Aquellos viejos tiempos
Por Zenón Barrón (USA) *

Existe una evolución constante en la danza mexicana. No obstante, la búsqueda de las raíces dentro de las danzas prehispánicas y mestizas se hace inevitable, especialmente porque aportan una gama importante de colorido y tradición. Estos elementos conforman una historia teatral y permiten observar diferentes formas de ejecución. Se puede hablar de la combinación de dos mundos diferentes, el nuevo y el viejo. Esa mixtura y transformación que se produce cuando los coreógrafos intentan llevarla a escena, hace que la danza mexicana esté en un cambio permanente tanto dentro de México como en el mundo.

La conjugación de los diferentes estilos indígenas y mestizos da como resultado una forma de baile ritual, teatral y popular que deja en evidencia la fusión entre las influencias europeas y orientales que permitieron llegar a lo que actualmente se conoce como la "Danza Folklórica Mexicana". Cada una de las regiones del país posee su propia tradición y ha generado diferentes tipos de bailes.

Región Totonaca

"La danza de los negritos"
A mediados del siglo XVI, en la población de Papantla, que pertenecía al español Andrés Tapia, había numerosos totonacas y esclavos negros. Cierta vez, una negra que había llegado hasta allí con su único hijo, salió con él hacia el monte en busca de leña. En el trayecto, el niño fue mordido por una serpiente. La madre pidió ayuda y todos acudieron a levantarlo. De acuerdo a las costumbres de sus antepasados, los negros aprisionaron al animal y realizaron una ceremonia alrededor del enfermo. Este tipo de ritos consistían en bailes, gritos, gestos y cantos, en señal de homenaje al paciente y a la madre, quien era la encargada de sostener a la serpiente.

Mientras esto ocurría, los totonacas observaban desde lejos. Cuenta la leyenda que, por tendencia imitativa y por espíritu burlón característico, los totonacas improvisaron una danza remedando ese ritual.

Región de Veracruz

"Un mestizaje profundo, arte, fiesta y modo de ser"
A finales de la época de la Colonia, la integración cultural se hacía evidente en bailes, danzas, canciones, música, leyendas, refranes, vestimentas y festividades pagano-religiosas. Cada región de la intendencia veracruzana fue conformando su propio modo de ser. El mestizaje que ocurrió en la población jarocha fue inevitable, sobre todo en el arte y la música. Los españoles trajeron consigo la vihuela y el arpa, que se combinaron con los instrumentos indígenas como el tambor, la flauta, el teponaxtle y el huehuetl.

La música indígena siguió acompañando las danzas con temas impuestos por la iglesia. Los negros contribuyeron mucho a la formación de la música jarocha, sobre todo, en Sotavento. A fines de la época colonial, el mestizaje indígena, negro y español llegó a producir el tan característico son jarocho. Desde luego, el lazo con España no se había roto y seguía existiendo en la música del huapango de la Huasteca, el son del centro y, posteriormente, en la zanduga del Itsmo.

"Sones Veracruzanos"
Hasta donde se puede precisar, estos sones se remontan a la época de la Colonia y, desde luego, se puede ver la influencia española en su ejecución a través de sus zapateados en tiempos de seguidillas, peteneras y sevillanas. Las evoluciones son también del mismo origen en cuanto a la realización. El hombre sigue a la mujer como cortejándola, y esto hace referencia los sones corrientes, llamados así por los nativos. Los sones, de los que existe una gran variedad, se bailaban en un número ilimitado de personas, con evoluciones de iniciativa individual.

Puebla

"Danza de los quetzales"
Una de las danzas más coloridas del folklore mexicano es la de los quetzales, debido, principalmente, a la vestimenta precolombina que incluye un gran penacho circular adornado con cintas multicolores. El origen de esta danza es incierto, pero se cree que proviene de las altiplanicies del Estado de Puebla y de la región Totonaca. Por tradición, los danzantes forman una cruz que parece estar relacionada con los cuatro puntos cardinales. Por otra parte, el penacho en forma de círculo representa la rotación del tiempo y hace alusión al brillante y colorido plumaje de los quetzales, pájaros exóticos que pertenecen a esta zona. También se especula con la posibilidad de que el nombre de esta danza se refiera a Quetzalan, ciudad donde tradicionalmente se ha bailado.

"Sones y Jarabes antiguos"
Estos Jarabes surgieron en la época de la Colonia cuando la gente improvisaba cantos, versos y pasos de baile. La mayoría de las veces los versos eran muy ingeniosos y en muchas ocasiones llevaban un doble sentido picaresco. Este particular estilo de cantar se hizo muy popular, al punto de extenderse por toda la república.

Aunque en aquellos tiempos estos bailes estaban prohibidos, nunca desaparecieron. Por el contrario, sobrevivieron a ese período, de la misma manera que lo hicieron durante los agitados años de la Revolución y alcanzaron su apogeo durante la Invasión Francesa. Cada uno de estos acontecimientos hizo posible que se crearan nuevas formas de Sones y Jarabes en el Estado de Puebla.

La influencia y la prohibición establecida por los sacerdotes de la época de la Colonia, hizo que las diversas razas indígenas de México modificaran sus ancestrales tradiciones. No obstante, no perdieron su esencia. A pesar de las transformaciones que aún hoy se producen, a partir del fenómeno de la tradición oral, se conservan los pasos, ciertos movimientos y hasta algunas vestimentas de la etapa anterior a la conquista.

Los reyes de Harlem
Por Maritza Gueler (USA)

Después del asesinato de Martin Luther King Jr., Arthur Mitchel y Karel Shook decidieron asumir un compromiso personal con la gente de Harlem (Nueva York), y en 1969 crearon la Dance Theatre of Harlem. La primera compañía, integrada por bailarines negros (African American), basó sus objetivos en la educación y la asistencia comunitaria.

En gira por diversos estados del país, la DTH comenzó su recorrido de este año el 12 de enero en Sacramento y continuará en Los Angeles, Berkeley, Detroit, Philadelphia y Nueva York (ver recuadro). En algunas ciudades presentarán dos programas diferentes que incluyen obras como "Viraa" de Lavee Naidu, "Dialogues", de Glen Tetley, con música de Alberto Ginastera, "Passion of the Blood", de Augustus van Heerden, basada en "Bodas de sangre" de Federico García Lorca y "Return", sobre música de Aretha Franklin, James Brown y otros.

Cuando comenzaba el verano de 1968, la DTH inició sus primeros cursos con sólo 30 alumnos. Las clases se dictaban a puertas abiertas, lo cual permitía a los transeúntes observar el trabajo diario. Al final del verano, la escuela tenía 400 alumnos. Mitchell, decidió dejar su lugar como primer bailarín del New York City Ballet para dedicarse a la tarea de crear un camino alternativo para los niños de Harlem y encender una pasión diferente en la juventud.

Con la intención de cubrir las necesidades particulares de cada escuela o comunidad, Mitchell y Shook desarrollaron el programa "Dancing through Barriers". A través de este proyecto se estableció un plan de conferencias, clases, cursos de formación profesional para docentes, seminarios, ensayos abiertos y espectáculos.

La compañía hizo su debut en 1971 en el Guggenheim Museum de Nueva York y en el Festival de Spoleto, Italia. Aclamado internacionalmente, fue el primer grupo americano que llegó a la ex Unión Sovética como parte de un programa cultural de intercambio gestado desde ese país. Una gira por Moscú, Tbilisi y Leningrado y un recibimiento apoteósico en el teatro del Kirov, convirtieron a esta compañía en una de las más reconocidas en el país donde se forjaron los grandes bailarines del siglo XX.

En 1990 la DTH llegó a romper barreras en el continente africano: fue la primera que actuó en Sudáfrica después de 30 años de censura cultural. Pionera en sus principios sociales y artísticos, embaderada en el estilo neoclásico, la Dance Theatre of Harlem sigue escribiendo nuevos capítulos dentro de la historia de la danza.

Un nuevo flamenco
Por Adrián Ceretti (España)

El "Nuevo ballet Español", dirigido por Ángel Rojas y Carlos Rodríguez está a punto de presentar en Italia, "Furia", una de sus más recientes creaciones. Las funciones se realizarán en el Teatro Comunale Di Ferrara (6 de febrero) y el 7 del mismo mes en el Teatro del Giglio. Este grupo surge como una alternativa renovadora del flamenco en España. Si bien algunos puristas lo juzgan como un producto netamente comercial, otros, en cambio, lo consideran el símbolo de la vanguardia.

Avalada por una ayuda bianual de la Comunidad de Madrid y el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de la nación, la compañía presentó trabajos como Gallo de pelea", "Flamenco directo" y "Furia" que conmocionaron a la audiencia en estos últimos seis años. Rojas y Rodríguez, quienes todavía no han cumplido 30 años, optaron por la fusión entre la tradición y los nuevos tiempos.

La primera coreografía la hicieron a dúo y poco a poco fueron incorporando otros bailarines hasta formar el "Nuevo Ballet Español". Ambos afirman que tratan de recuperar la herencia de los grandes como Carmen Amaya, Pilar López o Antonio, para luego imprimir su sello personal y renovador. Pero al mismo tiempo, intentan diferenciarse de los "nuevos" del flamenco entre los cuales se encuentran Joaquín Cortés, Antonio Canales o "La Yerbabuena".

"Hemos encontrado el punto entre el flamenco, la mezcla y la fusión de ritmos -afirmaron los coreógrafos en una de sus primeras entrevistas-. Nuestro estilo es muy personal. Todos los palos poseen una estructura tradicional pero dentro hay un cóctel molotov. No es flamenco puro, pero tampoco se diluye. Es ahí donde nos diferenciamos de otros grupos".

El grupo Mahera, compuso la partitura y acompaña a los bailarines sobre el escenario. El cuerpo de baile está integrado por Ana Agraz, Mónica Cano, Sergio García, Ricardo López, Esther Esteban, María Vega, Celia Pareja y los directores. En esta coreografía, el "Nuevo Ballet Español"reafirma su intencionalidad estética a través de la escenografía y el vestuario creado por el diseñador Modesto Lomba.

Un espectáculo con una concepción heterogénea que trasciende como un mosaico de coreografías estructuradas en dos bloques de similares características. Trabajos grupales, pequeños conjunto, dúos y solos donde se evidencia un alto nivel técnico forman parte de esta propuesta que se estrenó por primera vez en Madrid en diciembre del 2000. Luego de una gira nacional e internacional por varios países europeos, y de su paso por la Bienal de Venecia en junio del 2001, el "Nuevo Ballet Español" regresa a Italia con sus nuevos aires flamencos.