria Cortés, optan por un estilo más sobrio, profundo, masticado desde la esencia original del tango. La sensualidad de esta danza está puesta a partir de la forma en que Cortés lleva a su compañera, la deja lucir como bailarina en todo su esplendor femenino, mientras cumple el magnífico rol del "varón" en el más puro lenguaje del tango.

En la primera parte de "¡Argentina! Tango y Malambos", el director introduce una fantástica e irónica presentación: tres bailarinas americanas expertas en boleadoras. Demostración de habilidad y destreza que sólo era privativa de los hombres de las pampas argentinas durante el siglo XIX. Una bella zamba bailada por Pampa Cortés y Gloria Otero muestra la delicada sensualidad de los bailes tradicionales. Un contrapunto de malambo (zapateado) pone en juego la destreza de los bailarines y la pureza del estilo. En el final de la primera parte, Cortés plantea una coreografía grupal basada en "La Cumparsita", famosa partitura escrita por Gerardo Matos Rodríguez en 1917. Los bailarines inician sus movimientos sin tocarse, con desplazamientos "canyengues" y minuciosos, para luego lanzarse en una atractiva rueda de habilidades. Interesante despliegue coreográfico.

Malambo de danzas, malambo de poncho (realizado con habilidad y gracia por Gloria Otero), malambo de bombos y malambo de boleadoras, inician la segunda parte de este espectáculo que incluye una gran diversidad de elementos. El virtuosismo de Guillermo Gomez ("Forever Tango" y "Malambo") en su malambo acompañado por el guitarrista Enrique Coria, marcó otro punto atractivo de este espectáculo. En el final, Cortés da paso a cada una de las parejas a través de propuestas musicales más renovadoras, lideradas por música de Astor Piazzolla, el célebre Horacio Salgán y Lalo Schiffrin. "La era moderna del tango y el folklore", tal como la denomina el director en el programa de mano, es una magnífica síntesis de la evolución del tango. La iluminación, sobria, sin efectos especiales ni trampas escénicas, permite que la danza y los bailarines sean los protagonistas de este espectáculo que bien merece una larga temporada en los teatros de la ciudad.