Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

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El NDT2 presenta en su gira “Left Right Left Right”, de Alexander Ekman. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza de NDT.

El grupo de jóvenes bailarines del Nederlands Dans Theater, el NDT 2, lleva esta primavera por Holanda, un programa muy alegre, reflejando el entusiasmo y el optimismo de la juventud.

Las tres piezas son creaciones de ex bailarines del NDT, quienes más tarde en su trayectoria se lograron destacar como magníficos coreógrafos. “Offspring”, de Lukas Timulak, es una obra que se estrenó hace tres años, justamente en el mismo día del nacimiento de la hija del coreógrafo, como una ironía del destino. La emoción y los temores de convertirse en padre logran expresarse hermosamente en esta danza lírica y fluida. El nuevo elenco de bailarines la interpretó maravillosamente.

En su nueva obra, Johan Inger continúa esforzándose para que los bailarines exploren su identidad artística y se muestren tal como son al aparecer en escena. Si bien su anterior trabajo para el NDT 1 era una especie de boceto más bien gris, esta nueva obra está llena de vida y enternece por su honestidad y su simpleza. La obra contiene canciones de Van Morrison que van de lo sentimental a lo alegre y se titula “I new then”.

La gama de todas esas emociones debe de haber afectado el corazón de los bailarines, quizás porque comparten con otros jóvenes esa hermosa sensación de enamorarse. Los bailarines realizan solos que son como pequeños autorretratos, descubriendo su propio carácter en una especie de búsqueda introspectiva. Astrid Boons se mostró conflictiva, reflejando tal vez un alma desolada, con gestos frenéticos, como queriendo escapar de sus propios recuerdos. Pero lo que se roba la obra es el exquisito dúo de Myrthe van Opstal y Quentin Roger. El se inclina a sus pies, despejándole el camino como en un ritual de apareamiento, el cual termina con los dos mirándose fijamente a los ojos, mientras se van desnudando. Muy absorbido en sí mismo, como un desdichado observador que se ha desilusionado del amor, Spenser Theberge ejecuta un solo casi salvaje, que cautivó a la platea. Exclamando simplemente “oh!”, pero con distintas inflexiones de la voz, refleja sorpresa, vergüenza, resignación y miles de otras emociones hasta que al final, presa del pánico, acaba por pegarse un tiro. El ritmo relajado, fluido y por momentos llenos de “swing” de la obra nunca es predecible y es, además, muy expresivo. Resumiendo, la obra rezuma claridad, transparencia y sobre todo, color y vida.

Pero la pièce de résistance de la velada llegó de la mano de Alexander Ekman, el más joven de los tres coreógrafos y uno de los más requeridos en estos momentos a nivel internacional. No solamente sabe divertir con su chispa sino que también azuza el intelecto y sobre todo, la imaginación. Su nuevo trabajo, “Left Right Left Right”, basado sobre el concepto de movimiento viajero, constituye una experiencia sobrecogedora. Ekman utiliza el cuerpo de los bailarines a modo de instrumentos en su compleja partitura sonora, ya sea desde respirar fuerte hasta gritar, dar pisotones en el suelo, dar palmas y golpearse el cuerpo. A continuación se puede disfrutar de un gracioso vídeo donde aparecen los bailarines haciendo sus piruetas por las calles de La Haya, casi a modo de un flash mob.

Pero la parte más espectacular de la obra es aquella en que los bailarines realizan verdaderas proezas de danza, montados sobre una docena de norias dispuestas diagonalmente. Para esto no sólo se necesita una gran determinación, sino también concentración absoluta para poder caminar, patinar, dar volteretas y subir y bajarse de las norias sincronizadamente como parte de una coreografía creativa e intrincada. Uno contiene la respiración deseando que nadie se lastime y al final no puede hacer otra cosa que quitarse el sombrero en homenaje a esos increíbles bailarines que saben sacar adelante el espectáculo de manera tan magnífica.